El arte posmoderno es un cuerpo de movimientos de arte que buscaba contradecir algunos aspectos del modernismo o algunos aspectos que surgieron o se desarrollaron después de él. En general, los movimientos como el intermedio, el arte de instalación, el arte conceptual y multimedia, particularmente el video, se describen como posmodernos.
Hay varias características que le dan al arte ser postmoderno; estos incluyen bricolaje, el uso de palabras prominentemente como el elemento artístico central, collage, simplificación, apropiación, arte de performance, el reciclaje de estilos y temas del pasado en un contexto moderno, así como la ruptura de la barrera entre la multa y alto arte y bajo arte y cultura popular.
Uso del término
El término predominante para el arte producido desde la década de 1950 es el «arte contemporáneo». No todo el arte catalogado como arte contemporáneo es posmoderno, y el término más amplio abarca tanto a los artistas que continúan trabajando en las tradiciones modernas modernistas y tardías, como a los artistas que rechazan el posmodernismo por otras razones. Arthur Danto argumenta que «contemporáneo» es el término más amplio, y los objetos postmodernos representan un «subsector» del movimiento contemporáneo. Algunos artistas posmodernos han hecho rupturas más distintivas de las ideas del arte moderno y no hay consenso en cuanto a lo que es «moderno tardío» y lo que es «posmoderno». Ideas rechazadas por la estética moderna han sido reestablecidas. En pintura, la postmodernidad reintrodujo la representación. Algunos críticos argumentan que gran parte del arte «posmoderno» actual, el último avant-gardismo, debe aún clasificarse como arte moderno.
Además de describir ciertas tendencias del arte contemporáneo, la posmodernidad también se ha utilizado para denotar una fase del arte moderno. Los defensores del modernismo, como Clement Greenberg, así como los opositores radicales del modernismo, como Félix Guattari, que lo llama el «último aliento» del modernismo, han adoptado esta posición. El neoconservador Hilton Kramer describe el posmodernismo como «una creación del modernismo al final de su cadena». Jean-François Lyotard, en el análisis de Fredric Jameson, no sostiene que exista una etapa posmoderna radicalmente diferente del período del alto modernismo; en cambio, el descontento posmoderno con este o aquel estilo modernista elevado es parte de la experimentación del alto modernismo, dando lugar a nuevos modernismos. En el contexto de la estética y el arte, Jean-François Lyotard es un importante filósofo del posmodernismo.
Muchos críticos sostienen que el arte posmoderno emerge del arte moderno. Las fechas sugeridas para el cambio de moderno a posmoderno incluyen 1914 en Europa, y 1962 o 1968 en América. James Elkins, al comentar las discusiones sobre la fecha exacta de la transición del modernismo al posmodernismo, lo compara con la discusión en la década de 1960 sobre el lapso exacto del Manierismo y si debería comenzar inmediatamente después del Alto Renacimiento o más adelante en el siglo. Señala que estos debates continúan todo el tiempo con respecto a los movimientos y períodos artísticos, lo que no quiere decir que no sean importantes. El final del período del arte posmoderno se remonta a finales de la década de 1980, cuando la palabra posmodernidad perdió gran parte de su resonancia crítica, y las prácticas artísticas comenzaron a abordar el impacto de la globalización y los nuevos medios.
El filósofo marxista estadounidense Fredric Jameson argumenta que la condición de la vida y la producción se reflejará en toda actividad, incluida la creación artística.
Jean Baudrillard ha tenido una influencia significativa en el arte de inspiración posmoderna y enfatizó las posibilidades de nuevas formas de creatividad. El artista Peter Halley describe sus colores cotidianos como «hiperrealización del color real» y reconoce a Baudrillard como una influencia. El propio Baudrillard, desde 1984, era bastante coherente en su opinión de que el arte contemporáneo y el arte posmoderno en particular eran inferiores al arte modernista del período posterior a la Segunda Guerra Mundial, mientras que Jean-François Lyotard elogiaba la pintura contemporánea y destacaba su evolución desde la modernidad. art. Las artistas de Major Women en el siglo XX se asocian con el arte posmoderno ya que gran parte de la articulación teórica de su trabajo surgió del psicoanálisis francés y la teoría feminista que está fuertemente relacionada con la filosofía posmoderna.
