Japonism은 1872 년 프랑스의 비평가 인 수집가이자 인쇄사 인 Philippe Burty가 ‘예술적, 역사적, 민족지 학적’이라는 새로운 분야를 지정하기 위해 만든 장식품을 포함하여 일본 미술의 유럽 차용 범위를 설명하는 데 사용되는 프랑스어 용어입니다 일본의 디자인 (18 세기의 시노와 즈리와 유사), 일본의 풍경 그림, 일본의 미학에 영향을받은 서양화, 장식물 및 장식 예술 20 세기의 학자들은 저명한 일본의 주체 나 서양의 대상을 묘사합니다. 일본의 미학이 서양 미술에 미친 더 깊은 영향.

Japonisme은 일본 예술과 예술적 재능을 연구하는 곳입니다. Japonism은 서양 문화 전반에 걸쳐 미술, 조각, 건축, 공연 예술 및 장식 예술에 영향을 미쳤습니다. 이 용어는 특히 유럽 예술, 특히 인상파에 대한 일본인의 영향을 나타 내기 위해 사용됩니다.

우키요에
1860 년대부터 일본의 목판화 인 우키요에 (ukiyo-e)는 많은 서양 예술가들에게 영감의 원천이되었습니다. 우키요에는 17 세기에 개발 된 일본 화 학교가되었습니다. Ukiyo-e 목판화는 저렴한 기념품 이미지에 대한 수요에 맞게 제작되었습니다. 인쇄물은 값이 싸지 만 혁신적이고 기술적 인면이있어 각 가치를 부여했습니다. 이 인쇄물은 단일 후원자를 염두에두고 제작 된 것이 아니고 일본의 상업용 시장을 위해 제작되었습니다. 인쇄물의 일부가 네덜란드 무역 상인을 통해 서방에 전달되었지만 1860 년대까지 우키요에 지문이 유럽에서 인기를 얻은 것은 아니 었습니다. 서양 예술가들은 색과 구성의 원래 사용에 흥미를 느꼈다. 우키요에 (Ukiyo-e) 지문은 극적인 단축 및 비대칭적인 구성을 특징으로합니다.

역사

비밀 결사 (1639-1858)
에도 시대 (1639-1858)에는 일본이 고립 된 기간에 하나의 국제 항만 만 남아있었습니다. 도쿠가와 이에 미쓰 (德川 伊 勢 津)는 일본인들이 수입 할 수있는 나가사키 기슭에 지어진 섬인 데지마 (Dejima)를 주문했다. 네덜란드 인은 일본인과 교역을 할 수있는 유일한 나라 였지만, 일본 예술계는 여전히 서양에 영향을 미쳤습니다. 매년 네덜란드 사람들은 무역을 위해 서구 상품으로 가득 찬 배들로 일본에 도착했습니다. 화물에서 페인팅에 관한 많은 네덜란드 논문과 여러 네덜란드 인쇄물이 도착했습니다. Shiba Kōkan (1747-1818)은 네덜란드 수입품을 연구 한 유명한 일본 예술가 중 한 명입니다. 고칸 (Kōkan)은 수입 논문 중 하나에서 배웠던 기술인 일본에서의 첫 번째 에칭 중 하나를 만들었습니다. 코칸 (Kōkan)은 논문에서 배운 직선적 인 관점의 기술을 자신의 우키요 (ukiyo-e) 스타일의 그림과 결합합니다.

분열 시대의 도자기
분리 시대를 거치면서 유럽의 군주가 일본 제품을 사치스럽게 찾았다. 일본의 도자기 제조는 나가사키 근처의 고령토 점토 발굴 후 17 세기에 시작되었습니다. 일본 제조업 자들은 유럽에서 도자기의 인기를 알고 있었기 때문에 일부 제품은 네덜란드 무역을 위해 특별히 생산되었습니다. 도자기 및 칠기가 일본에서 유럽으로 수출되었습니다. 도자기는 바로크 양식과 로코코 양식으로 군주의 집을 꾸미기 위해 사용되었습니다. 가정에 도자기를 전시하는 대중적인 방법은 도자기 방을 만드는 것이 었습니다. 선반은 이국적인 장식을 표시하기 위해 방 전체에 배치됩니다.

19 세기 재개발
카이 (Kaei) 시대 (1848-1854)에는 200 년 이상의 고립 된 후 여러 국적의 외국 상선이 일본을 방문하기 시작했습니다. 일본은 1868 년에 메이지 유신 (Meiji Restoration)을받은 후 오랫동안 국가 격리를 마쳤으며 서양에서 사진 및 인쇄 기술을 포함한 수입품을 공개했습니다. 이 새로운 무역 개방으로 파리와 런던의 작은 호기심 상점에서 일본의 예술품과 공예품이 등장하기 시작했습니다.

