A arte pós-moderna é um corpo de movimentos artísticos que procuraram contradizer alguns aspectos do modernismo ou alguns aspectos que surgiram ou se desenvolveram após o surgimento. Em geral, movimentos como intermedia, arte de instalação, arte conceitual e multimídia, particularmente envolvendo vídeo, são descritos como pós-modernos.
Existem várias características que tornam a arte pós-moderna; estes incluem bricolagem, o uso de palavras proeminentes como o elemento artístico central, colagem, simplificação, apropriação, arte performática, a reciclagem de estilos passados e temas em um contexto moderno, bem como a quebra da barreira entre multa e alta arte e baixa arte e cultura popular.
Uso do termo
O termo predominante para a arte produzido desde a década de 1950 é “arte contemporânea”. Nem toda arte rotulada como arte contemporânea é pós-moderna, e o termo mais amplo abrange tanto artistas que continuam a trabalhar em tradições modernistas e modernistas tardias, quanto artistas que rejeitam o pós-modernismo por outras razões. Arthur Danto argumenta que “contemporâneo” é o termo mais amplo, e os objetos pós-modernos representam um “subsetor” do movimento contemporâneo. Alguns artistas pós-modernos fizeram rupturas mais distintas das idéias da arte moderna e não há consenso sobre o que é “moderno tardio” e o que é “pós-moderno”. Idéias rejeitadas pela estética moderna foram restabelecidas. Na pintura, o pós-modernismo reintroduziu a representação. Alguns críticos argumentam que grande parte da atual arte “pós-moderna”, a mais recente vanguarda, ainda deve ser classificada como arte moderna.
Além de descrever certas tendências da arte contemporânea, o pós-moderno também tem sido usado para denotar uma fase da arte moderna. Defensores do modernismo, como Clement Greenberg, assim como os opositores radicais do modernismo, como Félix Guattari, que o chama de “último suspiro” do modernismo, adotaram essa posição. O neoconservador Hilton Kramer descreve o pós-modernismo como “uma criação do modernismo no final de sua ligação”. Jean-François Lyotard, na análise de Fredric Jameson, não sustenta que há um estágio pós-moderno radicalmente diferente do período do alto modernismo; em vez disso, o descontentamento pós-moderno com esse ou aquele alto estilo modernista é parte da experimentação do alto modernismo, dando origem a novos modernismos. No contexto da estética e da arte, Jean-François Lyotard é um grande filósofo do pós-modernismo.
Muitos críticos afirmam que a arte pós-moderna emerge da arte moderna. As datas sugeridas para a mudança do moderno para o pós-moderno incluem 1914 na Europa e 1962 ou 1968 na América. James Elkins, comentando sobre as discussões sobre a data exata da transição do modernismo para o pós-modernismo, compara-a à discussão dos anos 60 sobre a extensão exata do maneirismo e se deveria começar diretamente após a Alta Renascença ou mais tarde no século. Ele argumenta que esses debates acontecem o tempo todo em relação a movimentos e períodos artísticos, o que não quer dizer que não sejam importantes. O fim do período da arte pós-moderna foi datado do final da década de 1980, quando a palavra pós-modernismo perdeu muito de sua ressonância crítica, e as práticas artísticas começaram a abordar o impacto da globalização e das novas mídias.
O filósofo marxista americano Fredric Jameson argumenta que a condição de vida e produção se refletirá em toda atividade, incluindo a produção de arte.
Jean Baudrillard teve uma influência significativa na arte de inspiração pós-moderna e enfatizou as possibilidades de novas formas de criatividade. O artista Peter Halley descreve suas cores diurnas como “hiperrealização da cor real” e reconhece Baudrillard como uma influência. O próprio Baudrillard, desde 1984, era bastante consistente em sua visão da arte contemporânea, e a arte pós-moderna em particular, era inferior à arte modernista do período pós Segunda Guerra Mundial, enquanto Jean-François Lyotard elogiava a pintura contemporânea e comentava sua evolução da Moderna. arte. Os principais artistas femininos do século XX estão associados à arte pós-moderna, já que muitas articulações teóricas de seu trabalho emergiram da psicanálise e da teoria feminista francesas, fortemente relacionada à filosofia pós-moderna.
