포스트 모더니즘 예술은 모더니즘의 일부 측면이나 그 여파로 등장하거나 발전한 측면과 모순되는 예술 운동의 본문이다. 일반적으로 intermedia, 설치 예술, 개념 예술 및 멀티미디어, 특히 비디오와 관련된 움직임은 포스트 모더니즘으로 묘사됩니다.

미술을 포스트 모던에 빌려주는 몇 가지 특징이있다. 여기에는 브리 콜라 제 (bricolage), 중앙 예술적 요소로서의 현저한 표현의 사용, 콜라주, 단순화, 세출, 공연 예술, 현대의 맥락에서의 과거 스타일과 주제의 재활용, 벌금과 벌금과의 장벽 해체 높은 예술 및 낮은 예술 및 대중 문화.

기간의 사용
1950 년대 이래로 제작 된 예술의 주된 용어는 “현대 미술”입니다. 현대 미술이라는 레이블이 붙은 모든 예술이 포스트 모던이라고 할 수는 없으며 광범위한 용어는 근대주의와 근대 근대의 전통에서 계속 작업하는 예술가들과 다른 이유로 포스트 모더니즘을 거부하는 예술가들을 포함합니다. 아서 단토 (Arthur Danto)는 “현대”는 더 넓은 용어이고 포스트 모던의 대상은 현대 운동의 “하위 분야”를 대표한다고 주장한다. 일부 포스트 모던 시대의 예술가들은 현대 미술의 개념과 더 많은 단절을했으며 “후기 현대”와 “포스트 모던”은 무엇인지에 대한 합의가 이루어지지 않았다. 현대 심미안에 의해 거부 된 아이디어는 다시 확립되었습니다. 회화에서 포스트 모더니즘은 재현을 재 도입했다. 일부 비평가들은 현재의 포스트 모던 (postmodern) 미술, 즉 최신 전위 예술주의의 많은 부분이 여전히 현대 미술으로 분류되어야한다고 주장한다.

포스트 모더니즘은 현대 미술의 특정 경향을 기술 할뿐만 아니라 현대 미술의 위상을 나타 내기 위해 사용되어왔다. 클레멘트 그린버그 (Clement Greenberg)와 같은 모더니즘의 수호자들과 모더니즘의 “최후의 헐떡 거림”이라고 불리는 펠릭스 와타리 (Félix Guattari)와 같은 근대주의의 근본적인 반대자들은이 입장을 채택했다. 신 보수 주의자 인 힐튼 크레이머 (Hilton Kramer)는 포스트 모더니즘을 “밧줄 끝에 모더니즘을 창조했다”고 묘사하고있다. Jean-François Lyotard는 프레드릭 제임슨 (Fredric Jameson)의 분석에서, 높은 모더니즘 시대와 근본적으로 다른 포스트 모던 적 단계가 있다고 주장하지 않는다. 그 대신, 현대 모더니스트 스타일에 대한 포스트 모던적인 불만은 새로운 모더니즘을 탄생시킨 높은 모더니즘의 실험의 일부입니다. 미학과 예술의 맥락에서 Jean-François Lyotard는 포스트 모더니즘의 주요 철학자입니다.

많은 비평가들은 근대 미술에서 탈근대 예술이 생겨나게합니다. 현대에서 포스트 모더니즘으로의 전환을위한 제안 된 날짜는 유럽에서 1914 년, 미국에서 1962 년 또는 1968 년을 포함합니다. 제임스 엘 킨스 (James Elkins)는 모더니즘에서 포스트 모더니즘으로의 전환에 대한 정확한 연대에 대한 논의에 대해 1960 년대의 토론에서 매너리즘의 정확한 범위와 그것이 르네상스 시대 바로 뒤에서 시작되어야하는지 아니면 나중에 세기에서 시작되어야하는지에 대해 논하고있다. 그는 예술 운동과시기에 관한 이러한 논쟁이 항상 중요하다는 점을 강조합니다. 이는 중요하지 않다고 말하는 것은 아닙니다. 포스트 모더니즘 예술의 시대가 끝난 것은 포스트 모더니즘이라는 단어가 비평가의 공명을 많이 잃어 버린 1980 년대 말로 거슬러 올라 갔고, 예술 관행은 세계화와 뉴미디어의 영향을 다루기 시작했다.

미국의 마르크스주의 철학자 프레드릭 제임슨 (Fredric Jameson)은 삶의 상태와 생산이 예술을 만드는 것을 포함하여 모든 활동에 반영 될 것이라고 주장했다.