Japonism은 일본 미술, 특히 우키요 미술을 수집하는 열풍으로 시작되었습니다. ukiyo-e의 첫 번째 샘플 중 일부는 파리에서 볼 수있었습니다. 약 1856 년 프랑스의 예술가 인 Félix Bracquemond는 그의 프린터 인 Auguste Delâtre의 워크샵에서 스케치북 Hokusai Manga의 사본을 처음 접했습니다. 이 스케치 북은 1854 년 일본 항구가 세계 경제에 개방 된 직후 델라 트레의 워크샵에 도착했다. 따라서 일본 미술 작품은 아직 서양에서 인기를 얻지 못했습니다. 이 발견 이후 수년 동안 일본 지문에 대한 관심이 증가했습니다. 이들은 호기심 상점, 차 창고 및 더 큰 상점에서 판매되었습니다. 일본과 중국 수입품의 판매를 전문으로하는 La Porte Chinoise와 같은 상점. La Porte Chinoise는 특히 인쇄물에서 영감을 얻은 James Abbott McNeill Whistler, Édouard Manet, Edgar Degas 등의 예술가를 매료 시켰습니다.

현재 유럽의 예술가들은 엄격한 학업 방법론에 대한 대안 스타일을 찾고있었습니다. La Porte Chinoise와 같은 상점들이 주최 한 모임은 일본 미술과 기술에 관한 정보의 확산을 촉진했습니다.

예술가와 운동
우키요에는 서양 미술에 대한 일본의 주요 영향 중 하나였습니다. 서양 예술가들은 화려한 배경, 사실적인 실내 및 외부 장면, 그리고 이상적인 인물에 매료되었습니다. 우키요에있는 대각선, 원근감, 비대칭성에 중점을 두었습니다.이 스타일은 모두이 스타일을 적용한 서양 예술가들에게서 볼 수 있습니다. 독창적 인 혁신을 한 개인으로서 각 예술가를 연구 할 필요가 있습니다.

빈센트 반 고흐와 목판 컬러 팔레트
Vincent van Gogh는 The Illustrated London News와 Le Monde Illustré에서 Félix Régamey의 삽화를 발견했을 때 일본 판화에 깊은 관심을 나타 냈습니다. Régamey는 목판화 지문을 만들고 일본의 기법을 따르고 종종 일본인의 풍경을 묘사했습니다. 반 고흐 (Van Gogh)는 Régamey를 일본인의 예술적 실천과 일상 생활 장면의 신뢰할 수있는 출처로 사용했습니다. 1885 년에 시작하여, van Gogh는 Régamey와 같은 잡지 삽화 수집에서 작은 파리의 상점에서 구입할 수있는 컬렉션 우키요 인쇄물로 전환했습니다. 반 고흐 (Van Gogh)는 동시대 인과이 지문을 공유하고 1887 년에 파리에서 일본의 인쇄 전람회를 주최했습니다. 반 고흐의 초상화 인 Pere Tanguy (1887)는 색 상인 줄리앙 탕 기 (Julien Tanguy)의 초상화입니다. 반 고흐 (Van Gogh)는이 초상화의 두 가지 버전을 만들었는데이 두 가지 버전은 모두 일본 판화를 배경으로합니다. Tanguy 뒤의 많은 지문은 Hiroshige 및 Kunisada와 같은 아티스트와 함께 식별 될 수 있습니다. 반 고흐 (Van Gogh)는 초상화를 생생한 색으로 채웠다. 그는 바이어들이 더 이상 그레이 톤의 네덜란드 그림에 관심이 없다고 믿었지만, 현대적인 것으로 여겨지 던 여러 색상의 그림을 보았습니다. 그는 일본 목판화와 다채로운 팔레트에서 영감을 얻었습니다. 반 고흐 (Van Gogh)는 자신의 작품에 전경에서의 색상의 활기와 일본 목판화에서 관찰 된 그림의 배경을 포함 시켰으며 명확하게 조명을 사용했습니다.

에드거 드가와 일본 판화
1860 년대 에드거 드가 (Edgar Degas)는 파리의 라 포르테 시노 아즈 (La Porte Chinoise) 및 기타 작은 인쇄소에서 일본 판화를 수집하기 시작했습니다. 드가의 동시대 작가들도 지문을 수집하기 시작했고 그로 하여금 영감을 얻으려는 커다란 소장품을 얻었다. 드가 스 (Degas)에 나타난 지문들 중에는 델라 테 워크샵에서 Bracquond가 그것을 본 후 구입 한 호쿠사이 (Hokusai)의 무작위 스케치 (Random Sketches) 사본이있었습니다. Degas가 그의 지문에 Japonism을 채택 할 것으로 예상되는 날짜는 1875 년입니다. Degas는 일본 인쇄 양식을 사용하여 장벽을 수직, 대각선 및 수평으로 배치하여 개별 장면을 구분합니다. 많은 일본인 예술가들과 마찬가지로, 드가의 지문은 여성과 일상에 초점을 맞추고 있습니다. 드가 스 (Degas)의 지문에서의 여성 인물의 비정상적인 포지셔닝과 현실에 대한 헌신은 호쿠사이 (Hokusai), 우타 마로 (Utamaro), 수 케노 우 (Sukenobu)와 같은 일본 판화 제작자들과 그를 연계시켰다. Louvre : Etruscan Gallery (1879-1880)의 Degas 인쇄 메리 카사트 (Mary Cassatt)에서 일본 판화와 드가의 작품 사이의 공통점은 두 개의 그림에서 볼 수 있습니다. 하나는 앉고 다른 하나는 자리에 있습니다. 인물의 구성은 일본 판화에 익숙했다. Degas는 또한 선을 사용하여 장면을 깊이있게 만들고 공간을 분리합니다. 드가의 가장 확실한 전유는 호쿠사이 (Hokusai)의 무작위 스케치 (Random Sketches)에서 직접 차용 한 폐쇄 된 우산에 기대어 앉은 여성에 대한 것이다.

