Japonismo

Japonism es un término francés usado para describir una gama de préstamos europeos del arte japonés. Fue acuñado en 1872 por el crítico, coleccionista y grabador francés Philippe Burty para designar un nuevo campo de estudio artístico, histórico y etnográfico, que abarca objetos decorativos. con diseños japoneses (similar al Chinoiserie del siglo XVIII), pinturas de escenas ambientadas en Japón y pinturas occidentales, grabados y artes decorativas influenciados por la estética japonesa. Los eruditos en el siglo XX han distinguido japonaiserie, la representación de objetos u objetos japoneses en un western estilo, de Japonisme, la influencia más profunda de la estética japonesa en el arte occidental.

Japonisme, es el estudio del arte japonés y el talento artístico. El japonismo afectó a las bellas artes, la escultura, la arquitectura, las artes escénicas y las artes decorativas en toda la cultura occidental. El término se usa particularmente para referirse a la influencia japonesa en el arte europeo, especialmente en el impresionismo.

Ukiyo-e
Desde la década de 1860, el ukiyo-e, grabado en madera japonés, se convirtió en una fuente de inspiración para muchos artistas occidentales. Ukiyo-e comenzó como una escuela de pintura japonesa desarrollada en el siglo XVII. Las impresiones con bloques de madera Ukiyo-e fueron creadas para satisfacer la demanda de imágenes de souvenir de bajo costo. Aunque las impresiones eran baratas, eran innovadoras y técnicas que le daban valor a cada una. Estas impresiones rara vez se crearon con un único cliente en mente, sino que se crearon para el mercado comercial en Japón. Aunque un porcentaje de las impresiones llegó a Occidente a través de los comerciantes comerciales holandeses, no fue hasta la década de 1860 cuando las impresiones de ukiyo-e ganaron popularidad en Europa. Los artistas occidentales estaban intrigados por el uso original del color y la composición. Las impresiones de Ukiyo-e presentaban escorzos dramáticos y composiciones asimétricas.

Historia

Aislamiento (1639-1858)
Durante el período Edo (1639-1858), Japón estuvo en un período de reclusión y solo un puerto internacional permaneció activo. Tokugawa Iemitsu ordenó que se construyera una isla, Dejima, en las costas de Nagasaki, desde donde Japón podría recibir importaciones. Los holandeses fueron el único país capaz de comerciar con los japoneses, sin embargo, esta pequeña cantidad de contacto aún permitía que el arte japonés influyera en Occidente. Cada año, los holandeses llegaban a Japón con flotas de barcos llenos de productos occidentales para el comercio. En los cargamentos llegaron muchos tratados holandeses sobre pintura y una serie de grabados holandeses. Shiba Kōkan (1747-1818) fue uno de los notables artistas japoneses que estudiaron las importaciones holandesas. Kōkan creó uno de los primeros grabados en Japón, que era una técnica que había aprendido de uno de los tratados importados. Kōkan combinaría la técnica de la perspectiva lineal, que aprendió de un tratado, con sus propias pinturas estilo ukiyo-e.

Porcelana de la era de reclusión
Durante la era de la reclusión, los productos japoneses siguieron siendo un lujo buscado por los monarcas europeos. La fabricación de porcelana japonesa comenzó en el siglo XVII después del desenterro de la arcilla de caolín cerca de Nagasaki. Los fabricantes japoneses eran conscientes de la popularidad de la porcelana en Europa, por lo tanto, algunos productos fueron específicamente producidos para el comercio holandés. La porcelana y la laca se convirtieron en las principales exportaciones de Japón a Europa. La porcelana se usaba para decorar las casas de los monarcas en estilo barroco y rococó. Una forma popular de mostrar la porcelana en un hogar era crear una habitación de porcelana. Estantes se colocarán en toda la habitación para mostrar las decoraciones exóticas.

La reapertura del siglo XIX
Durante la era Kaei (1848-1854), después de más de 200 años de reclusión, buques mercantes extranjeros de diversas nacionalidades comenzaron a visitar Japón. Después de la Restauración Meiji en 1868, Japón puso fin a un largo período de aislamiento nacional y se abrió a las importaciones de Occidente, incluidas las técnicas fotográficas y de impresión. Con esta nueva apertura en el comercio, el arte y los artefactos japoneses comenzaron a aparecer en pequeñas tiendas de curiosidades en París y Londres.