Como com todos os usos do termo pós-moderno, há críticas à sua aplicação. Kirk Varnedoe, por exemplo, afirmou que não existe tal coisa como pós-modernismo, e que as possibilidades do modernismo ainda não foram esgotadas. Embora o uso do termo como uma espécie de taquigrafia para designar o trabalho de certas “escolas” do pós-guerra, empregando material relativamente específico e técnicas genéricas, tornou-se convencional desde meados da década de 1980, as bases teóricas do pós-modernismo como uma divisão epistêmica ou epistêmica. ainda estão muito em controvérsia.
Definindo arte pós-moderna
O pós-modernismo descreve movimentos dos quais ambos surgem e reagem contra ou rejeitam as tendências do modernismo. As citações gerais para tendências específicas do modernismo são pureza formal, especificidade do meio, arte pela arte, autenticidade, universalidade, originalidade e tendência revolucionária ou reacionária, isto é, a vanguarda. Entretanto, o paradoxo é provavelmente a idéia modernista mais importante contra a qual o pós-modernismo reage. O paradoxo era central para o empreendimento modernista, que Manet introduziu. As várias violações de arte representacional de Manet destacaram a suposta exclusividade mútua entre realidade e representação, design e representação, abstração e realidade, e assim por diante. A incorporação do paradoxo foi altamente estimulante de Manet para os conceitualistas.
O status da vanguarda é controverso: muitas instituições argumentam que ser visionário, voltado para o futuro, inovador e progressista é crucial para a missão da arte no presente, e portanto a arte pós-moderna contradiz o valor da “arte de nossos tempos”. “. O pós-modernismo rejeita a noção de avanço ou progresso na arte per se, e assim pretende derrubar o “mito da vanguarda”. Rosalind Krauss foi um dos enunciadores importantes da visão de que o vanguardismo havia acabado, e a nova era artística é pós-liberal e pós-progresso. Griselda Pollock estudou e confrontou a arte moderna e vanguardista em uma série de livros inovadores, revisando a arte moderna ao mesmo tempo em que redefinia a arte pós-moderna.
Uma característica da arte pós-moderna é sua fusão de alta e baixa cultura através do uso de materiais industriais e imagens da cultura pop. O uso de formas baixas de arte também fez parte da experimentação modernista, como documentado em Kirk Varnedoe e Adam Gopnik, em 1990-91, mostra Alta e Baixa: Cultura Popular e Arte Moderna no Museu de Arte Moderna de Nova York, uma exposição universalmente Na época, o único evento que poderia trazer Douglas Crimp e Hilton Kramer juntos foi um coro de desprezo. A arte pós-moderna é notada pela maneira como ela obscurece as distinções entre o que é percebido como arte fina ou alta e o que geralmente é visto como arte baixa ou kitsch. Embora este conceito de “obscurecer” ou “fundir” a alta arte com a baixa arte tenha sido experimentado durante o modernismo, ele só se tornou plenamente endossado após o advento da era pós-moderna. O pós-modernismo introduziu elementos de mercantilismo, kitsch e uma estética geral do campo dentro de seu contexto artístico; O pós-modernismo toma estilos de períodos passados, como o gótico, o renascimento e o barroco, e os mistura de modo a ignorar seu uso original em seu movimento artístico correspondente. Tais elementos são características comuns do que define a arte pós-moderna.
Fredric Jameson sugere trabalhos pós-modernos sobre qualquer pretensão à espontaneidade e à objetividade da expressão, fazendo uso em vez de pastiche e descontinuidade. Contra essa definição, Charles Harrison e Paul Wood, da Art and Language, mantiveram pastiche e a descontinuidade é endêmica à arte modernista, e é empregada efetivamente por artistas modernos como Manet e Picasso.
Uma definição compacta é que o pós-modernismo rejeita as grandes narrativas de modernismo da direção artística, erradicando as fronteiras entre as formas alta e baixa de arte e interrompendo as convenções do gênero com colisão, colagem e fragmentação. A arte pós-moderna sustenta que todas as posturas são instáveis e insinceras e, portanto, a ironia, a paródia e o humor são as únicas posições que a crítica ou a revisão não podem reverter. “Pluralismo e diversidade” são outras características definidoras.
