Japonismus ist ein französischer Begriff, der eine Reihe europäischer Anleihen aus der japanischen Kunst beschreibt. Er wurde 1872 vom französischen Kritiker, Sammler und Grafiker Philippe Burty geprägt, um ein neues künstlerisches, historisches und ethnographisches Studiengebiet zu bezeichnen, das dekorative Objekte umfasst mit japanischen Designs (ähnlich der Chinoiserie des 18. Jahrhunderts), Gemälden mit Szenen aus Japan und westlichen Gemälden, Drucken und dekorativen Künsten, die von japanischer Ästhetik beeinflusst sind Gelehrte des 20. Jahrhunderts haben japonaiserie, die Darstellung japanischer Subjekte oder Objekte in einem Western, ausgezeichnet Stil, von Japonisme, der tiefere Einfluss der japanischen Ästhetik auf die westliche Kunst.

Japonisme, ist das Studium der japanischen Kunst und künstlerisches Talent. Der Japonismus beeinflusste die bildende Kunst, die Bildhauerei, die Architektur, die darstellende Kunst und die dekorativen Künste in der westlichen Kultur. Der Begriff bezieht sich insbesondere auf den Einfluss der Japaner auf die europäische Kunst, insbesondere im Impressionismus.

Ukiyo-e
Ab den 1860er Jahren wurden Ukiyo-e, japanische Holzschnitte, zu einer Inspirationsquelle für viele westliche Künstler. Ukiyo-e begann als eine japanische Malschule, die im 17. Jahrhundert entwickelt wurde. Ukiyo-e Holzschnitte wurden geschaffen, um eine Nachfrage nach preiswerten Souvenirbildern zu erfüllen. Obwohl die Drucke preiswert waren, waren sie innovativ und technisch, was jedem einen Wert gab. Diese Drucke wurden selten für einen einzigen Kunden erstellt, sondern für den kommerziellen Markt in Japan. Obwohl ein Prozentsatz der Drucke durch holländische Handelskaufleute in den Westen gebracht wurde, wurden Ukiyo-e-Drucke erst in den 1860er Jahren in Europa populär. Westliche Künstler waren fasziniert von der ursprünglichen Verwendung von Farbe und Komposition. Ukiyo-e druckte dramatische Verkürzungen und asymmetrische Kompositionen.

Geschichte

Abgeschiedenheit (1639-1858)
Während der Edo-Zeit (1639-1858) befand sich Japan in einer Zeit der Abgeschiedenheit und nur ein internationaler Hafen blieb aktiv. Tokugawa Iemitsu, befahl, dass eine Insel, Dejima, vor den Küsten von Nagasaki gebaut werden sollte, von der Japan Importe erhalten konnte. Die Niederländer waren das einzige Land, das Handel mit den Japanern betreiben konnte. Dennoch ermöglichte diese geringe Anzahl von Kontakten der japanischen Kunst, den Westen zu beeinflussen. Jedes Jahr kamen die Holländer mit Schiffsflotten nach Japan, die mit westlichen Waren für den Handel gefüllt waren. In den Ladungen kamen viele niederländische Abhandlungen über Malerei und eine Anzahl niederländischer Drucke an. Shiba Kōkan (1747-1818) war einer der bemerkenswerten japanischen Künstler, die die niederländischen Importe untersuchten. Kōkan schuf eine der ersten Radierungen in Japan, eine Technik, die er aus einer der importierten Abhandlungen gelernt hatte. Kōkan würde die Technik der linearen Perspektive, die er aus einer Abhandlung gelernt hat, mit seinen eigenen Ukiyo-e-gestylten Gemälden kombinieren.

Porzellan der Abgeschiedenheit Ära
Durch die Zeit der Abgeschiedenheit blieben japanische Waren ein gefragter Luxus für europäische Monarchen. Die Herstellung von japanischem Porzellan begann im siebzehnten Jahrhundert nach der Entdeckung von Kaolinton in der Nähe von Nagasaki. Japanische Hersteller waren sich der Beliebtheit von Porzellan in Europa bewusst, daher wurden einige Produkte speziell für den niederländischen Handel hergestellt. Porzellan und Lackwaren wurden die wichtigsten Exporte von Japan nach Europa. Porzellan wurde verwendet, um die Häuser von Monarchen im Barock- und Rokokostil zu schmücken. Eine beliebte Art, Porzellan in einem Heim auszustellen, bestand darin, einen Porzellanraum zu schaffen. Regale würden im ganzen Raum platziert, um die exotischen Dekorationen anzuzeigen.

Wiedereröffnung des 19. Jahrhunderts
Während der Kaei-Ära (1848-1854) begannen nach mehr als 200 Jahren Abgeschiedenheit ausländische Handelsschiffe verschiedener Nationalitäten, Japan zu besuchen. Nach der Meiji-Restauration im Jahr 1868 beendete Japan eine lange Zeit der nationalen Isolation und öffnete sich für Importe aus dem Westen, einschließlich Fotografie und Drucktechniken. Mit dieser neuen Öffnung im Handel begannen japanische Kunst und Artefakte in kleinen Kuriositätengeschäften in Paris und London zu erscheinen.

