Art postmoderne

Art

L’art postmoderne est un ensemble de mouvements artistiques qui cherchaient à contredire certains aspects du modernisme ou certains aspects qui émergèrent ou se développèrent à la suite de celui-ci. En général, les mouvements tels que l’intermedia, l’art d’installation, l’art conceptuel et le multimédia, en particulier la vidéo, sont décrits comme postmodernes.

Il y a plusieurs caractéristiques qui permettent à l’art d’être postmoderne; il s’agit notamment du bricolage, de l’utilisation des mots comme élément artistique central, du collage, de la simplification, de l’appropriation, de la performance, du recyclage des styles et des thèmes du passé, ainsi que de l’effondrement de la barrière entre et les arts et les arts populaires et la culture populaire.

Utilisation du terme
Le terme prédominant pour l’art produit depuis les années 1950 est «art contemporain». Tous les arts étiquetés comme art contemporain sont postmodernes, et le terme plus large englobe à la fois les artistes qui continuent à travailler dans les traditions modernistes et modernistes tardives, ainsi que les artistes qui rejettent le postmodernisme pour d’autres raisons. Arthur Danto soutient que «contemporain» est le terme le plus large et que les objets postmodernes représentent un «sous-secteur» du mouvement contemporain. Certains artistes postmodernes ont fait des ruptures plus marquées par rapport aux idées de l’art moderne et il n’y a pas de consensus sur ce qui est «moderne» et ce qui est «postmoderne». Les idées rejetées par l’esthétique moderne ont été rétablies. En peinture, le postmodernisme réintroduit la représentation. Certains critiques soutiennent qu’une grande partie de l’art «postmoderne» actuel, le dernier avant-gardisme, devrait toujours être considéré comme de l’art moderne.

En plus de décrire certaines tendances de l’art contemporain, le postmoderne a également été utilisé pour désigner une phase de l’art moderne. Les défenseurs du modernisme, tels que Clement Greenberg, ainsi que les opposants radicaux au modernisme, tels que Félix Guattari, qui l’appelle le «dernier souffle» du modernisme, ont adopté cette position. Le néo-conservateur Hilton Kramer décrit le postmodernisme comme «une création du modernisme au bout de son élan». Jean-François Lyotard, dans l’analyse de Fredric Jameson, ne soutient pas qu’il existe une étape postmoderne radicalement différente de la période du haut modernisme; au contraire, le mécontentement postmoderne de tel ou tel style moderniste fait partie de l’expérimentation du haut modernisme, donnant naissance à de nouveaux modernismes. Dans le contexte de l’esthétique et de l’art, Jean-François Lyotard est un philosophe majeur du postmodernisme.

Beaucoup de critiques soutiennent que l’art postmoderne émerge de l’art moderne. Les dates suggérées pour le passage du moderne au postmoderne incluent 1914 en Europe et 1962 ou 1968 en Amérique. James Elkins, commentant les discussions sur la date exacte de la transition du modernisme au postmodernisme, le compare à la discussion des années 1960 sur la durée exacte du maniérisme et sur le point de savoir s’il devrait commencer directement après la Haute Renaissance ou plus tard. Il fait le point sur ces débats en ce qui concerne les mouvements artistiques et les périodes, ce qui ne veut pas dire qu’ils ne sont pas importants. La fin de la période de l’art postmoderne a été datée de la fin des années 1980, lorsque le mot postmodernisme a perdu une grande partie de sa résonance critique, et les pratiques artistiques ont commencé à aborder l’impact de la mondialisation et des nouveaux médias.

Le philosophe marxiste américain Fredric Jameson soutient que les conditions de vie et de production se refléteront dans toutes les activités, y compris la fabrication de l’art.