Precursores de vanguarda
Movimentos e tendências radicais considerados influentes e potencialmente precursores do pós-modernismo surgiram em torno da Primeira Guerra Mundial e, particularmente, em suas conseqüências. Com a introdução do uso de artefatos industriais em arte e técnicas, como a colagem, movimentos de vanguarda, como o cubismo, o dadá e o surrealismo questionaram a natureza e o valor da arte. Novas formas de arte, como o cinema e a ascensão da reprodução, influenciaram esses movimentos como um meio de criar obras de arte. O ponto de ignição para a definição de modernismo, o ensaio de Clement Greenberg, Avant-Garde e Kitsch, publicado pela primeira vez na Partisan Review em 1939, defende a vanguarda em face da cultura popular. Mais tarde, Peter Bürger faria uma distinção entre a vanguarda histórica e o modernismo, e críticos como Krauss, Huyssen e Douglas Crimp, seguindo Bürger, identificaram a vanguarda histórica como precursora do pós-modernismo. Krauss, por exemplo, descreve o uso de colagem de Pablo Picasso como uma prática de vanguarda que antecipa a arte pós-moderna com sua ênfase na linguagem à custa da autobiografia. Outro ponto de vista é o de vanguarda e os artistas modernistas usaram estratégias semelhantes e o pós-modernismo repudia ambos.
dada
No início do século 20, Marcel Duchamp exibiu um mictório como escultura. Seu objetivo era que as pessoas olhassem para o mictório como se fosse uma obra de arte só porque ele disse que era uma obra de arte. Ele se referiu ao seu trabalho como “Readymades”. A Fonte foi um mictório assinado com o pseudônimo R. Mutt, que chocou o mundo da arte em 1917. Este e outros trabalhos de Duchamp são geralmente rotulados como Dada. Duchamp pode ser visto como um precursor da arte conceitual. Alguns críticos questionam que chamar Duchamp – cuja obsessão pelo paradoxo é bem conhecida – é pós-modernista, pois desconsidera qualquer meio específico, já que o paradoxo não é específico do meio, embora tenha surgido primeiro nas pinturas de Manet.
O dadaísmo pode ser visto como parte da propensão modernista de desafiar estilos e formas estabelecidos, juntamente com o Surrealismo, o Futurismo e o Expressionismo Abstrato. Do ponto de vista cronológico, Dada está localizado solidamente dentro do modernismo, no entanto, vários críticos afirmam que ele antecipa o pós-modernismo, enquanto outros, como Ihab Hassan e Steven Connor, o consideram um possível ponto de transição entre o modernismo e o pós-modernismo. Por exemplo, de acordo com McEvilly, o pós-modernismo começa com a percepção de que não acredita mais no mito do progresso, e Duchamp percebeu isso em 1914, quando mudou de uma prática modernista para uma pós-modernista, “renunciando à delícia estética, ambição transcendente e tour de força demonstrações de agilidade formal em favor da indiferença estética, reconhecimento do mundo comum, e o objeto encontrado ou readymade “.
Movimentos radicais na arte moderna
Em geral, Pop Art e Minimalismo começaram como movimentos modernistas: uma mudança de paradigma e uma divisão filosófica entre formalismo e anti-formalismo no início dos anos 1970 fizeram com que esses movimentos fossem vistos por alguns como precursores ou arte pós-moderna de transição. Outros movimentos modernos citados como influentes para a arte pós-moderna são a arte conceitual e o uso de técnicas como assemblage, montagem, bricolage e apropriação.
Jackson Pollock e expressionismo abstrato
Durante o final dos anos 1940 e início dos anos 50, a abordagem radical de Pollock à pintura revolucionou o potencial de toda a arte contemporânea que o seguia. Pollock percebeu que a jornada para fazer uma obra de arte era tão importante quanto a própria obra de arte. Como as reinvenções inovadoras de pintura e escultura de Pablo Picasso perto da virada do século através do cubismo e da escultura construída, Pollock redefiniu o ato de fazer arte em meados do século. O movimento de Pollock de pintura de cavalete e convencionalidade liberou seus artistas contemporâneos e artistas de acompanhamento. Eles perceberam o processo de Pollock – trabalhando no chão, lona crua esticada, de todos os quatro lados, usando materiais artísticos, materiais industriais, imagens, não imagens, lançando meadas lineares de tinta, pingando, desenhando, colorindo limites. O expressionismo abstrato expandiu e desenvolveu as definições e possibilidades que os artistas tinham disponível para a criação de novas obras de arte. De certo modo, as inovações de Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hofmann Hansmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt e outros, abriram as comportas para a diversidade e abrangência das seguintes obras de arte.