Japonismus begann als eine Begeisterung für das Sammeln von japanischer Kunst, insbesondere Ukiyo-e. Einige der ersten Samples von Ukiyo-e waren in Paris zu sehen. Um 1856 stieß der französische Künstler Félix Bracquemond in der Werkstatt seines Druckers Auguste Delâtre erstmals auf eine Kopie des Skizzenbuchs Hokusai Manga. Das Skizzenbuch war kurz nach der Öffnung der japanischen Häfen für die Weltwirtschaft im Jahr 1854 in der Werkstatt von Delâtre eingetroffen. deshalb waren japanische Kunstwerke im Westen noch nicht populär. In den Jahren nach dieser Entdeckung stieg das Interesse an japanischen Drucken. Sie wurden in Kuriositätenläden, Teehäusern und größeren Geschäften verkauft. Geschäfte wie La Porte Chinoise spezialisierten sich auf den Verkauf von japanischen und chinesischen Importen. Vor allem La Porte Chinoise zog die Künstler James Abbott McNeill Whistler, Edouard Manet und Edgar Degas an, die sich von den Drucken inspirieren ließen.

Europäische Künstler suchten zu dieser Zeit einen alternativen Stil zu den strengen akademischen Methoden. Zusammenkünfte, die von Läden wie La Porte Chinoise organisiert wurden, erleichterten die Verbreitung von Informationen über japanische Kunst und Techniken.

Künstler und Bewegungen
Ukiyo-e war einer der wichtigsten japanischen Einflüsse auf die westliche Kunst. Westliche Künstler wurden von den farbigen Hintergründen, realistischen Innen- und Außenszenen und idealisierten Figuren angezogen. Der Schwerpunkt wurde auf Diagonalen, Perspektive und Asymmetrie in Ukiyo-e gelegt, die alle in den westlichen Künstlern zu sehen sind, die diesen Stil adaptierten. Es ist notwendig, jeden Künstler als Individuum zu betrachten, das einzigartige Innovationen hervorgebracht hat.

Vincent van Gogh und Farbholzpaletten
Vincent van Gogh begann sein tiefes Interesse an japanischen Drucken, als er Illustrationen von Félix Régamey in The Illustrated London News und Le Monde Illustré entdeckte. Régamey schuf Holzschnitte, folgte japanischen Techniken und stellte oft Szenen aus dem japanischen Leben dar. Van Gogh nutzte Régamey als verlässliche Quelle für die künstlerischen Praktiken und Alltagsszenen der Japaner. Ab 1885 wechselte van Gogh von der Sammlung von Zeitschriftenillustrationen wie Régamey zu Ukiyo-e-Prints, die in kleinen Pariser Geschäften erworben werden konnten. Van Gogh teilte diese Drucke mit seinen Zeitgenossen und organisierte 1887 eine japanische Druckausstellung in Paris. Van Goghs Porträt von Pere Tanguy (1887) ist ein Porträt seines Farbenhändlers Julien Tanguy. Van Gogh schuf zwei Versionen dieses Porträts, die beide eine Kulisse aus japanischen Drucken aufweisen. Viele der Drucke hinter Tanguy können identifiziert werden, mit Künstlern wie Hiroshige und Kunisada. Van Gogh füllte das Porträt mit lebhaften Farben. Er glaubt, dass die Käufer sich nicht mehr für graue, holländische Gemälde interessieren, sondern Gemälde mit vielen Farben als modern und begehrt angesehen werden. Inspiriert wurde er von japanischen Holzschnitten und ihren bunten Paletten. Van Gogh hat in seinen eigenen Arbeiten die Farbvibrationen im Vordergrund und den Hintergrund von Gemälden mit einbezogen, die er in japanischen Holzschnitten beobachtet und mit Licht zur Klärung gebracht hat.

Edgar Degas und japanische Drucke
In den 1860er Jahren begann Edgar Degas, japanische Drucke von La Porte Chinoise und anderen kleinen Druckereien in Paris zu sammeln. Degas ‚Zeitgenossen hatten auch begonnen, Drucke zu sammeln, die ihm eine große Sammlung zur Inspiration gaben. Unter den Abzügen, die Degas gezeigt wurde, war eine Kopie von Hokusais Random Sketches, die von Bracquemond gekauft worden war, nachdem er sie in Delâtres Werkstatt gesehen hatte. Das geschätzte Datum der Einführung des Japonismus durch Degas in seine Drucke ist 1875. Der japanische Druckstil kann in Degas Wahl gesehen werden, einzelne Szenen zu teilen, indem man Schranken vertikal, diagonal und horizontal setzt. Ähnlich wie viele japanische Künstler konzentrieren sich die Drucke von Degas auf Frauen und ihre täglichen Routinen. Die atypische Positionierung seiner weiblichen Figuren und die Hingabe an die Realität in Degas ‚Druckgrafiken führten ihn zu japanischen Druckern wie Hokusai, Utamaro und Sukenobu. In Degas ‚Druck Mary Cassatt im Louvre: Die etruskische Galerie (1879-1880), die Gemeinsamkeiten zwischen japanischen Drucken und Degas‘ Werk finden sich in den zwei Figuren: eine, die steht und eine, die sitzt. Die Zusammensetzung der Figuren war in japanischen Drucken bekannt. Degas setzt auch die Verwendung von Linien fort, um Tiefe zu schaffen und den Raum innerhalb der Szene zu trennen. Degas ‚eindeutigste Aneignung ist die Frau, die sich auf einen geschlossenen Regenschirm stützt, der direkt aus Hokusais Random Sketches entlehnt ist.