El japonismo comenzó como una locura por coleccionar arte japonés, particularmente ukiyo-e. Algunas de las primeras muestras de ukiyo-e se iban a ver en París. Alrededor de 1856, el artista francés Félix Bracquemond encontró por primera vez una copia del boceto Hokusai Manga en el taller de su impresora, Auguste Delâtre. El cuaderno de bocetos había llegado al taller de Delâtre poco después de que los puertos japoneses se abrieran a la economía global en 1854; por lo tanto, las ilustraciones japonesas aún no habían ganado popularidad en Occidente. En los años posteriores a este descubrimiento, hubo un aumento del interés en las impresiones japonesas. Se vendieron en tiendas de curiosidades, almacenes de té y tiendas más grandes. Tiendas como La Porte Chinoise se especializaron en la venta de importaciones japonesas y chinas. La Porte Chinoise, en particular, atrajo a los artistas James Abbott McNeill Whistler, Édouard Manet y Edgar Degas que se inspiraron en los grabados.

Los artistas europeos en este momento buscaban un estilo alternativo a las estrictas metodologías académicas. Las reuniones organizadas por tiendas como La Porte Chinoise facilitaron la difusión de información sobre el arte y las técnicas japonesas.

Artistas y movimientos
Ukiyo-e fue una de las principales influencias japonesas en el arte occidental. Los artistas occidentales se sintieron atraídos por los fondos coloridos, las escenas interiores y exteriores realistas y las figuras idealizadas. Se hizo hincapié en las diagonales, la perspectiva y la asimetría en ukiyo-e, todo lo cual se puede ver en los artistas occidentales que adaptaron este estilo. Es necesario estudiar a cada artista como un individuo que hizo innovaciones únicas.

Paletas de colores de Vincent van Gogh y Woodblock
Vincent van Gogh comenzó su profundo interés por los grabados japoneses cuando descubrió ilustraciones de Félix Régamey en The Illustrated London News y Le Monde Illustré. Régamey creó grabados en madera, siguió técnicas japonesas y, a menudo, representó escenas de la vida japonesa. Van Gogh usó Régamey como una fuente confiable para las prácticas artísticas y las escenas de la vida cotidiana de los japoneses. A partir de 1885, Van Gogh pasó de recoger ilustraciones de revistas, como Régamey, a colecciones de ukiyo-e que podían comprarse en pequeñas tiendas parisinas. Van Gogh compartió estos grabados con sus contemporáneos y organizó una exposición impresa japonesa en París en 1887. Retrato de Pere Tanguy (1887) de Van Gogh es un retrato de su comerciante de color, Julien Tanguy. Van Gogh creó dos versiones de este retrato, ambas con un fondo de estampados japoneses. Muchas de las impresiones detrás de Tanguy se pueden identificar, con artistas como Hiroshige y Kunisada destacados. Van Gogh llenó el retrato con colores vibrantes. Creía que los compradores ya no estaban interesados ​​en las pinturas holandesas de tonos grises, sino que las pinturas con muchos colores se consideraban modernas y buscadas. Él se inspiró en grabados en madera japoneses y sus coloridas paletas. Van Gogh incluyó en sus propias obras la vitalidad del color en el primer plano y el fondo de las pinturas que observó en grabados en madera japoneses y utilizó la luz para aclarar.

Edgar Degas y grabados japoneses
En la década de 1860, Edgar Degas comenzó a coleccionar grabados japoneses de La Porte Chinoise y otras imprentas pequeñas en París. Los contemporáneos de Degas también comenzaron a coleccionar grabados, lo que le dio una gran colección de inspiración. Entre los grabados mostrados a Degas había una copia de Random Sketches de Hokusai que había sido comprada por Bracquemond después de verla en el taller de Delâtre. La fecha estimada de la adopción de japonismo por Degas en sus grabados es 1875. El estilo de impresión japonés se puede ver en la elección de Degas para dividir escenas individuales colocando barreras verticalmente, diagonalmente y horizontalmente. Al igual que muchos artistas japoneses, las impresiones de Degas se centran en las mujeres y sus rutinas diarias. El posicionamiento atípico de sus figuras femeninas y la dedicación a la realidad en las impresiones de Degas lo alinearon con grabadores japoneses como Hokusai, Utamaro y Sukenobu. En el grabado de Degas Mary Cassatt en el Louvre: The Etruscan Gallery (1879-1880), las similitudes entre los grabados japoneses y el trabajo de Degas se pueden encontrar en las dos figuras: una que se levanta y otra que se sienta. La composición de las figuras era familiar en las impresiones japonesas. Degas también continúa el uso de líneas para crear profundidad y separar el espacio dentro de la escena. La apropiación más clara de Degas es la de la mujer apoyada en un paraguas cerrado, tomado directamente de los Esbozos Aleatorios de Hokusai.