Jean Baudrillard는 포스트 모던 적 영감을받은 예술에 중요한 영향을 미치고 새로운 형태의 창조성의 가능성을 강조했습니다. 작가 인 Peter Halley는 그의 일상적인 색상을 “실제 색상의 초 현실화”라고 표현하고 Baudrillard를 영향력으로 인정합니다. Baudrillard 그 자신은, 1984 년부터, 그의 전망 현대 예술에서 공정하게 일관되었고, 포스트 모던 예술은 특히 포스트 Franzois Lyotard가 현대 그림에서 칭찬하고 현대에서 그것의 발전에 주목하는 동안 포스트 2 차 세계 대전 기간의 현대 예술에 열등했다 미술. 20 세기의 주요 여성 예술가들은 근대 철학과 밀접한 관련이있는 프랑스의 정신 분석학 및 여권 론자 이론으로부터 많은 연구 결과가 나왔기 때문에 포스트 모던 예술과 관련이 있습니다.

포스트 모던이라는 용어의 모든 용도와 마찬가지로 그 적용에 대한 비판이 있습니다. 예를 들어 커크 바네도에 (Kirk Varnedoe)는 포스트 모더니즘과 같은 것은 존재하지 않으며 모더니즘의 가능성은 아직 고갈되지 않았다고 말했다. 1980 년대 중반 이후 상대적으로 구체적인 자료와 일반적인 기술을 사용하는 특정 전후 “학교”의 작업을 지정하는 일종의 속기라는 용어의 사용은 획기적 또는 인식 론적 부서로서의 포스트 모더니즘의 이론적 토대가되었지만 여전히 논란이 많습니다.

포스트 모더니즘 예술 정의
포스트 모더니즘은 모더니즘의 동향에서 비롯되고 그에 대항하여 반응하거나 거부하는 움직임을 묘사한다. 모더니즘의 특정 동향에 대한 일반적인 인용은 형식적 순수성, 중간 특이성, 예술을위한 예술성, 진정성, 보편성, 독창성 및 혁명적 또는 반동적 경향, 즉 아방가르드입니다. 그러나 역설은 아마도 포스트 모더니즘이 반응하는 가장 중요한 모더니즘 적 사고 일 것이다. 역설은 Manet이 소개 한 근대주의 기업의 중심이었습니다. Manet의 표현 예술에 대한 다양한 위반은 현실과 표현, 디자인과 표현, 추상화와 현실 등으로 여겨지는 상호 배타성을 두드러지게 만들었다. 역설의 결합은 Manet에서 개념 주의자들에게 매우 자극적이었습니다.

아방가르드의 지위는 논란의 여지가있다. 많은 기관들은 미래 지향적이고 미래 지향적이며 최첨단이며 진보적 인 존재가 현재 예술의 사명에 결정적이라고 주장한다. 따라서 포스트 모던 예술은 “시대의 예술”의 가치와 모순된다 “. 포스트 모더니즘은 예술 자체의 진보 또는 진보의 개념을 거부하며, 따라서 전위 예술의 신화를 뒤집는 것을 목표로한다. Rosalind Krauss는 전위주의가 끝났다는 시각에서 중요한 발언자 중 하나였으며 새로운 예술 시대는 자유주의와 진보 이후였다. 그리 셀다 폴락 (Griselda Pollock)은 포스트 모던 예술을 재정의하는 동시에 현대 미술을 검토하면서 일련의 획기적인 책에서 전위적이고 현대적인 예술을 연구하고 직면했다.

포스트 모더니즘 예술의 한 특징은 산업재와 대중 문화 이미지의 사용을 통한 고 문화와 저 문화의 융합이다. 낮은 형식의 예술의 사용은 Kirk Varnedoe와 Adam Gopnik의 1990-91 년 쇼 High and Low 쇼 : New York 현대 미술관의 대중 문화와 현대 미술에서 보듯이 모더니스트 실험의 한 부분이었습니다. 더글러스 크림프 (Douglas Crimp)와 힐튼 크레이머 (Hilton Kramer)를 경멸의 합창으로 불러 모을 수있는 유일한 이벤트로 당시에 막을 내 렸습니다. 포스트 모더니즘 예술은 훌륭하거나 높은 예술로 인식되는 것와 일반적으로 저조한 또는 키치 예술으로 보이는 것 사이의 구별을 모호하게 만드는 방식으로 유명합니다. 모던리즘 동안 낮은 예술과 함께 ‘흐릿하게하는’또는 ‘융합 된’하이 아트라는 개념이 실험되었지만 포스트 모던 시대의 출현 이후에는 완전히 인정 받았다. 포스트 모더니즘은 예술적 맥락에서 상업주의, 키치 및 일반 수용소 미학의 요소를 도입했다. 포스트 모더니즘은 고딕체주의, 르네상스 시대와 바로크 시대와 같은 과거 시대의 스타일을 취해서 해당 예술적 운동에서의 원래 사용을 무시하도록 그들을 혼합합니다. 이러한 요소들은 포스트 모던 예술을 정의하는 공통된 특징이다.