James McNeill Whistler 및 영국의 Japonism
일본 미술은 1850 년대 초반부터 영국에서 전시되었습니다. 이 전시는지도, 편지, 직물 및 일상 생활의 물건 등 다양한 일본 물건을 선보였습니다. 이 전시회는 영국에 대한 민족적 자긍심의 원천으로 작용했으며 일반화 된 “동양”문화 정체성과는 ​​별도로 분리 된 일본인 정체성을 창출했습니다. James Abbott McNeill Whistler는 주로 영국에서 일한 미국인 예술가입니다. 19 세기 후반 휘슬러는 동시대 사람들이 선호하는 현실주의 스타일의 그림을 거부하기 시작했습니다. 휘슬러는 일본의 미학에서 단순함과 전문성을 발견했습니다. 휘슬러는 일본의 특정 예술가와 예술 작품을 복사하는 대신 일본의 일반적인 조음 방법과 구성에 영향을 받아 작품에 통합되었습니다. 따라서 휘슬러는 그림에서 일본 물건을 묘사하는 것을 삼 간다. 대신 그는 이국적 감각을 불어 넣기 위해 구성적인 측면을 사용했다. Whistler ‘s Punt (1861)는 비대칭적인 구성과 단축 사용의 극적인 사용에 관심을 보였습니다. 이 작곡 스타일은 다른 10 년 동안 동시대 사람들에게 인기가 없었지만 이전 우키요 미술의 특징이었습니다.

장식 예술에 대한 일본인의 영향
Goncourt 형제는 1851 년에 일본 미술 1로 장식 된 거실을 일지에 묘사했습니다. 1853 년 미국에서, 1855 년 이후 유럽에서 일본의 점진적인 국제 무역 개방은 많은 물체를 유럽으로 유입 시켰습니다. 팬, 래커, 도자기, 지문 … 예술가와 서양 미술 애호가를 매료 시켰습니다. 1856 년, Félix Bracquemond는 그의 프린터 인 Auguste Delâtre의 워크샵에서 Hokusai의 Manga를 찾아 냈습니다.이 가게는 도자기를 실을 때까지 사용되었던 Saint-Jacques 후지 171에 있습니다. 1867 년 유진 루소 (Eugene Rousseau)를 위해 만든 도자기 서비스에서 동물성 인물을 재현하여 일본인 예술가를 직접 복제 한 최초의 유럽 예술가가되었습니다.

적어도 1850 년부터 호텔 드 루아 (Hotel Drouot)는 일 년에 한 번씩 일본 미술품을 공개 판매합니다. 영국에서는 기관에 의한 일본 작품 구입이 1852 년에 시작되었고, 그들의 연구는 1862 년 이후에 절제와 기하학을 선호하는 “일식 양식”의 가구에 영향을주었습니다. 1859 년부터 1861 년까지, 우키요에 대한 흑백 복제품이 DelaTre 나 Viscount Adalbert de Beaumont와 도예가 Eugène -Victor Collinot에 의해 출판되었고, Art and Drawings for Drawings of Art and Industry Francis Hawks가 1859 년에 Wilhelm Heine에 의해 1859 년에 번역 한 Abraham Auguste Rolland 또는 1858 년 재개 된 Charles de Chassiron 남작이나 Laurence Oliphant와 Sherard Osborn에 의해보고 된 외교 여행의 경우 엘진 임무의 구성원.

가맹점 차 1857 년 No 45와 1862 ~ 1885에있는 No 55, Rue Vivienne, Bouillette에있는 중국 제국에서 1800 ~ 1886 년에 중국 거리 표지판에있는 중국 제국에서 같은 거리의 36 번 지점에 위치한 중국 제국 표지판에서 감속. 1860 년 Goncourt 형제를 인쇄하는 다양한 “중국 제품, 인도와 일본”또는 1862 년 편지에 관련된 Baudelaire를 1862 년에 판매하기 시작했다. “얼마 전”japanic “패킷을 받았다. 그들을 내 친구들에게 나누어주었습니다. “펠릭스 브라크 몬드 (Félix Bracquond)와 알프레드 스티븐 살소 (Alfred Stevensalso)는 중국 문을 자주 방문합니다. 마찬가지로, 1861 년 또는 1862 년에 루블르 근처의 E. Desoye, Rue de Rivoli에서 열린 Real De Soye는 Baudelaire를 놀라게하는 일본 미술 및 삽화를 판매하는 것을 전문으로합니다. 이 사업은 위에서 언급 한 것 외에 James Tissot, Henry Fantin-Latour 또는 Dante Gabriel Rossetti, Manet, Degas, Monet 또는 Carolus-Duran 등 많은 고객을 신속하게 파악합니다.