Como con todos los usos del término posmoderno, hay críticas sobre su aplicación. Kirk Varnedoe, por ejemplo, afirmó que no existe el postmodernismo y que las posibilidades del modernismo aún no se han agotado. Aunque el uso del término como una especie de taquigrafía para designar el trabajo de ciertas «escuelas» de posguerra que emplean técnicas materiales y genéricas relativamente específicas se ha vuelto convencional desde mediados de la década de 1980, los fundamentos teóricos del posmodernismo como una división epistolar o de época. todavía están muy en controversia.
Definir el arte posmoderno
El posmodernismo describe movimientos que surgen y rechazan las tendencias del modernismo. Las citas generales para tendencias específicas del modernismo son pureza formal, especificidad media, arte por el arte, autenticidad, universalidad, originalidad y tendencia revolucionaria o reaccionaria, es decir, la vanguardia. Sin embargo, la paradoja es probablemente la idea modernista más importante contra la que reacciona el posmodernismo. La paradoja fue central en la empresa modernista, que Manet introdujo. Las diversas violaciones de Manet del arte representacional pusieron de relieve la supuesta exclusividad mutua de la realidad y la representación, el diseño y la representación, la abstracción y la realidad, y así sucesivamente. La incorporación de la paradoja fue altamente estimulante desde Manet hasta los conceptualistas.
El estado de la vanguardia es controvertido: muchas instituciones sostienen que ser visionario, progresista y progresivo es crucial para la misión del arte en el presente, y por lo tanto, el arte posmoderno contradice el valor del «arte de nuestro tiempo» «. El posmodernismo rechaza la noción de avance o progreso en el arte per se, y por lo tanto aspira a derrocar el «mito de la vanguardia». Rosalind Krauss fue uno de los enunciadores importantes de la visión de que el avant-gardismo había terminado, y la nueva era artística es post-liberal y posterior al progreso. Griselda Pollock estudió y enfrentó el arte vanguardista y moderno en una serie de libros innovadores, revisando el arte moderno al mismo tiempo que redefinía el arte posmoderno.
Una característica del arte posmoderno es su combinación de alta y baja cultura a través del uso de materiales industriales y de imágenes de cultura pop. El uso de formas bajas de arte también formaba parte de la experimentación modernista, como se documenta en Kirk Varnedoe y Adam Gopnik en su espectáculo 1990-1991 Alta y baja: cultura popular y arte moderno en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, una exposición que fue universal criticado en su momento como el único evento que podría unir a Douglas Crimp y Hilton Kramer en un coro de desprecio. El arte posmoderno se caracteriza por la manera en que difumina las distinciones entre lo que se percibe como arte fino o alto y lo que generalmente se considera arte bajo o kitsch. Mientras que este concepto de «arte abstracto» o «fusión» del arte elevado con el arte bajo se había experimentado durante el modernismo, solo se refrendó completamente después del advenimiento de la era posmoderna. El postmodernismo introdujo elementos de mercantilismo, kitsch y una estética de campo general dentro de su contexto artístico; la posmodernidad toma estilos de periodos pasados, como el gótico, el renacimiento y el barroco, y los mezcla para ignorar su uso original en su movimiento artístico correspondiente. Dichos elementos son características comunes de lo que define el arte posmoderno.
Fredric Jameson sugiere que las obras posmodernas abjuren de cualquier pretensión de espontaneidad y franqueza de expresión, haciendo uso en lugar de pastiche y discontinuidad. En contra de esta definición, Charles Harrison y Paul Wood de Art and Language mantuvieron el pastiche y la discontinuidad son endémicas del arte modernista, y los artistas modernos como Manet y Picasso despliegan de manera efectiva.
Una definición compacta es que el posmodernismo rechaza las grandes narrativas de la dirección artística del modernismo, erradica los límites entre las formas altas y bajas del arte, y altera las convenciones del género con la colisión, el collage y la fragmentación. El arte posmoderno sostiene que todas las posturas son inestables e insinceras, y que, por lo tanto, la ironía, la parodia y el humor son las únicas posiciones que la crítica o la revisión no pueden revertir. «Pluralismo y diversidad» son otras características definitorias.