James McNeill Whistler y el japonismo británico
El arte japonés se exhibió en Gran Bretaña a principios de la década de 1850. Estas exhibiciones presentaron una variación de objetos japoneses, incluyendo mapas, cartas, textiles y objetos de la vida cotidiana. Estas exhibiciones sirvieron como fuente de orgullo nacional para Gran Bretaña y sirvieron para crear una identidad japonesa aparte de la identidad cultural “orientada” generalizada. James Abbott McNeill Whistler fue un artista estadounidense que trabajó principalmente en Gran Bretaña. A fines del siglo XIX, Whistler comenzó a rechazar el estilo de pintura realista que sus contemporáneos favorecían. En cambio, Whistler encontró simplicidad y tecnicismo en la estética japonesa. En lugar de copiar obras de arte y artistas japoneses específicos, Whistler fue influenciado por los métodos generales de japonés de articulación y composición que integró en sus obras. Por lo tanto, Whistler se abstuvo de representar objetos japoneses en sus pinturas; en cambio, usó aspectos de composición para infundir una sensación de exotismo. Whistler’s The Punt (1861) mostró su interés por las composiciones asimétricas y los usos dramáticos del escorzo. Este estilo de composición no sería popular entre sus contemporáneos durante otros diez años, sin embargo, fue una característica del arte Ukiyo-e anterior.

Influencia japonesa en las artes decorativas
En 1851, los hermanos Goncourt representan en su diario una sala de estar decorada con arte japonés 1. Desde 1853 en los Estados Unidos, luego después de 1855 en Europa, la apertura gradual de Japón al comercio internacional condujo a la entrada en Europa de muchos objetos: pantallas, abanicos, lacas, porcelanas, grabados … que fascinaron a los artistas y amantes del arte occidental. En 1856, Félix Bracquemond descubrió la Manga de Hokusai en el taller de su impresora, Auguste Delâtre en el n. ° 171, rue Saint-Jacques, donde se había utilizado para atascar un cargamento de porcelana. Al reproducir sus figuras de animales en un servicio de porcelana, hecho en 1867 para Eugene Rousseau, se convirtió en el primer artista europeo en copiar directamente artistas japoneses.

Desde 1850, al menos, el Hotel Drouot organiza una vez al año una venta pública de objetos de arte japonés. En Inglaterra, la compra de obras japonesas por instituciones comenzó en 1852, y su estudio influyó en la apariencia de los muebles de un “estilo anglo-japonés” después de 1862, lo que favorece la sobriedad y la geometría. Desde 1859 hasta 1861, comenzaron a publicarse reproducciones en blanco y negro de ukiyo-e, especialmente por Delâtre o en el libro Compendio de Dibujos para el Arte y la Industria, por el vizconde Adalbert de Beaumont y el ceramista Eugène -Victor Collinot, así como en el relaciones de la expedición del comodoro Perry a Japón por Francis Hawks, traducidas en 1856 por Wilhelm Heine en 1859 por Abraham Auguste Rolland, o en las de viajes diplomáticos, reanudadas en 1858, informadas por el barón Charles de Chassiron o por Laurence Oliphant y Sherard Osborn miembros de la misión Elgin.

Té de los comerciantes Decelle en el letrero En el Imperio chino, ubicado en 1857 No 45, y de 1862 a 1885 en el n. ° 55, rue Vivienne, y Bouillette, en el letrero de China Gate, ubicado entre 1855 y 1886 en el n. 36 de la misma calle , comenzando a vender varios “productos chinos, India y Japón”, que imprime los hermanos Goncourt en 1860, o Baudelaire en 1861, que se relaciona con una carta de 1862: “No hace mucho tiempo, recibí un paquete de” japón “. Los distribuí a mis amigos “. Félix Bracquemond y Alfred Stevensalso frecuentan la Puerta de China. Del mismo modo, desde la apertura en 1861 o 1862 en su tienda E. Desoye, cerca del Louvre en el número 220 de la rue de Rivoli, Real De Soye se especializa en la venta de arte japonés y libros ilustrados que sorprenden a Baudelaire. Estas empresas cuentan rápidamente a muchos artistas entre sus clientes, incluidos, además de los mencionados anteriormente, James Tissot, Henry Fantin-Latour o Dante Gabriel Rossetti, luego Manet, Degas, Monet o Carolus-Duran.

