Il giapponismo è un termine francese usato per descrivere una serie di prestiti europei dall’arte giapponese. Fu coniato nel 1872 dal critico, collezionista e stampatore francese Philippe Burty ‘per designare un nuovo campo di studio – artistico, storico ed etnografico’, comprendente oggetti decorativi con disegni giapponesi (simili a cineserie del XVIII secolo), dipinti di scene ambientate in Giappone, e dipinti occidentali, stampe e arti decorative influenzate dall’estetica giapponese Gli studiosi del XX secolo hanno distinto la japonaiserie, la raffigurazione di soggetti o oggetti giapponesi in un western stile, dal giapponismo, l’influenza più profonda dell’estetica giapponese sull’arte occidentale.
Japonisme, è lo studio dell’arte giapponese e del talento artistico. Il giapponismo ha interessato le belle arti, la scultura, l’architettura, le arti sceniche e le arti decorative in tutta la cultura occidentale. Il termine è usato in particolare per riferirsi all’influenza giapponese sull’arte europea, specialmente nell’impressionismo.
Ukiyo-e
A partire dagli anni ’60 del XIX secolo, ukiyo-e, le xilografie giapponesi, divennero una fonte d’ispirazione per molti artisti occidentali. Ukiyo-e iniziò come una scuola di pittura giapponese sviluppata nel 17 ° secolo. Le stampe di woodblock Ukiyo-e sono state create per soddisfare una richiesta di immagini di souvenir economiche. Sebbene le stampe fossero poco costose, erano innovative e tecniche che davano valore a ciascuno. Queste stampe sono state create raramente con un solo mecenate in mente, piuttosto sono state create per il mercato commerciale in Giappone. Sebbene una percentuale di stampe sia stata portata in Occidente attraverso i commercianti commerciali olandesi, non è stato fino al 1860 che le stampe ukiyo-e hanno guadagnato popolarità in Europa. Gli artisti occidentali erano affascinati dall’uso originale del colore e della composizione. Le stampe Ukiyo-e offrivano scorci drammatici e composizioni asimmetriche.
Storia
Solitudine (1639-1858)
Durante il periodo Edo (1639-1858), il Giappone era in un periodo di isolamento e solo un porto internazionale rimase attivo. Tokugawa Iemitsu ordinò che un’isola, Dejima, fosse costruita al largo delle coste di Nagasaki da cui il Giappone potesse ricevere le importazioni. Gli olandesi erano l’unico paese in grado di impegnarsi in scambi commerciali con i giapponesi, tuttavia, questa piccola quantità di contatto consentiva ancora all’arte giapponese di influenzare l’Occidente. Ogni anno gli olandesi arrivavano in Giappone con flotte di navi piene di merci occidentali per il commercio. Nei carichi arrivarono molti trattati olandesi sulla pittura e un certo numero di stampe olandesi. Shiba Kōkan (1747-1818) fu uno dei noti artisti giapponesi che studiò le importazioni olandesi. Kōkan creò una delle prime incisioni in Giappone che era una tecnica che aveva imparato da uno dei trattati importati. Kōkan combinerebbe la tecnica della prospettiva lineare, che ha imparato da un trattato, con i suoi dipinti in stile ukiyo-e.
Porcellana di era dell’isolamento
Attraverso l’era dell’isolamento, i beni giapponesi rimasero un lusso ricercato dai monarchi europei. La produzione di porcellana giapponese iniziò nel diciassettesimo secolo dopo la scoperta di argilla caolino vicino a Nagasaki. I produttori giapponesi erano consapevoli della popolarità della porcellana in Europa, quindi alcuni prodotti furono specificamente prodotti per il commercio olandese. La porcellana e le lacche sono diventate le principali esportazioni dal Giappone verso l’Europa. La porcellana era usata per decorare le case dei monarchi in stile barocco e rococò. Un modo popolare per mostrare la porcellana in una casa era creare una stanza di porcellana. Mensole verrebbero posizionate in tutta la stanza per mostrare le decorazioni esotiche.
Riapertura dell’Ottocento
Durante l’era Kaei (1848-1854), dopo oltre 200 anni di isolamento, navi mercantili straniere di varie nazionalità iniziarono a visitare il Giappone. Dopo la Restaurazione Meiji del 1868, il Giappone pose fine a un lungo periodo di isolamento nazionale e divenne aperto alle importazioni dall’Occidente, comprese la fotografia e le tecniche di stampa. Con questa nuova apertura nel commercio, arte e manufatti giapponesi cominciarono ad apparire in piccoli negozi di curiosità a Parigi e Londra.
