Japonisme

Le japonisme est un terme français utilisé pour décrire une gamme d’emprunts européens à l’art japonais. Il a été inventé en 1872 par le critique, collectionneur et graveur français Philippe Burty «pour désigner un nouveau champ d’étude artistique, historique et ethnographique» englobant les objets décoratifs. avec des dessins japonais (semblables à Chinoiseries du 18ème siècle), des peintures de scènes au Japon, et des peintures occidentales, des estampes et des arts décoratifs influencés par l’esthétique japonaise. Les savants du 20ème siècle ont distingué la japonaiserie, la représentation de sujets ou d’objets style, du Japonisme, l’influence plus profonde de l’esthétique japonaise sur l’art occidental.

Japonisme, c’est l’étude de l’art et du talent artistique japonais. Le japonisme a touché les beaux-arts, la sculpture, l’architecture, les arts de la scène et les arts décoratifs dans toute la culture occidentale. Le terme est utilisé en particulier pour désigner l’influence japonaise sur l’art européen, en particulier dans l’impressionnisme.

Ukiyo-e
À partir des années 1860, l’uviyo-e, gravure sur bois japonaise, devient une source d’inspiration pour de nombreux artistes occidentaux. Ukiyo-e a commencé comme une école de peinture japonaise développée au 17ème siècle. Les gravures sur bois Ukiyo-e ont été créées pour répondre à la demande d’images souvenirs peu coûteuses. Bien que les tirages étaient peu coûteux, ils étaient innovants et techniques qui ont donné à chacun une valeur. Ces impressions ont été rarement créées avec un seul patron en tête, elles ont plutôt été créées pour le marché commercial au Japon. Bien qu’un certain pourcentage d’estampes ait été apporté à l’Ouest par l’intermédiaire de commerçants hollandais, ce n’est que dans les années 1860 que les gravures ukiyo-e ont gagné en popularité en Europe. Les artistes occidentaux ont été intrigués par l’utilisation originale de la couleur et de la composition. Les imprimés Ukiyo-e présentent des raccourcis spectaculaires et des compositions asymétriques.

Histoire

Isolement (1639-1858)
Pendant la période d’Edo (1639-1858), le Japon était dans une période d’isolement et un seul port international restait actif. Tokugawa Iemitsu, a ordonné qu’une île, Dejima, soit construite au large des côtes de Nagasaki à partir de laquelle le Japon pourrait recevoir des importations. Les Néerlandais étaient le seul pays à pouvoir faire du commerce avec les Japonais, mais ce petit nombre de contacts permettait encore à l’art japonais d’influencer l’Occident. Chaque année, les Hollandais arrivaient au Japon avec des flottes de navires remplis de marchandises occidentales pour le commerce. Dans les cargaisons sont arrivés de nombreux traités hollandais sur la peinture et un certain nombre de tirages néerlandais. Shiba Kōkan (1747-1818) fut l’un des artistes japonais les plus remarquables à avoir étudié les importations hollandaises. Kōkan a créé l’une des premières eaux-fortes au Japon, une technique qu’il avait apprise d’un des traités importés. Kōkan combinerait la technique de la perspective linéaire, qu’il a apprise d’un traité, avec ses propres peintures de style ukiyo-e.

Seclusion époque porcelaine
À travers l’ère de la réclusion, les produits japonais sont restés un luxe recherché par les monarques européens. La fabrication de porcelaine japonaise a commencé au dix-septième siècle après la découverte de l’argile kaolin près de Nagasaki. Les fabricants japonais étaient conscients de la popularité de la porcelaine en Europe, par conséquent, certains produits ont été spécifiquement fabriqués pour le commerce néerlandais. La porcelaine et la laque sont devenues les principales exportations du Japon vers l’Europe. La porcelaine était utilisée pour décorer les maisons des monarques dans le style baroque et rococo. Une façon populaire d’exposer la porcelaine dans une maison était de créer une pièce en porcelaine. Des étagères seraient placées dans toute la pièce pour afficher les décorations exotiques.

Réouverture du XIXe siècle
Au cours de l’ère Kaei (1848-1854), après plus de 200 ans de réclusion, des navires marchands étrangers de diverses nationalités ont commencé à visiter le Japon. Après la restauration de Meiji en 1868, le Japon a mis fin à une longue période d’isolement national et est devenu ouvert aux importations en provenance de l’Ouest, y compris la photographie et les techniques d’impression. Avec cette nouvelle ouverture commerciale, l’art et les artefacts japonais ont commencé à apparaître dans de petits magasins de curiosité à Paris et à Londres.