James McNeill Whistler probablemente se encuentre con Felix Bracquemond en Delâtre, quien imprime su serie de grabados en 1858 llamada el conjunto francés. También vio a Stevens en Londres el 10 de mayo de 1863, pocos días después de la apertura del Salón de Pintura y Escultura de París, donde Stevens exhibió varias pinturas, mientras que Whister prefiere presentar su pintura La niña de blanco (Sinfonía en blanco, n. ° 1). : The White Girl) Salon des refusés, inaugurado el 15 de mayo de 1863. Luego, durante su nuevo viaje a París a principios de octubre de 1863, le toca a Beaudelaire presentarse a través de Henri Fantin-Latour; mientras que con James Tissot, se reunió en el Louvre en 1856, una cierta rivalidad nació en la primacía del uso de este nuevo tema en la pintura, según la correspondencia Whistler 1863-1865.

Así, después de haberse dado cuenta en enero de 1864 Purple and Rose: The Lange Leizen of the Six Marks, su primera pintura orientalizante que aparecía de hecho un chino, Whistler recibió de Fantin, en abril de 1864, objetos de la Puerta China, probablemente visitados con él durante sus viajes a París desde 1863, y tomó prestados otros de Rossetti, para hacer tres pinturas con motivos japoneses, incluyendo Caprice en púrpura y oro. La pantalla de oro y La princesa del país de la porcelana, que se completará alrededor de marzo de 1865, justo cuando Tissot se dio cuenta de otros tres sobre el mismo tema, incluido El baño japonés. Para satisfacer una demanda cada vez más apremiante, se abren más tiendas en 1870, como en 1874 la de Siegfried Bing al signo del arte japonés en el n ° 19, rue Chauchat, luego el n. ° 22, rue de Provence y la de Philippe Sichel. en el n. ° 11, rue Pigalle, que publicará en 1883 un bibeloteur en Japón, y sus propietarios están emprendiendo obras como De Soye, el lejano viaje al Sol-Levante.

En la Exposición Universal de 1862 en Londres, Sir Rutherford Alcock, un diplomático destacado en Japón desde 1859, presentó su colección personal de 612 artefactos japoneses. El diseñador Christopher Dresser (1834-1904) le compró unos pocos y fue invitado a Japón por el gobierno japonés en 1876. Es quizás el autor de la silla laqueada, considerada un precursor de los muebles en el estilo anglo-japonés., Que era también presentado por AF Bath’s Bornemann & Co en la Exposición de 1862, que será seguido por muebles de Edward William Godwin (en) desde 1867, especialmente para el castillo de Dromore. Bajo la influencia japonesa, los muebles de estilo Napoleón III también usan laca negra, a veces con incrustaciones de madreperla.

En la Feria Mundial de París en 1867, Japón presenta por primera vez, en el Champ-de-Mars 14, un pabellón nacional, construido bajo la dirección del arquitecto Alfred Chapon, una granja artesanal. casa burguesa, construida por artesanos japoneses bajo el patrocinio del gobernador de Satsuma, opuesta al shogun y partidario de la restauración imperial, que tendrá lugar en octubre del mismo año 15. Japón exhibe esta vez de acuerdo con su libre elección, varios mil objetos de sus diversas producciones artísticas, artesanales e industriales, además de los grabados que aparecen en la sección italiana; mientras que Felix Bracquemond presenta al público su “servicio Rousseau”. Al final de la exposición, 1.300 de estos artículos se venden al público. A partir de entonces, el arte japonés comenzó a ser apreciado a gran escala. Ese mismo año, James Tissot instaló un salón japonés en su mansión en Avenue Foch.

Hecho posible por la mayor apertura de Japón al mundo exterior, en 1868, con la era Meiji, coleccionistas y críticos de arte (Henri Cernuschi, Théodore Duret, Émile Guimet), pintores (Félix Régamey), emprenden viajes en Japón en la década de 1870 y 1880 y contribuyó a la difusión de obras japonesas en Europa, y más particularmente en Francia, tanto que la Feria Mundial de 1878 presentó un buen número de obras japonesas, incluidas las colecciones Bing, Burty y Guimet y marca el clímax de la locura por el japonismo .