James McNeill Whistler는 아마도 Delaire에서 Felix Bracquond와 만날 것입니다. 그는 1858 년 프랑스 식이라고 불리는 일련의 에칭을 인쇄합니다. 스티븐스는 1863 년 5 월 10 일 스티븐스가 여러 그림을 전시 한 회화와 조각의 파리 살롱 (Paris Salon of Painting and Sculpture)이 열린 지 며칠 후에 런던의 스티븐스 (Stevens)를 보았고, Whister는 그의 그림 인 The Girl in White 1863 년 5 월 15 일에 개장 한 Salon des refusés. 그 다음, 1863 년 10 월 초에 파리로 새로 여행하는 동안, 그것은 Henri Fantin-Latour를 통해 Beaudelaire가 그에게 선물 될 차례입니다. 제임스 티소는 1856 년 루브르 박물관에서 만났으며 휘슬러 1863-1865 호에 따르면 회화에서이 새로운 주제의 사용이 가장 우선시 된 경쟁이있었습니다.

따라서, 1864 년 1 월에 퍼플과 로즈 : 6 개의 마크의 랭 레이즌 (Lange Leizen)을 실현 한 후, 1864 년 4 월 휘슬러가 중국 문 (Whantler)에서 실제로받은 중국 최초의 동양화 그림 카리스마를 비롯한 일본의 모티프로 보라색과 금색의 3 가지 그림을 만들기 위해 1863 년부터 파리로 여행했으며 로세티에서 다른 사람들을 빌렸다. 1865 년 3 월경에 완료 될 황금 스크린과 도자기 국가의 공주. 티소는 일본 목욕탕을 포함하여 같은 주제에 대해 세 개의 다른 것을 깨달았을 때였 다. 점점 더 많은 상점에 대한 요구를 충족시키기 위해 1874 년에 지그 프 리드 빙 (Siegfried Bing)의 것과 같이 19 세기에 일본 예술의 표식 인 Chauchat, 그 다음으로는 22 번 rue de Provence와 Philippe Sichel 11 번에, 1883 년에 일본에서 bibeloteur를 발표 할 예정인 Pigalle rue와 그 소유주는 Sun-Levant 로의 먼 여행 인 Soye와 같은 사업을 수행하고 있습니다.

1862 년 유니버설 전람회에서 1859 년부터 일본에 주둔 한 외교관 러더퍼드 알콕 (Rutherford Alcock) 경이 612 점의 일본 공예품을 개인 소장품으로 선보였다. 디자이너 크리스토퍼 드레서 (Christopher Dresser, 1834-1904)는 그에게 약간을 사서 1876 년에 일본 정부에 의해 일본에 초청되었다. 그는 아마도 앵글로 스타일의 가구의 선구자로 여겨지는 옻칠 의자의 저자 일 것이다. 1862 년 전시회에서 AF Bath의 Bornemann & Co가 수여했으며, 1867 년 에드워드 윌리엄 고드윈 (Edward William Godwin)이 가구를, 특히 Dromore성에 가구를 소개합니다. 일본인의 영향력 아래 나폴레옹 3 세 스타일 가구는 검은 옻칠을 사용하고 때로는 진주가 박혀 있습니다.

1867 년 파리에서 열린 세계 박람회 (World Fair in 1867)에서 건축가 알프레드 샤퐁 (Alfred Chapon)의 지시하에 지어진 챔프 드 마스 14 (Champ-de-Mars 14)에 일본이 처음으로 선물합니다. 일본의 장인이 사츠마 (薩摩) 주지사의 후원하에 지은 부르주아의 집. 같은 해 10 월에 열리는 제국주의 복원의 쇼군과 후원자에 반대한다. 일본은 자유 선택에 따라이 시간을 보여준다. 그녀의 다양한 예술적, 예술적 및 산업적 작품의 천 가지 물체들, 이탈리아의 섹션에 등장하는 판화들; Felix Bracquond는 그의 “Rousseau service”를 공개합니다. 전시회가 끝날 때이 품목 중 1,300 개가 대중에게 판매됩니다. 그때부터 일본 미술은 큰 평가를 받기 시작했습니다. 같은 해, 제임스 티소는 애비뉴 포크 (Avenue Foch)에있는 저택에 일본 살롱을 설치했습니다.

1868 년 메이지 시대, 수집가 및 미술 비평가 (앙리 Cernuschi, Théodore Duret, 에밀 Guimet), 화가 (Félix Régamey), 일본에서 1870 년대에 일본에서 여행을 수행하고, 외부 세계에 일본의 더 큰 개방으로 가능하게 1880 년대에 걸쳐 일본 작품의 보급에 기여하여 유럽에서, 특히 프랑스에서는 1878 년 세계 박람회에 빙 콜렉션, 버티 (Burty), 기 메트 (Guimet) 등 많은 일본 작품이 전시되었고 일본의 유행에 대한 열풍의 클라이 막스가되었다. .