Le japonisme a commencé comme un engouement pour la collection d’art japonais, en particulier l’ukiyo-e. Quelques-uns des premiers échantillons d’ukiyo-e devaient être vus à Paris. Vers 1856, l’artiste français Félix Bracquemond découvre pour la première fois une copie du carnet de croquis Hokusai Manga dans l’atelier de son imprimeur, Auguste Delâtre. Le carnet de croquis était arrivé dans l’atelier de Delâtre peu après l’ouverture des ports japonais à l’économie mondiale en 1854; par conséquent, l’art japonais n’avait pas encore gagné en popularité en Occident. Dans les années qui ont suivi cette découverte, il y a eu un intérêt accru pour les estampes japonaises. Ils ont été vendus dans les magasins de curiosité, les entrepôts de thé, et les plus grands magasins. Des magasins tels que La Porte Chinoise se sont spécialisés dans la vente des importations japonaises et chinoises. La Porte Chinoise, en particulier, a attiré les artistes James Abbott McNeill Whistler, Édouard Manet et Edgar Degas qui se sont inspirés des estampes.

Les artistes européens cherchaient alors un style alternatif aux méthodologies académiques strictes. Des rassemblements organisés par des magasins comme La Porte Chinoise ont facilité la diffusion d’informations sur l’art et les techniques japonaises.

Artistes et mouvements
Ukiyo-e était l’une des principales influences japonaises sur l’art occidental. Les artistes occidentaux ont été attirés par les arrière-plans colorés, les scènes intérieures et extérieures réalistes et les personnages idéalisés. L’accent a été mis sur les diagonales, la perspective et l’asymétrie de l’ukiyo-e, que l’on peut voir chez les artistes occidentaux qui ont adapté ce style. Il est nécessaire d’étudier chaque artiste en tant qu’individu qui a fait des innovations uniques.

Vincent van Gogh et palettes de couleurs
Vincent van Gogh a commencé à s’intéresser aux estampes japonaises en découvrant des illustrations de Félix Régamey dans The Illustrated London News et Le Monde Illustré. Régamey a créé des gravures sur bois, a suivi les techniques japonaises et a souvent représenté des scènes de la vie japonaise. Van Gogh a utilisé Régamey comme source fiable pour les pratiques artistiques et les scènes de la vie quotidienne des Japonais. À partir de 1885, van Gogh passa de la collecte d’illustrations de magazines, comme Régamey, à la collection de tirages d’ukiyo-e qui pouvaient être achetés dans de petites boutiques parisiennes. Van Gogh a partagé ces estampes avec ses contemporains et a organisé une exposition d’imprimés japonais à Paris en 1887. Le Portrait de Van Tango (1887) de Van Gogh est un portrait de son marchand de couleurs, Julien Tanguy. Van Gogh a créé deux versions de ce portrait, qui présentent toutes deux une toile de fond d’estampes japonaises. Beaucoup de gravures derrière Tanguy peuvent être identifiées, avec des artistes tels que Hiroshige et Kunisada en vedette. Van Gogh a rempli le portrait de couleurs vives. Il pensait que les acheteurs ne s’intéressaient plus aux peintures hollandaises aux tons gris, mais plutôt aux peintures aux couleurs multiples considérées comme modernes et recherchées. Il s’est inspiré des estampes japonaises et de leurs palettes colorées. Van Gogh a inclus dans ses propres œuvres le dynamisme de la couleur au premier plan et l’arrière-plan des peintures qu’il a observées dans les estampes japonaises et a utilisé la lumière pour clarifier.

Edgar Degas et estampes japonaises
Dans les années 1860, Edgar Degas commence à collectionner des estampes japonaises de La Porte Chinoise et d’autres petites imprimeries parisiennes. Les contemporains de Degas avaient aussi commencé à collectionner des estampes, ce qui lui a donné une grande collection d’inspiration. Parmi les estampes montrées à Degas se trouvait une copie des croquis aléatoires de Hokusai, achetée par Bracquemond après l’avoir vue dans l’atelier de Delâtre. La date estimée de l’adoption du japonisme par Degas dans ses estampes est 1875. Le style d’impression japonais peut être vu dans le choix de Degas de diviser des scènes individuelles en plaçant des barrières verticalement, diagonalement et horizontalement. Comme de nombreux artistes japonais, les gravures de Degas se concentrent sur les femmes et leurs routines quotidiennes. Le positionnement atypique de ses figures féminines et le dévouement à la réalité des gravures de Degas l’ont rapproché des graveurs japonais tels que Hokusai, Utamaro et Sukenobu. Dans la gravure de Degas au Louvre: La Galerie étrusque (1879-1880), les traits communs entre les estampes japonaises et le travail de Degas se retrouvent dans les deux figures: une qui est debout et une qui est assise. La composition des figures était familière aux estampes japonaises. Degas continue également l’utilisation de lignes pour créer de la profondeur et séparer l’espace dans la scène. L’appropriation la plus claire de Degas est celle de la femme appuyée sur un parapluie fermé emprunté directement aux Random Sketches de Hokusai.

