Japonismo

Japonismo é um termo francês usado para descrever uma série de empréstimos europeus da arte japonesa Foi cunhado em 1872 pelo crítico francês, colecionador e gravurista Philippe Burty ‘para designar um novo campo de estudo – artístico, histórico e etnográfico’, englobando objetos decorativos com desenhos japoneses (semelhante à Chinoiserie do século XVIII), pinturas de cenas ambientadas no Japão e pinturas, estampas e artes decorativas ocidentais influenciadas pela estética japonesa Estudiosos do século 20 distinguiram a japonaiserie, a representação de objetos ou objetos japoneses em um cenário ocidental. estilo, do japonismo, a influência mais profunda da estética japonesa na arte ocidental.

Japonisme, é o estudo da arte japonesa e do talento artístico. O japonismo afetou as artes plásticas, a escultura, a arquitetura, as artes cênicas e as artes decorativas em toda a cultura ocidental. O termo é usado particularmente para se referir à influência japonesa na arte européia, especialmente no impressionismo.

Ukiyo-e
A partir da década de 1860, o ukiyo-e, xilogravura japonesa, tornou-se uma fonte de inspiração para muitos artistas ocidentais. O Ukiyo-e começou como uma escola de pintura japonesa desenvolvida no século XVII. As estampas em xilogravura Ukiyo-e foram criadas para atender a uma demanda por imagens de souvenirs baratas. Embora as impressões fossem baratas, elas eram inovadoras e técnicas, o que dava a cada valor. Estas impressões raramente foram criadas com um único patrono em mente, mas foram criadas para o mercado comercial no Japão. Embora uma percentagem de impressões tenha sido trazida para o Ocidente através de comerciantes comerciais holandeses, não foi até à década de 1860 que as impressões de ukiyo-e ganharam popularidade na Europa. Artistas ocidentais ficaram intrigados com o uso original de cor e composição. As estampas Ukiyo-e continham escorços dramáticos e composições assimétricas.

História

Isolamento (1639–1858)
Durante o período Edo (1639–1858), o Japão estava em um período de reclusão e apenas um porto internacional permaneceu ativo. Tokugawa Iemitsu ordenou que uma ilha, Dejima, fosse construída nas margens de Nagasaki, de onde o Japão poderia receber importações. Os holandeses eram o único país capaz de se envolver no comércio com os japoneses, no entanto, essa pequena quantidade de contato ainda permitia que a arte japonesa influenciasse o Ocidente. Todos os anos, os holandeses chegavam ao Japão com frotas de navios cheios de mercadorias ocidentais para o comércio. Nas cargas chegaram muitos tratados holandeses sobre pintura e várias gravuras holandesas. Shiba Kōkan (1747-1818) foi um dos artistas japoneses notáveis ​​que estudaram as importações holandesas. Kōkan criou uma das primeiras gravuras no Japão, que foi uma técnica que ele aprendeu com um dos tratados importados. Kōkan combinaria a técnica da perspectiva linear, que ele aprendeu com um tratado, com suas próprias pinturas de estilo ukiyo-e.

Porcelana era reclusão
Durante a era da reclusão, os bens japoneses continuaram sendo um luxo procurado pelos monarcas europeus. A fabricação de porcelana japonesa começou no século XVII após a descoberta de argila de caulim perto de Nagasaki. Fabricantes japoneses estavam cientes da popularidade da porcelana na Europa, portanto, alguns produtos foram especificamente produzidos para o comércio holandês. Porcelana e laca tornaram-se as principais exportações do Japão para a Europa. Porcelana foi usada para decorar as casas dos monarcas no estilo barroco e rococó. Uma maneira popular de exibir porcelana em uma casa era criar uma sala de porcelana. Prateleiras seriam colocadas em toda a sala para exibir as decorações exóticas.

Reabertura do século XIX
Durante a era Kaei (1848–1854), após mais de 200 anos de reclusão, navios mercantes estrangeiros de várias nacionalidades começaram a visitar o Japão. Após a Restauração Meiji, em 1868, o Japão encerrou um longo período de isolamento nacional e tornou-se aberto às importações do Ocidente, incluindo técnicas de fotografia e impressão. Com essa nova abertura no comércio, arte e artefatos japoneses começaram a aparecer em pequenas lojas de curiosidades em Paris e Londres.