Il giapponismo è iniziato come una mania per la raccolta di arte giapponese, in particolare ukiyo-e. Alcuni dei primi campioni di ukiyo-e sarebbero stati visti a Parigi. Intorno al 1856 l’artista francese Félix Bracquemond trovò per la prima volta una copia del libro degli schizzi Hokusai Manga nel laboratorio del suo stampatore, Auguste Delâtre. Lo sketchbook era arrivato nel laboratorio di Delâtre poco dopo che i porti giapponesi si erano aperti all’economia globale nel 1854; quindi, le opere d’arte giapponesi non avevano ancora guadagnato popolarità in Occidente. Negli anni successivi a questa scoperta, c’è stato un aumento di interesse per le stampe giapponesi. Sono stati venduti in negozi di curiosità, magazzini per il tè e negozi più grandi. Negozi come La Porte Chinoise si sono specializzati nella vendita di importazioni giapponesi e cinesi. La Porte Chinoise, in particolare, ha attratto gli artisti James Abbott McNeill Whistler, Édouard Manet e Edgar Degas che hanno tratto ispirazione dalle stampe.
Gli artisti europei in quel momento stavano cercando uno stile alternativo rispetto alle rigorose metodologie accademiche. Le riunioni organizzate da negozi come La Porte Chinoise hanno facilitato la diffusione di informazioni riguardanti l’arte e le tecniche giapponesi.
Artisti e movimenti
Ukiyo-e fu una delle principali influenze giapponesi sull’arte occidentale. Gli artisti occidentali erano attratti da sfondi colorati, scene realistiche di interni ed esterni e figure idealizzate. L’accento è stato posto su diagonali, prospettiva e asimmetria in ukiyo-e, che possono essere visti negli artisti occidentali che hanno adattato questo stile. È necessario studiare ogni artista come individuo che ha apportato innovazioni uniche.
Vincent van Gogh e tavolozze di colori woodblock
Vincent van Gogh ha iniziato il suo profondo interesse per le stampe giapponesi quando ha scoperto le illustrazioni di Félix Régamey su The Illustrated London News e Le Monde Illustré. Régamey creò delle impronte di legno, seguì le tecniche giapponesi e spesso raffigurò scene della vita giapponese. Van Gogh usava Régamey come fonte affidabile per le pratiche artistiche e le scene di vita quotidiana dei giapponesi. A partire dal 1885, van Gogh passò dalla raccolta di illustrazioni di riviste, come Régamey, alla raccolta di stampe ukiyo-e che potevano essere acquistate nei piccoli negozi parigini. Van Gogh condivise queste stampe con i suoi contemporanei e organizzò una mostra di stampe giapponesi a Parigi nel 1887. Il ritratto di Van Gogh di Pere Tanguy (1887) è un ritratto del suo mercante di colori, Julien Tanguy. Van Gogh ha creato due versioni di questo ritratto, entrambe con uno sfondo di stampe giapponesi. Molte delle stampe dietro Tanguy possono essere identificate, con artisti come Hiroshige e Kunisada. Van Gogh riempì il ritratto di colori vibranti. Credeva che i compratori non fossero più interessati ai dipinti olandesi dai toni grigi, piuttosto dipinti con molti colori erano considerati moderni e ricercati. È stato ispirato dalle stampe giapponesi in legno e dalle loro tavolozze colorate. Van Gogh includeva nelle sue opere la vivacità del colore in primo piano e lo sfondo dei dipinti che osservava nelle stampe giapponesi in legno e utilizzava la luce per chiarire.
Edgar Degas e stampe giapponesi
Nel 1860, Edgar Degas iniziò a collezionare stampe giapponesi da La Porte Chinoise e da altre piccole tipografie a Parigi. I contemporanei di Degas avevano iniziato a collezionare stampe che gli hanno dato una grande collezione per l’ispirazione. Tra le stampe mostrate a Degas c’era una copia dei Random Sketches di Hokusai che erano stati acquistati da Bracquemond dopo averli visti nel laboratorio di Delâtre. La data stimata dell’adozione di Japonism da parte di Degas nelle sue stampe è del 1875. Lo stile di stampa giapponese può essere visto nella scelta di Degas di dividere le singole scene posizionando le barriere verticalmente, diagonalmente e orizzontalmente. Simile a molti artisti giapponesi, le stampe di Degas si concentrano sulle donne e sulla loro routine quotidiana. Il posizionamento atipico delle sue figure femminili e la dedizione alla realtà nelle stampe di Degas lo hanno allineato con gli stampatori giapponesi come Hokusai, Utamaro e Sukenobu. Nella stampa di Degas Mary Cassatt al Louvre: La galleria etrusca (1879-1880), i punti in comune tra le stampe giapponesi e l’opera di Degas si trovano nelle due figure: una che si erge e una che si trova. La composizione delle figure era familiare nelle stampe giapponesi. Degas continua anche l’uso delle linee per creare profondità e spazio separato all’interno della scena. L’appropriazione più chiara di Degas è quella della donna appoggiata su un ombrello chiuso che viene preso in prestito direttamente dai Random Sketches di Hokusai.