James McNeill Whistler et le japonisme britannique
L’art japonais a été exposé en Grande-Bretagne au début des années 1850. Ces expositions présentaient une variation d’objets japonais, y compris des cartes, des lettres, des textiles et des objets de la vie quotidienne. Ces expositions ont été une source de fierté nationale pour la Grande-Bretagne et ont servi à créer une identité japonaise distincte de l’identité culturelle «orientale» généralisée. James Abbott McNeill Whistler était un artiste américain qui travaillait principalement en Grande-Bretagne. À la fin du 19e siècle, Whistler a commencé à rejeter le style de peinture réaliste que favorisaient ses contemporains. Au lieu de cela, Whistler a trouvé la simplicité et la technicité dans l’esthétique japonaise. Plutôt que de copier des artistes et des œuvres d’art japonais spécifiques, Whistler a été influencé par les méthodes générales d’articulation et de composition japonaises qu’il a intégrées dans ses œuvres. Par conséquent, Whistler s’est abstenu de représenter des objets japonais dans ses peintures; au lieu de cela, il a utilisé des aspects de composition pour insuffler un sentiment d’exotisme. Whistler’s The Punt (1861) a montré son intérêt pour les compositions asymétriques et les utilisations dramatiques du raccourci. Ce style de composition ne sera pas populaire parmi ses contemporains pendant encore dix ans, cependant c’était une caractéristique de l’art Ukiyo-e antérieur.

Influence japonaise dans les arts décoratifs
En 1851, les frères Goncourt dépeignent dans leur journal un salon décoré de l’art japonais 1. A partir de 1853 aux Etats-Unis, puis après 1855 en Europe, l’ouverture progressive du Japon au commerce international conduit à l’arrivée en Europe de nombreux objets: fans, laques, porcelaines, estampes … qui ont fasciné les artistes et les amateurs d’art occidental. En 1856, Félix Bracquemond découvre le manga de Hokusai dans l’atelier de son imprimeur, Auguste Delâtre, au 171, rue Saint-Jacques, où il avait l’habitude de caler une cargaison de porcelaine. En reproduisant ses figures d’animaux sur un service de porcelaine, fabriqué en 1867 pour Eugene Rousseau, il devient le premier artiste européen à copier directement des artistes japonais.

À partir de 1850 au moins, l’Hôtel Drouot organise une fois par an une vente publique d’objets d’art japonais. En Angleterre, l’achat d’œuvres japonaises par des institutions a commencé en 1852 et leur étude a influencé l’apparition dans les meubles d’un «style anglo-japonais» après 1862, ce qui favorise la sobriété et la géométrie. De 1859 à 1861, des reproductions en noir et blanc d’ukiyo-e ont commencé à être publiées, notamment par Delâtre ou dans le livre Compendium des dessins pour l’art et l’industrie, par le vicomte Adalbert de Beaumont et le céramiste Eugène-Victor Collinot, ainsi que relations de l’expédition du commodore Perry au Japon par Francis Hawks, traduite en 1856 par Wilhelm Heine puis en 1859 par Abraham Auguste Rolland, ou dans celles des voyages diplomatiques, reprise en 1858, rapportée par le baron Charles de Chassiron ou par Laurence Oliphant et Sherard Osborn membres de la mission Elgin.

Thé des marchands Decelle à l’enseigne Dans l’empire chinois, situé aux 1857 n ° 45 et 1862 à 1885 au n ° 55, rue Vivienne et à la Bouillette, au signe de la porte de Chine, situé de 1855 à 1886 au n ° 36 de la même rue , commençant à vendre divers “produits chinois, Inde et Japon”, qui imprime les frères Goncourt en 1860, ou Baudelaire en 1861, ce qui correspond à une lettre de 1862: “Il n’y a pas longtemps, j’ai reçu un paquet de” japanic “. Je les ai distribués à mes amis. »Félix Bracquemond et Alfred Stevens ont aussi fréquenté la porte chinoise. De même, depuis l’ouverture en 1861 ou 1862 dans leur magasin E. Desoye près du Louvre au 220, rue de Rivoli, le Real De Soye se spécialise dans la vente d’art japonais et de livres illustrés qui émerveillent Baudelaire. Ces entreprises comptent rapidement parmi leurs clients de nombreux artistes parmi lesquels, outre ceux cités plus haut, James Tissot, Henry Fantin-Latour ou encore Dante Gabriel Rossetti, puis Manet, Degas, Monet ou encore Carolus-Duran.