James McNeill Whistler und britischer Japonismus
Japanische Kunst wurde in den frühen 1850er Jahren in Großbritannien ausgestellt. Diese Ausstellungen zeigten eine Variation japanischer Objekte, darunter Karten, Briefe, Textilien und Gegenstände aus dem täglichen Leben. Diese Ausstellungen waren eine Quelle des Nationalstolzes für Großbritannien und dienten der Schaffung einer eigenen japanischen Identität, die sich von der allgemeinen „orient“ kulturellen Identität unterschied. James Abbott McNeill Whistler war ein amerikanischer Künstler, der hauptsächlich in Großbritannien arbeitete. Im späten 19. Jahrhundert begann Whistler, den realistischen Stil der Malerei abzulehnen, den seine Zeitgenossen bevorzugten. Stattdessen fand Whistler Einfachheit und Technik in der japanischen Ästhetik. Anstatt spezifische japanische Künstler und Kunstwerke zu kopieren, war Whistler beeinflusst von allgemeinen japanischen Artikulations- und Kompositionsmethoden, die er in seine Werke integrierte. Deshalb verzichtete Whistler darauf, japanische Objekte in seinen Gemälden darzustellen; stattdessen verwendete er kompositorische Aspekte, um ein Gefühl von Exotik zu verbreiten. Whistlers The Punt (1861) zeigte sein Interesse an asymmetrischen Kompositionen und dramatischen Verkürzungen. Dieser Kompositionsstil war unter seinen Zeitgenossen noch zehn Jahre lang nicht populär, war jedoch ein Charakteristikum früherer Ukiyo-e-Kunst.

Japanischer Einfluss in den dekorativen Künsten
Im Jahr 1851 zeigen die Goncourt-Brüder in ihrer Zeitschrift ein Wohnzimmer, das mit japanischer Kunst dekoriert ist. Ab 1853 in den Vereinigten Staaten, dann nach 1855 in Europa, führte die allmähliche Öffnung Japans zum internationalen Handel zum Zufluss vieler Gegenstände nach Europa: Fächer, Lacke, Porzellane, Drucke …, die die Künstler und westliche Kunstliebhaber faszinierten. 1856 entdeckte Félix Bracquemond Manga von Hokusai in der Werkstatt seines Druckers Auguste Delâtre in der Rue Saint-Jacques Nr. 171, wo er eine Portion Porzellan abgestellt hatte. Durch die Reproduktion seiner Tierfiguren auf einem Porzellanservice, der 1867 für Eugene Rousseau entstand, wurde er der erste europäische Künstler, der japanische Künstler direkt kopierte.

Ab 1850 organisiert das Hotel Drouot einmal im Jahr einen öffentlichen Verkauf japanischer Kunstobjekte. In England begann der Kauf japanischer Werke durch Institutionen im Jahr 1852, und ihre Studie beeinflusste das Aussehen in Möbeln eines „anglo-japanischen Stils“ nach 1862, was Nüchternheit und Geometrie begünstigt. Von 1859 bis 1861 begannen Schwarz-Weiß-Reproduktionen von Ukiyo-e, insbesondere von Delâtre oder im Buch Kompendium der Zeichnungen für Kunst und Industrie, von Viscount Adalbert de Beaumont und Keramiker Eugène-Victor Collinot, sowie in der Beziehungen der Commodore Perry Expedition nach Japan von Francis Hawks, übersetzt 1856 von Wilhelm Heine dann 1859 von Abraham Auguste Rolland, oder in denen der diplomatischen Reisen, wieder aufgenommen 1858, berichtet von Baron Charles de Chassiron oder von Laurence Oliphant und Sherard Osborn Mitglieder der Elgin-Mission.

Merchants Tee Decelle am Zeichen im chinesischen Reich, gelegen an 1857 Nr. 45 und 1862 bis 1885 an Nr. 55, Rue Vivienne und Bouillette, am Zeichen des China-Tors, gelegen von 1855 bis 1886 an Nr. 36 der gleichen Straße , beginnend mit dem Verkauf verschiedener „chinesischer Produkte, Indien und Japan“, die 1860 die Brüder Goncourt oder 1861 Baudelaire drucken, was sich auf einen Brief von 1862 bezieht: „Vor kurzem erhielt ich eine Packung“ japanischer “ Ich habe sie an meine Freunde verteilt. „Félix Bracquemond und Alfred Stevens besuchen auch das Chinesische Tor. Ebenso, seit der Eröffnung im Jahr 1861 oder 1862 in ihrem Geschäft E. Desoye in der Nähe des Louvre in Nr. 220, Rue de Rivoli, Real De Soye sind spezialisiert auf den Verkauf von japanischer Kunst und illustrierte Bücher, die Baudelaire begeistern. Diese Unternehmen zählen schnell viele Künstler zu ihren Kunden, einschließlich, zusätzlich zu den oben genannten, James Tissot, Henry Fantin-Latour oder Dante Gabriel Rossetti, dann Manet, Degas, Monet oder Carolus-Duran.