Depois do expressionismo abstrato
Na pintura abstrata, durante as décadas de 1950 e 1960, várias novas direções, como a pintura Hard-edge e outras formas de abstração geométrica como a obra de Frank Stella surgiram, como uma reação contra o subjetivismo do expressionismo abstrato começaram a aparecer nos estúdios de artistas e na radical avant. círculos -garde. Clement Greenberg tornou-se a voz da abstração pós-pictórica; curando uma exposição influente de uma nova pintura visitando museus de arte importantes nos Estados Unidos em 1964. A pintura de campo de cor, a pintura hard-edge e a abstração lírica surgiram como novas direções radicais.
No final da década de 1960, o pós-minimalismo, a arte processual e a arte Povera também surgiram como conceitos e movimentos revolucionários que abrangiam a pintura e a escultura, através da abstração lírica e do movimento pós-minimalista, e na arte conceitual primitiva. A arte de processo, inspirada em Pollock, permitiu que os artistas experimentassem e usassem uma enciclopédia diversa de estilo, conteúdo, material, posicionamento, noção de tempo, espaço plástico e real. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam, Mario Merz, Peter Reginato e Lee Lozano, foram alguns dos artistas mais jovens que surgiram durante a era do modernismo tardio, gerando o auge da arte do final dos anos 1960.
Arte de performance e acontecimentos
Durante o final dos anos 1950 e 1960, artistas com uma ampla gama de interesses começaram a empurrar as fronteiras da arte contemporânea. Yves Klein, na França, e Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman e Yoko Ono, em Nova York, foram pioneiras em obras de arte baseadas no desempenho. Grupos como The Living Theatre, com Julian Beck e Judith Malina, colaboraram com escultores e pintores criando ambientes; mudando radicalmente a relação entre público e performer, especialmente em sua peça Paradise Now. O Judson Dance Theatre localizado na Judson Memorial Church, Nova York, e os dançarinos do Judson, notavelmente Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton e outros colaboraram com os artistas Robert Morris. Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg e engenheiros como Billy Klüver. Estas performances foram muitas vezes concebidas para criar uma nova forma de arte, combinando escultura, dança e música ou som, muitas vezes com participação do público. As filosofias redutivas do minimalismo, improvisação espontânea e expressividade do expressionismo abstrato caracterizaram os trabalhos.
Durante o mesmo período – final dos anos 50 até meados dos anos 1960 – vários artistas de vanguarda criaram o Happenings. Acontecimentos foram encontros misteriosos e muitas vezes espontâneos e improvisados de artistas e seus amigos e parentes em vários locais especificados. Muitas vezes incorporando exercícios de absurdo, exercícios físicos, fantasias, nudez espontânea e vários atos aleatórios e aparentemente desconexos. Allan Kaprow, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms e Robert Whitman, entre outros, foram notáveis criadores de Happenings.
Arte Assemblage
Relacionado ao expressionismo abstrato foi o surgimento de itens manufaturados combinados – com materiais de artista, afastando-se de convenções anteriores de pintura e escultura. O trabalho de Robert Rauschenberg, cujas “combinações” na década de 1950 foram precursores da arte pop e instalação, e fez uso do conjunto de grandes objetos físicos, incluindo bichos de pelúcia, pássaros e fotografia comercial, exemplificou essa tendência da arte.
Leo Steinberg usa o termo pós-modernismo em 1969 para descrever o plano plano de “flatbed” de Rauschenberg, contendo uma série de imagens e artefatos culturais que não eram compatíveis com o campo pictórico da pintura pré-modernista e modernista. Craig Owens vai além, identificando o significado do trabalho de Rauschenberg não como uma representação, na visão de Steinberg, da “mudança da natureza para a cultura”, mas como uma demonstração da impossibilidade de aceitar sua oposição.
Steven Best e Douglas Kellner identificam Rauschenberg e Jasper Johns como parte da fase de transição, influenciada por Marcel Duchamp, entre o modernismo e o pós-modernismo. Esses artistas usaram imagens de objetos comuns, ou os próprios objetos, em seu trabalho, enquanto retinham a abstração e os gestos pictóricos do alto modernismo.
Anselm Kiefer também usa elementos de montagem em suas obras e, em uma ocasião, apresentou a proa de um barco de pesca em uma pintura.