Precursores de vanguardia
Los movimientos radicales y las tendencias consideradas como influyentes y potencialmente como precursores de la postmodernidad surgieron alrededor de la Primera Guerra Mundial y particularmente después de ella. Con la introducción del uso de artefactos industriales en el arte y técnicas como el collage, los movimientos de vanguardia como el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo cuestionaron la naturaleza y el valor del arte. Las nuevas formas de arte, como el cine y el auge de la reproducción, influyeron en estos movimientos como medio para crear obras de arte. El punto de ignición para la definición de modernismo, el ensayo de Clement Greenberg, Avant-Garde and Kitsch, publicado por primera vez en Partisan Review en 1939, defiende la vanguardia frente a la cultura popular. Más tarde, Peter Bürger haría una distinción entre vanguardia histórica y modernismo, y críticos como Krauss, Huyssen y Douglas Crimp, siguiendo a Bürger, identificaron la vanguardia histórica como un precursor del posmodernismo. Krauss, por ejemplo, describe el uso que Pablo Picasso hace del collage como una práctica de vanguardia que anticipa el arte posmoderno con su énfasis en el lenguaje a expensas de la autobiografía. Otro punto de vista es la vanguardia y los artistas modernistas utilizaron estrategias similares y el posmodernismo repudia a ambos.
Dada
A principios del siglo XX, Marcel Duchamp exhibió un orinal como una escultura. Su idea era que la gente mirara el urinario como si fuera una obra de arte solo porque dijo que era una obra de arte. Se refirió a su trabajo como «Readymades». La fuente era un urinario firmado con el seudónimo de R. Mutt, que conmocionó al mundo del arte en 1917. Esto y las otras obras de Duchamp generalmente se etiquetan como Dada. Duchamp puede verse como un precursor del arte conceptual. Algunos críticos cuestionan que se llame a Duchamp -cuya obsesión por la paradoja es bien conocida- postmodernista por evitar cualquier medio específico, ya que la paradoja no es específica del medio, aunque surgió primero en las pinturas de Manet.
El dadaísmo se puede ver como parte de la propensión modernista a desafiar estilos y formas establecidas, junto con el surrealismo, el futurismo y el expresionismo abstracto. Desde un punto de vista cronológico, Dada se encuentra sólidamente dentro del modernismo, sin embargo, varios críticos sostienen que anticipa el posmodernismo, mientras que otros, como Ihab Hassan y Steven Connor, lo consideran un posible punto de cambio entre el modernismo y el posmodernismo. Por ejemplo, según McEvilly, el posmodernismo comienza con darse cuenta de que uno ya no cree en el mito del progreso, y Duchamp lo percibió en 1914 cuando cambió de una práctica modernista a una posmodernista, «abjurando de la decepción estética, la ambición trascendente y el recorrido de demostraciones de la fuerza de la agilidad formal a favor de la indiferencia estética, el reconocimiento del mundo ordinario y el objeto encontrado o readymade «.
Movimientos radicales en el arte moderno
En general, el Pop Art y el Minimalismo comenzaron como movimientos modernistas: un cambio de paradigma y una división filosófica entre el formalismo y el antiformalismo a principios de los años setenta hicieron que esos movimientos fueran vistos por algunos como precursores o arte posmoderno de transición. Otros movimientos modernos citados como influyentes para el arte posmoderno son el arte conceptual y el uso de técnicas como ensamblaje, montaje, bricolaje y apropiación.
Jackson Pollock y expresionismo abstracto
A finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, el enfoque radical de Pollock hacia la pintura revolucionó el potencial de todas las artes contemporáneas para seguirlo. Pollock se dio cuenta de que el camino hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la obra de arte misma. Al igual que las reinvenciones innovadoras de la pintura y la escultura de Pablo Picasso en el cambio de siglo a través del cubismo y la escultura construida, Pollock redefinió el arte a mediados de siglo. El movimiento de Pollock de la pintura de caballete y la convencionalidad liberó a sus artistas contemporáneos y artistas posteriores. Se dieron cuenta del proceso de Pollock: trabajar en el suelo, lienzo crudo sin estirar, desde los cuatro lados, utilizando materiales artísticos, materiales industriales, imágenes, imágenes, lanzando madejas lineales de pintura, goteando, dibujando, manchando, cepillando, haciendo arte más allá de lo anterior límites. El expresionismo abstracto amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades que los artistas tenían disponibles para la creación de nuevas obras de arte. En cierto sentido, las innovaciones de Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt y otros abrieron las compuertas a la diversidad y el alcance de las siguientes obras de arte.