James McNeill Whistler trifft wahrscheinlich Felix Bracquemond in Delâtre, der 1858 seine Serie von Radierungen druckt, die als französisches Set bezeichnet wird. Er sah Stevens am 10. Mai 1863 in London, wenige Tage nach der Eröffnung des Pariser Salon für Malerei und Bildhauerei, wo Stevens mehrere Gemälde ausstellte, während Whister sein Gemälde Das Mädchen in Weiß (Symphonie in Weiß, Nr : Das weiße Mädchen) Salon des refusés, eröffnet am 15. Mai 1863. Dann, während seiner neuen Reise nach Paris Anfang Oktober 1863, ist es an der Reihe, dass Beau- delaire ihm durch Henri Fantin-Latour vorgestellt wird; Während mit James Tissot, traf im Louvre im Jahr 1856 eine gewisse Rivalität geboren auf dem Vorrang der Verwendung dieses neuen Themas in der Malerei, nach der Korrespondenz Whistler 1863-1865.

Nachdem er im Januar 1864 Purple und Rose realisiert hatte: Das Lange Leizen der Sechs Marken, sein erstes orientalisierendes Gemälde, das tatsächlich ein Chinese war, erhielt Whistler von Fantin im April 1864 Gegenstände der chinesischen Tür, die wahrscheinlich mit ihm während des Besuchs besucht wurden seine Reisen nach Paris von 1863, und andere von Rossetti ausgeliehen, um drei Bilder mit japanischen Motiven, einschließlich Caprice in Lila und Gold zu machen. Die goldene Leinwand und die Prinzessin des Landes des Porzellans, die um den März 1865 fertiggestellt werden wird, als Tissot drei andere zum selben Thema realisierte, darunter das Japanische Bad. Um dem Bedürfnis nach immer mehr Pressung gerecht zu werden, öffnen sich 1870 weitere Läden, so 1874 die von Siegfried Bing im Zeichen der japanischen Kunst an Nr. 19, Rue Chauchat, dann Nr. 22, Rue de Provence und Philippe Sichel in der Rue Pigalle Nr. 11, die 1883 einen Biobeloteur in Japan veröffentlicht, und ihre Besitzer unternehmen wie de Soye, die ferne Reise in die Sonne-Levante.

Auf der Weltausstellung von 1862 in London präsentierte der 1859 in Japan stationierte Diplomat Sir Rutherford Alcock seine persönliche Sammlung von 612 japanischen Artefakten. Der Designer Christopher Dresser (1834-1904) kaufte ihm einige und wurde von der japanischen Regierung 1876 nach Japan eingeladen. Er ist vielleicht der Autor des lackierten Stuhls, der als Vorläufer von Möbeln im anglo-japanischen Stil galt Auch präsentiert von Bornemann & Co von AF Bath auf der 1862 Ausstellung, gefolgt von Möbeln von Edward William Godwin (en) aus dem Jahr 1867, speziell für das Schloss von Dromore. Unter japanischem Einfluss werden Möbel im Stil von Napoleon III auch mit schwarzem Lack, manchmal mit Perlmutt überzogen.

Auf der Weltausstellung in Paris 1867 präsentiert Japan zum ersten Mal auf dem Champ-de-Mars 14 einen nationalen Pavillon, der unter der Leitung des Architekten Alfred Chapon, einer handwerklichen Farm, gebaut wurde. bürgerlichen Haus, von japanischen Handwerkern unter der Schirmherrschaft des Gouverneurs von Satsuma gebaut, im Gegensatz zum Shogun und Anhänger der imperialen Restauration, die im Oktober desselben Jahres stattfinden wird 15. Japan zeigt diese Zeit nach ihrer freien Wahl, mehrere tausend Gegenstände ihrer verschiedenen künstlerischen, handwerklichen und industriellen Produktionen, neben den Stichen, die in der italienischen Abteilung erscheinen; während Felix Bracquemond der Öffentlichkeit seinen „Rousseau-Service“ präsentiert. Am Ende der Ausstellung werden 1.300 Stück an die Öffentlichkeit verkauft. Von da an wurde die japanische Kunst in großem Stil geschätzt. Im selben Jahr richtete James Tissot in seiner Villa in der Avenue Foch einen japanischen Salon ein.

Durch die größere Offenheit Japans gegenüber der Außenwelt ermöglichten Sammler und Kunstkritiker (Henri Cernuschi, Théodore Duret, Émile Guimet), Maler (Félix Régamey) 1868 mit der Meiji-Ära in den 1870er Jahren Reisen in Japan 1880 und trug zur Verbreitung der japanischen Werke in Europa, und insbesondere in Frankreich, so sehr, dass die Weltausstellung 1878 eine gute Anzahl von japanischen Werken, darunter Bing-Sammlungen, Burty und Guimet und markiert den Höhepunkt der Begeisterung für Japonismus .