Desde 1867, Gabriel Viardot produjo muebles japoneses, seguidos por Huguet Ameublements. Alrededor de 1870, Édouard Lièvre creó un taller de ebanistería y también hizo lujosos muebles de este estilo, incluyendo en 1875 los de la mansión del pintor Édouard Detaille, luego colabora con otros ebanistas, como Paul Sormani, u orfebres como Ferdinand Barbedienne y la casa Christofle . En 1877, Whistler se da cuenta de la decoración de la habitación Peacock en Londres.

Llegado a París como traductor de la delegación japonesa a la Exposición Universal de 1878, Hayashi Tadamasa (o Tasamasa) decidió quedarse allí y en 1883, creó con Wakai Oyaji, conocido como Kenzaburô (若 井 兼,), una compañía de importación. de objetos de arte e impresiones japonesas 17, seguidos por Iijima Hanjuro, dijo Kyoshin (飯 島 半,), el biógrafo de Hokusai. En 1886, Tadamasa introdujo a los parisinos en el arte y la cultura de su país a través de un número especial del París ilustrado con The Courtisane de Eisen en la portada, que Van Gogh pintó una copia el año siguiente. Tadamasa también participa en la estación de policía japonesa Exposición Universal de 1889. En 1890 abrió una tienda en el número 65 de la rue de la Victoire en París y, en 1894, legó su colección de espadas guardias en el Louvre. En once años de actividades y viajes de regreso a Japón, recibirá 218 entregas, incluidas 156 487 impresiones. También colabora activamente en los libros Outamaro (1891) y Hokousai (1896), escritos por Edmond de Goncourt, proporcionándole traducciones de textos en japonés e innumerables informaciones. Louis Gonse también usa su conocimiento para su libro titulado Japanese Art.

La novela de Pierre Loti, Madame Chrysanthème, publicada en 1887, solo acentuó y popularizó esta moda del japonismo. En las exposiciones mundiales parisinas de 1878, 1889 y 1900, Japón está muy presente tanto en arquitectura, grabados y en la producción de cerámica. Obras japonesas entran en las colecciones del Museo del Louvre, gracias al legado de Adolphe Thiers de 1884, y las obras religiosas también se adquieren en 1892. Para la Feria Mundial de 1900, Hayashi Tadamasa tiene éxito en el fabuloso desafío de traer obras muy grandes de Japón , El emperador Meiji incluso ofrece algunas piezas de su colección personal.

El movimiento también conmovió, además de Bracquemond, a otros ceramistas, como sus amigos Marc-Louis Solon y Jean-Charles Cazin, también compañeros de clase con Fantin-Latour de la escuela de dibujo de Horace Lecoq de Boisbaudran y se reunieron en la compañía japonesa Jinglar fundada en 1867. , así como el gres esmaltado, como los de Carriès, la producción de cloisonné y metal patinado, decoraciones textiles y moda de la casa Christofle. Todo el Art Nouveau, cuyo Samuel Bing se convirtió en el defensor al dedicar su galería de arte a su promoción desde 1895, incluye muchas referencias e influencias japonesas, incluido Emile Gallé.

Influencia japonesa en las artes
Los principales artistas japoneses que influyeron en los artistas europeos fueron Hokusai, Hiroshige y Utamaro. Artistas muy poco reconocidos en Japón, porque producen un arte considerado liviano y popular por las élites japonesas de la época. El japonismo salvó así las obras que desaparecerían y permitió desarrollar una nueva forma de arte japonés.

A cambio, la llegada de occidentales a Japón provocó muchas reacciones entre los artistas japoneses. Por ejemplo, en el campo de la pintura, se formaron dos grandes escuelas: la llamada nihonga (“vía japonesa”), que tendió a perpetuar el canon de la pintura japonesa, y el llamado yō-ga (“vía occidental”). ), quien desarrolló las técnicas y los motivos de la pintura al óleo (ver Kuroda Seiki y Kume Keiichirō, fundador de la White Horse Society, Hakuba-kai).

Sin embargo, el movimiento inverso del japonismo se llama bunmeikaika (文明 開化), del chino wenmíng kaihua, “civilización cultural”, “eclosión de la civilización”). No despertó el interés de los artistas japoneses, más preocupados por los efectos de su modernización y su occidentalización. Los artistas e investigadores japoneses tardaron mucho en estudiar el japonismo.