James McNeill Whistler e il giapponese japonism
L’arte giapponese fu esposta in Gran Bretagna all’inizio del 1850. Queste mostre presentavano una variazione di oggetti giapponesi, tra cui mappe, lettere, tessuti e oggetti della vita di tutti i giorni. Queste mostre servirono come una fonte di orgoglio nazionale per la Gran Bretagna e servirono a creare un’identità giapponese separata oltre all’identità culturale “orientata” generalizzata. James Abbott McNeill Whistler era un artista americano che lavorava principalmente in Gran Bretagna. Durante la fine del 19esimo secolo, Whistler cominciò a rifiutare lo stile di pittura realista che i suoi contemporanei preferivano. Invece, Whistler trovò la semplicità e la tecnicità nell’estetica giapponese. Invece di copiare specifici artisti e opere d’arte giapponesi, Whistler fu influenzato dai metodi generali di articolazione e composizione giapponesi che integrò nelle sue opere. Pertanto, Whistler si astenne dal dipingere oggetti giapponesi nei suoi dipinti; invece, ha usato gli aspetti compositivi per infondere un senso di esotismo. Il Punt di Whistler (1861) mostrò il suo interesse per le composizioni asimmetriche e gli usi drammatici dello scorcio. Questo stile compositivo non sarebbe stato popolare tra i suoi contemporanei per altri dieci anni, tuttavia era una caratteristica della precedente arte Ukiyo-e.
Influenza giapponese nelle arti decorative
Nel 1851, i fratelli Goncourt dipingono nel loro diario un salotto decorato con arte giapponese 1. Dal 1853 negli Stati Uniti, poi dopo il 1855 in Europa, la graduale apertura del Giappone al commercio internazionale ha portato all’afflusso in Europa di molti oggetti: schermi, fan, lacche, porcellane, stampe … che hanno affascinato gli artisti e gli amanti dell’arte occidentale. Nel 1856, Félix Bracquemond scoprì Manga di Hokusai nella bottega del suo stampatore, Auguste Delâtre in 171, rue Saint-Jacques, dove era stato utilizzato per fermare una spedizione di porcellane. Riproducendo le sue figure di animali su un servizio di porcellana, realizzato nel 1867 per Eugene Rousseau, divenne il primo artista europeo a copiare direttamente artisti giapponesi.
Almeno dal 1850, l’Hotel Drouot organizza una volta all’anno una vendita pubblica di oggetti d’arte giapponesi. In Inghilterra, l’acquisto di opere giapponesi da parte di istituzioni iniziò nel 1852, e il loro studio influenzò l’aspetto dei mobili di uno “stile anglo-giapponese” dopo il 1862, che favorisce la sobrietà e la geometria. Dal 1859 al 1861 iniziarono a essere pubblicate riproduzioni in bianco e nero di ukiyo-e, in particolare da Delâtre o nel libro Compendio di disegni per l’industria e l’industria, dal visconte Adalbert de Beaumont e dal ceramista Eugène -Victor Collinot, così come nel rapporti della Commodore Perry Expedition to Japan di Francis Hawks, tradotti nel 1856 da Wilhelm Heine poi nel 1859 da Abraham Auguste Rolland, o in quelli di viaggi diplomatici, ripresi nel 1858, riportati dal barone Charles de Chassiron o da Laurence Oliphant e Sherard Osborn membri della missione Elgin.
Il tè dei commercianti Decelle al segno Nell’impero cinese, situato al 1857 n. 45, e dal 1862 al 1885 al n. 55, rue Vivienne, e Bouillette, al cartello di China Gate, situato dal 1855 al 1886 al n. 36 della stessa strada , iniziando a vendere vari “prodotti cinesi, India e Giappone”, che stampa i fratelli Goncourt nel 1860, o Baudelaire nel 1861, che si riferisce a una lettera del 1862: “Non molto tempo fa, ho ricevuto un pacchetto di” japanic “. li ho distribuiti ai miei amici. “Félix Bracquemond e Alfred Stevensalso frequentano la Porta cinese. Allo stesso modo, sin dall’apertura nel 1861 o 1862 nella loro bottega E. Desoye vicino al Louvre nel numero 220 di rue de Rivoli, Real De Soye è specializzato nella vendita di arte giapponese e libri illustrati che stupiscono Baudelaire. Queste aziende contano rapidamente molti artisti tra i loro clienti, tra cui, oltre a quelli sopra menzionati, James Tissot, Henry Fantin-Latour o Dante Gabriel Rossetti, poi Manet, Degas, Monet o Carolus-Duran.