Después del expresionismo abstracto
En la pintura abstracta durante los años 1950 y 1960 aparecieron varias direcciones nuevas como la pintura de borde duro y otras formas de abstracción geométrica como la obra de Frank Stella, como una reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto comenzó a aparecer en estudios de artistas y en vanguardia radical -gargar círculos. Clement Greenberg se convirtió en la voz de la abstracción post-pictórica; al comisariar una influyente exposición de pintura nueva recorriendo importantes museos de arte en todo Estados Unidos en 1964. La pintura de campo de color, la pintura de borde duro y la abstracción lírica surgieron como nuevas direcciones radicales.
A fines de la década de 1960, Postminimalism, Process Art y Arte Povera también surgieron como conceptos y movimientos revolucionarios que abarcan la pintura y la escultura, a través de la Abstracción lírica y el movimiento postminimalista, y en el arte conceptual temprano. El arte de proceso inspirado por Pollock permitió a los artistas experimentar y hacer uso de una enciclopedia diversa de estilo, contenido, material, ubicación, sentido del tiempo y espacio plástico y real. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam, Mario Merz, Peter Reginato, Lee Lozano, fueron algunos de los artistas más jóvenes que surgieron durante la era del modernismo tardío que engendró el apogeo del arte de finales de la década de 1960.
Arte de performance y happenings
Durante los últimos años de la década de 1950 y 1960, artistas con una amplia gama de intereses comenzaron a superar los límites del arte contemporáneo. Yves Klein en Francia, y Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman y Yoko Ono en la ciudad de Nueva York fueron pioneros de las obras de arte basadas en el rendimiento. Grupos como The Living Theatre con Julian Beck y Judith Malina colaboraron con escultores y pintores en la creación de ambientes; cambiando radicalmente la relación entre audiencia e intérprete, especialmente en su pieza Paradise Now. El Judson Dance Theater ubicado en Judson Memorial Church, Nueva York, y los bailarines Judson, notablemente Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton y otros colaboraron con los artistas Robert Morris. , Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg e ingenieros como Billy Klüver. Estas actuaciones a menudo se diseñaron para ser la creación de una nueva forma de arte, que combina escultura, danza y música o sonido, a menudo con la participación del público. Las filosofías reductivas del minimalismo, la improvisación espontánea y la expresividad del expresionismo abstracto caracterizaron las obras.
Durante el mismo período, desde finales de la década de 1950 hasta mediados de la década de 1960, varios artistas de vanguardia crearon Happenings. Los happenings eran misteriosos y, a menudo, reuniones espontáneas y sin guiones de artistas y sus amigos y familiares en diversos lugares especificados. A menudo incorpora ejercicios de absurdidad, ejercicio físico, disfraces, desnudez espontánea y varios actos aleatorios y aparentemente desconectados. Allan Kaprow, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms y Robert Whitman, entre otros, fueron creadores notables de Happenings.
Arte de ensamblaje
Relacionado con el expresionismo abstracto surgió la combinación de artículos manufacturados, con materiales de artistas, alejándose de las convenciones previas de pintura y escultura. El trabajo de Robert Rauschenberg, cuyas «cosechadoras» en la década de 1950 fueron precursoras del arte pop y el arte de la instalación, y utilizó el ensamblaje de grandes objetos físicos, incluidos peluches, pájaros y fotografía comercial, ejemplifica esta tendencia artística.
Leo Steinberg usa el término postmodernismo en 1969 para describir el plano pictórico «plano» de Rauschenberg, que contiene una gama de imágenes culturales y artefactos que no han sido compatibles con el campo pictórico de la pintura premodernista y modernista. Craig Owens va más allá, identificando la importancia del trabajo de Rauschenberg no como una representación de, en opinión de Steinberg, «el cambio de la naturaleza a la cultura», sino como una demostración de la imposibilidad de aceptar su oposición.
Steven Best y Douglas Kellner identifican a Rauschenberg y Jasper Johns como parte de la fase de transición, influenciada por Marcel Duchamp, entre el modernismo y el posmodernismo. Estos artistas usaron imágenes de objetos ordinarios, o los objetos mismos, en su trabajo, mientras conservaban la abstracción y los gestos pictóricos del alto modernismo.
Anselm Kiefer también utiliza elementos de ensamblaje en sus obras, y en una ocasión, presentó la proa de un barco de pesca en una pintura.