James McNeill Whistler rencontre probablement Felix Bracquemond à Delâtre, qui imprime sa série d’eaux-fortes en 1858 appelée l’ensemble français. Il a également vu Stevens à Londres le 10 mai 1863, quelques jours après l’ouverture du Salon de peinture et de sculpture de Paris où Stevens a exposé plusieurs peintures, tandis que Whister préfère présenter son tableau The Girl in White (Symphonie en blanc, n ° 1 : La Fille Blanche) Salon des refusés, inauguré le 15 mai 1863. Puis, lors de son nouveau voyage à Paris début octobre 1863, c’est au tour de Beaudelaire de lui être présenté par Henri Fantin-Latour; tandis qu’avec James Tissot, rencontré au Louvre en 1856, une certaine rivalité naissait sur le primat de l’utilisation de ce nouveau thème en peinture, selon la correspondance Whistler 1863-1865.

Ainsi, après avoir réalisé en janvier 1864 Purple et Rose: Le Lange Leizen des Six Marks, son premier tableau orientalisant paraissant en fait chinois, Whistler reçut de Fantin, en avril 1864, des objets de la Porte Chinoise, probablement visités avec lui pendant ses voyages à Paris à partir de 1863, et emprunté d’autres à Rossetti, afin de faire trois peintures avec des motifs japonais, y compris Caprice en violet et or. L’écran d’or et la princesse du pays de porcelaine, qui sera achevée vers mars 1865, au moment où Tissot en réalisa trois autres sur le même sujet, dont le bain japonais. Pour répondre à une demande de plus en plus pressante, d’autres magasins ouvrent en 1870, comme en 1874 celui de Siegfried Bing à l’enseigne de l’art japonais au 19, rue Chauchat, puis le n ° 22, rue de Provence et celui de Philippe Sichel au n ° 11, rue Pigalle, qui publiera en 1883 un bibeloteur au Japon, et leurs propriétaires s’engagent comme de Soye, le lointain voyage dans le Sun-Levant.

Lors de l’exposition universelle de 1862 à Londres, Sir Rutherford Alcock, diplomate en poste au Japon depuis 1859, présenta sa collection personnelle de 612 objets japonais. Le designer Christopher Dresser (1834-1904) en a acheté quelques-uns et a été invité au Japon par le gouvernement japonais en 1876. Il est peut-être l’auteur de la chaise laquée, considéré comme un précurseur de meubles dans le style anglo-japonais. également présenté par Bornemann & Co d’AF Bath à l’exposition 1862, qui sera suivie par des meubles par Edward William Godwin (en) de 1867, particulièrement pour le château de Dromore. Sous influence japonaise, les meubles de style Napoléon III utilisent également de la laque noire, parfois incrustée de nacre.

A l’Exposition Universelle de Paris en 1867, le Japon présente pour la première fois, au Champ-de-Mars 14, un pavillon national, construit sous la direction de l’architecte Alfred Chapon, une ferme artisanale. maison bourgeoise, construite par des artisans japonais sous le patronage du gouverneur de Satsuma, opposée au shogun et partisan de la restauration impériale, qui aura lieu en octobre de la même année. Le Japon expose cette fois selon son libre choix, plusieurs mille objets de ses diverses productions artistiques, artisanales et industrielles, outre les gravures apparaissant dans la section italienne; tandis que Félix Bracquemond présente au public son “service Rousseau”. À la fin de l’exposition, 1 300 de ces articles sont vendus au public. Dès lors, l’art japonais a commencé à être apprécié sur une grande échelle. La même année, James Tissot installe un salon japonais dans son hôtel de l’avenue Foch.

Rendu possible par la plus grande ouverture du Japon au monde extérieur, en 1868, avec l’ère Meiji, collectionneurs et critiques d’art (Henri Cernuschi, Théodore Duret, Émile Guimet), peintres (Félix Régamey), entreprennent des voyages au Japon dans les années 1870 et Les années 1880 et contribuent à la diffusion des œuvres japonaises en Europe, et plus particulièrement en France, à tel point que l’exposition universelle de 1878 présente un bon nombre d’œuvres japonaises, dont les collections Bing, Burty et Guimet. .