Jean Baudrillard a eu une influence significative sur l’art postmoderne et a souligné les possibilités de nouvelles formes de créativité. L’artiste Peter Halley décrit ses couleurs de jour-glo comme «hyperréalisation de la couleur réelle» et reconnaît Baudrillard comme une influence. Baudrillard lui-même, depuis 1984, était assez cohérent à son avis, l’art contemporain, et l’art postmoderne en particulier, était inférieur à l’art moderniste de l’après-guerre, tandis que Jean-François Lyotard louait la peinture contemporaine. art. Les artistes féminins majeurs du XXe siècle sont associés à l’art postmoderne puisque beaucoup d’articulation théorique de leur travail a émergé de la psychanalyse française et de la théorie féministe fortement liée à la philosophie postmoderne.

Comme pour toutes les utilisations du terme postmoderne, il y a des critiques de son application. Kirk Varnedoe, par exemple, a déclaré que le postmodernisme n’existe pas et que les possibilités du modernisme n’ont pas encore été épuisées. Bien que l’utilisation du terme comme une sorte de raccourci pour désigner le travail de certaines «écoles» de l’après-guerre employant des techniques matérielles et génériques relativement spécifiques est devenue conventionnelle depuis le milieu des années 1980, les fondements théoriques du postmodernisme comme division épiscopale ou épistémique. sont encore très controversés.

Définir l’art postmoderne
Le postmodernisme décrit les mouvements qui découlent tous deux, et réagissent contre ou rejettent, les tendances du modernisme. Citations générales pour les tendances spécifiques du modernisme sont la pureté formelle, la spécificité moyenne, l’art pour l’art, l’authenticité, l’universalité, l’originalité et la tendance révolutionnaire ou réactionnaire, à savoir l’avant-garde. Cependant, le paradoxe est probablement l’idée moderniste la plus importante contre laquelle réagit le postmodernisme. Le paradoxe était au centre de l’entreprise moderniste, que Manet a introduite. Les diverses violations de l’art figuratif par Manet ont mis en évidence l’exclusivité mutuelle supposée de la réalité et de la représentation, du design et de la représentation, de l’abstraction et de la réalité, etc. L’incorporation du paradoxe était très stimulante de Manet aux conceptualistes.

Le statut de l’avant-garde est sujet à controverse: de nombreuses institutions affirment être visionnaires, visionnaires, avant-gardistes et progressistes sont cruciales pour la mission de l’art dans le présent, et donc l’art postmoderne contredit la valeur de “l’art de notre temps”. “. Le postmodernisme rejette la notion d’avancement ou de progrès dans l’art en soi et vise ainsi à renverser le «mythe de l’avant-garde». Rosalind Krauss était l’un des principaux représentants de l’idée que l’avant-gardisme était terminé et que la nouvelle ère artistique était post-libérale et post-progressiste. Griselda Pollock a étudié et confronté l’avant-garde et l’art moderne dans une série de livres révolutionnaires, passant en revue l’art moderne en même temps que la redéfinition de l’art postmoderne.

Une caractéristique de l’art postmoderne est son mélange de culture haute et basse à travers l’utilisation de matériaux industriels et l’imagerie de la culture pop. L’utilisation de formes d’art basses faisait également partie de l’expérimentation moderniste, comme en témoigne l’exposition de 1990-1991 de Kirk Varnedoe et Adam Gopnik intitulée High and Low: Culture populaire et art moderne au Museum of Modern Art de New York, une exposition universelle. Pané à l’époque comme le seul événement qui pourrait réunir Douglas Crimp et Hilton Kramer dans un concert de mépris. L’art postmoderne est connu pour la façon dont il brouille les distinctions entre ce qui est perçu comme de l’art ou de l’art et ce qui est généralement considéré comme de l’art bas ou kitsch. Tandis que ce concept de «flou» ou de «fusion» du high art avec le low art avait été expérimenté pendant le modernisme, il n’a été pleinement approuvé qu’après l’avènement de l’ère postmoderne. Le postmodernisme introduit des éléments de commercialisme, de kitsch et d’esthétique générale de camp dans son contexte artistique; Le postmodernisme prend des styles des périodes passées, tels que le gothicisme, la Renaissance et le baroque, et les mélange de manière à ignorer leur utilisation originale dans leur mouvement artistique correspondant. De tels éléments sont des caractéristiques communes de ce qui définit l’art postmoderne.