프레드릭 제임슨 (Fredric Jameson)은 포스트 모던 시대의 저작은 자발성과 표현의 직접성에 대한 어떠한 주장도 불식하며, 조각과 불연속 대신에 사용한다는 것을 제안한다. 이 정의에 대하여, 예술과 언어의 찰리 해리슨과 폴 우드 (Paul Harrison)와 폴 우드 (Paul Wood)는 근본주의를 유지했으며 불연속은 모더니스트 예술에 특유의 것이고 마네 (Manet)와 피카소 (Picasso) 같은 현대 미술가들에 의해 효과적으로 배치된다.

하나의 압축 된 정의는 포스트 모더니즘이다. 예술의 방향에 대한 모더니즘의 웅장한 이야기를 거부하고, 높고 낮은 형태의 예술 사이의 경계를 없애고, 충돌, 콜라주, 파편화로 장르의 관습을 혼란스럽게 만든다. 포스트 모더니즘 예술은 모든 자세가 불안정하고 성실하지 못해서 아이러니, 패러디, 유머가 유일한 비판이나 개정이 전복 할 수 없다. “다원주의와 다양성”은 다른 정의 특징입니다.

아방가르드 전구체
영향력 있고 잠재적으로 포스트 모더니즘에 대한 선구자로 여겨지는 급진적 인 움직임과 추세는 제 1 차 세계 대전과 특히 여파로 드러났다. 큐비즘, 다다, 초현실주의와 같은 전위 예술 운동은 예술에 산업 공예품을 사용하고 콜라주와 같은 기법을 도입함에 따라 예술의 본질과 가치에 의문을 제기했습니다. 영화와 재현의 등장과 같은 새로운 예술 형식은 이러한 움직임을 예술 작품을 만드는 수단으로 사용했습니다. 1939 년 파르티잔 리뷰 (Partisan Review)에서 처음 출판 된 클레멘트 그린버그의 에세이 인 아방가르드와 키치 (Avant-Garde and Kitsch)의 모더니즘 정의에 대한 발화 시점은 대중 문화에 직면하여 전위를 방어합니다. 나중에 Peter Bürger는 역사적인 전위와 모더니즘을 구별하고, Bürger를 따르는 Krauss, Huyssen, Douglas Crimp와 같은 비평가들은 포스트 모더니즘의 선구자로서 역사 전위를 확인했다. 예를 들어 크라우스는 파블로 피카소 (Pablo Picasso)가 자서전을 희생하여 언어에 중점을 둔 포스트 모던 예술을 기대하는 전위적인 방식으로 콜라주를 사용한다고 설명합니다. 또 다른 관점은 아방가르드와 모더니스트 예술가들이 비슷한 전략을 사용했고 포스트 모더니즘은 두 가지를 거부했다.

다다이즘
20 세기 초 마르셀 뒤샹 (Marcel Duchamp)은 소변을 조각품으로 전시했습니다. 그의 요점은 사람들이 소변을 마치 예술 작품이라고 말했기 때문에 마치 예술 작품처럼 보이게하는 것이 었습니다. 그는 그의 작품을 “Readymades”라고 불렀습니다. 분수대는 1917 년에 예술계에 충격을 주었던 가명 R. Mutt와 서명 한 소변기였습니다.이 Duchamp의 다른 작품들은 일반적으로 Dada로 분류되어 있습니다. 뒤샹은 개념 예술의 전조로 볼 수 있습니다. 일부 비평가들은 역설에 대한 강박 관념이 잘 알려진 포스트 모더 니스트 인 Duchamp를 그가 특정 매체를 삼가라고 부름으로써 질문한다. 역설적 인 것은 역설적인데, 이는 마네의 회화에서 처음 나온 것이지만 매체 특유의 것이 아니기 때문이다.