À partir de 1867, Gabriel Viardot produit des meubles japonais, suivi de Huguet Ameublements. Vers 1870, Édouard Lièvre crée un atelier d’ébénisterie et réalise également des meubles luxueux dans ce style, dont en 1875 ceux du manoir du peintre Édouard Detaille, puis collaborent avec d’autres ébénistes tels que Paul Sormani ou des orfèvres comme Ferdinand Barbedienne et la maison Christofle. . En 1877, Whistler réalise le décor de la Peacock Room à Londres.

Arrivé à Paris en tant que traducteur de la délégation japonaise à l’Exposition Universelle de 1878, Hayashi Tadamasa (ou Tasamasa) décida d’y rester et en 1883, il créa avec Wakai Oyaji, connu sous le nom de Kenzaburô (若 井 兼 三郎), une société d’import d’objets d’art et d’estampes japonaises 17, suivi par Iijima Hanjuro, a déclaré Kyoshin (飯 島 半 十郎), le biographe de Hokusai. En 1886, Tadamasa initie les parisiens à l’art et à la culture de son pays à travers un numéro spécial du Paris illustré mettant en scène The Courtisane d’Eisen, que Van Gogh a peint l’année suivante. Tadamasa participe également au commissariat de police japonais. Exposition Universelle de 1889. En 1890, il ouvre une boutique au 65, rue de la Victoire à Paris et en 1894, il léguera sa collection de gardes au Louvre. En onze ans d’activités et de retour au Japon, il recevra 218 livraisons, dont 156 487 tirages. Il collabore aussi activement aux livres d’Outamaro (1891) et Hokousai (1896), écrits par Edmond de Goncourt, lui fournissant des traductions de textes japonais et d’innombrables informations. Louis Gonse, aussi, utilise ses connaissances pour son livre intitulé Art japonais.

Le roman de Pierre Loti, Madame Chrysanthème, publié en 1887, n’a fait qu’accentuer et populariser cette mode du japonisme. Lors des expositions mondiales parisiennes de 1878, 1889 et 1900, le Japon est très présent à la fois dans l’architecture, l’estampe et dans la production de céramiques. Les œuvres japonaises entrent dans les collections du musée du Louvre, grâce à l’héritage d’Adolphe Thiers de 1884, et des œuvres religieuses sont également acquises en 1892. Pour l’Exposition universelle de 1900, Hayashi Tadamasa réussit le fabuleux défi d’apporter de très grandes œuvres du Japon , L’empereur Meiji offrant même quelques pièces de sa collection personnelle.

Le mouvement a également touché, outre Bracquemond, d’autres céramistes, comme ses amis Marc-Louis Solon et Jean-Charles Cazin, également camarades de classe avec Fantin-Latour de l’école de dessin d’Horace Lecoq de Boisbaudran et réunis à la société japonaise Jinglar fondée en 1867 ainsi que le grès émaillé, comme ceux de Carriès, la production de cloisons et de patines de la maison Christofle, les décorations textiles et la mode. L’ensemble de l’Art Nouveau, dont Samuel Bing est devenu le défenseur en dédiant sa galerie d’art à sa promotion à partir de 1895, comprend de nombreuses références et influences japonaises, dont Emile Gallé.

Influence japonaise dans les arts
Les principaux artistes japonais ayant influencé les artistes européens étaient Hokusai, Hiroshige et Utamaro. Des artistes très peu reconnus au Japon, car produisant un art considéré comme léger et populaire par les élites japonaises de l’époque. Le japonisme a ainsi sauvé des œuvres qui auraient disparu et permis de développer une nouvelle forme d’art japonais.

En retour, l’arrivée des Occidentaux au Japon a provoqué de nombreuses réactions parmi les artistes japonais. Par exemple, dans le domaine de la peinture, deux grandes écoles se sont formées: la soi-disant nihonga (“voie japonaise”), qui tendait à perpétuer le canon de la peinture japonaise, et le soi-disant yō-ga (“voie occidentale”) ), qui a développé les techniques et les motifs de la peinture à l’huile (voir Kuroda Seiki et Kume Keiichirō, fondateur de la White Horse Society, Hakuba-kai).

Cependant, le mouvement inverse du japonisme est appelé bunmeikaika (文明 開化), Du chinois wénmíng kaihua, “civilisation culturelle”, “éclosion de la civilisation”). Il n’a pas suscité l’intérêt des artistes japonais, plus soucieux des effets de leur modernisation et de leur occidentalisation. Les artistes et les chercheurs japonais ont mis longtemps à étudier le japonisme.