O japonismo começou como uma mania de colecionar arte japonesa, particularmente ukiyo-e. Algumas das primeiras amostras de ukiyo-e foram vistas em Paris. Por volta de 1856, o artista francês Félix Bracquemond encontrou pela primeira vez uma cópia do caderno Hokusai Manga na oficina de seu impressor, Auguste Delâtre. O caderno de esboços chegara à oficina de Delâtre logo depois que os portos japoneses se abriram para a economia global em 1854; portanto, as obras de arte japonesas ainda não haviam ganhado popularidade no Ocidente. Nos anos seguintes a essa descoberta, houve um aumento do interesse pelas impressões japonesas. Eles foram vendidos em lojas de curiosidades, armazéns de chá e lojas maiores. Lojas como a La Porte Chinoise se especializaram na venda de importados japoneses e chineses. La Porte Chinoise, em particular, atraiu os artistas James Abbott McNeill Whistler, Édouard Manet e Edgar Degas, que se inspiraram nas gravuras.

Artistas europeus neste momento buscavam um estilo alternativo às rigorosas metodologias acadêmicas. Reuniões organizadas por lojas como La Porte Chinoise facilitaram a disseminação de informações sobre arte e técnicas japonesas.

Artistas e movimentos
O ukiyo-e foi uma das principais influências japonesas na arte ocidental. Artistas ocidentais foram atraídos para os fundos coloridos, cenas interiores e exteriores realistas e figuras idealizadas. A ênfase foi colocada nas diagonais, perspectiva e assimetria em ukiyo-e, todas as quais podem ser vistas nos artistas ocidentais que adaptaram este estilo. É necessário estudar cada artista como um indivíduo que fez inovações únicas.

Paletas de cores Vincent van Gogh e Woodblock
Vincent van Gogh começou seu profundo interesse pelas gravuras japonesas quando descobriu ilustrações de Félix Régamey em destaque no The Illustrated London News e no Le Monde Illustré. Régamey criou cópias em xilogravura, seguiu as técnicas japonesas e muitas vezes retratou cenas da vida japonesa. Van Gogh usou o Régamey como uma fonte confiável para as práticas artísticas e cenas da vida cotidiana dos japoneses. A partir de 1885, Van Gogh passou de colecionar ilustrações de revistas, como Régamey, para coleções de impressões ukiyo-e que podiam ser compradas em pequenas lojas parisienses. Van Gogh compartilhou estas impressões com seus contemporâneos e organizou uma exposição de impressão japonesa em Paris em 1887. Retrato de Pere Tanguy de Van Gogh (1887) é um retrato de seu comerciante de cor, Julien Tanguy. Van Gogh criou duas versões deste retrato, ambas com um cenário de impressões japonesas. Muitas das impressões por trás de Tanguy podem ser identificadas, com artistas como Hiroshige e Kunisada em destaque. Van Gogh encheu o retrato com cores vibrantes. Ele acreditava que os compradores não estavam mais interessados ​​em pinturas holandesas em tons de cinza, e sim pinturas com muitas cores eram vistas como modernas e procuradas. Ele foi inspirado por xilogravuras japonesas e suas paletas coloridas. Van Gogh incluiu em suas próprias obras a vibração da cor no primeiro plano e no fundo das pinturas que ele observou em xilogravuras japonesas e fez uso da luz para esclarecer.

Edgar Degas e gravuras japonesas
Na década de 1860, Edgar Degas começou a colecionar gravuras japonesas de La Porte Chinoise e outras pequenas gráficas em Paris. Os contemporâneos de Degas também começaram a colecionar gravuras, o que lhe deu uma grande coleção de inspiração. Entre as gravuras mostradas a Degas havia uma cópia dos Random Sketches de Hokusai, que haviam sido comprados por Bracquemond depois de serem vistos na oficina de Delâtre. A data estimada da adoção de Japonismo por Degas em suas gravuras é 1875. O estilo de impressão japonês pode ser visto na escolha de Degas para dividir cenas individuais colocando barreiras verticalmente, diagonalmente e horizontalmente. Semelhante a muitos artistas japoneses, as impressões de Degas se concentram nas mulheres e em suas rotinas diárias. O posicionamento atípico de suas figuras femininas e a dedicação à realidade nas estampas de Degas aliaram-no aos impressores japoneses como Hokusai, Utamaro e Sukenobu. Na gravura de Degas, Mary Cassatt, no Louvre: The Etruscan Gallery (1879-1880), as semelhanças entre as gravuras japonesas e a obra de Degas podem ser encontradas nas duas figuras: uma que se destaca e outra que fica. A composição das figuras era familiar em gravuras japonesas. Degas também continua o uso de linhas para criar profundidade e espaço separado dentro da cena. A mais clara apropriação de Degas é a mulher encostada em um guarda-chuva fechado, emprestado diretamente dos Random Sketches de Hokusai.