다다이즘은 초현실주의, 미래주의, 추상 표현주의와 함께 기존 스타일과 형식에 도전하려는 모더니스트 성향의 일부로 볼 수 있습니다. 연대 기적 관점에서 Dada는 모더니즘 내에서 견고하게 자리 잡고 있지만, 많은 비평가들은 포스트 모더니즘을 기대하고 있지만, Ihab Hassan과 Steven Connor 같은 사람들은 모더니즘과 포스트 모더니즘 사이의 전환점으로 여길 수 있다고 생각한다. 예를 들어 맥에 빌리 (McEvilly)에 따르면 포스트 모더니즘은 더 이상 진화론에 대한 믿음을 깨닫지 못하고 있음을 깨닫는 것으로 시작한다. 뒤샹은 1914 년 모더니스트 실무에서 포스트 모더니즘 실천으로 바뀌었을 때 이것을 느꼈다. “미적 감각, 탁월한 야망, 미학적 인 무관심, 평범한 세계에 대한 인정, 발견 된 대상 또는 레디 메이드에 찬성하여 공식적인 민첩성을 시위하도록 강요하십시오. ”

현대 미술의 급진적 인 움직임
일반적으로 팝 아트와 미니멀리즘은 모더니스트 운동으로 시작되었다. 1970 년대 초 형식주의와 반 형식주의 사이의 패러다임 변화와 철학적 분리가 그 운동을 선구자 또는 과도기적 포스트 모던 예술로 여겼다. 포스트 모더니즘 예술에 영향력있는 것으로 언급 된 다른 현대 운동은 개념 예술이며 조립, 몽타주, 브리 콜라주 및 세출과 같은 기법의 사용이다.

잭슨 폴락과 추상적 표현주의
1940 년대 후반과 1950 년대 초, 폴락의 급진적 인 접근 방식은 그를 따르는 모든 현대 미술의 잠재력에 혁명을 일으켰습니다. Pollock은 예술 작품 제작에 대한 여정이 예술 작품만큼이나 중요하다는 것을 깨달았습니다. 파블로 피카소 (Pablo Picasso)의 큐비즘과 조각품을 통해 세기의 전환기에 접어 든 그림과 조각의 혁신적인 개혁과 마찬가지로 폴록 (Pollock)도 세기 중반의 예술 작품을 재정의했습니다. 폴록의 이젤 페인팅과 컨벤션에서의 움직임은 동시대의 예술가들과 예술가들을 해방 시켰습니다. 그들은 폴록의 과정, 즉 예술 작품, 산업 자재, 이미지, 비 이미지, 페인트의 선형 사슬 던지기, 물방울, 드로잉, 얼룩짐, 솔질 등을 사용하여 바닥에서 작업하고, 풀리지 않은 원시 캔버스를 4면에서 모두 실현했습니다. 경계. 추상 표현주의는 새로운 예술 작품 창작을 위해 예술가가 사용할 수 있었던 정의와 가능성을 확장하고 발전 시켰습니다. 어떤 점에서 Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt 및 다른 사람들의 혁신은 작품을 팔로우하는 다양성과 범위에 대한 수문을 열었습니다.

추상적 표현주의 이후
1950 년대와 1960 년대의 추상적 인 회화에서 하드 에지 (hard-edge) 그림과 프랭크 스텔라 (Frank Stella)와 같은 기하학적 추상화와 같은 새로운 방향이 등장했다. 추상적 표현주의의 주체주의에 대한 반응이 예술가 스튜디오와 급진적 인 전위 가르키는 동그라미. Clement Greenberg는 포스트 페인 티드 추상화의 목소리가되었습니다. 1964 년 미국 전역의 중요한 미술관을 둘러 본 새로운 그림의 영향력있는 전시회를 큐레이팅하여 색칠, 하드 에지 페인팅 및 서정적 추상화가 급진적 인 새로운 방향으로 등장했습니다.

1960 년대 후반, 포스트 미니멀리즘, 프로세스 아트 및 아르테 포 베라는 또한 서정적 추상화와 포스트 미니멀주의 운동, 그리고 초기 개념 미술을 통해 회화와 조각을 포함하는 혁명적 개념과 운동으로 부상했습니다. 폴락에서 영감을 얻은 프로세스 아트는 스타일, 내용, 소재, 배치, 시간 감각, 플라스틱 및 실제 공간의 다양한 백과 사전을 실험하고 사용합니다. 낸시 그레이브스, 로널드 데이비스, 하워드 호지 킨, 래리 포스, Jannis Kounellis, 브리스니스 마담, 브루스 나우만, 리차드 터틀, 알란 사렛, 월터 다비 Bannard, 린다 Benglis, 댄 Christensen, 래리 Zox, 로니 Landfield, 에바 헤세, 키이스 Sonnier, 리처드 Serra, Sam Gilliam, Mario Merz, Peter Reginato, Lee Lozano는 1960 년대 후반 예술의 전성기를 창출하는 후기 근대주의 시대에 신흥 예술가 중 일부였습니다.