Arte pop
Lawrence Alloway usou o termo “Pop art” para descrever pinturas que celebram o consumismo da era pós Segunda Guerra Mundial. Este movimento rejeitou o expressionismo abstrato e seu foco no interior hermenêutico e psicológico, em favor da arte que retratava e muitas vezes celebrava a cultura material de consumo, a propaganda e a iconografia da era da produção em massa. Os primeiros trabalhos de David Hockney e os trabalhos de Richard Hamilton, John McHale e Eduardo Paolozzi foram considerados exemplos seminais no movimento. Enquanto exemplos posteriores americanos incluem a maior parte das carreiras de Andy Warhol e Roy Lichtenstein e seu uso de Benday dots, uma técnica usada na reprodução comercial. Há uma ligação clara entre as obras radicais de Duchamp, o rebelde dadaísta – com senso de humor; e artistas pop como Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein e os outros.
Thomas McEvilly, concordando com Dave Hickey, diz que o pós-modernismo americano nas artes visuais começou com as primeiras exibições de pop art em 1962, “embora demorasse cerca de vinte anos antes que o pós-modernismo se tornasse uma atitude dominante nas artes visuais”. Fredric Jameson também considera a pop art como pós-moderna.
Uma das maneiras pelas quais a pop art é pós-moderna é o que Andreas Huyssen chama de “Great Divide” entre a alta arte e a cultura popular. O pós-modernismo emerge de uma “recusa geracional das certezas categóricas do alto modernismo”.
Fluxus
Fluxus foi nomeado e vagamente organizado em 1962 por George Maciunas (1931-1978), um artista americano nascido na Lituânia. Fluxus traça seus primórdios para as aulas de Composição Experimental de 1957 a 1959 de John Cage na New School for Social Research em Nova York. Muitos de seus alunos eram artistas que trabalhavam em outras mídias com pouco ou nenhum conhecimento musical. Os alunos de Cage incluíam os membros fundadores do Fluxus, Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht e Dick Higgins. Em 1962 na Alemanha, o Fluxus começou com o: FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik em Wiesbaden, com George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik e outros. E em 1963 com o: Festum Fluxorum Fluxus em Düsseldorf, com George Maciunas, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, Nam June Paik, Ben Patterson, Emmett Williams e outros.
Fluxus encorajou a estética do faça você mesmo e valorizou a simplicidade em detrimento da complexidade. Como Dada antes, Fluxus incluía uma corrente forte de anticomercialismo e uma sensibilidade anti-arte, depreciando o mundo da arte convencional orientado pelo mercado em favor de uma prática criativa centrada no artista. Os artistas da Fluxus preferiram trabalhar com qualquer material que estivesse à mão e criaram seu próprio trabalho ou colaboraram no processo de criação com seus colegas.
Fluxus pode ser visto como parte da primeira fase do pós-modernismo, juntamente com Rauschenberg, Johns, Warhol e a Internacional Situacionista. Andreas Huyssen critica as tentativas de reivindicar Fluxus para o pós-modernismo como “ou o código mestre do pós-modernismo ou o movimento de arte em última instância irrepresentável – por assim dizer, o sublime do pós-modernismo”. Em vez disso, ele vê Fluxus como um dos principais fenômenos neodatistas dentro da tradição de vanguarda. Não representou um grande avanço no desenvolvimento de estratégias artísticas, embora tenha expressado uma rebelião contra “a cultura administrada dos anos 50, na qual um modernismo moderado e domesticado servia de apoio ideológico à Guerra Fria”.
Minimalismo
No início dos anos 1960, o minimalismo emergiu como um movimento abstrato na arte (com raízes na abstração geométrica via Malevich, a Bauhaus e Mondrian) que rejeitava a ideia de pintura relacional e subjetiva, a complexidade das superfícies expressionistas abstratas e o espírito emocional e polêmico. presente na arena da pintura de ação. O minimalismo argumentou que a extrema simplicidade poderia capturar a representação sublime que a arte exige. Associado a pintores como Frank Stella, o minimalismo na pintura, ao contrário de outras áreas, é um movimento modernista e, dependendo do contexto, pode ser interpretado como um precursor do movimento pós-moderno.