James McNeill Whistler e Japonismo Britânico
A arte japonesa foi exibida na Grã-Bretanha a partir do início da década de 1850. Essas exposições apresentavam uma variação de objetos japoneses, incluindo mapas, cartas, tecidos e objetos da vida cotidiana. Essas exposições serviram como fonte de orgulho nacional para a Grã-Bretanha e serviram para criar uma identidade japonesa separada, além da identidade cultural “orientada” generalizada. James Abbott McNeill Whistler foi um artista americano que trabalhou principalmente na Grã-Bretanha. Durante o final do século 19, Whistler começou a rejeitar o estilo realista de pintura que seus contemporâneos preferiam. Em vez disso, Whistler encontrou simplicidade e tecnicidade na estética japonesa. Em vez de copiar artistas e obras de arte japonesas específicas, Whistler foi influenciado pelos métodos gerais de articulação e composição japoneses que integrou em suas obras. Portanto, Whistler absteve-se de retratar objetos japoneses em suas pinturas; em vez disso, ele usou aspectos composicionais para infundir um senso de exotismo. O Punt de Whistler (1861) mostrou seu interesse em composições assimétricas e usos dramáticos do escorço. Esse estilo de composição não seria popular entre seus contemporâneos por mais dez anos, no entanto, era uma característica da arte anterior da Ukiyo-e.

Influência japonesa nas artes decorativas
Em 1851, os irmãos Goncourt descrevem em seu diário uma sala de estar decorada com arte japonesa 1. Desde 1853 nos Estados Unidos, depois de 1855 na Europa, a abertura gradual do Japão ao comércio internacional levou à entrada de muitos objetos na Europa: telas, leques, lacas, porcelanas, gravuras … que fascinavam os artistas e amantes da arte ocidental. Em 1856, Félix Bracquemond descobriu Manga de Hokusai na oficina de seu impressor, Auguste Delâtre no n ° 171, rue Saint-Jacques, onde fora usado para protelar uma remessa de porcelana. Ao reproduzir suas figuras de animais em um serviço de porcelana, feito em 1867 por Eugene Rousseau, ele se tornou o primeiro artista europeu a copiar diretamente artistas japoneses.

A partir de 1850, pelo menos, o Hotel Drouot organiza uma vez por ano uma venda pública de objetos de arte japoneses. Na Inglaterra, a compra de obras japonesas por instituições começou em 1852, e seu estudo influenciou a aparência de móveis de um “estilo anglo-japonês” depois de 1862, o que favorece a sobriedade e a geometria. De 1859 a 1861, reproduções em preto e branco de ukiyo-e começaram a ser publicadas, notavelmente por Delâtre ou no livro Compêndio de Desenhos para Arte e Indústria, pelo Visconde Adalberto de Beaumont e pelo ceramista Eugène-Victor Collinot, bem como no livro As relações do Comodoro Perry Expedition para o Japão por Francis Hawks, traduzidas em 1856 por Wilhelm Heine, em 1859 por Abraham Auguste Rolland, ou em viagens diplomáticas, foram retomadas em 1858, relatadas pelo Barão Charles de Chassiron ou por Laurence Oliphant e Sherard Osborn. membros da missão Elgin.

Merchants chá Decelle no sinal No Império Chinês, localizado em 1857 n º 45 e 1862 a 1885 no n º 55, Rue Vivienne e Bouillette, no sinal da China Gate, localizado de 1855 a 1886 no 36 da mesma rua , começando a vender vários “produtos chineses, Índia e Japão”, que imprime os irmãos Goncourt em 1860, ou Baudelaire em 1861, que diz respeito a uma carta de 1862: “Não muito tempo atrás, recebi um pacote de” japão “. distribuí-los aos meus amigos. “Félix Bracquemond e Alfred Stevensalso freqüentam o Portão Chinês. Da mesma forma, desde a abertura em 1861 ou 1862 em sua loja E. Desoye perto do Louvre no 220, rue de Rivoli, o Real De Soye especializou-se na venda de arte japonesa e livros ilustrados que surpreendem Baudelaire. Essas empresas contam rapidamente muitos artistas entre seus clientes, incluindo, além dos mencionados acima, James Tissot, Henry Fantin-Latour ou Dante Gabriel Rossetti, depois Manet, Degas, Monet ou Carolus-Duran.