1867 년부터 가브리엘 비아르도 (Gabriel Viardot)는 일본 가구를 생산했으며,이어서 휴게 (Huguet Ameublements)가 생산되었습니다. 1875 년경 Édouard Lièvre는 캐비닛 제작 워크샵을 만들었으며, 1875 년에 화공예사 에두아르드 델레의 저택을 비롯하여 폴 소르 마니 (Paul Sormani) 같은 다른 캐비닛 제작자 또는 페르디난드 바르 베 디엔 (Ferdinand Barbedienne)과 크리스토플플 (Christoffle)과 같은 금 세공인들과 협력하여이 스타일의 고급 가구를 만들었습니다. . 1877 년 휘슬러는 런던의 피콕 룸 장식을 실현합니다.

1878 년 유니버설 전시회에서 일본 대표단의 통역자로 파리에 도착한 하야시 타다 마사 (또는 타사 마사)는 1883 년에 머물기로 결정한 그는 수입 회사 인 겐자 부로 (若 井 兼 三郎)로 알려진 와카이 오야지 일본 미술품 17 점을 인쇄하고, 이이 지마 한주로 (Iijima Hanjuro)가 뒤를 잇는다 고 호쿠사이의 전기 작가 인 Kyoshin (飯 島 半 十郎)이 말했다. 1886 년 타다 마사 (Tadamas)는 파리의 미술과 문화에 파리인을 소개했으며, 파리의 이슈 (Eisen ‘s Courtisane) 표지판을 특별 호를 통해 발표했다. Tadamasa는 또한 1889 년 일본 경찰서 유니버설 전시회에 참가했습니다. 1890 년에 그는 파리의 Victoire rue de la Victreire에 65 세의 상점을 오픈했으며 1894 년에는 루브르 미술관에서 칼 감시병 컬렉션을 남겼습니다. 11 년간의 일본 활동과 왕복 여행에서 156 487 장을 포함한 218 장의 배달을 받게됩니다. 그는 또한 Edmond de Goncourt가 쓴 「Outamaro (1891)」와 「Hokousai (1896)」책에서 적극적으로 협력하여 일본어 텍스트와 셀 수없는 정보의 번역을 제공합니다. 루이 곤세도 자신의 지식을 자신의 저서 “일본 미술”에 사용합니다.

피에르 롯티 (Pierre Loti)의 소설 인 1887 년에 출판 된 Chrysanthème (마담 크리 산트 메)는 일본의 패션을 강조하고 대중화했다. 1878 년, 1889 년 및 1900 년의 파리 세계 전시회에서 일본은 건축, 지문 및 도자기 생산에 모두 매우 현존합니다. 일본의 작품은 1884 년 아돌프 티에르 (Adolphe Thiers)의 유산 덕분에 루브르 박물관 컬렉션에 들어갔고 1892 년에는 종교 작품도 수집되었습니다. 1900 년 세계 박람회에서 하야시 타다 마사는 일본의 훌륭한 작품을 메이지 천황은 개인 소장품 중 일부를 제공하기까지했다.

이 운동은 Bracquemond 외에도 친구들 인 Marc-Louis Solon과 Jean-Charles Cazin과 같은 다른 도자들도 Horace Lecoq de Boisbaudran의 드로잉 학교의 Fantin-Latour와 동급을 맺고 1867 년에 설립 된 Jinglar 일본 회사에 모였습니다 뿐만 아니라 Carriès의 그것과 같은 enamelled 석기, Christofle 집의 cloisonné 및 patinated 금속, 직물 장식 및 유행의 생산. 사무엘 빙 (Samuel Bing)이 1895 년부터 자신의 아트 갤러리에 자신의 홍보물을 기증함으로써 수비수가 된 아르누보 전체는 에밀 갈레 (Emile Gallé)를 비롯한 많은 참고 문헌과 일본의 영향을 포함합니다.

일본의 예술 영향력
유럽의 예술가들에게 영향을 미치는 일본의 주요 예술가들은 호쿠사이, 히로시게, 우타 마로 (Utamaro)였다. 예술가들은 당시 일본 엘리트들에 의해 가볍고 대중적으로 여겨졌 기 때문에 일본에서는 거의 인정되지 않았습니다. 따라서 일본주의는 사라져 버릴 작품을 구해 냈고 일본 미술의 새로운 길을 개척 할 수있었습니다.

그 대가로 일본의 서양인의 등장은 일본인 예술가들 사이에서 많은 반발을 불러 일으켰다. 예를 들어 회화 분야에서는 두 가지의 위대한 학교가 형성되었는데, 일본 화의 캐논을 영속시키는 소위 일본풍 (일본의 방식)과 소위 말하는 일본식 ( “서쪽”) ), 누가 유화의 기술과 모티프를 개발했다 (Kuroda Seiki와 Kume Keiichirō, White Horse Society, Hakuba-kai의 창시자 참조).

그러나 일본의 반전 운동은 문명화 (文明開化), 중국어 wenming kaihua, “문화 문명”, “문명의 부화”로 불린다. 그는 현대 미술과 서구화의 영향에 더 관심을 갖는 일본 예술가들의 관심을 불러 일으키지 않았다. 일본의 예술가와 연구자들이 일본주의를 연구하는 데 오랜 시간이 걸렸다.