A fines de la década de 1850, algunos artistas compran grabados japoneses en París, como Whistler y Tissot y Monet, que se reúne con 231, en 1871, o Rodin, que adquiere casi 200 después de 1900. Fantin-Latour, Edouard Manet, Carolus-Duran, Mary Cassatt y Giuseppe De Nittis también recogió grabados japoneses; mientras que Van Gogh lo compró en Amberes en 1885 y poseía más de 400.

Entre los pintores europeos y estadounidenses que fueron seguidores del japonismo incluso en sus obras, desde 1864, Tissot, quien, en 1867 y 1868, dio lecciones de dibujo al Príncipe Tokugawa Akitake, Whistler, Van Gogh y Monet ya mencionados, Stevens, Degas, Manet , Breitner, Renoir, Chase, etc., e incluso el ucraniano-polaco Bilińska-Bohdanowicz, Klimt, Auburtin o Gauguin luego, bajo su influencia, los Nabis, como Vuillard y Bonnard, que usan formatos japoneses a veces montados en una pantalla.

Alfred Stevens también frecuentaba la tienda Chinese Door, donde compraba objetos del Lejano Oriente. En la Exposición Universal de 1867, presenta 18 pinturas, incluida India en París (también llamada The Exotic Bibelot), que el crítico de arte Robert de Montesquiou saluda en la Gazette des Beaux-Arts. Esta pintura está precedida por La dama de rosa de 1866 y seguida en 1868 por La Collectionneuse de porcelaines, y luego en 1872 por una serie de varias pinturas japonesas. En 1893-1894, el pintor holandés George Hendrik Breitneral produce una serie de al menos 6 lienzos de niñas en kimono de diferentes colores inspirados en sus propias fotografías.

En 1888, Auguste Lepère creó con Félix Bracquemond, Daniel Vierge y Tony Beltrand, la revista L’Estampe originale, para interesar a artistas y aficionados en los nuevos procesos y tendencias del grabado, especialmente en color. En este período donde la influencia japonesa tiene una gran influencia en las artes decorativas, Henri Rivière realizó desde esa fecha desde 1888 hasta 1902, las Treinta y Seis Vistas de la Torre Eiffel. En 1891, Valloton también renueva la xilografía, con Paul Gauguin o Émile Bernard y, a su vez, Toulouse-Lautrec revolucionó el arte del cartel, dibujando en el mismo año que para el famoso cabaret abierto en 1889, llamado Moulin Rouge – La Goulue. Las obras de Amédée Joyau grabadas en madera entre 1895 y 1909 también llevan la marca del japonismo.

Grandes exposiciones de grabados japoneses también se celebran en París, que participan en la difusión de una nueva estética. Además de las obras críticas precursoras de Philippe Burty, en 1873, Henri Cernuschi y Théodore Duret expusieron, en el Palais de l’industrie, los grabados recopilados durante su viaje de 1871-1873. En 1883, la Galería Georges Petit organizó una exposición retrospectiva de arte japonés de 3.000 objetos, organizada por Louis Gonse, el director de la Gazette des Beaux-Arts. En 1888, en su galería The Japanese Art, ubicada en el número 22 de Rue de Provence, donde se reúnen muchos críticos de arte y jóvenes pintores, Samuel Bing presenta una exposición histórica del arte del grabado en Japón y publica el primer número de su revista mensual. revista, Le Japon artistique, especialmente leída por los nabis y Gustav Klimt. En 1890, gracias a las colecciones de sus amigos, Bing organizó, en la Escuela de Bellas Artes de París, la Exposición de maestros japoneses que incluía 760 grabados, el póster diseñado por Jules Chéret. De 1909 a 1913, Raymond Koechlin se dedicó a imprimir seis exposiciones en el Museo de Artes Decorativas.

Artistas influenciados por el arte y la cultura japonesa

Gustav Klimt
La pintura japónica más conocida de Gustav Klimt es El segundo retrato de Adele Bloch-Bauer. En el último estilo de Klimt, fue influenciado por un fuavista noruego.