James McNeill Whistler provavelmente conhece Felix Bracquemond em Delâtre, que imprime sua série de gravuras em 1858 chamada de conjunto francês. Ele também viu Stevens em Londres em 10 de maio de 1863, poucos dias após a abertura do Salão de Pintura e Escultura de Paris, onde Stevens exibiu várias pinturas, enquanto Whister prefere apresentar sua pintura A Garota de Branco (Symphony in White, No 1). : The White Girl) Salon des refusés, inaugurado em 15 de maio de 1863. Então, durante sua nova viagem a Paris no início de outubro de 1863, é a vez de Beaudelaire lhe ser apresentado por Henrique Fantin-Latour; enquanto com James Tissot, reunido no Louvre em 1856, uma certa rivalidade nasceu da primazia do uso desse novo tema na pintura, segundo a correspondência Whistler 1863-1865.

Assim, depois de ter percebido em janeiro de 1864 Roxo e Rosa: A Lange Leizen das Seis Marcas, sua primeira pintura orientadora aparecendo na verdade um chinês, Whistler recebeu de Fantin, em abril de 1864, objetos da Porta Chinesa, provavelmente visitados com ele durante viajou para Paris a partir de 1863 e emprestou outras de Rossetti para fazer três pinturas com motivos japoneses, incluindo Caprice em púrpura e ouro. A tela dourada e a Princesa do país de porcelana, que serão concluídas por volta de março de 1865, quando Tissot realizou outras três sobre o mesmo assunto, incluindo o banho japonês. Para atender a uma demanda cada vez mais premente, mais lojas abrem em 1870, como em 1874 a de Siegfried Bing ao sinal da arte japonesa no 19, na rua Chauchat, na rua 22, na rue de Provence e na de Philippe Sichel. no nº 11, a rue Pigalle, que publicará em 1883, nota um bibeloteur no Japão, e seus proprietários estão empreendendo, como De Soye, a jornada distante para o Levante-Sol.

Na Exposição Universal de 1862 em Londres, sir Rutherford Alcock, um diplomata colocado no Japão desde 1859, apresentou sua coleção pessoal de 612 artefatos japoneses. O designer Christopher Dresser (1834-1904) comprou-lhe alguns e foi convidado para o Japão pelo governo japonês em 1876. Ele é talvez o autor da cadeira lacada, considerada uma precursora de móveis no estilo anglo-japonês. também apresentado pelo Bornemann & Co da AF Bath na Exposição de 1862, que será seguido por móveis de Edward William Godwin (en) de 1867, especialmente para o castelo de Dromore. Sob influência japonesa, os móveis estilo Napoleão III também usam laca preta, às vezes incrustada com madrepérola.

Na Feira Mundial de Paris, em 1867, o Japão apresenta pela primeira vez, no Champ-de-Mars 14, um pavilhão nacional, construído sob a direção do arquiteto Alfred Chapon, uma fazenda artesanal. casa burguesa, construída por artesãos japoneses sob o patrocínio do governador de Satsuma, em oposição ao xogun e defensor da restauração imperial, que terá lugar em outubro do mesmo ano 15. Japão exibe desta vez de acordo com sua livre escolha, vários mil objetos de suas diversas produções artísticas, artesanais e industriais, além das gravuras que aparecem na seção italiana; enquanto Felix Bracquemond apresenta ao público seu “serviço de Rousseau”. No final da exposição, 1.300 desses itens são vendidos ao público. A partir de então, a arte japonesa começou a ser apreciada em larga escala. Naquele mesmo ano, James Tissot montou um salão japonês em sua mansão na Avenue Foch.

Possibilitado pela maior abertura do Japão ao mundo exterior, em 1868, com a era Meiji, colecionadores e críticos de arte (Henri Cernuschi, Théodore Duret, Émile Guimet), pintores (Félix Régamey), realizam viagens no Japão na década de 1870 e 1880 e contribuiu para a difusão de obras japonesas na Europa, e mais particularmente na França, tanto que a Feira Mundial de 1878 contou com um bom número de obras japonesas, incluindo coleções Bing, Burty e Guimet e marca o clímax da mania do Japonismo .

