ポストモダンアート – HiSoUR 芸術文化美術歴史

ポストモダンアートは、モダニズムのいくつかの側面、あるいはその余波の中で現れたり発達したいくつかの側面と矛盾するように努めた芸術運動の体である。一般に、インターメディア、インスタレーションアート、コンセプチュアルアート、マルチメディア、特にビデオを含むムーブメントは、ポストモダンとして記述されている。

ポストモダンにアートを貸すいくつかの特徴があります。これらには、ブリティッシュ、中央の芸術的要素としての著名な言葉の使用、コラージュ、シンプリゼーション、流行、パフォーマンスアート、現代の文脈での過去のスタイルやテーマのリサイクル、細かいことの間の障壁の解体高い芸術と低い芸術と一般的な文化。

用語の使用
1950年代から作られた芸術の支配的な用語は「現代芸術」です。現代芸術と呼ばれるすべての芸術がポストモダンではなく、広義にはモダニスト主義と後期モダニスト主義の伝統を続けているアーティストと、ポストモダニズムを拒絶するアーティストの両方が含まれます。 Arthur Dantoは、「現代」はより広い用語であり、ポストモダンな対象は現代運動の「サブセクター」を表すと主張する。いくつかのポストモダンな芸術家は、現代美術のアイデアからより独特の休憩を作りました。そして、「後期近代」と「ポストモダン」とは何のコンセンサスもありません。現代の審美によって拒絶されたアイデアは再確立されました。絵画では、ポストモダニズムは表現を再導入した。一部の批評家は、現在の「ポストモダン」芸術の最新のアヴァンギャルド主義を、現代美術として分類すべきであると主張している。

ポストモダンは現代美術のある種の傾向を記述するだけでなく、現代美術の段階を示すためにも使われてきた。クレマン・グリーンバーグのようなモダニズムの擁護者、モダニズムの「最後のぞっとした」と呼ぶフェリックス・ガッタリのような根本的なモダニズムの反対派は、この立場を採用しました。新保守的なヒルトン・クレイマー（Hilton Kramer）はポストモダニズムを「テザーの終わりにモダニズムを創造する」と表現している。 Fredric Jamesonの分析のJean-FrançoisLyotardは、高モダニズムの時代とは根本的に異なるポストモダンの段階があるとは考えていない。代わりに、これとポストモダンな不満や高いモダニズム様式は、新しいモダニズムを生む高モダニズムの実験の一部です。美学と芸術の文脈で、Jean-FrançoisLyotardはポストモダニズムの主要な哲学者です。

多くの批評家は、現代美術からポストモダンアートが生まれると考えています。モダンからポストモダンへの移行のための提案された日付は、1914年のヨーロッパ、1962年または1968年のアメリカにおけるものです。 James Elkinsは、モダニズムからポストモダニズムへの移行の正確な日についての議論についてコメントし、1960年代のマンネリズムの正確な範囲と、それがルネッサンス時代以降に始まるべきかどうかについて議論する。彼は、アートの動きや時代に関しては、これらの議論がいつも重要視されているわけではありません。ポスト・モダン・アートの時代の終わりは、ポストモダニズムという言葉がクリティカルな共鳴を失った1980年代の終わりに近づき、アート・プラクティスはグローバリゼーションとニューメディアの影響に取り組み始めました。

アメリカのマルクス主義哲学者、フレドリック・ジェイムソンは、生命の状態と生産は、芸術の創作を含むすべての活動に反映されると主張する。

Jean Baudrillardは、ポストモダンにインスパイアされたアートに大きな影響を与え、新しい形の創造性の可能性を強調しました。アーティストPeter H. Halleyは、日常の色を「本当の色の超現実化」と表現し、Baudrillardを影響力として認識しています。 Baudrillard自身は、1984年以来、現代美術とはかなり一致しており、特にポストモダンアートは第二次世界大戦後のモダニスト美術に劣り、Jean-FrançoisLyotardは現代絵画を賞賛し、Modernアート。 20世紀の主要女性アートはポストモダンアートに関連している。なぜなら、現代哲学に強く関係しているフランスの精神分析とフェミニスト理論から、多くの理論的な作品の表現が出てきたからだ。