Arte pop
Lawrence Alloway usó el término «arte pop» para describir pinturas celebrando el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico, en favor del arte que representaba, y a menudo celebraba, la cultura de consumo material, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. Los primeros trabajos de David Hockney y los trabajos de Richard Hamilton, John McHale y Eduardo Paolozzi fueron considerados ejemplos fundamentales en el movimiento. Mientras que los ejemplos estadounidenses posteriores incluyen la mayor parte de las carreras de Andy Warhol y Roy Lichtenstein y su uso de puntos de Benday, una técnica utilizada en la reproducción comercial. Existe una clara conexión entre las obras radicales de Duchamp, el Dadaísta rebelde, con sentido del humor; y artistas Pop como Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein y los demás.
Thomas McEvilly, coincidiendo con Dave Hickey, dice que el posmodernismo estadounidense en las artes visuales comenzó con las primeras exhibiciones de arte pop en 1962, «aunque transcurrieron unos veinte años antes de que el posmodernismo se convirtiera en una actitud dominante en las artes visuales». Fredric Jameson también considera que el arte pop es posmoderno.
Una forma en que el arte pop es posmoderno es que rompe lo que Andreas Huyssen llama la «Gran brecha» entre el arte elevado y la cultura popular. El postmodernismo surge de un «rechazo generacional de las certezas categóricas del alto modernismo».
Fluxus
Fluxus fue nombrado y organizado libremente en 1962 por George Maciunas (1931-78), un artista estadounidense nacido en Lituania. Fluxus remonta sus comienzos a las clases de Composición Experimental de 1957 a 1959 de John Cage en la Nueva Escuela de Investigación Social en la ciudad de Nueva York. Muchos de sus alumnos eran artistas que trabajaban en otros medios con poca o ninguna experiencia en música. Los estudiantes de Cage incluyen a los miembros fundadores de Fluxus Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht y Dick Higgins. En 1962 en Alemania Fluxus comenzó con: FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik en Wiesbaden con, George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik y otros. Y en 1963 con: Festum Fluxorum Fluxus en Düsseldorf con George Maciunas, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, Nam June Paik, Ben Patterson, Emmett Williams y otros.
Fluxus fomentó una estética propia y valorada la simplicidad sobre la complejidad. Al igual que Dada antes, Fluxus incluyó una fuerte corriente de anti-comercialismo y una sensibilidad anti-arte, menospreciando el mundo del arte convencional impulsado por el mercado a favor de una práctica creativa centrada en el artista. Los artistas de Fluxus prefirieron trabajar con cualquier material que estuviera a mano, y crearon su propio trabajo o colaboraron en el proceso de creación con sus colegas.
Fluxus se puede ver como parte de la primera fase del posmodernismo, junto con Rauschenberg, Johns, Warhol y la Internacional Situacionista. Andreas Huyssen critica los intentos de reclamar a Fluxus por el posmodernismo como «ya sea el código maestro del posmodernismo o el movimiento de arte finalmente irrepresentable, por así decirlo, el postmodernismo es sublime». En cambio, ve a Fluxus como uno de los principales fenómenos neodidatistas dentro de la tradición de la vanguardia. No representó un avance importante en el desarrollo de las estrategias artísticas, aunque sí expresó una rebelión contra «la cultura administrada de la década de 1950, en la que un modernismo moderado y domesticado sirvió de apoyo ideológico a la Guerra Fría».
Minimalismo
A principios de la década de 1960, el minimalismo surgió como un movimiento abstracto en el arte (con raíces en la abstracción geométrica a través de Malevich, la Bauhaus y Mondrian) que rechazó la idea de pintura relacional y subjetiva, la complejidad de las superficies expresionistas abstractas y el espíritu y la polémica emocional presente en el ruedo de la pintura de acción. El minimalismo sostenía que la simplicidad extrema podía capturar la representación sublime que requiere el arte. Asociado con pintores como Frank Stella, el minimalismo en la pintura, a diferencia de otras áreas, es un movimiento modernista y, dependiendo del contexto, puede interpretarse como un precursor del movimiento posmoderno.