Ab 1867 produzierte Gabriel Viardot japanische Möbel, gefolgt von Huguet Ameublements. Um 1870 schuf Édouard Lièvre eine Schreinerei und fertigte auch luxuriöse Möbel in diesem Stil, darunter 1875 jene des Herrenhauses des Malers Édouard Detaille, die dann mit anderen Kunsttischlern wie Paul Sormani oder Goldschmieden wie Ferdinand Barbedienne und dem Haus Christofle zusammenarbeitet . Im Jahr 1877 realisiert Whistler das Dekor des Peacock Room in London.

In Paris angekommen, entschied sich Hayashi Tadamasa (oder Tasamasa) als Übersetzer der japanischen Delegation für die Weltausstellung von 1878, dort zu bleiben und gründete 1883 mit Wakai Oyaji, bekannt als Kenzaburô (若 井 兼 三郎), eine Importfirma von japanischen Kunstobjekten und Drucken 17, gefolgt von Iijima Hanjuro, sagte Kyoshin (飯 島 半 十郎), der Biograph von Hokusai. Im Jahr 1886 führte Tadamasa die Pariser Kunst und Kultur seines Landes durch eine Sonderausgabe des illustrierten Paris mit Eisen ’s The Courtisane auf dem Titel, die Van Gogh im Jahr darauf eine Kopie malte. Tadamasa nimmt auch an der japanischen Polizeistation teilUniversal Exhibition of 1889. 1890 eröffnete er ein Geschäft in der Rue de la Victoire Nr. 65 in Paris und vermachte 1894 seine Sammlung von Schwertern im Louvre. In elf Jahren Aktivitäten und Rückreisen nach Japan wird es 218 Auslieferungen erhalten, davon 156 487 Abzüge. Er arbeitet auch aktiv in den von Edmond de Goncourt geschriebenen Büchern Outamaro (1891) und Hokousai (1896) zusammen, die ihm Übersetzungen japanischer Texte und unzählige Informationen liefern. Auch Louis Gonse nutzt sein Wissen für sein Buch „Japanische Kunst“.

Pierre Lotis Roman, Madame Chrysanthème, der 1887 veröffentlicht wurde, hat diese Mode des Japonismus nur akzentuiert und populär gemacht. Auf den Pariser Weltausstellungen von 1878, 1889 und 1900 ist Japan sowohl in der Architektur als auch in der Grafik und in der Keramikproduktion präsent. Japanische Werke treten in die Sammlungen des Louvre ein, dank des Vermächtnisses von Adolphe Thiers von 1884, und religiöse Werke werden 1892 erworben. Für die Weltausstellung von 1900 gelingt Hayashi Tadamasa die fabelhafte Herausforderung, sehr große Werke Japans mitzubringen , Kaiser Meiji bietet sogar einige Stücke aus seiner persönlichen Sammlung an.

Die Bewegung berührte neben Bracquemond auch andere Keramiker wie seine Freunde Marc-Louis Solon und Jean-Charles Cazin, ebenfalls Klassenkameraden bei Fantin-Latour der Zeichenschule von Horace Lecoq de Boisbaudran und versammelten sich in der 1867 gegründeten japanischen Firma Jinglar sowie emailliertes Steinzeug, wie das von Carriès, das Cloisonné- und patinierte Metall des Christofle-Hauses, textile Dekorationen und Mode. Der gesamte Art Nouveau, dessen Samuel Bing zum Verteidiger wurde, indem er seine Kunstgalerie seiner Promotion von 1895 widmete, enthält viele Referenzen und japanische Einflüsse, darunter Emile Gallé.

Japanischer Einfluss in den Künsten
Die wichtigsten japanischen Künstler, die europäische Künstler beeinflussten, waren Hokusai, Hiroshige und Utamaro. Künstler, die in Japan kaum anerkannt sind, weil sie eine Kunst produzierten, die von den japanischen Eliten der damaligen Zeit als leicht und populär angesehen wurde. Der Japanismus rettete so Werke, die verschwinden und eine neue Art der japanischen Kunst entwickeln könnten.

Im Gegenzug löste die Ankunft der Westler in Japan viele Reaktionen unter japanischen Künstlern aus. Zum Beispiel im Bereich der Malerei entstanden zwei große Schulen: der sogenannte Nihonga („Japanischer Weg“), der den Kanon der japanischen Malerei verewigte, und der sogenannte Yō-ga („Westlicher Weg“). ), der die Techniken und Motive der Ölmalerei entwickelte (siehe Kuroda Seiki und Kume Keiichirō, Gründer der White Horse Society, Hakuba-kai).