À la fin des années 1850, certains artistes achètent des estampes japonaises à Paris, comme Whistler et Tissot et Monet qui rencontre 231, en 1871, ou Rodin, qui en acquiert près de 200 après 1900. Fantin-Latour, Edouard Manet, Carolus-Duran, Mary Cassatt et Giuseppe De Nittis a également recueilli des estampes japonaises; Van Gogh l’acheta à Anvers en 1885 et en possédait plus de 400.

Parmi les peintres européens et américains qui suivirent le japonisme jusque dans leurs œuvres, à partir de 1864, Tissot, qui donna en 1867 et 1868 des leçons de dessin au prince Tokugawa Akitake, à Whistler, Van Gogh et Monet déjà mentionnés, Stevens, Degas, Manet Breitner, Renoir, Chase, etc., et même l’ukraino-polonais Bilińska-Bohdanowicz, Klimt, Auburtin ou Gauguin puis, sous son influence, les Nabis, comme Vuillard et Bonnard, qui utilisent des formats japonais parfois montés dans un écran.

Alfred Stevens fréquentait aussi le magasin de portes chinoises, où il achetait des objets d’Extrême-Orient. À l’Exposition Universelle de 1867, il présente 18 tableaux, dont l’Inde à Paris (également appelée The Exotic Bibelot), que le critique d’art Robert de Montesquiou accueille dans la Gazette des Beaux-Arts. Ce tableau est précédé de La Dame en rose de 1866 et suivi en 1868 par La Collectionneuse de porcelaines, puis vers 1872 par une série de peintures japonaises. En 1893-1894, le peintre hollandais George Hendrik Breitner réalise également une série d’au moins 6 toiles de filles en kimono de différentes couleurs inspirées de ses propres photographies.

En 1888, Auguste Lepère crée avec Félix Bracquemond, Daniel Vierge et Tony Beltrand, le magazine L’Estampe originale, pour intéresser les artistes et amateurs aux nouveaux procédés et tendances de la gravure, notamment en couleur. En cette période où l’influence japonaise exerce une grande influence sur les arts décoratifs, Henri Rivière réalise dès cette date, de 1888 à 1902, les trente-six vues de la tour Eiffel. En 1891, Valloton renouvelle également la gravure sur bois, avec Paul Gauguin ou Émile Bernard. À son tour, Toulouse-Lautrec révolutionne l’art de l’affiche, dessinant la même année que le célèbre cabaret ouvert en 1889, appelé Moulin Rouge – La Goulue. Les œuvres gravées sur bois d’Amédée Joyau entre 1895 et 1909 portent également la marque du japonisme.

De grandes expositions d’estampes japonaises sont également organisées à Paris, qui participent à la diffusion d’une nouvelle esthétique. Outre les travaux précurseurs de Philippe Burty, Henri Cernuschi et Théodore Duret exposèrent en 1873, au Palais de l’industrie, les estampes de leur voyage de 1871-1873. En 1883, la galerie Georges Petit accueille une exposition rétrospective d’art japonais de 3000 objets, organisée par Louis Gonse, directeur de la Gazette des Beaux-Arts. En 1888, dans sa galerie The Japanese Art, située au 22, rue de Provence, où se rencontrent de nombreux critiques d’art et jeunes peintres, Samuel Bing présente une exposition historique de l’art de la gravure au Japon, et publie le premier numéro de son mensuel magazine, Le Japon artistique, spécialement lu par les nabis et Gustav Klimt. En 1890, grâce aux collections de ses amis, Bing organise, à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris, l’Exposition des Maîtres japonais comprenant 760 estampes, l’affiche est dessinée par Jules Chéret. De 1909 à 1913, Raymond Koechlin consacre à l’estampe six expositions au Musée des Arts décoratifs.

Artistes influencés par l’art et la culture japonaise

Gustav Klimt
La peinture japonaise la plus connue de Gustav Klimt est Le deuxième portrait d’Adèle Bloch-Bauer. Dans le dernier style de Klimt, il a été influencé par un fuaviste norvégien.