James McNeill Whistler incontra probabilmente Felix Bracquemond a Delâtre, che stampa la sua serie di incisioni nel 1858 chiamato il set francese. Ha anche visto Stevens a Londra il 10 maggio 1863, pochi giorni dopo l’apertura del Salone della Pittura e Scultura di Parigi, dove Stevens espone diversi dipinti, mentre Whister preferisce presentare il suo dipinto La ragazza in bianco (Sinfonia in bianco, n. 1 : The White Girl) Salon des refusés, inaugurato il 15 maggio 1863. Poi, durante il suo nuovo viaggio a Parigi all’inizio di ottobre 1863, è il turno di Beaudelaire che gli sarà presentato attraverso Henry Fantin-Latour; mentre con James Tissot, incontrato al Louvre nel 1856, una certa rivalità nata sul primato dell’uso di questo nuovo tema in pittura, secondo la corrispondenza Whistler 1863-1865.
Così, dopo aver realizzato nel gennaio del 1864 Purple and Rose: Il Lange Leizen dei Sei Marchi, il suo primo dipinto orientalizzante appaia in effetti un cinese, Whistler ricevuto da Fantin, nell’aprile del 1864, oggetti della Porta cinese, probabilmente visitato con lui durante i suoi viaggi a Parigi dal 1863, e preso in prestito altri da Rossetti, al fine di realizzare tre dipinti con motivi giapponesi, tra cui Caprice in viola e oro. Lo schermo dorato e La principessa del paese di porcellana, che sarà completato intorno al marzo 1865, proprio quando Tissot realizzò altri tre sulla stessa materia, tra cui Il bagno giapponese. Per soddisfare una richiesta sempre più pressante, altri negozi aprirono nel 1870, come nel 1874 quello di Siegfried Bing al segno dell’arte giapponese al n. 19, rue Chauchat, poi il n. 22, rue de Provence e quello di Philippe Sichel all’11, rue Pigalle, che pubblicherà nel 1883 un bibeloteur in Giappone, ei loro proprietari si stanno impegnando come de Soye, il lontano viaggio nel Sole-Levante.
All’esposizione universale del 1862 a Londra, Sir Rutherford Alcock, un diplomatico di stanza in Giappone dal 1859, ha presentato la sua collezione personale di 612 artefatti giapponesi. Il designer Christopher Dresser (1834-1904) lo comprò alcuni e fu invitato in Giappone dal governo giapponese nel 1876. È forse l’autore della sedia laccata, considerata un precursore di mobili in stile anglo-giapponese. presentato anche da AF Bath’s Bornemann & Co all’Esposizione del 1862, che sarà seguita dai mobili di Edward William Godwin (it) del 1867, in particolare per il castello di Dromore. Sotto l’influenza giapponese, i mobili in stile Napoleon III utilizzano anche lacca nera, talvolta incrostata di madreperla.
Alla Fiera mondiale di Parigi del 1867, il Giappone presenta per la prima volta, nel Champ-de-Mars 14, un padiglione nazionale, costruito sotto la direzione dell’architetto Alfred Chapon, una fattoria artigianale. casa borghese, costruita da artigiani giapponesi sotto il patronato del governatore di Satsuma, contraria allo shogun e sostenitrice del restauro imperiale, che si svolgerà nell’ottobre dello stesso anno 15. Il Giappone esibisce questa volta secondo la sua libera scelta, diversi mille oggetti delle sue varie produzioni artistiche, artigianali e industriali, oltre alle incisioni che compaiono nella sezione italiana; mentre Felix Bracquemond presenta al pubblico il suo “servizio Rousseau”. Alla fine della mostra, 1.300 di questi articoli sono venduti al pubblico. Da quel momento in poi, l’arte giapponese cominciò ad essere apprezzata su larga scala. Nello stesso anno, James Tissot allestì un salone giapponese nella sua villa in Avenue Foch.