1850 년대 후반, 일부 예술가들은 휘슬러와 티소와 모네로 파리에서 1871 년 231 세, 1900 년 이후 거의 200 점을 얻은 로댕과 같은 일본 판화를 삽니다. Fantin-Latour, Edouard Manet, Carolus-Duran, Mary Cassatt, Giuseppe De Nittis는 또한 일본 판화를 수집했습니다. Van Gogh는 1885 년 앤트워프에서 그것을 구입했으며 400 개가 넘는 회사를 소유했습니다.

1864 년부터 1864 년부터 1864 년까지 일본의 수도 Jakonism 추종자였던 유럽과 미국의 화가들 중에는 1867 년과 1868 년 Tokakawa Akitake, Whistler, Van Gogh, Monet이 이미 언급 한 그림을 그린 Stevens, Degas, Manet , 브리타너 (Breitner), 르누아르 (Lilleoir), 체이스 (Chase) 등 심지어 우크라이나와 폴란드의 Bilińska-Bohdanowicz, Klimt, Auburtin 또는 Gauguin조차도 Vuillard와 Bonnard와 같은 Nabis가 때때로 화면에 탑재 된 일본어 형식을 사용합니다.

알프레드 스티븐스 (Alfred Stevens)는 중국 문 (The China Door) 매장을 종종 방문하여 극동 지역에서 물체를 구입했습니다. 1867 년 유니버설 전시회에서 파리에있는 인도 (이국적인 Bibelot라고도 함)를 포함한 18 개의 그림을 전시합니다. 미술 평론가 Robert de Montesquiou가 Gazette des Beaux-Arts에서 인사합니다. 이 회화는 1866 년부터 The Lady in Pink가 있었고 1868 년에 La Collectionneuse de porcelaines에 이어 1872 년에 여러 차례의 일본 그림이 뒤 따랐다. 1893-1894 년 네덜란드의 화가 George Hendrik Breitneralso는 자신의 사진에서 영감을받은 다양한 색상의 기모노를 입은 여섯 명의 여성용 캔버스 시리즈를 제작합니다.

1888 년 오귀스트 레 페르 (Auguste Lepère)는 펠릭스 브라 케 몬드 (Félix Bracquond), 다니엘 비 에르 (Daniel Vierge), 토니 벨트란 (Tony Beltrand) 잡지 L’ Estampe의 원작을 통해 예술가와 아마추어에게 새로운 과정과 조각의 경향, 특히 색상에 관심을 갖도록했습니다. 일본의 영향력이 장식 예술에 큰 영향을 미치는이시기에 앙리 리비에르 (Henri Rivière)는 1888 년부터 1902 년까지 에펠 탑의 36 가지 견해를 깨달았습니다. 1891 년에 Valloton은 Paul Gauguin 또는 Émile Bernard와 함께 목판을 새롭게하고 Toulouse-Lautrec은 1889 년에 개관 한 Moulin Rouge-La Goulue라는 유명한 캬바레와 같은 해에 그림을 그려 냈습니다. 1895 년에서 1909 년 사이의 Amédée Joyau의 목재 조각 작품 또한 자포자기주의의 상징입니다.

파리에서 새로운 판화 보급에 참여하는 일본 판화의 대규모 전시회도 개최됩니다. Philippe Burty의 선구 적 비평 적 작품 외에도 1873 년 Henri Cernuschi와 Théodore Duret는 1871-1873 항해 중에 수집 된 지문을 Palais de l’ industrie에서 전시했습니다. 1883 년 조르쥬 쁘띠 갤러리 (Georges Petit Gallery)는 가제트 데 보예 (Gazette des Beaux-Arts) 지휘자 인 루이 곤 세 (Louis Gonse)가 주최 한 3,000 점의 오브제에 대한 회고전을 개최했습니다. 1888 년, 미술 비평가들과 젊은 화가들이 만나는 Rue de Provence의 22 번에있는 일본 미술관에서 사무엘 빙 (Samuel Bing)은 일본에서의 조각 예술에 대한 역사적인 전람회를 열거하고 그의 월간 잡지 잡지, Le Japon artistique, 특히 나비와 구스타프 클림트가 읽음. 1890 년, Bing이 파리의 미술 학교에서 조직 한 그의 친구 컬렉션 덕분에 760 개의 지문을 포함한 일본 마스터의 전시회 인 Jules Chéret가 포스터를 디자인했습니다. 1909 년부터 1913 년까지 레이몬드 코 클린 (Raymond Koechlin)은 장식 예술 박물관 (Museum of Decorative Arts)에서 여섯 차례의 전시회를 인쇄했습니다.

일본 예술과 문화의 영향을받은 예술가

구스타프 클림트
구스타브 클림트 (Gustav Klimt)가 가장 잘 알려진 그림은 ‘아델레 블로흐 바우어 (Adele Bloch-Bauer)의 두 번째 초상화’입니다. Klimt의 마지막 작풍에서는, 그는 노르웨이 fuavist의 영향을 받았다.