James Tissot, James McNeill Whistler, Édouard Manet, Claude Monet, Vincent van Gogh, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec, Mary Cassatt, Bertha Lum, William Bradley, Aubrey Beardsley, Arthur Wesley Dow, Alphonse Mucha, Gustav Klimt, Pierre Bonnard, Frank Lloyd Wright, Charles Rennie Mackintosh, Louis Confort Tiffany, Helen Hyde, Georges Ferdinand Bigot,

Dans la littérature et la poésie, les auteurs français du xix e siècle ressentent le besoin de rompre avec un certain classicisme et de se tourner, entre autres, vers l’orientalisme et l’art japonais. En ce qui concerne le Japon, il ne s’agit pas tant de reprendre des thèmes que de s’inspirer d’une sensibilité et d’une esthétique nouvelles; parmi ces auteurs figurent Charles Baudelaire, Stéphane Mallarmé et Victor Hugo.

D’autres auteurs mentionnent les arts et l’esprit japonais dans leurs écrits, tels que Marcel Proust, Edmond de Goncourt et Emile Zola. Pierre Loti a écrit un de ses romans les plus célèbres, Madame Chrysanthème (1887), prenant comme sujet sa propre rencontre avec une jeune femme japonaise mariée depuis un mois, précurseur de Madame Butterfly et de Miss Saigon, et une œuvre qui est une combinaison de histoire et journal de voyage.

En réponse aux excès du japonisme, l’écrivain Champfleury forge, à partir de 1872, le mot «japonaiserie». Il dénonce par ce néologisme le snobisme, béat et dépourvu d’esprit critique, qui entoure alors dans certains cercles français tout ce qui touche au Japon; le mot est alors repris pour décrire ces dérives exotiques, comme la “salade japonaise” qui apparaît dans la pièce d’Alexandre Dumas Jr., Francillon, ou l’érotisme indésirable inspiré par Pierre Loti et qui symbolise le mot “mousme” .

Le japonisme dans la musique
En 1871, Camille Saint-Saens a écrit un opéra en un acte, La Princesse Jaune, sur un livret de Louis Gallet, dans lequel une jeune Hollandaise est jalouse de la fixation faite par son ami artiste sur une estampe japonaise. En 1885, l’opéra comique, The Mikado, est présenté à Londres par Arthur Sullivan, le livret de William S. Gilbert et l’opéra, Madame Butterfly, Puccini est créé à Milan en 1904 avec un livret de Luigi Illica et Giuseppe Giacosa. Le ballet d’inspiration japonaise, Papa Chrysanthemum, donné en 1892 au Nouveau Cirque de la rue Saint-Honoré, inspire en 1895 un vitrail à Toulouse-Lautrec, commandé par Bing et exécuté par Louis Comfort Tiffany.

Après les poètes, les musiciens se sont intéressés à une poésie plus concise, plus incisive, permettant un développement mélodique plus délicat que la grande déclamation, réservée au domaine de l’opéra. Dans cet esprit, revenant à la précision du madrigal classique, l’attention des compositeurs français s’est tournée vers les traductions de tanka et de haïkus en français.

Un des tout premiers musiciens à se consacrer activement à la poésie japonaise fut Maurice Delage. Ayant voyagé en Inde et au Japon à la fin de 1911, il y séjourna durant l’année 1912. De retour en France, il maîtrisait suffisamment les subtilités du langage poétique pour traduire les poèmes que son ami Stravinsky mettait en musique, en 1913, sous le titre Trois poèmes du japonais lyrique.

L’œuvre de Stravinsky fut bien reçue lors de sa création en janvier 1914. Trois ans plus tard, Georges Migot écrivit Sept petites images du Japon pour voix et piano, à partir de poèmes d’une anthologie de poètes classiques.

Maurice Delage voit en 1925 la création de ses Kaïs pour soprano et ensemble de musique de chambre (flûte, hautbois, clarinette en si bémol, piano et quatuor à cordes), haïssés en septembre, dont il traduit lui-même les poèmes.

En 1927, Jacques Pillois propose Cinq haï-kaï pour quintette (flûte, violon, alto, violoncelle et harpe). Les hai-kai sont lus entre les morceaux.

Entre 1928 et 1932, Dimitri Chostakovitch composa son cycle de Six Romances sur des textes de poètes japonais, pour ténor et orchestre, opus. Les textes sont en partie tirés de la collection de Lyrics japonais, dans laquelle Stravinsky a emprunté ses trois poèmes. Les sujets, qui tournent autour de l’amour et de la mort, rejoignent les thèmes favoris du musicien russe. Il composa les trois premières romances la première année, la quatrième en 1931 et les deux dernières en 1932.

En 1951, le compositeur américain John Cage propose à son tour Cinq haikus pour piano, puis Seven haikus l’année suivante. Selon Michaël Andrieu, le musicien, “amoureux des formes minimales, s’intéressera au haïku plus tard dans sa carrière”.

