японизм

Японский язык – это французский термин, используемый для описания ряда европейских заимствований из японского искусства. Он был придуман в 1872 году французским критиком, сборщиком и гравюром Филиппом Берти, чтобы обозначить новую область исследований – художественную, историческую и этнографическую, охватывающую декоративные предметы с японскими орнаментами (по аналогии с Chinoiserie 18-го века), картины сцен, созданных в Японии, и западные картины, принты и декоративные искусства, под влиянием японских эстетиков. Ученые в 20-м веке отличались японским изображением, изображением японских предметов или предметов в западной стиль, от японского, более глубокое влияние японской эстетики на западное искусство.

Japonisme, это изучение японского искусства и художественного таланта. Японизм повлиял на изобразительное искусство, скульптуру, архитектуру, исполнительское искусство и декоративное искусство во всей западной культуре. Этот термин используется, в частности, для обозначения влияния Японии на европейское искусство, особенно в импрессионизме.

Укиё-э
С 1860-х годов, ukiyo-e, японские отпечатки на деревянных блоках, стал источником вдохновения для многих западных художников. Укие-э началось как японская школа живописи, разработанная в 17 веке. Укё-э-гравюры были созданы для удовлетворения спроса на недорогие, сувенирные изображения. Хотя отпечатки были недорогими, они были новаторскими и техническими, что давало каждому свое значение. Эти отпечатки редко создавались с учетом одного патрона, скорее они были созданы для коммерческого рынка в Японии. Хотя процент отпечатков был доставлен на Запад через торговцев голландскими торговцами, только в 1860-х годах в Европе популярность ukiyo-e завоевала популярность. Западные художники были заинтригованы оригинальным использованием цвета и композиции. В печатных изданиях Ukiyo-e представлены драматические ракурсы и асимметричные композиции.

история

Уединение (1639-1858)
Во время периода Эдо (1639-1858) Япония находилась в период уединения, и только один международный порт оставался активным. Токугава Иемицу приказал, чтобы остров, Деджима, был построен на берегах Нагасаки, из которых Япония могла получать импорт. Голландцы были единственной страной, способной заниматься торговлей с японцами, однако это небольшое количество контактов все еще позволяло японскому искусству влиять на Запад. Каждый год голландцы прибыли в Японию с флотами кораблей, заполненных западными товарами для торговли. В грузы прибыли многие голландские трактаты по живописи и ряд голландских гравюр. Шиба Кёкан (1747-1818) был одним из известных японских художников, изучавших голландский импорт. Kōkan создал одну из первых гравюр в Японии, которая была техникой, которую он узнал из одного из импортированных трактатов. Kōkan объединил бы технику линейной перспективы, которую он изучил из трактата, с его собственными укиё-стильными картинами.

Керамика эпохи секретности
В эпоху уединения японские товары по-прежнему пользовались популярностью у европейских монархов. Японское производство фарфора началось в семнадцатом веке после раскопок каолиновой глины около Нагасаки. Японские производители знали о популярности фарфора в Европе, поэтому некоторые продукты были специально выпущены для голландской торговли. Основным экспортом из Японии в Европу стали фарфор и лакировка. Фарфор использовался для украшения домов монархов в стиле барокко и рококо. Популярным способом показа фарфора в доме было создание фарфоровой комнаты. Полки будут размещены по всей комнате, чтобы показать экзотические украшения.

Повторное открытие девятнадцатого века
В эпоху Каэй (1848-1854), после более чем 200 лет уединения, иностранные торговые корабли разных национальностей начали посещать Японию. После восстановления Мэйдзи в 1868 году Япония закончила долгий период национальной изоляции и стала открыта для импорта с Запада, включая методы фотографии и печати. С этим новым открытием в торговле японское искусство и артефакты стали появляться в небольших магазинах любопытства в Париже и Лондоне.