Hal Foster, en su ensayo The Crux of Minimalism, examina hasta qué punto Donald Judd y Robert Morris reconocen y superan el modernismo greenbergiano en sus definiciones publicadas de minimalismo. Argumenta que el minimalismo no es un «callejón sin salida» del modernismo, sino un «cambio de paradigma hacia prácticas posmodernas que continúan siendo elaboradas hoy».
Postminimalismo
Robert Pincus-Witten acuñó el término Post-minimalismo en 1977 para describir el arte derivado minimalista que tenía contenido y matices contextuales que el minimalismo rechazaba. Su uso del término cubrió el período 1966-1976 y se aplicó al trabajo de Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra y el nuevo trabajo de los ex minimalistas Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt y Barry Le Va, entre otros. Arte de procesos y arte antiforma son otros términos que describen este trabajo, que el espacio que ocupa y el proceso por el que se realiza determinan.
Rosalind Krauss sostiene que en 1968 artistas como Morris, LeWitt, Smithson y Serra «entraron en una situación cuyas condiciones lógicas ya no pueden describirse como modernistas». La expansión de la categoría de escultura para incluir el land art y la arquitectura, «provocó el cambio hacia el posmodernismo».
Minimalistas como Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin, John McCracken y otros continuaron produciendo sus pinturas y esculturas modernistas tardías para el resto de sus carreras.
Movimientos en el arte posmoderno
Arte conceptual
El arte conceptual a veces se etiqueta como posmoderno porque está expresamente involucrado en la deconstrucción de lo que hace una obra de arte, el «arte». El arte conceptual, porque a menudo está diseñado para confrontar, ofender o atacar las nociones sostenidas por muchas de las personas que lo ven, se considera con una controversia particular.
Los precursores del arte conceptual incluyen el trabajo de Duchamp, el 4 ’33 «de John Cage, en el que se dice que la música es» los sonidos del entorno que los oyentes escuchan mientras se realiza «y el dibujo borrado de De Kooning de Rauschenberg. las obras conceptuales toman la posición de que el arte es creado por el espectador viendo un objeto o actuando como arte, no por las cualidades intrínsecas de la obra en sí misma. Por lo tanto, debido a que Fountain fue exhibida, fue una escultura.
Arte de instalación
Una serie importante de movimientos en el arte que han sido consistentemente descritos como arte postmoderno de instalación y creación de artefactos que son de naturaleza conceptual. Un ejemplo son los signos de Jenny Holzer, que utiliza los dispositivos del arte para transmitir mensajes específicos, como «Protégeme de lo que quiero». Instalación El arte ha sido importante para determinar los espacios seleccionados para los museos de arte contemporáneo con el fin de poder sostener las grandes obras que se componen de grandes collages de objetos fabricados y encontrados. Estas instalaciones y collages a menudo están electrificados, con partes móviles y luces.
Con frecuencia están diseñados para crear efectos ambientales, como la Cortina de Hierro de Christo y Jeanne-Claude, Muro de los 240 Barriles de Aceite, Bloqueo Rue Visconti, París, junio de 1962, que fue una respuesta poética al Muro de Berlín construido en 1961.
Arte lowbrow
Lowbrow es un movimiento de arte popular populista con orígenes en el mundo del comix underground, la música punk, la cultura callejera y otras subculturas de California. También se lo conoce con el nombre pop surrealismo. El arte Lowbrow resalta un tema central en el posmodernismo en el sentido de que la distinción entre arte «alto» y «bajo» ya no se reconoce.
Arte de performance
Arte digital
El arte digital es un término general para una variedad de obras y prácticas artísticas que utilizan la tecnología digital como parte esencial del proceso creativo y / o de presentación. El impacto de la tecnología digital ha transformado actividades como la pintura, el dibujo, la escultura y la música / arte sonoro, mientras que las nuevas formas, como el net art, el arte de instalación digital y la realidad virtual, se han convertido en prácticas artísticas reconocidas.
Los principales teóricos del arte e historiadores en este campo incluyen a Christiane Paul, Frank Popper, Christine Buci-Glucksmann, Dominique Moulon, Robert C. Morgan, Roy Ascott, Catherine Perret, Margot Lovejoy, Edmond Couchot, Fred Forest y Edward A. Shanken.