Hal Foster, em seu ensaio The Crux of Minimalism, examina até que ponto Donald Judd e Robert Morris reconhecem e superam o modernismo greenbergiano em suas definições publicadas de minimalismo. Ele argumenta que o minimalismo não é um “beco sem saída” do modernismo, mas uma “mudança de paradigma em direção às práticas pós-modernas que continuam a ser elaboradas hoje”.
Pós-minimalismo
Robert Pincus-Witten cunhou o termo Pós-minimalismo em 1977 para descrever a arte derivada minimalista que tinha conteúdo minimalista contextualizado e rejeitado. Seu uso do termo abrangeu o período de 1966-1976 e se aplicou ao trabalho de Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra e novo trabalho dos ex-minimalistas Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt e Barry Le Va, entre outros. Process art e anti-form art são outros termos que descrevem este trabalho, que o espaço que ocupa e o processo pelo qual é feito determina.
Rosalind Krauss argumenta em 1968 que artistas como Morris, LeWitt, Smithson e Serra “entraram em uma situação cujas condições lógicas não podem mais ser descritas como modernistas”. A expansão da categoria de escultura para incluir a land art e a arquitetura “trouxe a mudança para o pós-modernismo”.
Minimalistas como Donald Judd, Dan Flavin, Carl André, Agnes Martin, John McCracken e outros continuaram a produzir suas últimas pinturas e esculturas modernistas para o restante de suas carreiras.
Movimentos na arte pós-moderna
Arte conceitual
A arte conceitual às vezes é rotulada como pós-moderna porque está expressamente envolvida na desconstrução do que faz uma obra de arte, “arte”. A arte conceitual, porque muitas vezes é projetada para confrontar, ofender ou atacar noções mantidas por muitas das pessoas que a visualizam, é vista com particular controvérsia.
Os precursores da arte conceitual incluem o trabalho de Duchamp, de John Cage, de 4’33 “, no qual a música é” os sons do ambiente que os ouvintes ouvem enquanto é tocado “, e o Desenho de De Kooning Apagado de Rauschenberg. trabalhos conceituais tomam a posição de que a arte é criada pelo espectador vendo um objeto ou agindo como arte, não das qualidades intrínsecas da obra em si.Por isso, porque Fountain foi exibido, era uma escultura.
Instalação de arte
Uma série importante de movimentos na arte que têm sido consistentemente descritos como pós-modernos envolveu arte de instalação e criação de artefatos que são conceituais por natureza. Um exemplo são os sinais de Jenny Holzer, que usam os artefatos para transmitir mensagens específicas, como “Proteja-me do que eu quero”. Instalação A arte tem sido importante na determinação dos espaços selecionados para os museus de arte contemporânea, a fim de poder realizar as grandes obras que são compostas de grandes colagens de objetos fabricados e encontrados. Essas instalações e colagens geralmente são eletrificadas, com partes móveis e luzes.
Eles são freqüentemente projetados para criar efeitos ambientais, como a Cortina de Ferro de Christo e Jeanne-Claude, Muro de 240 Barris de Óleo, Blocking Rue Visconti, Paris, junho de 1962, que foi uma resposta poética ao Muro de Berlim construído em 1961.
Arte Lowbrow
Lowbrow é um movimento populista difundido, com origens no mundo da comix underground, música punk, cultura de rua hot rod e outras subculturas da Califórnia. Também é conhecido pelo nome de surrealismo pop. A arte de Lowbrow destaca um tema central no pós-modernismo, na medida em que a distinção entre “alta” e “baixa” arte não é mais reconhecida.
Arte performática
Arte digital
Arte digital é um termo geral para uma gama de trabalhos artísticos e práticas que usam a tecnologia digital como parte essencial do processo criativo e / ou de apresentação. O impacto da tecnologia digital transformou atividades como pintura, desenho, escultura e música / arte sonora, enquanto novas formas, como net art, arte de instalação digital e realidade virtual, tornaram-se práticas artísticas reconhecidas.
Entre os principais teóricos e historiadores da arte nessa área estão Christiane Paul, Frank Popper, Christine Buci-Glucksmann, Dominique Moulon, Robert C. Morgan, Roy Ascott, Catherine Perret, Margot Lovejoy, Edmond Couchot, Fred Forest e Edward A. Shanken.