ポストモダンという用語のすべての用途と同様に、その適用の批判があります。例えば、カーク・ヴァーネーエーは、ポストモダニズムのようなものはなく、モダニズムの可能性はまだ尽きていないと述べた。 1980年代半ば以来、特定の物質的および一般的な手法を用いた特定の戦後の「学校」の仕事を指定するための一種の略語としての用語の使用は、画期的なまたは認識論的な部門としてのポストモダニズムの理論的根拠依然として非常に論争中です。

ポストモダンアートの定義
ポストモダニズムは、モダニズムの流れから生まれ、反応したり、拒絶したりする動きを描いている。モダニズムの特定の動向に関する一般的な引用は、形式的な純度、中程度の特異性、芸術のための芸術、真正性、普遍性、独創性、革命的または反動的傾向、すなわちアバンギャルドです。しかし、パラドックスは恐らくポストモダニズムが反応する最も重要なモダニズムの考えである。 ParadoxはManetが導入した近代的なエンタープライズの中心でした。マネットの表現主義芸術に対する違反は、現実と表現、デザインと表現、抽象と現実の相互排他性を目立たせた。パラトックスの組み込みは、マネットから概念主義者に非常に刺激的でした。

アバンギャルドの地位は議論の余地があります：多くの機関は、先見性があり、先見性があり、最先端で進歩的であるという主張は、現在の芸術の使命にとって決定的に重要であると主張します。したがって、ポストモダンアートは、 ” ポストモダニズムは、芸術そのものの進歩や進歩の概念を拒否し、「アバンギャルドの神話」を覆すことを目指している。ロザリンド・クラウスは、アヴァンギャルドが終わり、新しい芸術的時代はポストリベラルであり、進歩を遂げているという見方の重要な象徴者の一つであった。 Griselda Pollockは、ポストモダンアートを再定義すると同時に現代美術を見直し、一連の画期的な本で、前衛的で現代的なアートを学び、直面した。

ポストモダンアートの特徴の1つは、産業資材とポップカルチャーイメージを活用した高低文化の集約です。低レベルの芸術の使用は、Kirk VarnedoeとAdam Gopnikの1990-91年のショー「High and Low：ニューヨークの近代美術館での人気文化と近代美術」に示されているように、モダニズムの実験の一部でもありました。 Douglas CrimpとHilton Kramerを一緒に連れて行くことができる唯一のイベントとして、当時はパンクしていました。ポストモダンアートとは、芸術的なものと芸術的なものとの区別と、一般的には低いものやキッチンアートと見なされるものとの区別をぼかす方法である。モダニズムの間に、芸術の低い「ぼかし」や「融合」の概念が実験されてきたが、それはポストモダン時代の到来後に完全に支持されたに過ぎない。ポストモダニズムは、商業主義、キッチュ、そしてその芸術的文脈の中で一般的なキャンプの美学の要素を導入した。ポストモダニズムは、ゴシック、ルネサンス、バロックなどの過去の時代のスタイルを取り入れ、それらをミックスして、対応する芸術的な動きでのオリジナルの使用を無視します。そのような要素は、ポストモダンアートを定義するものの共通の特徴である。

フレドリック・ジェイムソンは、ポストモダンの作品は、自発性や表現の直接性に対するいかなる主張も断ち切り、断食と不連続の代わりに使用することを示唆している。この定義に反して、アートと言語のチャールズ・ハリソンとポール・ウッドは芸術を維持し、不連続はモダニズムの芸術にとって風土病であり、マネットやピカソなど現代の芸術家によって効果的に展開されている。

一つのコンパクトな定義は、ポストモダニズムが、モダニズムの芸術的方向性の壮大な物語を否定し、高低の芸術の境界を払拭し、衝突、コラージュ、断片化によるジャンルの慣行を混乱させることです。ポストモダンアートは、すべてのスタンスが不安定で不誠実であるため、アイロニー、パロディ、ユーモアが唯一のポジションです。「多元主義と多様性」は他の定義的特徴である。