A partir de 1867, Gabriel Viardot produz móveis japoneses, seguidos de Huguet Ameublements. Por volta de 1870, Édouard Lièvre criou uma oficina de marcenaria e também fez móveis de luxo neste estilo, incluindo em 1875 os da mansão do pintor Édouard Detaille, depois colabora com outros marceneiros, como Paul Sormani, ou ourives como Ferdinand Barbedienne e a casa Christofle. . Em 1877, Whistler percebe a decoração da Sala Pavão em Londres.

Chegado a Paris como tradutor da delegação japonesa à Exposição Universal de 1878, Hayashi Tadamasa (ou Tasamasa) decidiu ficar lá e em 1883 criou com Wakai Oyaji, conhecido como Kenzaburô (若 井 兼 三郎), uma empresa de importação. de objetos de arte e gravuras japonesas 17, seguidos por Iijima Hanjuro, disse Kyoshin (飯 島 半 十郎), o biógrafo de Hokusai. Em 1886, Tadamasa introduziu os parisienses na arte e na cultura de seu país através de uma edição especial da Paris ilustrada, com The Courtisane de Eisen na capa, que Van Gogh pintou uma cópia no ano seguinte. Tadamasa também participa da delegacia de polícia japonesa da Exposição Universal de 1889. Em 1890 ele abriu uma loja no número 65 da rue de la Victoire em Paris e, em 1894, legou sua coleção de espadas de guardas no Louvre. Em onze anos de atividades e viagens de retorno ao Japão, receberá 218 entregas, incluindo 156 487 impressões. Ele também colabora ativamente nos livros Outamaro (1891) e Hokousai (1896), escritos por Edmond de Goncourt, proporcionando-lhe traduções de textos em japonês e inúmeras informações. Louis Gonse também usa seu conhecimento para seu livro intitulado Arte Japonesa.

O romance de Pierre Loti, Madame Chrysanthème, publicado em 1887, apenas acentuou e popularizou essa moda do japonismo. Nas exposições mundiais parisienses de 1878, 1889 e 1900, o Japão está muito presente tanto na arquitetura, estampas e na produção de cerâmica. Obras japonesas entram nas coleções do Museu do Louvre, graças ao legado de Adolphe Thiers de 1884, e obras religiosas também são adquiridas em 1892. Para a Feira Mundial de 1900, Hayashi Tadamasa consegue o fabuloso desafio de trazer grandes obras do Japão. , Imperador Meiji até oferecendo algumas peças de sua coleção pessoal.

O movimento também tocou, além de Bracquemond, outros ceramistas, como seus amigos Marc-Louis Solon e Jean-Charles Cazin, também colegas com Fantin-Latour da escola de desenho de Horace Lecoq de Boisbaudran e reunidos na empresa japonesa Jinglar fundada em 1867. , assim como o grés esmaltado, como os da Carriès, a produção de cloisonné e metal patinado da casa Christofle, decoração têxtil e moda. Toda a Art Nouveau, cujo Samuel Bing se tornou o defensor ao dedicar sua galeria de arte à sua promoção a partir de 1895, inclui muitas referências e influências japonesas, incluindo Emile Gallé.

Influência japonesa nas artes
Os principais artistas japoneses que influenciaram artistas europeus foram Hokusai, Hiroshige e Utamaro. Artistas muito pouco reconhecidos no Japão, porque produzem uma arte considerada leve e popular pelas elites japonesas da época. O Japão, portanto, salvou obras que desapareceriam e permitiram desenvolver uma nova maneira de arte japonesa.

Em troca, a chegada de ocidentais no Japão provocou muitas reações entre os artistas japoneses. Por exemplo, no campo da pintura, duas grandes escolas foram formadas: o chamado nihonga (“caminho japonês”), que tendia a perpetuar o cânone da pintura japonesa, e o chamado yō-ga (“caminho ocidental”). ), que desenvolveu as técnicas e os motivos da pintura a óleo (ver Kuroda Seiki e Kume Keiichirō, fundador da White Horse Society, Hakuba-kai).

Contudo, o movimento inverso do japonismo chama-se bunmeikaika (文明 開化), do chinês wénmíng kaihua, “civilização cultural”, “eclosão da civilização”). Ele não despertou o interesse dos artistas japoneses, mais preocupado com os efeitos de sua modernização e sua ocidentalização. Demorou muito tempo para artistas e pesquisadores japoneses estudarem o Japão.