Fredric Jameson suggère que les œuvres postmodernes abjureraient toute prétention à la spontanéité et à la franchise de l’expression, en faisant usage au lieu du pastiche et de la discontinuité. Contre cette définition, Charles Harrison et Paul Wood d’Art and Language maintiennent que le pastiche et la discontinuité sont endémiques à l’art moderniste et sont effectivement déployés par des artistes modernes tels que Manet et Picasso.

Une définition compacte est le postmodernisme rejette les grands récits de la direction artistique du modernisme, éradiquant les frontières entre les formes d’art hautes et basses, et de perturber les conventions de genre avec la collision, le collage et la fragmentation. L’art postmoderne soutient que toutes les positions sont instables et non sincères, et donc l’ironie, la parodie et l’humour sont les seules positions que la critique ou la révision ne peuvent renverser. Le «pluralisme et la diversité» sont d’autres caractéristiques déterminantes.

Précurseurs d’avant-garde
Les mouvements radicaux et les tendances considérées comme influentes et potentiellement comme précurseurs du postmodernisme ont émergé autour de la Première Guerre mondiale et en particulier dans ses suites. Avec l’introduction de l’utilisation des artefacts industriels dans l’art et des techniques telles que le collage, les mouvements d’avant-garde tels que le cubisme, le dada et le surréalisme ont remis en question la nature et la valeur de l’art. De nouvelles formes d’art, comme le cinéma et la montée de la reproduction, ont influencé ces mouvements comme moyen de créer des œuvres d’art. Point de départ de la définition du modernisme, l’essai de Clement Greenberg, Avant-Garde et Kitsch, publié pour la première fois dans Partisan Review en 1939, défend l’avant-garde face à la culture populaire. Plus tard, Peter Bürger ferait une distinction entre l’avant-garde historique et le modernisme, et des critiques tels que Krauss, Huyssen et Douglas Crimp, à la suite de Bürger, ont identifié l’avant-garde historique comme un précurseur du postmodernisme. Krauss, par exemple, décrit l’utilisation du collage par Pablo Picasso comme une pratique d’avant-garde qui anticipe l’art postmoderne en mettant l’accent sur le langage au détriment de l’autobiographie. Un autre point de vue est l’avant-garde et les artistes modernistes ont utilisé des stratégies similaires et le postmodernisme répudie les deux.

Dada
Au début du XXe siècle, Marcel Duchamp expose un urinoir en tant que sculpture. Il voulait que les gens regardent l’urinoir comme s’il s’agissait d’une œuvre d’art simplement parce qu’il a dit que c’était une œuvre d’art. Il a fait référence à son travail en tant que “Readymades”. La fontaine était un urinoir signé du pseudonyme R. Mutt, qui a choqué le monde de l’art en 1917. Les autres œuvres de Duchamp et de ce dernier sont généralement étiquetées Dada. Duchamp peut être considéré comme un précurseur de l’art conceptuel. Certains critiques s’interrogent sur l’appel de Duchamp – dont l’obsession du paradoxe est bien connue – postmoderniste au motif qu’il évite tout média spécifique, puisque le paradoxe n’est pas spécifique au médium, bien qu’il soit apparu d’abord dans les peintures de Manet.

Le dadaïsme peut être considéré comme faisant partie de la propension moderniste à défier les styles et les formes établis, avec le surréalisme, le futurisme et l’expressionnisme abstrait. D’un point de vue chronologique, Dada est solidement ancré dans le modernisme, mais un certain nombre de critiques estiment qu’il anticipe le postmodernisme, tandis que d’autres, comme Ihab Hassan et Steven Connor, le considèrent comme un possible basculement entre modernisme et postmodernisme. Par exemple, selon McEvilly, le postmodernisme commence par se rendre compte qu’on ne croit plus au mythe du progrès, et Duchamp le sentit en 1914 quand il passa d’une pratique moderniste à une pratique postmoderniste, «abjurant la délectation esthétique, l’ambition transcendante et le tour de forcer des démonstrations d’agilité formelle en faveur de l’indifférence esthétique, de la reconnaissance du monde ordinaire et de l’objet trouvé ou du readymade. ”