Intermedia y multimedia
Otra tendencia en el arte que se ha asociado con el término posmoderno es el uso de varios medios diferentes juntos. Intermedia, un término acuñado por Dick Higgins y destinado a transmitir nuevas formas de arte a lo largo de las líneas de Fluxus, Poesía concreta, Objetos encontrados, Arte de performance y Arte de la computadora. Higgins fue el editor de Something Else Press, un poeta concreto, casado con la artista Alison Knowles y admirador de Marcel Duchamp. Ihab Hassan incluye, «Intermedia, la fusión de formas, la confusión de reinos», en su lista de las características del arte posmoderno. Una de las formas más comunes de «arte multimedia» es el uso de video-tape y monitores CRT, denominados Video Art. Si bien la teoría de combinar múltiples artes en un solo arte es bastante antigua y ha sido revivida periódicamente, la manifestación posmoderna a menudo se combina con el performance art, donde se elimina el subtexto dramático, y lo que queda son las declaraciones específicas del artista en pregunta o la declaración conceptual de su acción. La concepción de Higgin de Intermedia está conectada con el crecimiento de la práctica digital multimedia, como la realidad virtual inmersiva, el arte digital y el arte informático.
Arte telemático
El arte telemático es una descripción de proyectos de arte que utilizan redes de telecomunicaciones mediadas por computadora como su medio. El arte telemático desafía la relación tradicional entre sujetos de visualización activos y objetos de arte pasivos mediante la creación de contextos interactivos de comportamiento para encuentros estéticos remotos. Roy Ascott ve la forma de arte telemático como la transformación del espectador en un participante activo de la creación de la obra de arte que permanece en proceso a lo largo de su duración. Ascott ha estado a la vanguardia de la teoría y la práctica del arte telemático desde 1978 cuando se conectó por primera vez a Internet, organizando diferentes proyectos colaborativos en línea.
Arte de apropiación y arte neo-conceptual
En su ensayo de 1980 The Allegorical Impulse: Toward a Theory of Postmodernism, Craig Owens identifica el resurgimiento de un impulso alegórico como característica del arte posmoderno. Este impulso se puede ver en el arte de la apropiación de artistas como Sherrie Levine y Robert Longo porque «las imágenes alegóricas son imágenes apropiadas». El arte de la apropiación desacredita las nociones modernistas de genialidad artística y originalidad y es más ambivalente y contradictorio que el arte moderno, al mismo tiempo que instala y subvierte las ideologías, «siendo críticas y cómplices».
Neo-expresionismo y pintura
El retorno a las formas artísticas tradicionales de la escultura y la pintura a fines de los años setenta y principios de los ochenta, visto en el trabajo de artistas neoexpresionistas como Georg Baselitz y Julian Schnabel, ha sido descrito como una tendencia posmoderna y uno de los primeros movimientos coherentes en emerger en la era posmoderna. Sin embargo, sus fuertes vínculos con el mercado de arte comercial han suscitado dudas acerca de su estatus como movimiento posmoderno y la definición de posmodernidad en sí misma. Hal Foster declara que el neoexpresionismo fue cómplice de la política cultural conservadora de la era Reagan-Bush en los EE. UU. Félix Guattari hace caso omiso de las «grandes operaciones promocionales llamadas ‘neoexpresionismo’ en Alemania» (un ejemplo de una «moda que mantiene»). sí mismo por medio de la publicidad «) como una manera demasiado fácil para él» de demostrar que el posmodernismo no es más que el último suspiro del modernismo «. Estas críticas al neoexpresionismo revelan que el dinero y las relaciones públicas realmente sostuvieron la credibilidad mundial del arte contemporáneo en Estados Unidos durante el mismo período en que los artistas conceptuales y las prácticas de mujeres artistas, incluidos pintores y teóricas feministas como Griselda Pollock, reevaluaban sistemáticamente el arte moderno. Brian Massumi afirma que Deleuze y Guattari abren el horizonte de nuevas definiciones de belleza en el arte posmoderno. Para Jean-François Lyotard, fue la pintura de los artistas Valerio Adami, Daniel Buren, Marcel Duchamp, Bracha Ettinger y Barnett Newman que, después del tiempo de la vanguardia y la pintura de Paul Cézanne y Wassily Kandinsky, fue el vehículo para nuevos ideas de lo sublime en el arte contemporáneo.
Crítica institucional
Las críticas a las instituciones del arte (principalmente museos y galerías) están hechas en el trabajo de Michael Asher, Marcel Broodthaers, Daniel Buren y Hans Haacke.