No final da década de 1850, alguns artistas compram gravuras japonesas em Paris, como Whistler e Tissot e Monet, que atende 231, em 1871, ou Rodin, que adquire quase 200 depois de 1900. Fantin-Latour, Edouard Manet, Carolus-Duran, Mary Cassatt e Giuseppe De Nittis também colecionou gravuras japonesas; enquanto Van Gogh a comprou em Antuérpia em 1885 e possuía mais de 400.

Entre os pintores europeus e americanos que eram adeptos do japonismo, mesmo em suas obras, de 1864, Tissot, que em 1867 e 1868 deu aulas de desenho ao príncipe Tokugawa Akitake, Whistler, Van Gogh e Monet já mencionado, Stevens, Degas, Manet , Breitner, Renoir, Chase, etc., e até os ucranianos-poloneses Bilińska-Bohdanowicz, Klimt, Auburtin ou Gauguin, então, sob sua influência, os Nabis, como Vuillard e Bonnard, que usam os formatos japoneses às vezes montados em uma tela.

Alfred Stevens também freqüentou a loja Chinese Door, onde comprou objetos do Extremo Oriente. Na Exposição Universal de 1867, ele apresenta 18 pinturas, incluindo a Índia em Paris (também chamada de The Exotic Bibelot), que o crítico de arte Robert de Montesquiou cumprimenta na Gazette des Beaux-Arts. Esta pintura é precedida por The Lady in Pink de 1866 e seguida em 1868 por La Collectionneuse de porcelaines, em seguida, por volta de 1872 por uma série de várias pinturas japonesas. Em 1893-1894, o pintor holandês George Hendrik Breitneral produz uma série de pelo menos 6 telas de meninas em quimono de cores diferentes inspiradas em suas próprias fotografias.

Em 1888, Auguste Lepère criou com Félix Bracquemond, Daniel Vierge e Tony Beltrand, a revista L’Estampe originale, para interessar artistas e amadores nos novos processos e tendências da gravura, especialmente na cor. Neste período em que a influência japonesa tem grande influência nas artes decorativas, Henri Rivière realizou a partir dessa data de 1888 a 1902, as trinta e seis vistas da Torre Eiffel. Em 1891, Valloton também renova a xilogravura, com Paul Gauguin ou Émile Bernard e, por sua vez, Toulouse-Lautrec revolucionou a arte do cartaz, tirando no mesmo ano que o famoso cabaret foi inaugurado em 1889, chamado Moulin Rouge – La Goulue. As obras de Amédée Joyau, gravadas em madeira entre 1895 e 1909, também trazem a marca do japonismo.

Grandes exposições de gravuras japonesas também são realizadas em Paris, que participam na divulgação de uma nova estética. Além das obras críticas precursoras de Philippe Burty, em 1873, Henri Cernuschi e Théodore Duret exibiram, no Palais de l’industrie, as impressões coletadas durante sua viagem de 1871 a 1873. Em 1883, a Galeria Georges Petit organizou uma exposição retrospectiva de arte japonesa de 3.000 objetos, organizada por Louis Gonse, diretor da Gazette des Beaux-Arts. Em 1888, em sua galeria The Japanese Art, localizada no nº 22, Rue de Provence, onde se encontram muitos críticos de arte e jovens pintores, Samuel Bing apresenta uma exposição histórica da arte da gravura no Japão e publica a primeira edição de sua publicação mensal. revista, Le Japon artistique, especialmente lida pelos nabis e Gustav Klimt. Em 1890, graças às coleções de seus amigos, Bing organizou, na Escola de Belas Artes de Paris, a Exposição de mestres japoneses, incluindo 760 gravuras, o cartaz é projetado por Jules Chéret. De 1909 a 1913, Raymond Koechlin dedicou-se a imprimir seis exposições no Museu de Artes Decorativas.

Artistas influenciados pela arte e cultura japonesa

Gustav Klimt
A pintura japonizada mais conhecida de Gustav Klimt é O segundo retrato de Adele Bloch-Bauer. No último estilo de Klimt, ele foi influenciado por um fuavista norueguês.