Японизм начался как повод для сбора японского искусства, особенно укиё-э. Некоторые из первых образцов ukiyo-e были замечены в Париже. Примерно в 1856 году французский художник Феликс Браккмонд впервые наткнулся на экземпляр эскизной книги Хокусай Манга в мастерской своего принтера Огюста Делатра. Альбом зашел в мастерскую Дельтре вскоре после того, как японские порты открылись для мировой экономики в 1854 году; поэтому японское искусство еще не завоевало популярности на Западе. В последующие годы после этого открытия наблюдался рост интереса к японским гравюрам. Их продавали в магазинах любопытства, чайных складах и больших магазинах. Магазины, такие как La Porte Chineise, специализировались на продаже японского и китайского импорта. В частности, La Porte Chineise привлекали художников Джеймса Эббота МакНилла Уистлера, Эдуарда Мане и Эдгара Дега, которые черпали вдохновение из отпечатков.

Европейские художники в это время искали альтернативный стиль для строгих академических методологий. Собрания, организованные такими магазинами, как La Porte Chineise, способствовали распространению информации о японском искусстве и технике.

Художники и движения
Укие-е было одним из главных японских влияний на западное искусство. Западные художники привлекали красочные фоны, реалистичные внутренние и внешние сцены и идеализированные фигуры. Акцент был сделан на диагоналях, перспективах и асимметрии в ukiyo-e, которые можно увидеть у западных художников, которые адаптировали этот стиль. Необходимо изучить каждого художника как человека, который сделал уникальные инновации.

Винсент Ван Гог и цветовые палитры дерева
Винсент ван Гог начал свой глубокий интерес к японским гравюрам, когда обнаружил иллюстрации Феликса Регамея, представленные в «Иллюстрированных лондонских новостях» и «Le Monde Illustré». Régamey создал гравюры на дереве, следовали японским техникам и часто изображали сцены японской жизни. Ван Гог использовал Régamey в качестве надежного источника для художественных практик и бытовых сцен японцев. Начиная с 1885 года ван Гог перешел от сбора журнальных иллюстраций, таких как Régamey, к коллекции укиё-э-принтов, которые можно было купить в небольших парижских магазинах. Ван Гог поделился этими гравюрами со своими современниками и организовал в 1887 году японскую печатную выставку в Париже. Портрет Перга Танги (1887) Ван Гога – портрет его торговца цветами Жюльена Танги. Ван Гог создал две версии этого портрета, на которых изображены японские принты. Многие из принтов за Tanguy могут быть идентифицированы, с такими артистами, как Hiroshige и Kunisada. Ван Гог наполнил портрет яркими цветами. Он считал, что покупателей больше не интересуют серо-тонированные голландские картины, а картины с множеством цветов были расценены как современные, и их искали. Он был вдохновлен японскими гравюрами на дереве и их красочными палитрами. Ван Гог включил в свои работы яркость цвета на переднем плане и на фоне картин, которые он наблюдал в японских отпечатках на дереве, и использовал свет для уточнения.

Эдгар Дега и японские принты
В 1860-х годах Эдгар Дега начал собирать японские принты из La Porte Chineise и других небольших типографий в Париже. Современники Дега начали собирать отпечатки, которые дали ему большую коллекцию для вдохновения. Среди отпечатков, показанных Дега, была копия случайных эскизов Хокусай, которые были куплены Бракемонмом, увидев ее в мастерской Делатра. Предполагаемая дата принятия Дагасом японского языка в его отпечатке – 1875 год. Японский стиль печати можно увидеть в выборе Дега, чтобы разделить отдельные сцены, разместив барьеры вертикально, по диагонали и по горизонтали. Подобно многим японским художникам, принты Дега фокусируются на женщинах и их повседневных занятиях. Атипичное позиционирование его женских фигур и преданность действительности в отпечатках Дега выровняли его с японскими гравюрами, такими как Хокусай, Утамаро и Сукенобу. В печати Дега Мэри Кассатт в Лувре: Этрусканская галерея (1879-1880), общие черты между японскими гравюрами и работой Дега можно найти на двух рисунках: один, который стоит, и один, который сидит. Состав рисунков был знаком в японских отпечатках. Дега также продолжает использовать линии для создания глубины и отдельного пространства внутри сцены. Наиболее явное присвоение Деги – это женщина, опирающаяся на закрытый зонтик, который заимствован непосредственно из случайных эскизов Хокусай.