アバンギャルド前駆体
ポストモダニズムへの有力かつ潜在的な前駆物質とみなされる過激な動きや動向は、第一次世界大戦の周り、特にその余波の中で浮上した。キュービズム、ダダ、シュルレアリスムなどのアートワークとコラージュのようなテクニックに産業工芸品を使用することで、アートの本質と価値に疑問が湧きました。映画や再現の盛り上がりといった新しいアートフォームは、これらの動きを作品制作の手段として影響を与えました。 1939年のパルチザンレビューで最初に出版された、近代主義の定義のための発火点、Clement Greenbergのエッセイ、Avant-GardeとKitschは、人気のある文化に直面して前衛を守っています。その後、ピーター・ビュルガーは歴史的な前衛とモダニズムを区別し、ビュルガーに続くクラウス、フイセン、ダグラスクリンプなどの批評家は、ポストモダニズムの先駆けとして歴史的前衛を特定した。例えば、クラウスは、自伝を犠牲にして言語に重点を置いたポストモダンアートを予期する前衛的な練習としてのパブロ・ピカソのコラージュの使用について述べている。もう一つの視点は、前衛的で近代的な芸術家たちは同様の戦略を使い、ポストモダニズムは両方を否定している。

ダダ
20世紀初頭、マルセル・デュシャンは彫刻として小便器を展示しました。彼の主旨は、それが芸術作品であると言ったからといって、それが芸術作品であるかのように人々に便器を見せさせることでした。彼は彼の作品を “レディメイド”と呼んだ。噴水は、1917年に芸術界に衝撃を与えた仮名R. Muttと署名された小便器でした。これとDuchampの他の作品は、一般的にDadaというラベルが付けられています。デュシャンはコンセプチュアルアートの先駆者と見ることができます。いくつかの批評家は、逆説は、マネットの絵画で最初に生じたものの、パラドックスは中程度のものではないので、彼は特定の媒体を嫌うという理由で、パラドックスに執着することはよく知られているポストモダニストであると言います。

ダダジズムは、シュルレアリスム、未来主義、抽象表現主義とともに、確立されたスタイルや形に挑戦するモダニストの傾向の一部として見ることができます。ダダは近代主義の中にしっかりと位置づけられているが、ポストモダニズムを予想している批評家もいるが、イハーブ・ハッサンやスティーブン・コナーといった他の人も、モダニズムとポストモダニズムの切り換え点と考えている。例えば、McEvillyによれば、ポストモダニズムはもはや進歩の神話を信じていないことを認識することから始まり、Duchampは1914年にこれを感知し、モダニズムの実践からポストモダニストのものに変えた。 “美的感心、超越的野心、審美的な無関心、普通の世界の認知、そして発見された目的やレディメイドのための形式的な敏捷性のデモンストレーションを強制する」

現代美術における根本的な動き
一般にポップアートとミニマリズムは近代主義運動として始まりました。パラダイムシフトと1970年代初期の形式主義と反形式主義の哲学的分裂は、それらの動きを先駆者または過渡期のポストモダンアートと見なしました。ポストモダンアートに影響を与えている他の現代的な動きは、コンセプチュアルアートと、組立、モンタージュ、ブリコラージュ、歳出などのテクニックの使用です。

ジャクソン・ポロックと抽象表現主義
1940年代後半から1950年代初頭、ポロックの絵画に対する根本的なアプローチは、彼に続くすべての現代美術の可能性に革命をもたらしました。ポロックは、芸術作品を作ることへの旅は、芸術そのものの仕事ほど重要であると認識していました。パブロ・ピカソの革新的な絵画と彫刻の革新と同様に、世紀末にキュービズムと彫刻を通じ、ポロックは中世の芸術を再定義しました。ポロックのイーゼル・ペインティングやコンベンション・オブ・ゼンからの動きは、現代のアーティストや次のアーティストを解放しました。彼らは、ポールロックのプロセス、すなわち、床の上での作業、未加工のキャンバスの伸ばし、4つの側面からの、アーティスト素材、工業材料、イメージ、非イメージ、線状のスケッチの塗装、垂れ下がり、描き、染色、ブラッシング – 境界。抽象表現主義は、新しい芸術作品の創作に利用可能な定義と可能性を広げ、発展させた。ある意味では、Jackson Pollock、Willem de Kooning、Franz Kline、Mark Rothko、Philip Guston、Hans Hofmann、Clyfford Still、Barnett Newman、Ad Reinhardtなどのイノベーションは、次の作品の多様性と範囲に浸透しました。