James Tissot, James McNeill Whistler, Édouard Manet, Claude Monet, Vincent van Gogh, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec, Mary Cassatt, Bertha Lum, William Bradley, Aubrey Beardsley, Arthur Wesley Dow, Alphonse Mucha, Gustav Klimt, Pierre Bonnard, Frank Lloyd Wright, Charles Rennie Mackintosh, Louis Comfort Tiffany, Helena Hyde, Georges Ferdinand Bigot,

Na literatura e na poesia, os autores franceses do século XIX sentem a necessidade de romper com certo classicismo e olhar, entre outros, para o orientalismo e a arte japonesa. No que diz respeito ao Japão, não foi tanto abordar temas como inspirar-se em uma nova sensibilidade e estética; Entre estes autores incluem Charles Baudelaire, Stéphane Mallarmé e Victor Hugo.

Outros escritores mencionam as artes e o espírito japonês em seus escritos, como Marcel Proust, Edmond de Goncourt e Emile Zola. Pierre Loti escreveu um dos seus romances mais famosos, Madame Chrysanthème (1887), tendo como tema a sua própria reunião com uma jovem japonesa casada durante um mês, a precursora de Madame Butterfly e Miss Saigon, e uma obra que é uma combinação de história e diário de viagem.

Em resposta aos excessos do japonismo, o escritor Champfleury forja, a partir de 1872, a palavra “japonaiserie”. Ele denuncia, por esse esnobismo do neologismo, presunçoso e destituído de espírito crítico, que então circunda em certos círculos franceses tudo o que toca o Japão; a palavra é então usada para descrever essas variações exóticas, como a “salada japonesa”, que aparece na peça de Alexandre Dumas Jr., Francillon, ou o erotismo inútil que é inspirado em Pierre Loti e que simboliza a palavra “mousme”. .

O japanismo na música
Em 1871, Camille Saint-Saens escreveu uma ópera em um ato, The Yellow Princess, em um libreto de Louis Gallet, no qual uma jovem holandesa está com ciúmes da fixação feita por sua amiga artista em uma gravura japonesa. Em 1885, a ópera cômica The Mikado é apresentada em Londres por Arthur Sullivan, libreto de William S. Gilbert e ópera Madame Butterfly. Puccini é criada em Milão em 1904 com um libreto de Luigi Illica e Giuseppe Giacosa. O balé de inspiração japonesa Papa Chrysanthemum, dado em 1892 no New Circus da rue Saint-Honoré, inspira em 1895 um vitral em Toulouse-Lautrec, encomendado por Bing e executado por Louis Comfort Tiffany.

Seguindo os poetas, os músicos se interessaram por uma poesia mais concisa, mais incisiva, permitindo um desenvolvimento melódico mais delicado do que a grande declamação, reservada ao campo da ópera. Neste espírito, voltando à precisão do madrigal clássico, a atenção dos compositores franceses voltou-se para as traduções de tanka e haikus em francês.

Um dos primeiros músicos a dedicar-se ativamente à poesia japonesa foi Maurice Delage. Tendo viajado para a Índia e o Japão no final de 1911, ele ficou lá durante o ano de 1912. De volta à França, ele tinha domínio suficiente das sutilezas da linguagem poética para traduzir os poemas que seu amigo Stravinsky colocou na música, em 1913, sob o título Três poemas da lírica japonesa.

O trabalho de Stravinsky foi bem recebido quando foi criado em janeiro de 1914. Três anos depois, Georges Migot escreveu Sete pequenas imagens do Japão para voz e piano, a partir de poemas de uma antologia de poetas clássicos.

Em 1925, Maurice Delage testemunhou a criação de Kaïs odiado por setembro para soprano e conjunto de música de câmara (flauta, oboé, clarinete em se flat, piano e quarteto de cordas), que ele mesmo traduziu os poemas.

Em 1927, Jacques Pillois propôs Cinq haï-kaï para o quinteto (flauta, violino, viola, violoncelo e harpa). Os hai-kai são lidos entre as peças.

Entre 1928 e 1932, Dimitri Shostakovich compôs seu ciclo de Seis Romances em textos de poetas japoneses, para tenor e orquestra, opus. Os textos são parcialmente retirados da coleção de Lyric japonês, em que Stravinsky emprestou seus três poemas. Os temas, que giram em torno do amor e da morte, juntam-se aos temas favoritos do músico russo. Ele compôs os três primeiros romances no primeiro ano, o quarto em 1931 e os dois últimos em 1932.

Em 1951, o compositor norte-americano John Cage, por sua vez, propôs Cinq haikus para piano, depois Seven haikus no ano seguinte. Segundo Michaël Andrieu, o músico, “apaixonado por formas mínimas, se interessará por haiku no final de sua carreira”.