Джеймс Макнейл Уистлер и британский джапонизм
Японское искусство было выставлено в Великобритании, начиная с начала 1850-х годов. На этих выставках присутствовали вариации японских объектов, в том числе карты, буквы, текстиль и предметы из повседневной жизни. Эти выставки служили источником национальной гордости для Великобритании и служили для создания отдельной японской идентичности, кроме обобщенной «восточной» культурной идентичности. Джеймс Эбботт МакНил Уистлер был американским художником, который работал в основном в Великобритании. В конце 19-го века Уистлер начал отвергать реалистичный стиль живописи, который одобряли его современники. Вместо этого Уистлер нашел простоту и техничность в японской эстетике. В отличие от копий конкретных японских художников и произведений искусства, Уистлер оказывал влияние на общие японские методы артикуляции и композиции, которые он включил в свои работы. Поэтому Уистлер воздерживался от изображения японских предметов в своих картинах; вместо этого он использовал композиционные аспекты, чтобы наполнить чувство экзотики. Уистлер «Пунт» (1861) проявил интерес к асимметричным композициям и драматическому использованию ракурса. Этот стиль композиции не был бы популярен среди его современников еще десять лет, однако это было характерно для более раннего искусства Укие-э.

Японское влияние в декоративном искусстве
В 1851 году братья Гонкурт изображают в своем журнале жилую комнату, украшенную японским искусством 1. С 1853 года в Соединенных Штатах, а затем после 1855 года в Европе постепенное открытие Японии в международной торговле привело к притоку в Европу многих объектов: экранов, поклонников, лаков, фарфоров, принтов … которые очаровали художников и любителей западного искусства. В 1856 году Феликс Браккмонд открыл Мангу из Хокусай в мастерской своего принтера, Огюста Делатра, на улице Сент-Жака, где он использовался, чтобы остановить товар фарфора. Воспроизведя его фигуры животных на фарфоровой службе, сделанные в 1867 году для Евгения Руссо, он стал первым европейским художником, который непосредственно копировал японских художников.

С 1850 года, по крайней мере, отель Drouot организует раз в год публичную продажу предметов японского искусства. В Англии покупка японских работ учреждениями началась в 1852 году, и их исследование повлияло на появление в мебели «англо-японского стиля» после 1862 года, что способствует трезвости и геометрии. С 1859 по 1861 год были опубликованы черно-белые репродукции ukiyo-e, в частности, Делатре или в книге «Сборник рисунков для искусства и промышленности» Виконта Адальберта де Бомона и керамиста Эжен-Виктора Коллинота, а также в отношения Экспедиции Commodore Perry в Японию Фрэнсисом Хоуком, переведенные в 1856 году Вильгельмом Хайне, а затем в 1859 году Авраамом Огюстом Ролландом или в дипломатических путешествиях, возобновились в 1858 году, о которых сообщили барон Шарль де Шассирон или Лоуренс Олифант и Шерард Осборн члены миссии Элгина.

Купцы чая Децелла у знака В Китайской империи, расположенной в 1857 году № 45, и с 1862 по 1885 год в 55 году, на улице Вивьен и Буйлетте, на знаке Китайских ворот, расположенном с 1855 по 1886 год на 36-й улице той же улицы , начиная продавать различные «китайские продукты, Индию и Японию», в которых печатаются братья Гонкорт в 1860 году или Бодлер в 1861 году, которые относятся к письму 1862 года: «Недавно я получил пакет« японский ». раздавал их моим друзьям ». Феликс Браккмонд и Альфред Стивенсальсо часто посещали китайские ворота. Точно так же, начиная с открытия в 1861 или 1862 годах в их магазине E. Desoye возле Лувра в 220 году, на улице Риволи, Real De Soye специализируется на продаже японского искусства и иллюстрированных книг, которые удивляют Бодлера. Эти компании быстро посчитали многих художников среди своих клиентов, в том числе, помимо упомянутых выше, Джеймса Тиссо, Генри Фантина-Латура или Данте Габриэля Россетти, затем Мане, Дега, Моне или Каролуса-Дюрана.