抽象表現主義の後
1950年代と1960年代の抽象画では、ハード・エッジ・ペインティングやフランク・ステラの作品のような幾何学的抽象化のような新しい方向性が芽生えた。抽象表現主義に対する主観主義に対する反応がアーティストスタジオや劇的なアヴァンツガードサークル。クレメント・グリーンバーグは絵画的な抽象化の声になった。 1964年に米国全土で重要な美術館を見学し、新しい絵画の影響力のある展覧会を企画しました。カラーフィールドペインティング、ハードエッジペインティング、Lyrical Abstractionは、根本的な新しい方向性として浮上しました。

1960年代後半まで、ポストミニマリズム、プロセスアート、アルテ・ポベラは、絵本と彫刻、叙情的な抽象化とポストミニマリズム運動、初期の概念アートを含む革命的な概念や動きとして浮上した。ポロックのインスピレーションを得たプロセスアートは、スタイル、コンテンツ、素材、配置、時間感覚、プラスチックとリアルスペースの多様な百科事典を実験し、利用することができます。ナンシー・グレイヴス、ロナルド・デイヴィス、ハワード・ホジキン、ラリー・ポンス、ジャニス・クネリス、ブリス・ナウナン、リチャード・タートル、アラン・サレット、ウォルター・ダービー・バナード、リンド・ベングリース、ラリー・ゾックス、ロニー・ランド、 Serra、Sam Gilliam、Mario Merz、Peter Reginato、Lee Lozanoは、1960年代後半の芸術の時代を生み出した後期モダニズムの時代に生まれた若いアーティストの一員でした。

パフォーマンスアートと出来事
1950年代後半から1960年代にかけて、幅広い関心を持ったアーティストがコンテンポラリーアートの境界を広げ始めました。ニューヨークのCarolee Schneemann、Yoshoi Kusama、Charlotte Moorman、Yoko Onoは、パフォーマンス・ベースの作品の先駆者でした。 Julian BeckとJudith MalinaのLiving Theatreのようなグループは、彫刻家や画家と協力して環境を作り出しました。観客とパフォーマーとの関係を根本的に変えています。ニューヨークのジャドソン記念教会、イヴォンヌ・ライナー、トリシャ・ブラウン、イレイン・サマーズ、サリー・グロス、シモン・フォーティ、デボラ・ヘイ、ルシンダ・チャイルズ、スティーブ・パクストンなどのアーティストがロバート・モリスとコラボレーションしたジャドソン・ダンス・シアター、Robert Whitman、John Cage、Robert Rauschenberg、BillyKlüverのようなエンジニアが含まれます。これらのパフォーマンスは、しばしば聴衆の参加を得て、彫刻、舞踊、音楽やサウンドを組み合わせた新しい芸術形態の創作であるように設計されていました。ミニマリズム、自然即興、抽象表現主義の表現力の還元哲学は作品を特徴づけた。

1950年代後半から1960年代半ばまでの同じ時期に、様々なアバンギャルドなアーティストがハプニングを制作しました。ハプニングは神秘的で、多くの場合、アーティストやその友人や親戚が様々な場所で自発的かつ非公式に集まっていました。不条理、身体運動、衣装、自発的なヌード、さまざまなランダムで見かけ上切り離された行為で、しばしば練習を取り入れます。アラン・カプロー、ジョセフ・ボイス、ナム・ジン・パイク、ウルフ・ボステル、クレス・オルデンブルク、ジム・ディーン、レッド・グルーム、ロバート・ホイットマンなどがハプニングの著名な作家であった。

組立芸術
抽象的表現主義に関連して、以前の絵画と彫刻の慣習から離れた、アーティストの素材を組み合わせた作品の出現がありました。 1950年代にポップアートとインスタレーションアートの先駆者であり、ぬいぐるみ、鳥、商業写真などの大きな物理的オブジェクトの集まりを利用したRobert Rauschenbergの作品は、このアートトレンドを例示しています。

レオ・スタインバーグ（Leo Steinberg）は、1969年にポストモダニズムという言葉を用いて、近代主義的で近代的な絵画の絵画分野に適合していない様々な文化的イメージや人工物を含む、 Craig Owensはさらに、Steinbergの見解では、「自然から文化への移行」ではなく、野党を受け入れることができないというデモンストレーションとして、Rauschenbergの仕事の意義を明らかにする。

スティーブン・ベストとダグラス・ケルナーは、近代主義とポストモダニズムの間のマルセル・デュシャンプの影響を受けた移行期の一環として、ラウシェンバーグとジャスパー・ジョンを特定している。これらの芸術家は、高いモダニズムの抽象的で絵画的なジェスチャーを保持しながら、通常のオブジェクトまたはオブジェクト自体のイメージを作業に使用しました。