James Tissot, James McNeill Whistler, Édouard Manet, Claude Monet, Vincent van Gogh, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec, Mary Cassatt, Bertha Lum, William Bradley, Aubrey Beardsley, Arthur Wesley Dow, Alphonse Mucha, Gustav Klimt, Pierre Bonnard, Frank Lloyd Wright, Charles Rennie Mackintosh, Louis Comfort Tiffany, Helen Hyde, Georges Ferdinand Bigot,

En literatura y poesía, los autores franceses del siglo xix sienten la necesidad de romper con cierto clasicismo y mirar, entre otros, el orientalismo y el arte japonés. En lo que respecta a Japón, no se trata tanto de abordar temas como de inspirarse en una nueva sensibilidad y estética; entre estos autores figuran Charles Baudelaire, Stéphane Mallarmé y Victor Hugo.

Otros escritores mencionan las artes y el espíritu japonés en sus escritos, como Marcel Proust, Edmond de Goncourt y Emile Zola. Pierre Loti escribió una de sus novelas más famosas, Madame Chrysanthème (1887), tomando como tema su propio encuentro con una joven japonesa casada durante un mes, precursora de Madame Butterfly y Miss Saigon, y una obra que es una combinación de historia y diario de viaje.

En respuesta a los excesos del japonismo, el escritor Champfleury forja, desde 1872, la palabra “japonaiserie”. Denuncia por este neologismo esnobismo, presumido y desprovisto de espíritu crítico, que luego rodea en ciertos círculos franceses todo lo que toca a Japón; la palabra luego se utiliza para describir estos derrapes exóticos, como la “ensalada japonesa” que aparece en la obra de Alexandre Dumas Jr., Francillon, o el erotismo basura que se inspira en Pierre Loti y que simboliza la palabra “mousme” .

Japanismo en la música
En 1871, Camille Saint-Saens escribió una ópera en un acto, The Yellow Princess, en un libreto de Louis Gallet, en el que una joven holandesa está celosa de la fijación realizada por su amigo artista en un grabado japonés. En 1885, la ópera cómica, The Mikado, se presenta en Londres por Arthur Sullivan, libreto de William S. Gilbert y la ópera Madame Butterfly. Puccini se crea en Milán en 1904 con libreto de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa. El crisantemo de inspiración japonesa, Papa Chrysanthemum, dado en 1892 en el New Circus de la rue Saint-Honoré, inspira en 1895 un vitral en Toulouse-Lautrec, encargado por Bing y ejecutado por Louis Comfort Tiffany.

Siguiendo a los poetas, los músicos se interesaron en una poesía más concisa, más incisiva, permitiendo un desarrollo melódico más delicado que la gran declamación, reservada para el campo de la ópera. En este espíritu, volviendo a la precisión del madrigal clásico, la atención de los compositores franceses recurrió a las traducciones de tanka y haikus en francés.

Uno de los primeros músicos en dedicarse activamente a la poesía japonesa fue Maurice Delage. Después de viajar a India y Japón a fines de 1911, permaneció allí durante el año 1912. De regreso en Francia, dominó las sutilezas del lenguaje poético para traducir los poemas que su amigo Stravinsky puso en la música, en 1913, bajo el título Tres poemas de la lírica japonesa.

La obra de Stravinsky fue bien recibida cuando se creó en enero de 1914. Tres años más tarde, Georges Migot escribió Siete pequeñas imágenes de Japón para voz y piano, a partir de poemas de una antología de poetas clásicos.

En 1925, Maurice Delage fue testigo de la creación de su Kaïs odiado en septiembre por la soprano y el conjunto de música de cámara (flauta, oboe, clarinete en si plano, piano y cuarteto de cuerdas), que él mismo tradujo los poemas.

En 1927, Jacques Pillois propuso Cinq haï-kaï para quinteto (flauta, violín, viola, chelo y arpa). Los hai-kai se leen entre las piezas.

Entre 1928 y 1932, Dimitri Shostakovich compuso su ciclo de Six Romances en textos de poetas japoneses, para tenor y orquesta, opus. Los textos están tomados en parte de la colección de Lyric japonesa, en la que Stravinsky tomó prestados sus tres poemas. Los temas, que giran en torno al amor y la muerte, se unen a los temas favoritos del músico ruso. Compuso los primeros tres romances el primer año, el cuarto en 1931 y los dos últimos en 1932.

En 1951, el compositor estadounidense John Cage le propuso Cinq haikus para piano, luego Seven haikus al año siguiente. Según Michaël Andrieu, el músico, “amantes de las formas mínimas, estará interesado en el haiku más adelante en su carrera”.