Джеймс МакНил Уистлер, вероятно, встречается с Феликс Браккмондом в Делатре, который печатает свою серию гравюр в 1858 году под названием французский набор. Он также видел Стивенса в Лондоне 10 мая 1863 года, через несколько дней после открытия Парижского салона живописи и скульптуры, где Стивенс выставил несколько картин, в то время как Вистер предпочитает представить свою картину «Девушка в белом» («Симфония в белом», № 1 : Белая девочка) Салон des refusés, открывшийся 15 мая 1863 года. Затем, во время своей новой поездки в Париж в начале октября 1863 года, настала очередь Боделера представить ему через Хенри Фантина-Латура; в то время как с Джеймсом Тиссо, встретившимся в Лувре в 1856 году, было определенное соперничество, рожденное на первенстве использования этой новой темы в живописи, согласно переписке Уистлера 1863-1865 годов.

Таким образом, после того, как в январе 1864 года Фиолетовый и Розовый: «Ланге Лейзен из шести знаков», его первая ориентализирующая живопись, на самом деле китайская, Уистлер получила от Фантина в апреле 1864 года объекты китайской двери, вероятно, посетила его во время его поездки в Париж с 1863 года и заимствование других из Россетти, чтобы сделать три картины с японскими мотивами, в том числе Каприз в фиолетовом и золотом. Золотой экран и Принцесса страны фарфора, которая будет закончена около марта 1865 года, когда Тиссот осуществил три других по одному и тому же вопросу, включая японскую баню. Чтобы удовлетворить спрос на все более и более пристальное внимание, в 1870 году открылось больше магазинов, как в 1874 году, когда Зигфрид Бин на знаке японского искусства в 19-м году, на улице Чаучат, затем на улице №24, улицы Прованс и Филиппа Сихеля на no 11, rue Pigalle, который опубликует в 1883 году примечание о библеботе в Японии, и их владельцы берут на себя такие, как de Soye, дальнее путешествие в Sun-Levant.

На всемирной выставке 1862 года в Лондоне сэр Рутерфорд Алкок, дипломат, дислоцированный в Японии с 1859 года, представил свою личную коллекцию из 612 японских артефактов. Дизайнер Кристофер Дрессер (1834-1904) купил его несколько и был приглашен в Японию японским правительством в 1876 году. Возможно, он является автором лакированного кресла, считающегося предтечей мебели в англо-японском стиле. также представленный компанией AF Bath Bornemann & Co на выставке 1862 года, за которой последует мебель Эдварда Уильяма Годвина (en) с 1867 года, особенно для замка Дроморе. Под японским влиянием мебель стиля Наполеона III также использует черный лак, иногда инкрустированный перламутром.

На Всемирной выставке в Париже в 1867 году Япония впервые представила на Champ-de-Mars 14 национальный павильон, построенный под руководством архитектора Альфреда Чапона, ремесленной фермы. буржуазный дом, построенный японскими ремесленниками под покровительством губернатора Сацумы, выступал против сёгуна и сторонника имперской реставрации, которая состоится в октябре того же года 15. Япония демонстрирует на этот раз по своему свободному выбору несколько тысячи предметов ее различных художественных, ремесленных и промышленных произведений, кроме гравюр, появившихся в итальянской секции; в то время как Феликс Браккемонд представляет публике свое «Руссо-сервис». В конце выставки 1300 из этих предметов продаются публике. С этого момента японское искусство стало цениться в широких масштабах. В том же году Джеймс Тиссо основал японский салон в своем особняке на Авеню Фох.

Сделанная благодаря большей открытости Японии внешнему миру, в 1868 году, с эпохой Мэйдзи, коллекционеры и искусствоведы (Анри Чернуски, Теодор Дурет, Эмиль Гимет), художники (Феликс Регаим), совершают поездки в Японию в 1870-х годах и 1880-е годы и способствовали распространению японских произведений в Европе и, в частности, во Франции, настолько, что на Всемирной ярмарке 1878 года появилось большое количество японских произведений, в том числе коллекции Bing, Burty и Guimet и знаменует собой кульминацию увлечения японцами ,

С 1867 года Габриэль Виардо изготовил японскую мебель, а затем Huguet Ameublements. Около 1870 года Édouard Lièvre создал мастерскую по изготовлению шкафов, а также сделал роскошную мебель в этом стиле, в том числе в 1875 году из особняка живописца Эдуарда Детле, затем сотрудничает с другими краснодеревщиками, такими как Пол Сормани или ювелирами, такими как Фердинанд Барбедьенн и дом Кристофле , В 1877 году Уистлер реализует декор Павлиньей комнаты в Лондоне.