Reso possibile dalla maggiore apertura del Giappone al mondo esterno, nel 1868, con l’era Meiji, collezionisti e critici d’arte (Henri Cernuschi, Théodore Duret, Émile Guimet), pittori (Félix Régamey), intrapresero viaggi in Giappone nel 1870 e 1880 e contribuì alla diffusione delle opere giapponesi in Europa, e più in particolare in Francia, tanto che l’Esposizione Mondiale del 1878 comprendeva un buon numero di opere giapponesi, incluse le collezioni Bing, Burty e Guimet e segna il culmine della mania del giapponismo .
Dal 1867, Gabriel Viardot produce mobili giapponesi, seguiti da Huguet Ameublements. Intorno al 1870, Édouard Lièvre creò un laboratorio di ebanisteria e realizzò anche mobili di lusso in questo stile, tra cui nel 1875 quelli della villa del pittore Édouard Detaille, poi collabora con altri ebanisti, come Paul Sormani, o orafi come Ferdinand Barbedienne e la casa Christofle . Nel 1877, Whistler realizza l’arredamento della Peacock Room a Londra.
Arrivato a Parigi come traduttore della delegazione giapponese all’esposizione universale del 1878, Hayashi Tadamasa (o Tasamasa) decise di rimanere lì e nel 1883, creò con Wakai Oyaji, noto come Kenzaburô (若 井 兼 三郎), una compagnia di importazione di oggetti d’arte e stampe giapponesi 17, seguito da Iijima Hanjuro, disse Kyoshin (飯 島 半 十郎), il biografo di Hokusai. Nel 1886, Tadamasa introdusse i parigini all’arte e alla cultura del suo paese attraverso un numero speciale della Parigi illustrata con la copertina di Eisen in copertina, che Van Gogh dipinse una copia l’anno seguente. Tadamasa partecipa anche all’esibizione universale della polizia giapponese del 1889. Nel 1890 apre un negozio in rue de la Victoire, 65 a Parigi e, nel 1894, lascia in eredità la sua collezione di guardie di spade al Louvre. In undici anni di attività e viaggi di ritorno in Giappone, riceverà 218 consegne, tra cui 156 487 stampe. Collabora inoltre attivamente con i libri di Outamaro (1891) e Hokousai (1896), scritti da Edmond de Goncourt, fornendogli traduzioni di testi giapponesi e un’infinità di informazioni. Anche Louis Gonse usa le sue conoscenze per il suo libro intitolato Arte giapponese.
Il romanzo di Pierre Loti, Madame Chrysanthème, pubblicato nel 1887, ha solo accentuato e reso popolare questa moda del giapponismo. Alle mostre del mondo parigino del 1878, 1889 e 1900, il Giappone è molto presente sia nell’architettura, nelle stampe e nella produzione di ceramiche. Le opere giapponesi entrano nelle collezioni del Museo del Louvre, grazie all’eredità di Adolphe Thiers del 1884, e le opere religiose vengono acquisite anche nel 1892. Per la World Fair del 1900, Hayashi Tadamasa riesce nella favolosa sfida di portare grandi opere del Giappone , L’imperatore Meiji offre anche alcuni pezzi della sua collezione personale.
Il movimento ha anche toccato, oltre a Bracquemond, altri ceramisti, come i suoi amici Marc-Louis Solon e Jean-Charles Cazin, anche compagni di classe con Fantin-Latour della scuola di disegno di Horace Lecoq de Boisbaudran e riuniti nella società giapponese Jinglar fondata nel 1867 , così come il gres smaltato, come quelli di Carriès, la produzione della casa di Christofle di cloisonné e metallo patinato, decorazioni tessili e moda. L’intero Art Nouveau, il cui Samuel Bing divenne il difensore dedicando la sua galleria d’arte alla sua promozione dal 1895, include molti riferimenti e influenze giapponesi, tra cui Emile Gallé.
Influenza giapponese nelle arti
I principali artisti giapponesi che hanno influenzato gli artisti europei sono stati Hokusai, Hiroshige e Utamaro. Artisti molto poco riconosciuti in Giappone, perché producono un’arte considerata leggera e popolare dalle élite giapponesi dell’epoca. Il Giappone ha quindi salvato opere che sarebbero scomparse e ha permesso di sviluppare un nuovo modo di fare arte giapponese.
In cambio, l’arrivo degli occidentali in Giappone provocò molte reazioni tra gli artisti giapponesi. Per esempio nel campo della pittura si formarono due grandi scuole: la cosiddetta nihonga (“via giapponese”), che tendeva a perpetuare il canone della pittura giapponese, e il cosiddetto yō-ga (“via occidentale”) ), che ha sviluppato tecniche e motivi della pittura a olio (vedi Kuroda Seiki e Kume Keiichirō, fondatore della White Horse Society, Hakuba-kai).