Mouvements radicaux dans l’art moderne
En général, le Pop Art et le Minimalisme ont commencé comme des mouvements modernistes: un changement de paradigme et une séparation philosophique entre le formalisme et l’anti-formalisme au début des années 1970 ont fait de ces mouvements des précurseurs ou des arts postmodernes transitoires. D’autres mouvements modernes cités comme influents dans l’art postmoderne sont l’art conceptuel et l’utilisation de techniques telles que l’assemblage, le montage, le bricolage et l’appropriation.

Jackson Pollock et l’expressionnisme abstrait
À la fin des années 1940 et au début des années 1950, l’approche radicale de Pollock à la peinture révolutionne le potentiel de tout l’art contemporain qui le suit. Pollock a réalisé que le voyage vers une œuvre d’art était aussi important que l’œuvre d’art elle-même. Comme les réinventions innovantes de Pablo Picasso de la peinture et de la sculpture au tournant du siècle par le biais du cubisme et de la sculpture construite, Pollock redéfinit l’art au milieu du siècle. Le mouvement de Pollock de la peinture de chevalet et de la conventionnalité a libéré ses artistes contemporains et artistes suivants. Ils ont réalisé le processus de Pollock – travailler sur le sol, toile brute non étirée, des quatre côtés, utilisant des matériaux d’artiste, des matériaux industriels, des images, des images, des images linéaires, des dessins, des colorations, etc. limites. L’expressionnisme abstrait élargit et développe les définitions et les possibilités qu’ont les artistes pour la création de nouvelles œuvres d’art. Dans un sens, les innovations de Jackson Pollock, Willem Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Hofmann, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt et d’autres ont ouvert la porte à la diversité et à la portée des œuvres suivantes.

Après l’expressionnisme abstrait
Dans la peinture abstraite pendant les années 1950 et 1960 plusieurs nouvelles directions comme Hard-edge painting et d’autres formes d’abstraction géométrique comme l’œuvre de Frank Stella ont surgi, comme une réaction contre le subjectivisme de l’expressionnisme abstrait a commencé à apparaître dans les studios d’artistes et cercles de garde. Clément Greenberg devint la voix de l’abstraction post-peintre; en organisant en 1964 une exposition influente de nouveaux tableaux faisant le tour des grands musées d’art aux États-Unis. La peinture sur le terrain, la peinture Hard-edge et l’abstraction lyrique ont émergé comme de nouvelles directions radicales.

À la fin des années 1960, le Postminimalisme, l’Art Process et l’Arte Povera sont également apparus comme des concepts et des mouvements révolutionnaires englobant la peinture et la sculpture, via l’abstraction lyrique et le mouvement postminimaliste, et au début de l’art conceptuel. L’art du processus, inspiré par les artistes de Pollock, a permis d’expérimenter et de faire usage d’une encyclopédie diversifiée de style, de contenu, de matériel, de placement, de sens du temps et d’espace plastique et réel. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam, Mario Merz, Peter Reginato, Lee Lozano, sont quelques-uns des artistes les plus jeunes qui émergent à l’époque du modernisme tardif, engendrant l’apogée de l’art de la fin des années 1960.

Performance art et happenings
À la fin des années 1950 et 1960, les artistes ayant un large éventail d’intérêts ont commencé à repousser les limites de l’art contemporain. Yves Klein en France et Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman et Yoko Ono à New York ont ​​été les pionniers des œuvres d’art basées sur la performance. Des groupes comme The Living Theatre avec Julian Beck et Judith Malina ont collaboré avec des sculpteurs et des peintres créant des environnements; radicalement changer la relation entre le public et l’interprète en particulier dans leur pièce Paradise Now. Le Judson Dance Theatre situé à la Judson Memorial Church de New York et les danseurs Judson, notamment Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton et d’autres ont collaboré avec les artistes Robert Morris. Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg et des ingénieurs comme Billy Klüver. Ces performances ont souvent été conçues pour créer une nouvelle forme d’art, combinant la sculpture, la danse et la musique ou le son, souvent avec la participation du public. Les philosophies réductrices du minimalisme, de l’improvisation spontanée et de l’expressivité de l’expressionnisme abstrait ont caractérisé les œuvres.