Intermedia e multimídia
Outra tendência na arte que tem sido associada ao termo pós-moderno é o uso de vários meios diferentes juntos. Intermedia, um termo cunhado por Dick Higgins e destinado a transmitir novas formas de arte ao longo das linhas de Fluxus, Poesia Concreta, Objetos Encontrados, Arte da Performance e Arte da Computação. Higgins foi o editor da Something Else Press, um poeta concreto, casado com a artista Alison Knowles e admiradora de Marcel Duchamp. Ihab Hassan inclui, “Intermedia, a fusão de formas, a confusão de reinos”, em sua lista das características da arte pós-moderna. Uma das formas mais comuns de “arte multimídia” é o uso de monitores de fita de vídeo e monitores CRT, denominados videoarte. Embora a teoria de combinar múltiplas artes em uma arte seja bastante antiga e tenha sido revivida periodicamente, a manifestação pós-moderna é frequentemente combinada com a performance art, onde o subtexto dramático é removido, e o que resta são as declarações específicas do artista em questão ou a declaração conceptual da sua acção. A concepção de Higgin da Intermedia está ligada ao crescimento da prática digital multimídia, como realidade virtual imersiva, arte digital e arte computacional.
Arte Telemática
A arte telemática é um projeto descritivo de arte que utiliza redes de telecomunicações mediadas por computador como meio de comunicação. A arte telemática desafia a relação tradicional entre objetos de visualização ativos e objetos de arte passivos, criando contextos comportamentais interativos para encontros estéticos remotos. Roy Ascott vê a forma de arte telemática como a transformação do espectador em um participante ativo da criação da obra de arte que permanece em processo ao longo de sua duração. A Ascott tem estado na vanguarda da teoria e prática da arte telemática desde 1978, quando entrou na Internet pela primeira vez, organizando diferentes projetos colaborativos online.
Arte de apropriação e arte neo-conceitual
Em seu ensaio de 1980, The alegor Impulse: Em direção a uma teoria do pós-modernismo, Craig Owens identifica o ressurgimento de um impulso alegórico como uma característica da arte pós-moderna. Esse impulso pode ser visto na arte de apropriação de artistas como Sherrie Levine e Robert Longo porque “imagens imagéticas alegóricas são imagens apropriadas”. A arte de apropriação desbancou as noções modernistas de gênio e originalidade artística e é mais ambivalente e contraditória do que a arte moderna, ao mesmo tempo em que instala e subverte as ideologias, “sendo críticas e cúmplices”.
Neo-expressionismo e pintura
O retorno às formas tradicionais de escultura e pintura no final dos anos 1970 e início dos anos 1980, vistas na obra de artistas neo-expressionistas como Georg Baselitz e Julian Schnabel, tem sido descrito como uma tendência pós-moderna, e um dos primeiros movimentos coerentes a surgem na era pós-moderna. Suas fortes ligações com o mercado de arte comercial levantaram questões, no entanto, tanto sobre seu status como um movimento pós-moderno quanto sobre a definição do próprio pós-modernismo. Hal Foster afirma que o neo-expressionismo foi cúmplice da política cultural conservadora da era Reagan-Bush nos EUA Félix Guattari desconsidera as “grandes operações promocionais batizadas de ‘neo-expressionismo’ na Alemanha” (exemplo de uma “moda passageira que mantém” através de publicidade “) como uma maneira muito fácil para ele” demonstrar que o pós-modernismo não é mais do que o último suspiro do modernismo “. Essas críticas ao neo-expressionismo revelam que o dinheiro e as relações públicas realmente sustentaram a credibilidade do mundo da arte contemporânea nos Estados Unidos durante o mesmo período em que artistas conceituais e práticas de mulheres artistas, incluindo pintores e teoristas feministas como Griselda Pollock, estavam sistematicamente reavaliando a arte moderna. Brian Massumi afirma que Deleuze e Guattari abrem o horizonte de novas definições de beleza na arte pós-moderna. Para Jean-François Lyotard, foi a pintura dos artistas Valerio Adami, Daniel Buren, Marcel Duchamp, Bracha Ettinger e Barnett Newman que, após o tempo da vanguarda e a pintura de Paul Cézanne e Wassily Kandinsky, foi o veículo para novas idéias do sublime na arte contemporânea.
Crítica institucional
Críticas sobre as instituições de arte (principalmente museus e galerias) são feitas no trabalho de Michael Asher, Marcel Broodthaers, Daniel Buren e Hans Haacke.