Anselm Kieferは作品の中で集合体の要素を使い、一度は絵の中で漁船の船首を特徴とした。

ポップアート
Lawrence Allowayは第二次世界大戦後の消費主義を祝う絵を描くために “ポップアート”という言葉を使った。この動きは抽象的な表現主義と、その時代の量産時代の物質消費文化、広告、象徴を描いた芸術に賛成して、解釈学的、心理的な内部への焦点を拒絶した。 David Hockneyの初期作品とRichard Hamilton、John McHale、Eduardo Paolozziの作品は、この動きの精神的な例と考えられていました。後のアメリカの例には、アンディ・ウォーホルとロイ・リヒテンシュタインのキャリアの大部分と、商業生産に使用される技術であるBendayドットの使用が含まれます。 Duchampの根本的な作品、反抗的なDadaistとユーモアのセンスとの間には明確な関係があります。 Claes Oldenburg、Andy Warhol、Roy Lichtensteinなどのポップアーティストが参加しています。

Thomas McEvilly（Dave Hickey）は、ビジュアルアートにおけるアメリカのポストモダニズムは、ポストモダニズムが視覚芸術において支配的な態度になるまでには、1962年にポップアートの最初の展覧会で始まったと述べる。フレッドリック・ジェイムソンも、ポップアートをポストモダンとみなしている。

ポップアートのポストモダンな1つの方法は、アンドレアス・ホイセンがハイ・アートとポピュラー・カルチャーの間の「偉大な分裂」と呼ぶものを打ち破ることです。ポストモダニズムは、「高モダニズムの範疇的な確実性の世代的な拒否」から出てくる。

Fluxus
Fluxusは1962年にリトアニア生まれのアメリカ人アーティスト、George Maciunas（1931-78）によってゆるやかに設立されました。フルクサスは、ニューヨーク市の社会研究のための新しい学校でジョンケージの1957年から1959年までの実験的構成授業に始まります。彼の学生の多くは音楽をほとんどあるいはまったく使わずに他のメディアで働いていたアーティストでした。 Cageの学生には、Fluxusの創設メンバーであるJackson Mac Low、Al Hansen、George Brecht、Dick Higginsが含まれていました。 1962年、Fluxusは、George Maciunas、Joseph Beuys、Wolf Vostell、Nam June Paikなどと共に、WiesbadenのFLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musikからスタートしました。そして1963年に：デュッセルドルフのFestum Fluxorum Fluxus、George Maciunas、Wolf Vostell、Joseph Beuys、Dick Higgins、Nam June Paik、Ben Patterson、Emmett Williamsなど。

Fluxusはそれをあなた自身が美的であると奨励し、複雑さよりも単純さを重視しました。それ以前のDadaのように、Fluxusは反商業主義と反美術感受性の強い流れを含み、アーティスト中心の創造的実践に賛成する従来の市場主導の美術界を蔑視した。 Fluxusのアーティストは、自分の作品を作成したり、同僚との制作過程で協力したりして、どんな素材でも作業することを好みました。

Fluxusは、Rauschenberg、Johns、Warhol、Situationist Internationalとともに、ポストモダニズムの第一段階の一部として見ることができます。 Andreas Huyssenは、「ポストモダニズムのマスターコードか、最終的には表現できないアート運動か、ポストモダニズムの崇高なもの」として、ポストモダニズムに対するフルクサスの要求を批判している。代わりに、Fluxusは前衛的な伝統の中でネオ・ダダー主義の主要な現象と見なされます。それは、「冷戦のイデオロギー的支柱として機能していた、穏やかな、家畜化されたモダニズムが支えられた1950年代の管理された文化」に対する反乱を表現したものの、芸術的戦略の発展において大きな進歩を示すものではなかった。

ミニマリズム
1960年代初頭まで、ミニマリズムは、リレーショナル、主観的な絵画、抽象的な表現主義者の表面の複雑さ、感情的な時代性と反論を拒絶した芸術における抽象的な動き（Malevich、Bauhaus、Mondrianによる幾何学的抽象のルーツを持つ）として浮上したアクション絵画のアリーナに存在する。ミニマル主義は極端な単純さが芸術が必要とする崇高な表象を捉えることができると主張した。フランク・ステラのような画家と関連して、絵画のミニマリズムは他の分野とは対照的に、モダニズム的な動きであり、文脈によってはポストモダン運動の先駆けと解釈することができます。