Au cours de la même période – de la fin des années 1950 au milieu des années 1960 – divers artistes d’avant-garde ont créé Happenings. Les happenings étaient des rassemblements mystérieux et souvent spontanés et improvisés d’artistes et de leurs amis et parents dans divers endroits spécifiés. Souvent incorporant des exercices dans l’absurdité, l’exercice physique, les costumes, la nudité spontanée, et divers actes aléatoires et apparemment déconnectés. Allan Kaprow, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms et Robert Whitman, entre autres, ont été des créateurs notables d’Happenings.

Art d’assemblage
Relatif à l’expressionnisme abstrait a été l’émergence de produits manufacturés combinés – avec des matériaux d’artiste, s’éloignant des conventions précédentes de la peinture et de la sculpture. L’œuvre de Robert Rauschenberg, dont les «moissonneuses-batteuses» des années 1950 étaient précurseurs de l’art pop et de l’installation, et l’assemblage de grands objets physiques, animaux en peluche, oiseaux et photographie commerciale, illustrent cette tendance.

Leo Steinberg utilise le terme postmodernisme en 1969 pour décrire le plan d’image «à plat» de Rauschenberg, contenant une gamme d’images culturelles et d’artefacts qui n’étaient pas compatibles avec le domaine pictural de la peinture prémoderniste et moderniste. Craig Owens va plus loin, en identifiant la signification de l’œuvre de Rauschenberg non pas comme une représentation de, selon Steinberg, «le passage de la nature à la culture», mais comme une démonstration de l’impossibilité d’accepter leur opposition.

Steven Best et Douglas Kellner identifient Rauschenberg et Jasper Johns dans le cadre de la phase de transition, influencée par Marcel Duchamp, entre modernisme et postmodernisme. Ces artistes utilisent des images d’objets ordinaires, ou des objets eux-mêmes, dans leur travail, tout en conservant l’abstraction et les gestes picturaux du haut modernisme.

Anselm Kiefer utilise également des éléments d’assemblage dans ses œuvres, et à une occasion, a présenté l’arc d’un bateau de pêche dans un tableau.

Pop Art
Lawrence Alloway a utilisé le terme «Pop art» pour décrire des peintures célébrant le consumérisme de l’après Seconde Guerre mondiale. Ce mouvement a rejeté l’expressionnisme abstrait et son accent sur l’intérieur herméneutique et psychologique, en faveur de l’art qui dépeint, et souvent célébré, la culture de consommation matérielle, la publicité et l’iconographie de l’âge de la production de masse. Les premiers travaux de David Hockney et les travaux de Richard Hamilton, John McHale et Eduardo Paolozzi ont été considérés comme des exemples emblématiques du mouvement. Tandis que les exemples américains ultérieurs incluent la majeure partie des carrières d’Andy Warhol et de Roy Lichtenstein et son utilisation des points de Benday, une technique utilisée dans la reproduction commerciale. Il y a un lien clair entre les œuvres radicales de Duchamp, le rebelle dadaïste – avec un sens de l’humour; et Pop Artists comme Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein et les autres.

Thomas McEvilly, d’accord avec Dave Hickey, affirme que le postmodernisme américain dans les arts visuels a commencé avec les premières expositions du Pop Art en 1962, «bien qu’il ait fallu environ vingt ans avant que le postmodernisme devienne une attitude dominante dans les arts visuels». Fredric Jameson, lui aussi, considère le pop art comme postmoderne.

Le Pop art est postmoderne, car il décompose ce que Andreas Huyssen appelle le «grand fossé» entre le grand art et la culture populaire. Le postmodernisme émerge d’un «refus générationnel des certitudes catégoriques du haut modernisme».