Die umgekehrte Bewegung des Japonismus heißt jedoch bunmeikaika (From 開化), aus dem Chinesischen wénmíng kaihua, „kulturelle Zivilisation“, „Ausbrüten der Zivilisation“. Er weckte nicht das Interesse der japanischen Künstler, die sich mehr mit den Auswirkungen ihrer Modernisierung und ihrer Verwestlichung beschäftigten. Japanische Künstler und Forscher haben lange gebraucht, um den Japanismus zu studieren.

In den späten 1850er Jahren, einige Künstler kaufen japanische Drucke in Paris, wie Whistler und Tissot und Monet, die 231 trifft, im Jahr 1871, oder Rodin, der fast 200 nach 1900 erwirbt Fantin-Latour, Edouard Manet, Carolus-Duran, Mary Cassatt und Giuseppe De Nittis sammelte auch japanische Drucke; während Van Gogh es 1885 in Antwerpen kaufte und mehr als 400 besaß.

Unter den europäischen und amerikanischen Malern, die selbst in ihren Werken dem Japonismus folgten, ab 1864 Tissot, der 1867 und 1868 Malunterricht bei Prinz Tokugawa Akitake, Whistler, Van Gogh und Monet gab, Stevens, Degas, Manet , Breitner, Renoir, Chase usw., und sogar die ukrainisch-polnische Bilińska-Bohdanowicz, Klimt, Auburtin oder Gauguin, dann unter seinem Einfluss, die Nabis, wie Vuillard und Bonnard, die japanische Formate manchmal auf einer Leinwand montiert verwenden.

Alfred Stevens besuchte auch den chinesischen Türladen, wo er Objekte aus Fernost kaufte. Auf der Weltausstellung von 1867 präsentiert er 18 Gemälde, darunter Indien in Paris (auch Exotisches Bibelot genannt), das der Kunstkritiker Robert de Montesquiou in der Gazette des Beaux-Arts begrüßt. Diesem Gemälde geht die Dame in Rosa von 1866 voraus, gefolgt von 1868 von La Collectionneuse de porcelaines, dann um 1872 von einer Serie von mehreren japanischen Gemälden. In den Jahren 1893-1894 produziert der holländische Maler George Hendrik Breitneralso eine Serie von mindestens 6 Leinwänden von Mädchen in Kimono verschiedener Farben, inspiriert von seinen eigenen Fotografien.

Im Jahr 1888 schuf Auguste Lepère zusammen mit Félix Bracquemond, Daniel Vierge und Tony Beltrand die Zeitschrift L’Estampe originale, um Künstler und Amateure für die neuen Verfahren und Trends des Gravierens, insbesondere der Farbe, zu interessieren. In dieser Zeit, in der der japanische Einfluss großen Einfluss auf die dekorativen Künste hat, realisierte Henri Rivière von 1888 bis 1902 die 36 Ansichten des Eiffelturms. Im Jahr 1891 erneuert Valloton auch den Holzschnitt, mit Paul Gauguin oder Émile Bernard und wiederum Toulouse-Lautrec revolutioniert die Kunst des Plakats und zeichnet im gleichen Jahr, dass für das berühmte Kabarett im Jahr 1889 eröffnet, genannt Moulin Rouge – La Goulue. Die Holzschnitzereien von Amédée Joyau zwischen 1895 und 1909 tragen ebenfalls das Zeichen des Japonismus.

Große Ausstellungen japanischer Drucke finden auch in Paris statt, die an der Verbreitung einer neuen Ästhetik teilhaben. Neben den Vorläuferkritiken von Philippe Burty stellten Henri Cernuschi und Théodore Duret 1873 im Palais de l’industrie die während ihrer Reise von 1871-1873 gesammelten Drucke aus. Im Jahr 1883 war die Georges Petit Gallery eine Retrospektive der japanischen Kunst von 3.000 Objekten, organisiert von Louis Gonse, dem Direktor der Gazette des Beaux-Arts. Im Jahr 1888 präsentiert Samuel Bing in seiner Galerie The Japanese Art in der Rue de Provence Nr. 22, wo sich viele Kunstkritiker und junge Maler treffen, eine historische Ausstellung der Kupferstichkunst in Japan und veröffentlicht die erste Ausgabe seiner Monatszeitschrift Magazin, Le Japon artistique, besonders gelesen von den Nabis und Gustav Klimt. Dank der Sammlungen seiner Freunde organisierte Bing 1890 an der Pariser Schule für Schöne Künste die Ausstellung japanischer Meister mit 760 Drucken. Das Poster wurde von Jules Chéret entworfen. Von 1909 bis 1913 widmet sich Raymond Koechlin sechs Ausstellungen im Museum für dekorative Künste.

Künstler beeinflusst von japanischer Kunst und Kultur

Gustav Klimt
Das bekannteste japonisierte Gemälde von Gustav Klimt ist das zweite Porträt von Adele Bloch-Bauer. Im letzten Stil von Klimt wurde er von einem norwegischen Fuavisten beeinflusst.