Tuttavia, il movimento inverso del giapponismo si chiama bunmeikaika (文明 開化), dal cinese wénmíng kaihua, “civiltà culturale”, “cova di civiltà”). Non suscitò l’interesse degli artisti giapponesi, più preoccupato degli effetti della loro modernizzazione e della loro occidentalizzazione. Ci è voluto molto tempo prima che artisti e ricercatori giapponesi studiassero il Giappone.
Verso la fine del 1850, alcuni artisti acquistano stampe giapponesi a Parigi, come Whistler e Tissot e Monet che incontrano 231, nel 1871, o Rodin, che ne acquisisce quasi 200 dopo il 1900. Fantin-Latour, Edouard Manet, Carolus-Duran, Mary Cassatt e Giuseppe De Nittis ha anche collezionato stampe giapponesi; mentre Van Gogh lo acquistò ad Anversa nel 1885 e ne possedeva più di 400.
Tra i pittori europei e americani che furono seguaci del giononismo anche nelle loro opere, dal 1864, Tissot, che nel 1867 e nel 1868 diede lezioni di disegno al principe Tokugawa Akitake, Whistler, Van Gogh e Monet già menzionati, Stevens, Degas, Manet , Breitner, Renoir, Chase, ecc., E persino l’ucraino-polacco Bilińska-Bohdanowicz, Klimt, Auburtin o Gauguin poi, sotto la sua influenza, i Nabis, come Vuillard e Bonnard, che usano i formati giapponesi a volte montati su uno schermo.
Alfred Stevens frequentava anche il negozio cinese della Porta, dove acquistava oggetti dall’Estremo Oriente. All’Esposizione Universale del 1867, presenta 18 dipinti, tra cui l’India a Parigi (chiamata anche The Exotic Bibelot), che il critico d’arte Robert de Montesquiou accoglie nella Gazette des Beaux-Arts. Questo dipinto è preceduto da The Lady in Pink dal 1866 e seguito nel 1868 da La Collectionneuse de porcelaines, poi intorno al 1872 da una serie di numerosi dipinti giapponesi. Nel 1893-1894, il pittore olandese George Hendrik Breitneral produce anche una serie di almeno 6 tele di ragazze in kimono di diversi colori ispirati alle sue fotografie.
Nel 1888, Auguste Lepère creò con Félix Bracquemond, Daniel Vierge e Tony Beltrand, la rivista L’Estampe originale, per interessare artisti e dilettanti nei nuovi processi e tendenze di incisione, specialmente nel colore. In questo periodo in cui l’influenza giapponese ha una grande influenza sulle arti decorative, Henri Rivière realizzò da quella data dal 1888 al 1902, Le trentasei viste della Torre Eiffel. Nel 1891, Valloton rinnova anche la xilografia, con Paul Gauguin o Émile Bernard e, a sua volta, Toulouse-Lautrec rivoluziona l’arte del manifesto, disegnando nello stesso anno che per il famoso cabaret inaugurato nel 1889, chiamato Moulin Rouge – La Goulue. Anche le opere incise in legno dell’Amédée Joyau tra il 1895 e il 1909 portano il segno del giapponismo.
Grandi mostre di stampe giapponesi si svolgono anche a Parigi, che partecipano alla diffusione di una nuova estetica. Oltre alle opere precursori di Philippe Burty, nel 1873, Henri Cernuschi e Théodore Duret espongono, al Palais de l’Industrie, le stampe raccolte durante il loro viaggio del 1871-1873. Nel 1883, la Georges Petit Gallery ospitò una mostra retrospettiva di arte giapponese di 3.000 oggetti, organizzata da Louis Gonse, il direttore della Gazette des Beaux-Arts. Nel 1888, nella sua galleria The Japanese Art, situata in Rue de Provence 22, dove si incontrano molti critici d’arte e giovani pittori, Samuel Bing presenta una mostra storica dell’arte di incidere in Giappone e pubblica il primo numero del suo mensile rivista, Le Japon artistique, in particolare la lettura dei nabis e Gustav Klimt. Nel 1890, grazie alle collezioni dei suoi amici, Bing ha organizzato, presso la Scuola di Belle Arti di Parigi, l’Esposizione di maestri giapponesi di cui 760 stampe, il poster è stato progettato da Jules Chéret. Dal 1909 al 1913, Raymond Koechlin si dedica alla stampa di sei mostre al Museum of Decorative Arts.
Artisti influenzati dall’arte e dalla cultura giapponesi
Gustav Klimt
Il dipinto più famoso di Gustav Klimt è Il secondo ritratto di Adele Bloch-Bauer. Nell’ultimo stile di Klimt, è stato influenzato da un fuavista norvegese.