Fluxus
Fluxus a été nommé et librement organisé en 1962 par George Maciunas (1931-78), un artiste américain né en Lituanie. Fluxus retrace ses débuts aux cours de composition expérimentale de John Cage de 1957 à 1959 à la New School for Social Research de New York. Beaucoup de ses étudiants étaient des artistes travaillant dans d’autres médias avec peu ou pas d’expérience en musique. Les étudiants de Cage comprenaient les membres fondateurs de Fluxus, Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht et Dick Higgins. En 1962 en Allemagne Fluxus a commencé avec: FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik à Wiesbaden avec George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik et d’autres. Et en 1963 avec le: Festum Fluxorum Fluxus à Düsseldorf avec George Maciunas, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, Nam June Paik, Ben Patterson, Emmett Williams et d’autres.

Fluxus a encouragé une esthétique à faire soi-même, et a valorisé la simplicité plutôt que la complexité. Comme Dada avant elle, Fluxus incluait un fort courant d’anti-commercialisme et une sensibilité anti-artistique, dénigrant le monde de l’art conventionnel axé sur le marché en faveur d’une pratique créative centrée sur l’artiste. Les artistes de Fluxus ont préféré travailler avec tous les matériaux disponibles et ont créé leur propre travail ou collaboré au processus de création avec leurs collègues.

Fluxus peut être considéré comme faisant partie de la première phase du postmodernisme, avec Rauschenberg, Johns, Warhol et l’Internationale situationniste. Andreas Huyssen critique les tentatives de réclamer Fluxus pour le postmodernisme comme «soit le maître-code du postmodernisme, soit le mouvement artistique finalement irreprésentable – pour ainsi dire, le sublime du postmodernisme». Au lieu de cela, il voit Fluxus comme un phénomène néo-dadaïste majeur dans la tradition d’avant-garde. Il n’a pas représenté une avancée majeure dans le développement des stratégies artistiques, bien qu’il ait exprimé une rébellion contre, “la culture administrée des années 1950, dans laquelle un modernisme modéré et domestiqué a servi de soutien idéologique à la guerre froide”.

Minimalisme
Au début des années 1960, le minimalisme émergea comme un mouvement abstrait dans l’art (avec des racines dans l’abstraction géométrique via Malevich, le Bauhaus et Mondrian) qui rejetait l’idée de peinture relationnelle et subjective, la complexité des surfaces expressionnistes abstraites et le zeitgeist et la polémique émotionnelle présent dans l’arène de la peinture d’action. Le minimalisme soutenait que l’extrême simplicité pouvait saisir la représentation sublime que l’art exige. Associé à des peintres tels que Frank Stella, le minimalisme en peinture, par opposition à d’autres domaines, est un mouvement moderniste et selon le contexte peut être interprété comme un précurseur du mouvement postmoderne.

Hal Foster, dans son essai The Crux of Minimalism, examine dans quelle mesure Donald Judd et Robert Morris reconnaissent et dépassent le modernisme greenbergien dans leurs définitions publiées du minimalisme. Il soutient que le minimalisme n’est pas une «impasse» du modernisme, mais un «changement de paradigme vers des pratiques postmodernes qui continuent d’être élaborées aujourd’hui».

Postminimalisme
Robert Pincus-Witten a inventé le terme Post-minimalisme en 1977 pour décrire l’art dérivé minimaliste qui avait le contenu et le minimalisme contextuel rejets rejetés. Son utilisation du terme a couvert la période 1966-1976 et appliqué au travail d’Eva Hesse, de Keith Sonnier, de Richard Serra et du nouveau travail par les anciens minimalistes Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt, et Barry Le Va, et d’autres. L’art du procédé et l’art anti-forme sont d’autres termes décrivant ce travail, que détermine l’espace qu’il occupe et le processus par lequel il est réalisé.

Rosalind Krauss soutient qu’en 1968, des artistes tels que Morris, LeWitt, Smithson et Serra «sont entrés dans une situation dont les conditions logiques ne peuvent plus être qualifiées de modernistes». L’expansion de la catégorie de la sculpture pour inclure l’art terrestre et l’architecture, «a provoqué le passage au postmodernisme».