En 1912, Bohuslav Martinů a composé son Nipponari, sept mélodies pour soprano et ensemble instrumental, qui ont été créées seulement en 1963.

La même année, Olivier Messiaen compose Sept haïkai, croquis japonais pour piano et orchestre.

Le compositeur Friedrich Cerha a également composé un haïku, «vraiment en référence au Japon», selon Michaël Andrieu, «mais dont le contenu textuel est vraiment loin de la perte de tous les liens avec la nature et les images poétiques (le texte, dans sa traduction française , est: Plus je suis fatigué, plus j’aime être à Vienne …) “.

Le japonisme à la mode
Avant la seconde moitié du XIX e siècle, les Européens ont peu d’importance culturelle au Japon. Cependant, au XVIIe siècle, les kimonos japonais sont importés en Europe par la Compagnie hollandaise des Indes orientales et sont portés par les Européens aisés comme des robes. Les importations de ces vêtements authentiques sont limitées, le marché est satisfait par les robes de chambre dites “indiennes”, surnommées “Japonsche rocken” (“robes japonaises”) en Hollande, “robes de chambre indiennes” en France et “Banyans” (” Marchand indien “) en Angleterre. Après l’ouverture du Japon en 1868 (ère Meiji), le kimono est définitivement adopté dans sa robe de chambre (Madame Hériot (1892) d’Auguste Renoir est représentée avec un kimono-robe intérieure, en 1908, Callot Sisters fait une réinterprétation japonaise robe kimono), tandis que son tissu servait à confectionner des robes occidentales, par exemple des robes crinolines (voir Condition de la femme en Occident à la Belle Epoque). Les motifs japonais sont également adaptés aux textiles occidentaux, par exemple des représentants de plantes, de petits animaux ou encore des armoires familiales sur les soies de Lyon. Au XXe siècle, si la forme du kimono devient banale au point d’être finalement confondue avec la robe, le kimono traditionnel conserve une réelle influence sur la mode occidentale.

Jardins japonais
L’esthétique des jardins japonais a été introduite dans le monde anglophone par Landscape Gardening de Josiah Conder au Japon (Kelly & Walsh, 1893). Il a déclenché les premiers jardins japonais à l’ouest. Une deuxième édition fut exigée en 1912. Les principes de Conder ont parfois été difficiles à suivre:

Dépouillée de ses costumes et maniérismes locaux, la méthode japonaise révèle des principes esthétiques applicables aux jardins de n’importe quel pays, enseignant, comme elle, comment convertir en un poème ou imaginer une composition qui, avec toute sa variété de détails, manque par ailleurs unité et intention

Japanese Garden Construction de Samuel Newsom (1939) offrait l’esthétique japonaise comme correctif dans la construction des rocailles, qui devaient leurs origines bien distinctes en Occident à la volonté du milieu du XIXe siècle de faire pousser les alpes dans une approximation des éboulis alpins. Selon la Garden History Society, le paysagiste japonais Seyemon Kusumoto a participé au développement de quelque 200 jardins au Royaume-Uni. En 1937, il exposa un jardin de rocaille au Chelsea Flower Show, et travailla sur le Burngreave Estate à Bognor Regis, un jardin japonais à Cottered dans le Hertfordshire et des cours au Du Cane Court à Londres.

Le peintre impressionniste Claude Monet a modelé des parties de son jardin à Giverny après des éléments japonais, comme le pont sur l’étang aux nénuphars, qu’il a peint de nombreuses fois. En détaillant seulement quelques points choisis tels que le pont ou les lys, il a été influencé par les méthodes visuelles traditionnelles japonaises trouvées dans les copies d’ukiyo-e, dont il avait une grande collection. Il a également planté un grand nombre d’espèces japonaises indigènes pour lui donner un sentiment plus exotique.

Musées
Aux États-Unis, la fascination pour l’art japonais s’étend aux collectionneurs et aux musées qui créent des collections importantes qui existent encore et qui ont influencé de nombreuses générations d’artistes. L’épicentre était Boston en grande partie dû à Isabella Stewart Gardner, un collecteur pionnier de l’art asiatique. En conséquence, le Musée des Beaux-Arts de Boston abrite aujourd’hui la plus belle collection d’art japonais en dehors du Japon. La Freer Gallery of Art et la galerie Arthur M. Sackler abritent la plus grande bibliothèque de recherche sur l’art asiatique aux États-Unis et abritent l’art japonais ainsi que les œuvres d’influence japonaise de Whistler.