James Tissot, James McNeill Whistler, Édouard Manet, Claude Monet, Vincent van Gogh, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec, Mary Cassatt, Bertha Lum, William Bradley, Aubrey Beardsley, Arthur Wesley Dow, Alphonse Mucha, Gustav Klimt, Pierre Bonnard, Frank Lloyd Wright, Charles Rennie Mackintosh, Louis Comfort Tiffany, Helen Hyde, Georges Ferdinand Bigot,
Nella letteratura e nella poesia, gli autori francesi del xix secolo sentono la necessità di rompere con un certo classicismo e guardare, tra l’altro, all’orientalismo e all’arte giapponese. Per quanto riguarda il Giappone, non era tanto il prendere temi che traggono ispirazione da una nuova sensibilità ed estetica; tra questi autori figurano Charles Baudelaire, Stéphane Mallarmé e Victor Hugo.
Altri scrittori menzionano le arti e lo spirito giapponese nei loro scritti, come Marcel Proust, Edmond de Goncourt ed Emile Zola. Pierre Loti scrisse uno dei suoi romanzi più famosi, Madame Chrysanthème (1887), prendendo come soggetto il suo incontro con una giovane donna giapponese sposata per un mese, il precursore di Madame Butterfly e Miss Saigon, e un’opera che è una combinazione di storia e diario di viaggio.
In risposta agli eccessi del giapponismo, lo scrittore Champfleury forgia, dal 1872, la parola “japonaiserie”. Denuncia con questo neologismo snobismo, compiaciuto e privo di spirito critico, che poi circonda in certi circoli francesi tutto ciò che tocca il Giappone; la parola è poi ripresa per descrivere queste derive esotiche, come la “insalata giapponese” che appare nel dramma di Alexandre Dumas Jr., Francillon, o l’erotismo spazzatura che si ispira a Pierre Loti e che simboleggia la parola “mousme” .
Il Giappone nella musica
Nel 1871, Camille Saint-Saens scrisse un’opera in un atto, La principessa gialla, su un libretto di Louis Gallet, in cui una giovane ragazza olandese è gelosa della fissazione fatta dal suo amico artista su una stampa giapponese. Nel 1885, l’opera comica, The Mikado, viene presentata a Londra da Arthur Sullivan, su libretto di William S. Gilbert e opera, Madame Butterfly, Puccini viene creata a Milano nel 1904 su libretto di Luigi Illica e Giuseppe Giacosa. Il balletto di ispirazione giapponese, Papa Chrysanthemum, datato nel 1892 nel New Circus di rue Saint-Honoré, ispira nel 1895 una vetrata a Toulouse-Lautrec, commissionata da Bing e eseguita da Louis Comfort Tiffany.
Seguendo i poeti, i musicisti si interessarono a una poesia più concisa, più incisiva, permettendo uno sviluppo melodico più delicato della grande declamazione, riservata al campo dell’opera. In questo spirito, tornando alla precisione del madrigale classico, l’attenzione dei compositori francesi si rivolse alle traduzioni di tanka e haikus in francese.
Uno dei primi musicisti a dedicarsi attivamente alla poesia giapponese fu Maurice Delage. Dopo essersi recato in India e in Giappone alla fine del 1911, vi soggiornò durante l’anno 1912. Tornato in Francia, ebbe sufficiente padronanza delle sottigliezze del linguaggio poetico per tradurre se stesso le poesie che il suo amico Stravinskij mise in musica, nel 1913, sotto il titolo Tre poesie della lirica giapponese.
Il lavoro di Stravinsky fu ben accolto quando fu creato nel gennaio del 1914. Tre anni dopo, Georges Migot scrisse sette piccole immagini del Giappone per voce e pianoforte, da poesie di un’antologia di poeti classici.
Nel 1925, Maurice Delage fu testimone della creazione dei suoi Kaïs odiati da settembre per il soprano e l’ensemble di musica da camera (flauto, oboe, clarinetto in se piatto, pianoforte e quartetto d’archi), che egli stesso tradusse le poesie.
Nel 1927, Jacques Pillois propose Cinq haï-kaï per quintetto (flauto, violino, viola, violoncello e arpa). I hai-kai sono letti tra i pezzi.
Tra il 1928 e il 1932, Dimitri Shostakovich compose il suo ciclo di sei romanzi su testi di poeti giapponesi, per tenore e orchestra, opus. I testi sono in parte tratti dalla collezione di Lyric giapponese, in cui Stravinsky prese in prestito le sue tre poesie. I soggetti, che ruotano attorno all’amore e alla morte, si uniscono ai temi preferiti del musicista russo. Compose i primi tre romanzi il primo anno, il quarto nel 1931 e gli ultimi due nel 1932.