Minimalistes comme Donald Judd, Dan Flavin, Carl André, Agnes Martin, John McCracken et d’autres ont continué à produire leurs peintures et sculptures de la fin du modernisme pour le reste de leur carrière.

Mouvements dans l’art postmoderne

Art conceptuel
L’art conceptuel est parfois qualifié de postmoderne parce qu’il est expressément impliqué dans la déconstruction de ce qui fait une œuvre d’art, «l’art». L’art conceptuel, parce qu’il est souvent conçu pour confronter, offenser ou attaquer des notions détenues par beaucoup de ceux qui le voient, est considéré avec une controverse particulière.

Les précurseurs de l’art conceptuel incluent le travail de Duchamp, 4 ’33 “de John Cage, dans lequel la musique est dite être” les sons de l’environnement que les auditeurs entendent pendant qu’elle est jouée “, et Erased De Kooning Drawing de Rauschenberg. Les œuvres conceptuelles prennent la position que l’art est créé par le spectateur regardant un objet ou agissant comme un art, et non pas à partir des qualités intrinsèques de l’œuvre elle-même.Par conséquent, parce que Fountain a été exposée, c’était une sculpture.

Installation d’art
Une série importante de mouvements dans l’art qui ont toujours été décrits comme postmodernes impliquait l’art de l’installation et la création d’artefacts de nature conceptuelle. Un exemple étant les signes de Jenny Holzer qui utilisent les dispositifs de l’art pour transmettre des messages spécifiques, tels que “Protégez-moi de ce que je veux”. Installation L’art a joué un rôle important dans la détermination des espaces choisis pour les musées d’art contemporain afin de pouvoir accueillir les grands travaux composés de vastes collages d’objets manufacturés et trouvés. Ces installations et collages sont souvent électrifiés, avec des pièces mobiles et des lumières.

Elles sont souvent conçues pour créer des effets environnementaux, comme le Rideau de fer de Christo et Jeanne-Claude, Mur de 240 barils de pétrole, Blocage rue Visconti, Paris, juin 1962 qui fut une réponse poétique au Mur de Berlin construit en 1961.

Art Lowbrow
Lowbrow est un mouvement d’art populiste largement répandu avec des origines dans le monde de la comix underground, de la musique punk, de la culture de rue hot-rod et d’autres sous-cultures californiennes. Il est aussi souvent connu sous le nom de surréalisme pop. L’art de Lowbrow souligne un thème central dans le postmodernisme en ce que la distinction entre l’art “haut” et “bas” n’est plus reconnue.

Art de la performance

Art numérique
L’art numérique est un terme général pour une gamme de travaux et de pratiques artistiques qui utilisent la technologie numérique comme une partie essentielle du processus de création et / ou de présentation. L’impact de la technologie numérique a transformé des activités telles que la peinture, le dessin, la sculpture et la musique / art sonore, tandis que de nouvelles formes, telles que l’art net, l’installation numérique et la réalité virtuelle, sont devenues des pratiques artistiques reconnues.

Les principaux théoriciens et historiens de l’art dans ce domaine comprennent Christiane Paul, Frank Popper, Christine Buci-Glucksmann, Dominique Moulon, Robert C. Morgan, Roy Ascott, Catherine Perret, Margot Lovejoy, Edmond Couchot, Fred Forest et Edward A. Shanken.

Intermedia et multimédia
Une autre tendance dans l’art qui a été associée au terme postmoderne est l’utilisation d’un certain nombre de médias différents ensemble. Intermedia, un terme inventé par Dick Higgins et destiné à transmettre de nouvelles formes d’art sur le thème de Fluxus, de la poésie concrète, des objets trouvés, de l’art de la performance et de l’art informatique. Higgins était l’éditeur du Something Else Press, un poète concret, marié à l’artiste Alison Knowles et un admirateur de Marcel Duchamp. Ihab Hassan inclut, «Intermedia, la fusion des formes, la confusion des royaumes», dans sa liste des caractéristiques de l’art postmoderne. L’une des formes les plus courantes de «l’art multimédia» est l’utilisation de magnétoscopes et de moniteurs CRT, appelés art vidéo. Alors que la théorie de combiner plusieurs arts en un art est assez ancienne et a été relancée périodiquement, la manifestation postmoderne est souvent associée à l’art de la performance, où le sous-texte dramatique est supprimé, et ce qui reste est les déclarations spécifiques de l’artiste. question ou l’énoncé conceptuel de leur action. La conception d’Intermedia par Higgin est liée à la croissance de la pratique numérique multimédia telle que la réalité virtuelle immersive, l’art numérique et l’art informatique.