공연 예술과 사건
1950 년대 후반과 1960 년대 후반에 광범위한 관심사를 가진 예술가들이 현대 미술의 경계를 넓히기 시작했습니다. 뉴욕의 Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman 및 Yoko Ono는 공연 예술 작품의 선구자였습니다. 줄리안 벡 (Julian Beck)과 주디스 말리 나 (Juith Malina)의 리빙 극장 (Living Theatre)과 같은 그룹은 조각가와 화가가 협력하여 환경을 만들어 냈습니다. 관객과 출연자 사이의 관계를 근본적으로 바꾸어 놓았습니다. Judson Dance Theater는 뉴욕의 Judson Memorial Church에 있으며 Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton 등이 아티스트 Robert Morris와 공동 작업했습니다. , Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg 및 Billy Klüver와 같은 엔지니어가 있습니다. 이러한 퍼포먼스는 흔히 관객 참여로 조각, 춤, 음악 또는 사운드를 결합하여 새로운 예술 형식을 창안하기 위해 고안되었습니다. 미니멀리즘의 재현 철학, 추상적 인 표현주의의 자발적인 즉흥 연주, 표현력은 작품의 특징이었다.

같은 기간, 1950 년대 후반부터 1960 년대 중반까지 다양한 아방가르드 예술가들이 Happenings을 창작했습니다. 사건은 신비스럽고 때로는 자발적이고 비공식적 인 예술가들과 그들의 친구 및 친척들로 구성된 다양한 장소에서 모였습니다. 부조리, 신체 운동, 의상, 자발적인 누드, 다양한 무작위로 보이는 운동과 겉으로보기에는 단절된 행동으로 연습을 통합하는 경우가 많습니다. 백남준, 늑대 보스텔, 클레 스 올덴 부르크, 짐 다인, 레드 그룸, 로버트 휘트먼 등이 Happenings의 주목할만한 창작자였다.

조립 예술
추상 표현주의와 관련하여 예술품 소재가 결합 된 제조 품목이 출현하여 이전의 회화 및 조각 협약에서 벗어났습니다. 1950 년대 팝 아트와 설치 예술의 선구자였던 로버트 라우스 첸 버그 (Robert Rauschenberg)의 작품은 박제 된 동물, 새, 상업 사진 등 거대한 물리적 인 물체의 집합을 이용하여이 미술 트렌드를 예증했습니다.

레오 스타 인버그는 1969 년에 포스트 모더니즘이라는 용어를 사용하여 Rauschenberg의 “평판 형”사진 평면을 묘사하며, 선사 시대와 근대주의의 회화 영역과 호환되지 않는 다양한 문화 이미지와 유물을 포함합니다. Craig Owens는 Steinberg의 관점에서 “자연에서 문화로의 전환”이 아닌 Rauschenberg의 작업의 중요성을 확인하면서 야당을 수락 할 수 없다는 것을 증명하는 것으로 나아갑니다.

Steven Best와 Douglas Kellner는 모더니즘과 포스트 모더니즘 사이의 마르셀 뒤샹 (Marcel Duchamp)의 영향을받은 과도기적 단계의 일부로 Rauschenberg와 Jasper Johns를 확인합니다. 이 예술가들은 높은 모더니즘의 추상화와 회화 적 제스처를 유지하면서 일반 작품이나 작품 자체의 이미지를 사용했습니다.

Anselm Kiefer는 자신의 작품에서 조립 요소를 사용하고, 한 번은 그림에서 낚시 보트의 활을 특색으로 삼았습니다.

팝 아트
Lawrence Alloway는 제 2 차 세계 대전 시대의 소비주의를 기리는 그림을 묘사 할 때 “팝아트”라는 용어를 사용했습니다. 이 운동은 대량 표현 시대의 물질적 소비 문화, 광고 및 도상을 묘사하고 종종 경축하는 예술에 찬성하여 추상적 표현주의와 해석 학적 및 심리적 내부에 대한 초점을 거부했다. David Hockney의 초기 작품과 Richard Hamilton, John McHale, Eduardo Paolozzi의 작품은이 운동에서 가장 중요한 사례로 간주되었습니다. 후기 미국의 사례에는 Andy Warhol과 Roy Lichtenstein의 경력과 Benday 도트의 상업적 재현에 사용 된 기법이 포함되어 있습니다. Duchamp의 급진적 인 작품, 반항적 인 Dadaist와 유머 감각이 뚜렷한 관계가 있습니다. Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein 및 기타와 같은 팝 아티스트가 있습니다.

Thomas McEvilly는 데이비드 히키 (David Hickey)는 시각 예술 분야의 포스트 모더니즘은 포스트 모더니즘이 시각 예술에서 지배적 인 태도가되기까지는 약 20 년이 걸렸지 만 1962 년 팝 아트의 첫 번째 전시회에서 시작되었다고 전했다. Fredric Jameson 역시 팝 아트를 포스트 모더니즘으로 간주합니다.