ハルフォスターは、ミニマル主義の最重要課題であるドナルド・ジャッドとロバート・モリスの両方が、グリーンバーグのモダニズムを、出版されたミニマリズムの定義において認知し、超えているかどうかを検証する。彼は、ミニマリズムはモダニズムの「終わり」ではなく、「今日の精巧なポストモダン・プラクティスへのパラダイムシフト」であると主張する。

ポストミニマリズム
Robert Pincus-Wittenはミニマリズムが拒絶された内容と文脈上の倍音を持つミニマリスト主義芸術を描くために、1977年にポストミニアニズムという言葉を作り出しました。彼のこの用語の使用は、1966年から1976年の期間をカバーし、Eva Hesse、Keith Sonnier、Richard Serra、元ミニマルスのRobert Smithson、Robert Morris、Sol LeWitt、Barry Le Vaなどの作品に適用されました。プロセスアートとアンチフォームアートは、この作品を表現する他の用語であり、それが占めるスペースとそれが作られるプロセスが決定するものです。

Rosalind Kraussは、Morris、LeWitt、Smithson、Serraのような1968年の芸術家たちは、論理的な条件がもはや近代主義者とは言えない状況に入ったと主張する。土地の芸術と建築を含む彫刻のカテゴリの拡大は、 “ポストモダニズムへのシフトをもたらした。

ドナルド・ジャッド、ダン・フラビン、カール・アンドレ、アグネス・マーティン、ジョン・マクラッケンなどのミニマリストは、残りのキャリアのために近代的な絵画や彫刻を制作し続けました。

ポストモダンアートにおける動き

概念アート
コンセプチュアルアートは時にはポストモダンとして分類されています。なぜなら、それは明示的にアートの作品である「アート」を解体することに関与しているからです。コンセプチュアルアートは、多くの場合、それを見る多くの人々が抱く概念を直面したり、怒らせたり、攻撃したりするように設計されているため、特定の論争に陥っています。

コンセプチュアルアートの先駆者には、Duchamp、John Cageの4’33 “の作品が含まれています。この音楽では、演奏中に聞こえる環境の音、RauschenbergのErased De Kooning Drawingと呼ばれています。概念的な作品は、作品自体の本質的な性質からではなく、作品を見る人が作ったり、芸術として行動したりするという立場をとっているため、泉が展示されたので彫刻であった。

インストールアート
ポストモダンとして常に説明されてきた重要な一連の芸術は、インスタレーション芸術と、本質的に概念的なアーティファクトの創作とを伴っている。 1つの例は、「私が欲しいものから私を保護する」のような特定のメッセージを伝えるためにアートのデバイスを使用するJenny Holzerの兆候です。インスタレーション美術は、現代美術の美術館に選ばれたスペースを決定する上で、製造されたものや見つかったものの広大なコラージュからなる大きな作品を保持するために重要でした。これらのインスタレーションとコラージュは、しばしば動く部品と光で電化されます。

彼らは、1961年に建てられたベルリンの壁の詩的な反応であった、1962年6月、パリ、ルー・ヴィスコンティを封鎖している、クリストとジャンヌ・クロードの鉄のカーテン、240石油バレルの壁のように、

ローブローアート
ローブローは、地下漫画の世界、パンク音楽、ホットロッドストリートカルチャー、その他のカリフォルニアのサブカルチャーの起源を持つ広範な人口大衆芸術運動である。ポップシュールレアリスムという名前でよく知られています。ローブロー美術はポストモダニズムの中心的なテーマであり、「高い」と「低い」芸術の区別はもはや認識されないという点でハイライトしている。

パフォーマンスアート

デジタルアート
デジタルアートとは、デジタルテクノロジーをクリエイティブやプレゼンテーションのプロセスの不可欠な部分として使用する一連の芸術作品やプラクティスの総称です。デジタル技術の影響は、絵画、絵画、彫刻、音楽/サウンドアートなどの活動を変え、ネットアート、デジタルインスタレーションアート、バーチャルリアリティなどの新しい形態は、芸術的実践として認識されています。