Art télématique
L’art télématique est un descriptif de projets artistiques utilisant des réseaux de télécommunications assistés par ordinateur comme moyen de communication. L’art télématique défie la relation traditionnelle entre les sujets actifs et les objets d’art passifs en créant des contextes interactifs et comportementaux pour des rencontres esthétiques à distance. Roy Ascott considère la forme d’art télématique comme la transformation du spectateur en un participant actif de la création de l’œuvre qui reste en cours pendant toute sa durée. Ascott a été à la pointe de la théorie et de la pratique de l’art télématique depuis 1978, date à laquelle il s’est mis en ligne pour la première fois, en organisant différents projets collaboratifs en ligne.

Art de l’appropriation et art néo-conceptuel
Dans son essai de 1980, The Allegorical Impulse: Vers une théorie du postmodernisme, Craig Owens identifie la réapparition d’une impulsion allégorique comme caractéristique de l’art postmoderne. Cette impulsion peut être vu dans l’art de l’appropriation des artistes tels que Sherrie Levine et Robert Longo parce que, “l’imagerie allégorique est l’imagerie appropriée.” L’art de l’appropriation démolit les notions modernistes de génie artistique et d’originalité et est plus ambivalent et contradictoire que l’art moderne, en même temps qu’il installe et subvertit les idéologies, «étant à la fois critique et complice».

Néo-expressionnisme et peinture
Le retour aux formes artistiques traditionnelles de la sculpture et de la peinture à la fin des années 1970 et au début des années 1980 a été décrit comme une tendance postmoderne et l’un des premiers mouvements cohérents à avoir été réalisé par des artistes néo-expressionnistes tels que Georg Baselitz et Julian Schnabel. émerger dans l’ère postmoderne. Ses liens forts avec le marché de l’art commercial ont toutefois soulevé des questions, à la fois sur son statut de mouvement postmoderne et sur la définition du postmodernisme lui-même. Hal Foster déclare que le néo-expressionnisme était complice des politiques culturelles conservatrices de l’ère Reagan-Bush aux États-Unis. Félix Guattari ne tient pas compte des «grandes opérations promotionnelles baptisées« néo-expressionnisme »en Allemagne» (un exemple de «mode qui maintient lui-même au moyen de la publicité ») comme un moyen trop facile pour lui« de démontrer que le postmodernisme n’est rien d’autre que le dernier souffle du modernisme ». Ces critiques du néo-expressionnisme révèlent que l’argent et les relations publiques ont réellement soutenu la crédibilité mondiale de l’art contemporain en Amérique à la même époque où les artistes conceptuels et les pratiques des femmes artistes incluant des peintres et des féministes comme Griselda Pollock réévaluaient systématiquement l’art moderne. Brian Massumi affirme que Deleuze et Guattari ouvrent l’horizon de nouvelles définitions de la beauté dans l’art postmoderne. Pour Jean-François Lyotard, c’est la peinture des artistes Valerio Adami, Daniel Buren, Marcel Duchamp, Bracha Ettinger et Barnett Newman qui, après l’époque de l’avant-garde et la peinture de Paul Cézanne et Wassily Kandinsky, a été le véhicule de idées du sublime dans l’art contemporain.

Critique institutionnelle
Les critiques sur les institutions d’art (principalement les musées et les galeries) sont faites dans l’œuvre de Michael Asher, de Marcel Broodthaers, de Daniel Buren et de Hans Haacke.