팝 아트가 포스트 모던이라는 한 가지 방법은 예술과 대중 문화 사이에서 Andreas Huyssen이 “위대한 분열”이라고 부르는 것입니다. 포스트 모더니즘은 “높은 모더니즘의 범주 적 확실성에 대한 세대간의 거부”에서 나온다.

플럭서스
Fluxus는 1962 년 George Maciunas (1931-78)가 리투아니아 태생의 미국 예술가에 의해 선정되었고 느슨하게 조직되었습니다. 플럭서스 (Fluxus)는 뉴욕시의 사회 연구를위한 뉴 스쿨 (New School for Social Research)에서 존 케이지 (John Cage)의 1957 ~ 1959 실험 작곡 수업을 시작합니다. 그의 많은 학생들은 음악에 대한 배경이 거의 또는 전혀없는 다른 미디어에서 일하는 예술가였습니다. Cage의 학생들은 Fluxus 창립 멤버 Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht 및 Dick Higgins를 포함했습니다. 1962 년 Fluxus는 Wiesbaden의 FESSPLELE INTEREST Festspiele Neuester Musik, George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, 백남준 등에서 시작되었습니다. 그리고 1963 년 : George Maciunas, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, 백남준, Ben Patterson, Emmett Williams 및 다른 사람들과 함께 뒤셀도르프의 Festum Fluxorum Fluxus에서.

플럭서스는 자신에게 미적이면서도 단순성을 높이는 것을 권장했습니다. 그 이전의 Dada와 마찬가지로 Fluxus는 예술가 중심의 창의적 관행에 찬성하여 기존의 시장 주도 예술 세계를 비판하면서 반독리주의와 반 예술 감성의 강력한 현재를 포함했습니다. Fluxus 아티스트는 현재 보유하고있는 자료가 무엇이든 상관없이 자신의 작품을 만들거나 동료와 함께 제작 과정에서 공동 작업하는 것을 선호했습니다.

Fluxus는 Rauschenberg, Johns, Warhol 및 Situationist International과 함께 포스트 모더니즘의 첫 번째 단계의 일부로 볼 수 있습니다. 안드레아스 위센 (Andreas Huyssen)은 포스트 모더니즘에 대한 플럭서스의 주장을 “포스트 모더니즘의 마스터 코드 또는 궁극적으로 표현할 수없는 예술 운동으로 – 포스트 모더니즘의 숭고한 것”이라고 비판한다. 대신 Fluxus는 전위 적 전통 안에서 네오 다다이스트의 주요 현상으로 간주됩니다. 그것은 냉전 시대의 이데올로기 적 소품으로 작용했던 온건하고 길들여 진 모더니즘이 1950 년대의 관리 문화였던 것에 반발을 불러 일으켰지 만 예술적 전략 개발에있어서 큰 발전을 의미하지는 않는다.

미니멀리즘
1960 년대 초 미니멀리즘은 관계 적, 주관적 그림, 추상적 표현주의 표면의 복잡성, 정서적 정신 운동가와 논쟁을 거부 한 예술에서의 추상적 운동 (Malevich, Bauhaus 및 Mondrian을 통한 기하학적 추상화에 뿌리를 내림)으로 나타났습니다. 액션 페인팅의 무대에 존재한다. 미니멀리즘은 극단적 인 단순함이 아트가 요구하는 숭고한 표현을 포착 할 수 있다고 주장했다. 프랭크 스텔라 (Frank Stella)와 같은 화가와 관련된 회화의 미니멀리즘은 다른 영역과는 반대로 모더니스트 운동이며 문맥에 따라 포스트 모던 운동의 전조로 해석 될 수 있습니다.

할 포스터 (Hal Foster)는 미니멀리즘의 핵심 주제 인 도널드 저드 (Donald Judd)와 로버트 모리스 (Robert Morris)가 그린버그 모더니즘을 그린 미니멀리즘의 정의에서 인정하고 초과하는 정도를 검토한다. 그는 미니멀리즘은 모더니즘의 “막 다른 골목”이 아니라 “오늘 날 정교화되는 포스트 모던 관행으로의 패러다임 변화”라고 주장했다.

포스트 미니멀리즘
로버트 핀 커스 – 위 텐 (Robert Pincus-Witten)은 미니멀리즘을 거부 한 내용과 문맥상의 배음이있는 미니멀리스트 파생 예술을 기술하기 위해 1977 년 포스트 미니멀리즘이라는 용어를 만들었다. 그의 용어는 1966 ~ 1976 년의 기간을 다루며 Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra와 이전 미니멀리스트 Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt, Barry Le Va 등의 연구에 적용되었습니다. 프로세스 예술과 반 – 형식 예술은이 작품을 묘사하는 다른 용어로, 그것이 차지하는 공간과 그것이 만들어지는 과정이 결정한다.