제임스 티소, 제임스 맥닐 휘슬러, 에두아르 마네, 클로드 모네, 빈센트 반 고흐, 에드가 드가, 피에르 오거에 르누아르, 카밀 피사로, 폴 고갱, 앙리 드 툴루즈 – 로트렉, 메리 카사트, 버타 럼, 윌리엄 브래들리, 오브리 비어 즐리, 아서 Wesley Dow, Alphonse Mucha, Gustav Klimt, Pierre Bonnard, Frank Lloyd Wright, Charles Rennie Mackintosh, Louis Comfort Tiffany, Helen Hyde, Georges Ferdinand Bigot,

문학과시에서, xix 세기의 프랑스 작가들은 특정 고전주의를 깨고 다른 것들과 마찬가지로 오리엔탈리즘과 일본 미술을 바라 볼 필요성을 느낀다. 일본에 관한 한, 새로운 감성과 미학에서 영감을 얻는 것만 큼 테마를 채택하는 것이 아닙니다. 이 저자들 중에는 Charles Baudelaire, Stéphane Mallarmé 및 Victor Hugo가 있습니다.

다른 작가들은 Marcel Proust, Edmond de Goncourt, Emile Zola와 같은 그들의 저작에서 예술과 일본 정신을 언급합니다. 피에르 롯티 (Pierre Loti)는 그의 가장 유명한 소설 중 하나 인 <마담 크리 산 테렘 Madame Chrysanthème> (1887)을 썼으며, 한 달 동안 결혼 한 젊은 일본 여성과의 만남, 마담 버터 플라이와 미스 사이공의 선구자, 그리고 이야기와 여행 일기.

Japonism의 과잉에 대한 응답으로, 작가 Champfleury는 1872 년부터 “japonaiserie”라는 단어를 사용합니다. 그는이 신조어에 의해 비난을 퍼부었다. 비판적 정신은 깔끔하고 없어졌으며, 그 다음에는 프랑스의 특정 지역에서 일본에 닿은 모든 것을 포위한다. 이 단어는 프랑수 이유 (Alexandre Dumas Jr., Francillon)의 연극에 등장하는 “일본식 샐러드”또는 피에르 로티 (Pierre Loti)가 영감을 얻어 쓰는 “mousme”라는 단어를 상징하는 쓰레기 같은 에로티시즘과 같은 이국적인 표류를 설명하기 위해 채택되었습니다. .

일본 음악
1871 년 Camille Saint-Saens는 루이 갈레 (Louis Gallet)의 대본에 나오는 한 옐로우 프린세스 (The Yellow Princess)라는 오페라에서 어린 네덜란드 소녀가 그녀의 아티스트 친구가 일본인 인쇄물을 붙인 것을 질투합니다. 1885 년 코미디 오페라 The Mikado는 Arthur Sullivan이 런던에서, William S. Gilbert와 오페라, Madame Butterfly의 대본으로, Puigini는 1904 년 Luigi Illica와 Giuseppe Giacosa의 대본으로 밀라노에서 창작되었습니다. 1892 년에 세인트 – 오노 레 (Saint-Honoré) 거리의 새로운 서커스에서 태어난 일본 영감을받은 발레 아빠 국화 (Papa Chrysanthemum)는 1895 년 툴루즈 – 로트 렉 (Toulouse-Lautrec)의 스테인드 글라스 창을 빙빙 돌리며 루이 컴포트 티파니 (Louis Comfort Tiffany)가 실행했습니다.

시인들이 따라 가면서, 음악가들은보다 간결하고보다 예리한시에 관심을 갖게되어 오페라 분야에서 유보 된 훌륭한 선언보다 더 섬세한 멜로디 발전을 가능하게했습니다. 이 정신에서 고전 마드 리갈의 정밀함으로 돌아가 프랑스 작곡가의 관심은 프랑스어로 단조와 하이쿠의 번역으로 바뀌었다.

일본시에 적극적으로 헌신 한 최초의 뮤지션 중 한 명이 모리스 딜레이지 (Maurice Delage)였습니다. 1911 년 말 인도와 일본을 여행 한 그는 1912 년에 그곳에 머물렀다. 프랑스로 돌아와서 그는 자신의 친구 인 스트라빈스키가 1913 년에 음악에 넣은시를 자신이 번역하기에 시적인 언어의 미묘함을 충분히 숙달했다. 제목 아래에 일본어 가사의 세시.

스트라빈스키의 작품은 1914 년 1 월에 창작되었을 때 호평을 받았습니다. 3 년 후 조르주 미고 (Georges Migot)는 고전 시인 선집의 시로부터 목소리와 피아노로 일본의 작은 그림을 썼습니다.

1925 년 모리스 딜레이지는 자신이시를 번역 한 소프라노와 실내악 앙상블 (플루트, 오보에, 클라리넷 (플랫, 피아노 및 현악 4 중주곡)의 앙상블)을 위해 9 월에 싫어하는 카이스 (Kaïs)의 창립을 목격했습니다.

1927 년 Jacques Pillois는 5 중창 (플루트, 바이올린, 비올라, 첼로 및 하프)의 Cinq haï-kaï를 제안했습니다. hai-kai는 조각 사이에서 읽 힙니다.