Nel 1951, il compositore americano John Cage propose a sua volta Cinq haikus per pianoforte, poi Seven haikus l’anno successivo. Secondo Michaël Andrieu, il musicista, “amanti delle forme minimali, sarà interessato ad haiku più avanti nella sua carriera”.
Nel 1912, Bohuslav Martinů aveva composto i suoi Nipponari, sette melodie per soprano e ensemble strumentale, che furono create solo nel 1963.
Lo stesso anno, Olivier Messiaen ha composto sette haikai, schizzi giapponesi per pianoforte e orchestra.
Il compositore Friedrich Cerha ha anche composto un haiku, “in riferimento al Giappone”, secondo Michaël Andrieu, “ma il cui contenuto testuale è molto lontano dalla perdita di tutti i collegamenti con la natura e le immagini poetiche (il testo, nella sua traduzione francese , è: più sono stanco, più mi piace stare a Vienna …) “.
Il Giappone nella moda
Prima della seconda metà del XIX secolo, gli europei pagano poca rilevanza culturale in Giappone. Tuttavia, nel XVII secolo, i kimono giapponesi sono importati in Europa dalla Compagnia olandese delle Indie orientali e sono indossati da ricchi europei come vestiti. Le importazioni di questi abiti autentici sono limitate, il mercato è soddisfatto dalle cosiddette vestaglie “indiane”, soprannominate “Japonsche rocken” (“abiti giapponesi”) in Olanda, “vestaglie indiane” in Francia e “Banyans” (” Mercante indiano “) in Inghilterra. Dopo l’apertura del Giappone nel 1868 (epoca Meiji), il kimono è definitivamente adottato per l’uso della vestaglia (Madame Hériot (1892) di Auguste Renoir è rappresentato con un abito kimono-abito, nel 1908, Callot Sisters ha fatto un giapponese reinterpretato vestito kimono), mentre la sua stoffa era usata per confezionare abiti occidentali, ad esempio abiti crinoline (vedi Condizione delle donne in Occidente durante la Belle Epoque). I motivi giapponesi si adattano anche ai tessuti occidentali, ad esempio rappresentanti di piante, piccoli animali o persino gabinetti di famiglia sulle sete di Lione. Nel 20 ° secolo, se la forma del kimono sta diventando comune fino al punto di essere confusa con la veste, il kimono tradizionale mantiene una vera influenza sulla moda occidentale.
Giardini giapponesi
L’estetica dei giardini giapponesi è stata introdotta nel mondo anglosassone dal Landscape Gardening di Josiah Conder in Giappone (Kelly & Walsh, 1893). Ha scatenato i primi giardini giapponesi in Occidente. Una seconda edizione fu richiesta nel 1912. I principi di Conder a volte si sono rivelati difficili da seguire:
Derubato delle sue vesti e manierismi locali, il metodo giapponese rivela principi estetici applicabili ai giardini di ogni paese, insegnando, come fa, come convertire in una poesia o immaginare una composizione, che, con tutta la sua varietà di dettagli, altrimenti manca unità e intenti
Samuel Newsom’s Japanese Garden Construction (1939) offered Japanese aesthetic as a corrective in the construction of rock gardens, which owed their quite separate origins in the West to the mid-19th century desire to grow alpines in an approximation of Alpine scree. According to the Garden History Society, the Japanese landscape gardener Seyemon Kusumoto was involved in the development of around 200 gardens in the UK. In 1937 he exhibited a rock garden at the Chelsea Flower Show, and worked on the Burngreave Estate at Bognor Regis, a Japanese garden at Cottered in Hertfordshire, and courtyards at Du Cane Court in London.
The impressionist painter Claude Monet modeled parts of his garden in Giverny after Japanese elements, such as the bridge over the lily pond, which he painted numerous times. By detailing just on a few select points such as the bridge or the lilies, he was influenced by traditional Japanese visual methods found in ukiyo-e prints, of which he had a large collection. He also planted a large number of native Japanese species to give it a more exotic feeling.
Museums
In the United States, the fascination with Japanese art extended to collectors and museums creating significant collections which still exist and have influenced many generations of artist. The epicenter was Boston in no small part due to Isabella Stewart Gardner, a pioneering collector of Asian art. As a consequence, the Museum of Fine Arts, Boston now houses the finest collection of Japanese art outside Japan. The Freer Gallery of Art and the Arthur M. Sackler Gallery house the largest Asian art research library in the United States and house Japanese art together with the Japanese influenced works of Whistler.