Rosalind Krauss는 1968 년 Morris, LeWitt, Smithson, Serra와 같은 예술가들은 논리적 조건이 더 이상 근대 주의자로 묘사 될 수없는 상황에 처했다고 주장했다. 토지 예술과 건축을 포함하는 조각 범주의 확장은 “포스트 모더니즘으로의 전환을 초래했다.”

Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin, John McCracken 등의 미니멀리스트들은 자신의 커리어의 나머지 부분에 대해 근대주의 회화와 조각품을 제작했습니다.

포스트 모더니즘 예술의 움직임

개념 예술
개념 예술은 포스트 모던 (artmodern)으로 분류되기도한다. 왜냐하면 예술 작품을 만드는 예술의 해체에 명시 적으로 관여하기 때문이다. 개념 예술은 자주 그것을 직면하는 많은 사람들에 의해 개최 개념을 직면, 불쾌하거나 공격하도록 설계 되었기 때문에, 특정 논쟁으로 간주됩니다.

개념 예술의 선구자로는 음악이 “청취자가 듣는 환경의 소리”라고 불리는 Duchamp, John Cage의 4’33 “작품과 Rauschenberg의 Erased De Kooning Drawing이 있습니다. 개념 작품은 작품 자체의 고유 한 특성이 아닌 대상을 보거나 작품으로 보는 관객이 예술을 창조한다는 입장을 취한다. 따라서 분수대가 전시 되었기 때문에 그것은 조각품이었다.

설치 미술
포스트 모던 (postmodern)이라고 일관되게 묘사 된 예술에서 중요한 일련의 움직임은 설치 미술과 개념 상 유물의 창작을 포함합니다. 예를 들어, “내가 원하는 것에서 보호”와 같은 특정 메시지를 전달하기 위해 예술 장비를 사용하는 Jenny Holzer의 징후가 있습니다. 설치 미술은 제작되고 발견 된 물건의 광대 한 콜라주로 구성된 대형 작품을 보관할 수 있도록 현대 미술 박물관을 위해 선택된 공간을 결정하는 데 중요합니다. 이러한 설치 및 콜라주는 움직이는 부품 및 조명과 함께 종종 전기가 통합니다.

그들은 1961 년에 지어진 베를린 장벽에 대한 시적인 반응이었던 1962 년 6 월 파리, Rue Visconti를 막는 Christo와 Jeanne-Claude의 Iron Curtain, 240 Oil Barrels의 벽과 같은 환경 효과를 창출하기 위해 종종 설계되었습니다.

Lowbrow 예술
로우 브로는 언더 그라운드 코믹스 세계, 펑크 음악, 핫로드 거리 문화 및 기타 캘리포니아 하위 문화의 기원을 가진 대중 포퓰리즘 미술 운동입니다. 또한 팝 초현실주의라는 이름으로 종종 알려져 있습니다. Lowbrow 예술은 “높은”과 “낮은”예술 사이의 구별이 더 이상 인식되지 않는다는 점에서 포스트 모더니즘의 중심 주제를 강조합니다.

행위 예술

디지털 아트
디지털 아트는 디지털 기술을 창의 및 / 또는 프리젠 테이션 프로세스의 필수 부분으로 사용하는 일련의 예술 작품 및 관행을 일컫는 용어입니다. 디지털 기술의 영향으로 페인팅, 드로잉, 조각 및 음악 / 사운드 아트와 같은 활동이 변형되었으며 넷 아트, 디지털 설치 미술 및 가상 현실과 같은 새로운 형식이 예술적 관행으로 인식되었습니다.

크리스천 폴, 프랭크 포퍼, 크리스틴 Buci – Glucksmann, 도미니크 무용, 로버트 C. 모건, 로이 Ascott, 캐서린 페레, 마고 러브 조이, 에드먼 Couchot, 프레드 포레스트와 에드워드 A. Shanken이 분야의 주요 예술 이론가와 역사가를 포함합니다.