1928 년에서 1932 년 사이에 디미트리 쇼스타코 비치 (Dimitri Shostakovich)는 테너와 오케스트라, 오푸스를 위해 일본 시인들의 텍스트에 6 개의 로맨스를 반복했다. 이 텍스트는 부분적으로 스트라빈스키가 그의 세 편의시를 빌린 일본 가사의 모음에서 가져온 것입니다. 사랑과 죽음을 중심으로하는 주제가 러시아 음악가가 좋아하는 주제에 참여합니다. 그는 처음 3 개의 로맨스를 작곡했으며, 1931 년에는 4 번째, 1932 년에는 2 번째 로맨스를 작곡했습니다.

1951 년에 미국의 작곡가 존 케이지 (John Cage)는 피아노를위한 Cinq 하이쿠스를 제안한 다음 이듬해에는 7 개의 하이쿠스를 제안했습니다. Michaël Andrieu에 따르면 음악가 인 “최소한의 형태의 연인들은 나중에 그의 작품에서 하이쿠에 관심을 가질 것”이라고합니다.

1912 년 Bohuslav Martinů은 1963 년에 만들어진 소프라노와 악기 앙상블을위한 7 개의 멜로디로 Nipponari를 작곡했다.

동년, Olivier Messiaen는 피아노와 오케스트라를위한 7 개의 haikai, 일본 밑그림을 구성했다.

작곡가 프리드리히 세르 하 (Friedrich Cerha)도 Michaël Andrieu에 따르면 “정말로 일본에 관해서”라는 하이쿠를 작곡했다. 그러나 텍스트 내용이 자연과 시적 이미지에 대한 모든 연결 고리를 잃어 버렸다. ,이다 : 피곤하면 더, 나는 비엔나에있는 것을 더 좋아한다 …) “.

패션의 일본주의
XIX 세기 후반 이전에 유럽인들은 일본에서 거의 문화적으로 중요하지 않습니다. 그러나 XVII 세기에 일본의 기모노는 네덜란드의 East India Company에서 유럽으로 수입되어 부유 한 유럽인들에게 가운으로 착용됩니다. 이러한 정통 옷의 수입은 제한적이며, 시장은 네덜란드의 “Japonsche rocken”( “일본 드레스”), 프랑스의 “인도 드레스 가운”및 “반얀 (Banyans)”으로 불리는 이른바 “인도”드레싱 가운으로 충족됩니다. 인도 상인 “). 1868 년 (메이지 시대)에 일본이 개업 한 후, 기모노는 드레싱 가운 사용에 확실히 채택되었습니다 (1892 년 Auguste Renoir의 실내 장식 기모노로 표현됨). 1908 년 Callot Sisters는 재 해석 된 일본어 기모노 드레스), 그녀의 직물은 서양 드레스 (예 : crinolines 드레스)를 만드는 데 사용되었습니다 (Belle Epoque 동안 서부 여성의 상태 참조). 일본의 모티프는 서양 직물, 예를 들어 식물, 작은 동물 또는 심지어 리용 실크의 패밀리 캐비닛의 대표자에게도 적용됩니다. 20 세기에는 기모노의 모양이 드물게 로브와 혼란 스러울 정도로 평범 해지면 전통적인 기모노는 서양 패션에 진정한 영향을 미칩니다.

일본 정원
일본 정원의 미학은 Josiah Conder의 일본 정원 조경 (Kelly & Walsh, 1893)에 의해 영어권 세계에 도입되었습니다. 그것은 서구에서 최초의 일본 정원을 촉발시켰다. 1912 년에 두 번째 판이 필요했습니다. Conder의 원칙은 때로는 따라하기 힘들었습니다.

그 지역 복장과 매너리즘을 빼앗긴 일본의 방법은 모든 나라의 정원에 적용 할 수있는 미적 원리를 드러내며, 그것이 그렇듯이 다양한 세부 사항과 함께 부족한 그림을시 또는 그림으로 변환하는 방법을 가르친다. 단합과 의도

Samuel Newsom’s Japanese Garden Construction (1939) offered Japanese aesthetic as a corrective in the construction of rock gardens, which owed their quite separate origins in the West to the mid-19th century desire to grow alpines in an approximation of Alpine scree. According to the Garden History Society, the Japanese landscape gardener Seyemon Kusumoto was involved in the development of around 200 gardens in the UK. In 1937 he exhibited a rock garden at the Chelsea Flower Show, and worked on the Burngreave Estate at Bognor Regis, a Japanese garden at Cottered in Hertfordshire, and courtyards at Du Cane Court in London.

The impressionist painter Claude Monet modeled parts of his garden in Giverny after Japanese elements, such as the bridge over the lily pond, which he painted numerous times. By detailing just on a few select points such as the bridge or the lilies, he was influenced by traditional Japanese visual methods found in ukiyo-e prints, of which he had a large collection. He also planted a large number of native Japanese species to give it a more exotic feeling.

Museums
In the United States, the fascination with Japanese art extended to collectors and museums creating significant collections which still exist and have influenced many generations of artist. The epicenter was Boston in no small part due to Isabella Stewart Gardner, a pioneering collector of Asian art. As a consequence, the Museum of Fine Arts, Boston now houses the finest collection of Japanese art outside Japan. The Freer Gallery of Art and the Arthur M. Sackler Gallery house the largest Asian art research library in the United States and house Japanese art together with the Japanese influenced works of Whistler.