En 1912, Bohuslav Martinů había compuesto su Nipponari, siete melodías para soprano y conjunto instrumental, que solo se crearon en 1963.

El mismo año, Olivier Messiaen compuso Seven haikai, bocetos japoneses para piano y orquesta.

El compositor Friedrich Cerha también compuso un haiku, “realmente en referencia a Japón”, según Michaël Andrieu, “pero cuyo contenido textual está realmente muy lejos con la pérdida de todos los enlaces a la naturaleza y las imágenes poéticas (el texto, en su traducción al francés) , es: Cuanto más estoy cansado, más me gusta estar en Viena …) “.

Japanismo en la moda
Antes de la segunda mitad del siglo XIX, los europeos tienen poca importancia cultural en Japón. Sin embargo, en el siglo XVII, los kimonos japoneses son importados a Europa por la Compañía Holandesa de las Indias Orientales y los europeos ricos los usan como vestidos. Las importaciones de estas prendas auténticas son limitadas, el mercado está satisfecho con las llamadas batas “indias”, apodadas “Japonsche rocken” (“vestidos japoneses”) en Holanda, “batas indias” en Francia y “Banyans” (” Comerciante indio “) en Inglaterra. Después de la apertura de Japón en 1868 (era Meiji), el kimono se adopta definitivamente en el uso de bata (Madame Hériot (1892) de Auguste Renoir se representa con un traje de kimono interior, en 1908, las hermanas Callot hicieron una reinterpretación japonesa vestido de kimono), mientras que su tela se usó para hacer vestidos occidentales, por ejemplo, vestidos de crinolinas (vea Condición de las mujeres en el Oeste durante la Belle Epoque). Los motivos japoneses también se adaptan a los textiles occidentales, por ejemplo, representantes de plantas, animales pequeños o incluso gabinetes familiares en seda de Lyon. En el siglo 20, si la forma del kimono se está convirtiendo en algo común hasta el punto de confundirse finalmente con la túnica, el kimono tradicional conserva una influencia real en la moda occidental.

Jardines japoneses
La estética de los jardines japoneses fue introducida en el mundo de habla inglesa por Landscape Gardening de Josiah Conder en Japón (Kelly & Walsh, 1893). Desató los primeros jardines japoneses en el oeste. Se requirió una segunda edición en 1912. Los principios de Conder a veces han resultado difíciles de seguir:

Robado de sus atuendos locales y su manierismo, el método japonés revela los principios estéticos aplicables a los jardines de cualquier país, enseñando, como lo hace, cómo convertir en un poema o imagen una composición que, con toda su variedad de detalles, de lo contrario carece unidad e intención

La Japanese Garden Construction (1939) de Samuel Newsom ofreció la estética japonesa como un correctivo en la construcción de jardines de rocas, que debieron sus orígenes bastante separados en el oeste hasta mediados del siglo XIX, el deseo de cultivar alpinas en una aproximación de pedregales alpinos. Según Garden History Society, el jardinero paisajista japonés Seyemon Kusumoto participó en el desarrollo de unos 200 jardines en el Reino Unido. En 1937 exhibió un jardín de rocas en el Chelsea Flower Show, y trabajó en Burngreave Estate en Bognor Regis, un jardín japonés en Cottered en Hertfordshire, y patios en Du Cane Court en Londres.

El pintor impresionista Claude Monet modeló partes de su jardín en Giverny después de elementos japoneses, como el puente sobre el estanque de lirios, que pintó en numerosas ocasiones. Al detallar solo algunos puntos selectos, como el puente o los lirios, se vio influenciado por los métodos visuales japoneses tradicionales que se encuentran en las copias ukiyo-e, de las cuales tenía una gran colección. También plantó una gran cantidad de especies nativas japonesas para darle una sensación más exótica.

Museos
En los Estados Unidos, la fascinación por el arte japonés se extendió a los coleccionistas y museos creando colecciones significativas que aún existen y han influido en muchas generaciones de artistas. El epicentro fue Boston en gran parte debido a Isabella Stewart Gardner, una coleccionista pionera de arte asiático. Como consecuencia, el Museo de Bellas Artes de Boston ahora alberga la mejor colección de arte japonés fuera de Japón. La Galería de Arte Freer y la Galería Arthur M. Sackler albergan la mayor biblioteca de investigación de arte de Asia en los Estados Unidos y albergan arte japonés junto con obras de influencia japonesa de Whistler.