인터 미디어 및 멀티미디어
포스트 모던이라는 용어와 관련이있는 예술의 또 다른 경향은 다양한 매체를 함께 사용하는 것이다. Intermedia는 Dick Higgins가 만든 용어로 Fluxus, Concrete Poetry, Founded objects, 퍼포먼스 아트 및 컴퓨터 아트 라인을 따라 새로운 예술 작품을 전달하고자했습니다. 히긴스 (Higgins)는 아티스트 Alison Knowles와 결혼 한 Marcel Duchamp의 추종자 인 Something Else Press의 발행인이었습니다. Ihab Hassan은 “형태의 융합, 영역의 혼란”인 Intermedia를 포스트 모더니즘 예술의 특성에 대한 그의 목록에 포함시킵니다. “멀티미디어 아트”의 가장 일반적인 형태 중 하나는 비디오 아트라고하는 비디오 테이프 및 CRT 모니터를 사용하는 것입니다. 여러 예술을 하나의 예술로 결합하는 이론은 상당히 오래되었고 주기적으로 부흥되었지만 포스트 모던 적 표현은 흔히 극적인 하위 텍스트가 제거 된 퍼포먼스 아트와 결합되어 있으며, 남아있는 것은 예술가의 구체적인 진술이다. 질문 또는 행동의 개념적 진술. Higgin의 Intermedia 개념은 몰입 형 가상 현실, 디지털 아트 및 컴퓨터 아트와 같은 멀티미디어 디지털 관행의 성장과 관련이 있습니다.

텔레마 틱 아트
텔레마 틱 아트는 컴퓨터 매체 통신 네트워크를 매체로 사용하는 예술 프로젝트를 기술합니다. 텔레마 틱 아트는 원격 미적 조우를위한 대화식, 행동 적 상황을 만들어 적극적인 시청자와 수동적 예술 작품 간의 전통적인 관계에 도전합니다. 로이 애스 코트 (Roy Ascott)는 텔레마 틱 (telematic) 예술 형식을 시청자가 활동하는 동안 계속 진행되는 예술 작품을 만드는 활동적인 참여자로 변화시키는 것으로 본다. Ascott은 1978 년 처음으로 온라인에 올라 다른 공동 온라인 프로젝트를 조직 한 이후 텔레마 틱 아트의 이론과 실천의 최전선에 서있었습니다.

세출 및 신 개념 미술
The Allegorical Impulse : Postmodernism의 이론으로, Craig Owens는 포스트 모더니즘 예술의 특성으로서의 우화 적 충동의 재현을 확인한다. 이 충동은 Sherrie Levine과 Robert Longo와 같은 예술가의 세출 예술에서 볼 수 있습니다. 왜냐하면 “우화 적 이미지는 적절한 이미지입니다.” 세출 미술은 예술적 천재성과 독창성에 대한 모더니스트 개념을 깨뜨리고 현대 미술보다 양면성과 모순이며 동시에 이데올로기를 설치하고 파괴한다.

신 표현주의와 회화
Georg Baselitz와 Julian Schnabel과 같은 신 표현주의 예술가들의 작품에서 볼 수있는 1970 년대 말과 1980 년대 초반의 조각과 회화의 전통 예술 형태로의 회귀는 포스트 모더니즘 경향으로 묘사되어 왔고, 포스트 모던 시대에 등장한다. 그러나 상업 미술 시장과의 강력한 연관성은 포스트 모던 운동으로서의 지위와 포스트 모더니즘 자체의 정의에 관해 의문을 제기했다. 할 포스터 (Hal Foster)는 신 표현주의가 미국의 레이건 – 부시 시대의 보수적 인 문화 정치에 연루되었다고 주장한다. 펠릭스 가타리 (Félix Guattari)는 “독일에서의 ‘신 표현주의’라 불리는 대규모 판촉 활동을 무시한다. 포스트 모더니즘이 모더니즘의 마지막 헐떡 거림 일 뿐이라는 것을 증명하기에는 너무 쉬운 방법 “이라고 주장했다. 이러한 신 표현주의에 대한 비판은 화가와 페리니스트 이론가 인 그리 셀다 폴락 (Griselda Pollock)을 포함한 여성 예술가의 개념 예술가와 관행이 현대 예술을 체계적으로 재평가 한 것과 같은시기에 돈과 홍보가 미국에서 현대 미술 세계의 신뢰를 유지함을 보여줍니다. Brian Massumi는 들뢰즈와 가타리가 포스트 모던 시대의 새로운 아름다움 정의의 지평을 열었다 고 주장한다. Jean-François Lyotard의 경우 전위 예술가 시대와 Paul Cézanne와 Wassily Kandinsky의 그림을 그린 뒤에 새로운 예술가 인 Valerio Adami, Daniel Buren, Marcel Duchamp, Bracha Ettinger, Barnett Newman의 그림이 그렸습니다. 현대 미술에서 숭고한 아이디어.

제도적 비판
예술 기관 (주로 박물관과 갤러리)에 대한 비판은 Michael Asher, Marcel Broodthaers, Daniel Buren 및 Hans Haacke의 작업에서 이루어집니다.