Em 1912, Bohuslav Martinů compôs seu Nipponari, sete melodias para ensemble soprano e instrumental, que só foram criadas em 1963.

No mesmo ano, Olivier Messiaen compôs Seven haikai, desenhos japoneses para piano e orquestra.

O compositor Friedrich Cerha também compôs um haicai, “realmente em referência ao Japão”, segundo Michaël Andrieu, “mas cujo conteúdo textual está realmente distante, com a perda de todos os elos com a natureza e imagens poéticas”. é: quanto mais estou cansado, mais gosto de estar em Viena …) “.

O japanismo na moda
Antes da segunda metade do século XIX, os europeus pagam pouca importância cultural no Japão. No entanto, no século XVII, quimonos japoneses são importados para a Europa pela Companhia Holandesa das Índias Orientais e são usados ​​por europeus ricos como vestidos. As importações dessas roupas autênticas são limitadas, o mercado é satisfeito pelos chamados roupões “indianos”, apelidados de “Japonsche rocken” (“vestidos japoneses”) na Holanda, “roupões indianos” na França e “Banyans” (” Comerciante indiano “) na Inglaterra. Após a abertura do Japão em 1868 (era Meiji), o quimono é definitivamente adotado em seu uso de roupão (Madame Hériot (1892) por Auguste Renoir é representado com um roupão de quimono interior; em 1908, as irmãs Callot fizeram um reinterpretado japonês vestido de quimono), enquanto o tecido dela era usado para fazer vestidos ocidentais, por exemplo vestidos de crinolines (veja Condição de mulheres no Oeste durante o Belle Epoque). Os motivos japoneses também são adaptados aos têxteis ocidentais, por exemplo, representantes de plantas, pequenos animais ou até mesmo armários familiares nas sedas de Lyon. No século 20, se a forma do quimono está se tornando comum ao ponto de finalmente ser confundida com o manto, o quimono tradicional mantém uma influência real na moda ocidental.

Jardins japoneses
A estética dos jardins japoneses foi introduzida no mundo de língua inglesa pela Landscape Gardening, de Josiah Conder, no Japão (Kelly & Walsh, 1893). Acendeu os primeiros jardins japoneses no Ocidente. Uma segunda edição foi necessária em 1912. Os princípios de Conder às vezes se mostraram difíceis de seguir:

Roubado de sua roupagem e maneirismos locais, o método japonês revela princípios estéticos aplicáveis ​​aos jardins de qualquer país, ensinando, como faz, como converter em poema ou quadro uma composição que, com toda a sua variedade de detalhes, não teria unidade e intenção

A Japanese Garden Construction de Samuel Newsom (1939) ofereceu a estética japonesa como um corretivo na construção de jardins de pedra, que deveu suas origens bastante separadas no Ocidente ao desejo do meio do século 19 de cultivar alpinos em uma aproximação do fragmento alpino. Segundo a Sociedade de História dos Jardins, o jardineiro paisagista japonês Seyemon Kusumoto esteve envolvido no desenvolvimento de cerca de 200 jardins no Reino Unido. Em 1937 ele exibiu um jardim de rochas no Chelsea Flower Show, e trabalhou no Burngreave Estate em Bognor Regis, um jardim japonês em Cottered em Hertfordshire, e pátios em Du Cane Court em Londres.

O pintor impressionista Claude Monet modelou partes de seu jardim em Giverny a partir de elementos japoneses, como a ponte sobre a lagoa do lírio, que pintou inúmeras vezes. Detalhando apenas alguns pontos selecionados, como a ponte ou os lírios, ele foi influenciado pelos métodos visuais tradicionais japoneses encontrados nas gravuras de ukiyo-e, dos quais ele tinha uma grande coleção. Ele também plantou um grande número de espécies nativas japonesas para dar uma sensação mais exótica.

Museus
Nos Estados Unidos, o fascínio pela arte japonesa se estendeu aos colecionadores e museus, criando coleções significativas que ainda existem e influenciaram muitas gerações de artistas. O epicentro foi Boston em grande parte devido a Isabella Stewart Gardner, um colecionador pioneiro da arte asiática. Como conseqüência, o Museu de Belas Artes de Boston agora abriga a melhor coleção de arte japonesa fora do Japão. A Galeria de Arte Freer e a Galeria Arthur M. Sackler abrigam a maior biblioteca de pesquisa de arte asiática nos Estados Unidos e abrigam a arte japonesa em conjunto com as obras de influência japonesa de Whistler.