ロバート・モーガン、ロイ・アスコット、キャサリン・ペレット、マーゴ・ラブジョイ、エドモンド・カショー、フレッド・フォレスト、エドワード・A・シャンケンなど、この分野の著名な芸術家や歴史家が含まれています。

インターメディアとマルチメディア
ポストモダンという言葉に関連した芸術のもうひとつの傾向は、さまざまなメディアを一緒に使うことです。 Intermediaは、Dick Higginsが作った用語で、Fluxus、Concrete Poetry、Foundedオブジェクト、パフォーマンスアート、コンピュータアートのラインに沿って新しいアートフォームを伝えることを意図していました。 Higginsは、アーティストAlison Knowlesと結婚し、Marcel Duchampの崇拝者であったSomething Else Press、Concreteの詩人の出版社でした。イハーブ・ハッサンには、ポスト・モダン芸術の特徴のリストの中で、「形態の融合、領域の混乱」の中の言葉が含まれています。「マルチメディアアート」の最も一般的な形式の1つは、ビデオテープとCRTモニタの使用で、ビデオアートと呼ばれます。複数の芸術を1つの芸術にまとめる理論はかなり古く、定期的に復活してきたが、ポストモダンの表現は演劇芸術と組み合わせて使用されることが多く、そこでは劇的なサブテキストが取り除かれている。質問または彼らの行動の概念的なステートメント。 HigginのIntermediaの概念は、没入型のバーチャルリアリティ、デジタルアート、コンピュータアートなどのマルチメディアデジタルプラクティスの成長に関連しています。

テレマティックアート
テレマティックアートとは、コンピュータ媒介の電気通信ネットワークを媒体として用いたアートプロジェクトを記述したものです。テレマティックアートは、遠隔の審美的な出会いのためのインタラクティブな行動コンテクストを作成することによって、アクティブな視覚対象とパッシブアートオブジェクトとの間の伝統的な関係に挑戦する。ロイ・アスコットは、テレマティック・アート形式を、視聴者がアクティブな参加者に変身させていると見ています。アスコットは1978年以来初めてテレマティクス芸術の理論と実践の最前線に立っていました。

歳出芸術と新概念芸術
彼の1980年のエッセイでは、寓話的衝動：ポストモダニズムの理論に向けて、Craig Owensはポストモダンアートの特徴として寓意的衝動の再出現を特定している。この衝動はシェリー・レヴァインやロバート・ロンゴのような芸術家の譲渡芸術で見ることができます。「寓意的なイメージは充当されたイメージです」譲渡芸術は、芸術的天才と独創性のモダニズム観を暴くものであり、現代芸術よりも相反し、矛盾している。同時に、イデオロギーを導入し、破壊する。

新表現主義と絵画
Georg BaselitzやJulian Schnabelのような新表現主義者の作品に見られる1970年代後半と1980年代の伝統的な彫刻と絵画への復帰は、ポストモダンの傾向として説明されてきた。ポストモダン時代に現れます。しかし、商業美術市場との強い結びつきは、ポストモダニズム運動としての地位とポストモダニズム自体の定義の両方について疑問を投げかけている。 Hal Fosterは、ネオ表現主義は米国のレーガンブッシュ時代の保守的な文化政治に従属していると述べている。フェリックス・ガッタリは、「ドイツにおける新表現主義」と呼ばれる大規模な宣伝活動を無視しているそれはポストモダニズムがモダニズムの最後の波に過ぎないことを証明するための彼にとっては非常に簡単な方法だ」と語った。このような新表現主義の批判は、概念的な芸術家や、絵画家やGriselda Pollockのようなフェミニストの理論家を含む女性アーティストの実践が現代美術を体系的に再評価していたのと同じ時期に、 Brian Massumiは、イリュージュとガタリは、ポストモダンアートにおける美容の新しい定義の地平線を開くと主張する。 Jean-FrançoisLyotardのために、アヴァンギャルドの時代とポール・セザンヌとワシリー・カンディンスキーの絵画の後で、新作のための乗り物だったのは、Valerio Adami、Daniel Buren、Marcel Duchamp、Bracha Ettinger、Barnett Newmanの絵です。現代美術の崇高なアイデア。

制度的批評
美術館（主に博物館やギャラリー）の批判は、Michael Asher、Marcel Broodthaers、Daniel Buren、Hans Haackeの作品で行われています。