James Tissot, James McNeill Whistler, Édouard Manet, Claude Monet, Vincent van Gogh, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec, Mary Cassatt, Bertha Lum, William Bradley, Aubrey Beardsley, Arthur Wesley Dow, Alphonse Mucha, Gustav Klimt, Pierre Bonnard, Frank Lloyd Wright, Charles Rennie Mackintosh, Louis Comfort Tiffany, Helen Hyde, Georges Ferdinand Bigot,

In der Literatur und Poesie haben die französischen Autoren des XIX. Jahrhunderts das Bedürfnis, mit einem gewissen Klassizismus zu brechen und sich unter anderem dem Orientalismus und der japanischen Kunst zu widmen. Was Japan anbelangt, so waren es nicht so sehr Themen, die sich von einer neuen Sensibilität und Ästhetik inspirieren lassen. Zu diesen Autoren gehören Charles Baudelaire, Stéphane Mallarmé und Victor Hugo.

Andere Schriftsteller erwähnen die Künste und den japanischen Geist in ihren Schriften, wie Marcel Proust, Edmond de Goncourt und Emile Zola. Pierre Loti schrieb einen seiner berühmtesten Romane, Madame Chrysanthème (1887), der sein eigenes Treffen mit einer jungen, für einen Monat verheirateten Japanerin, dem Vorläufer von Madame Butterfly und Miss Saigon, und ein Werk, das eine Kombination von Geschichte und Reisetagebuch.

Als Antwort auf die Exzesse des Japonismus schmiedet der Schriftsteller Champfleury ab 1872 das Wort „japonaiserie“. Er prangert durch diesen Neologismus Snobismus, selbstgefällig und ohne kritischen Geist, der dann in gewissen französischen Kreisen alles umgibt, was Japan berührt; das Wort wird dann verwendet, um diese exotischen Drifts zu beschreiben, wie der „Japanische Salat“, der im Spiel von Alexandre Dumas Jr. Francillon erscheint, oder die Trödelerotik, die von Pierre Loti inspiriert ist und das das Wort „Mousme“ symbolisiert .

Japanismus in der Musik
Im Jahr 1871 schrieb Camille Saint-Saens eine Oper in einem Akt, The Yellow Princess, nach einem Libretto von Louis Gallet, in dem eine junge Holländerin eifersüchtig auf die Fixierung ihres Künstlerfreunds auf einen japanischen Druck ist. 1885 wird die komische Oper The Mikado in London von Arthur Sullivan, Libretto von William S. Gilbert und der Oper Madame Butterfly präsentiert. Puccini entsteht 1904 in Mailand mit einem Libretto von Luigi Illica und Giuseppe Giacosa. Das japanisch inspirierte Ballett Papa Chrysanthemum, das 1892 im Neuen Zirkus der Rue Saint-Honoré gehalten wurde, inspiriert 1895 ein Glasfenster in Toulouse-Lautrec, das von Bing in Auftrag gegeben und von Louis Comfort Tiffany ausgeführt wurde.

Den Dichtern folgend, interessierten sich die Musiker für eine prägnantere, prägnantere Poesie, die eine melodische Entwicklung ermöglicht, die zierlicher ist als die große Deklamation, die dem Bereich der Oper vorbehalten ist. In diesem Sinne wandte sich die Aufmerksamkeit französischer Komponisten, die auf die Präzision des klassischen Madrigals zurückkehrten, auf französische Übersetzungen von Tanka und Haikus.

Einer der ersten Musiker, der sich der japanischen Poesie aktiv widmete, war Maurice Delage. Nachdem er Ende 1911 nach Indien und Japan gereist war, blieb er dort im Jahr 1912. Zurück in Frankreich beherrschte er die Feinheiten der poetischen Sprache, um die Gedichte zu übersetzen, die sein Freund Strawinsky 1913 vertonte. unter dem Titel Drei Gedichte des japanischen lyrischen.

Strawinskys Werk wurde im Januar 1914 gut aufgenommen. Drei Jahre später schrieb Georges Migot aus Gedichten einer Anthologie klassischer Dichter sieben kleine Bilder aus Japan für Stimme und Klavier.

Im Jahr 1925 war Maurice Delage Zeuge der Entstehung seiner im September verhassten Kaïs für Sopran und Ensemble für Kammermusik (Flöte, Oboe, Klarinette in If-Flat, Klavier und Streichquartett), die er selbst übersetzte.

Im Jahr 1927 schlug Jacques Pillois Cinq Haï-Kaï für Quintett (Flöte, Violine, Viola, Cello und Harfe). Die Hai-Kai werden zwischen den Stücken gelesen.

Zwischen 1928 und 1932 komponierte Dimitri Schostakowitsch seinen Zyklus Sechs Romanzen nach Texten japanischer Dichter, nach Tenor und Orchester, Opus. Die Texte stammen teilweise aus der Sammlung der Japanischen Lyrik, in der Strawinsky seine drei Gedichte entlehnt hat. Die Themen, die sich um Liebe und Tod drehen, gehören zu den Lieblingsthemen des russischen Musikers. Er komponierte die ersten drei Romanzen im ersten Jahr, die vierte im Jahr 1931 und die letzten zwei im Jahr 1932.

Im Jahr 1951 schlug der amerikanische Komponist John Cage wiederum Cinq Haikus für Klavier, dann Sieben Haikus im folgenden Jahr vor. Laut Michaël Andrieu, der Musiker, „Liebhaber der Minimalformen, wird sich später in seiner Karriere für Haiku interessieren“.

Bis 1912 komponierte Bohuslav Martinů seine Nipponari, sieben Melodien für Sopran und Instrumentalensemble, die erst 1963 entstanden.

Im selben Jahr komponierte Olivier Messiaen sieben Haikai, japanische Skizzen für Klavier und Orchester.

Der Komponist Friedrich Cerha komponierte auch ein Haiku, „wirklich in Bezug auf Japan“, so Michaël Andrieu, „aber dessen textlicher Inhalt ist wirklich weit entfernt vom Verlust aller Verbindungen zur Natur und poetischen Bildern (der Text in seiner französischen Übersetzung) , ist: Je mehr ich müde bin, desto mehr bin ich gerne in Wien …) „.

Japanismus in Mode
Vor der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts haben die Europäer in Japan wenig kulturelle Bedeutung. Im 17. Jahrhundert werden japanische Kimonos jedoch von der Dutch East India Company nach Europa importiert und von wohlhabenden Europäern als Kittel getragen. Importe dieser authentischen Kleidung sind begrenzt, der Markt wird durch die sogenannten „indischen“ Morgenmäntel befriedigt, die in Holland „Japonsche rocken“ („Japanische Kleider“), in Frankreich „Indische Morgenmäntel“ und „Banyans“ (“ Indischer Kaufmann „) in England. Nach der Eröffnung von Japan im Jahr 1868 (Meiji-Zeit) wird der Kimono definitiv als Morgenmantel verwendet (Madame Hériot (1892) von Auguste Renoir ist mit einem Innenkimono-Gewand vertreten, 1908 haben die Callot-Schwestern Japan neu interpretiert Kimonokleid), während aus ihrem Stoff westliche Kleider hergestellt wurden, zum Beispiel Krinolinenkleider (siehe Zustand der Frauen im Westen während der Belle Epoque). Japanische Motive sind auch an westliche Textilien angepasst, zum Beispiel Vertreter von Pflanzen, Kleintieren oder auch Familienschränke auf Lyoner Seide. Wenn der Kimono im 20. Jahrhundert so alltäglich wird, dass er schließlich mit der Robe verwechselt werden kann, hat der traditionelle Kimono einen starken Einfluss auf die westliche Mode.

Japanische Gärten
Die Ästhetik japanischer Gärten wurde von Josiah Conders Landscape Gardening in Japan (Kelly & Walsh, 1893) in die englischsprachige Welt eingeführt. Es löste die ersten japanischen Gärten im Westen aus. Eine zweite Ausgabe wurde 1912 benötigt. Conders Prinzipien haben sich manchmal als schwierig erwiesen:

Beraubt von seinen lokalen Gewändern und Manierismen, enthüllt die japanische Methode ästhetische Prinzipien, die für die Gärten eines jeden Landes gelten, und lehrt dabei, wie man eine Komposition in ein Gedicht umwandeln oder eine Komposition zeichnen kann, die es bei all ihrer Detailvielfalt sonst nicht gibt Einheit und Absicht

Samuel Newsoms Japanischer Gartenbau (1939) ist ein japanischer Gartenbau, der im Jahre 1939 in der Mitte des 19. Jahrhunderts erbaut wurde. Laut der Garten Geschichte Gesellschaft der japanischen Landschaftsgärtner Seyemon Kusumoto an der Entwicklung von rund 200 Gärten in Großbritannien beteiligt. 1937 stellte er bei der Chelsea-Blumen-Show einen Steingarten aus und arbeitete auf dem Byngreave-Zustand in Bognor Regis, einen japanischen Garten in Cottered in Hertfordshire und in Höfen in Du Cane Court in London.

Der impressionistische Maler Claude Monet modellierte Teile seines Gartens in Giverny nach japanischen Elementen, wie die Brücke über den Seerosenteich, der er mehrmalte. Letter this low this low this low this low this low this low this low this low this low this low this low this low this low this low this low this low this look this look this look this look this looked to the traditional japanese visual methods influensted, die in Ukiyo-e-Prints zu finden sind, von denen eine große Sammlung hatte. Er pflanzt auch eine große Anzahl von einheimischer japanischer Arten, um ein exotisches Gefühl zu geben.

Museen
In den USA gibt es die Faszination für japanische Kunst auf Sammler und Museen aus und schatzende Sammlungen, die noch immer existieren und viele Generationen von Künstlern beeinflusst haben. Das Epizentrum War Boston nicht zuletzt durch Isabella Stewart Gardner, eine wegweisende Sammlerin asiatischer Kunst. Als Konsequenz wird das Museum of Fine Arts in Boston die beste Sammlung japanischer Kunst außerhalb Japans. Die Freer Galerie der Kunst und die Arthur M. Sackler Galerie ist die größte asiatische Kunstforschungsbibliothek in den Vereinigten Staaten und beherbergen die japanische Kunst zusammen mit den japanisch beeinflussten Arbeiten von Whistler.