Приехав в Париж в качестве переводчика японской делегации на Универсальную выставку 1878 года, Хаяси Тадамаса (или Тасамаса) решил остаться там, а в 1883 году он создал Вакай Ояджи, известный как Кензабуро (若 井 兼 三郎), компания импорта из японских предметов искусства и гравюр 17, а затем Иидзима Ханьюро, сказал Киошин (飯 島 半 十郎), биограф Хокусай. В 1886 году Тадамаса представил парижанам искусство и культуру своей страны по специальному выпуску иллюстрированного Парижа с участием Эйсина «Придворный» на обложке, который Ван Гог написал в следующем году. Тадамаса также участвует в японском полицейском участке. Универсальная выставка 1889 года. В 1890 году он открыл магазин в Париже, где не было 65-й улицы де-ла-Виктуар, а в 1894 году завещал свою коллекцию мечей охранников в Лувре. За одиннадцать лет деятельности и возвращения в Японию он получит 218 поставок, в том числе 156 487 гравюр. Он также активно сотрудничает в книгах Outamaro (1891) и Hokousai (1896), написанных Эдмондом де Гонкур, предоставляя ему переводы японских текстов и бесчисленную информацию. Луис Джанс тоже использует свои знания для своей книги под названием «Японское искусство».

В романе Пьера Лоти «Мадам Хрисанти», опубликованном в 1887 году, только подчеркивается и популяризируется этот образ японского стиля. На Парижских всемирных выставках 1878, 1889 и 1900 годов Япония очень присутствует как в архитектуре, гравюрах, так и в производстве керамики. Японские произведения входят в коллекции Луврского музея, благодаря наследию Адольфа Тьера 1884 года, а религиозные произведения также приобретены в 1892 году. Для Всемирной ярмарки 1900 года Хаяси Тадамаса преуспевает в невероятной задаче принести очень большие произведения Японии , Император Мэйдзи даже предлагал некоторые части из своей личной коллекции.

Движение также коснулось, помимо Bracquemond, других керамистов, таких как его друзья Марк-Луис Солон и Жан-Чарльз Казин, также одноклассники с Фантином-Латуром школы рисования Горация Лекока де Буасбадран и собрались в японской компании Jinglar, основанной в 1867 году , а также эмалированные керамические изделия, такие как Carriès, производство Christofle house из перегородчатой ​​ткани и патинированного металла, текстильные украшения и мода. Весь модерн, чей Сэмюэль Бинг стал защитником, посвятив свою художественную галерею его продвижению с 1895 года, включает множество ссылок и японских влияний, в том числе Эмиля Галле.

Японское влияние в искусстве
Главными японскими художниками, которые влияли на европейских художников, были Хокусай, Хиросиге и Утамаро. Художники очень мало узнавали в Японии, потому что производство искусства считалось легким и популярным японскими элитами того времени. Таким образом, японцы сохранили произведения, которые исчезли бы и позволили бы разработать новый способ японского искусства.

В свою очередь, появление западных людей в Японии вызвало много реакций среди японских художников. Например, в области живописи были созданы две великие школы: так называемая нихонга («японский путь»), которая, как правило, увековечила канон японской живописи и так называемый yō-ga («западный путь») ), который разработал методы и мотивы масляной живописи (см. Kuroda Seiki и Kume Keiichirō, основатель Общества белых лошадей, Хакуба-кай).

Тем не менее, обратное движение японского языка называется bunmeikaika (文明 開化), от китайского kaihua, «культурная цивилизация», «вылупление цивилизации»). Он не вызывал интереса японских художников, больше заботился о последствиях их модернизации и их вестернизации. Японским художникам и исследователям потребовалось много времени для изучения японского искусства.

К концу 1850-х годов некоторые художники покупают японские принты в Париже, как Уистлер и Тиссо и Моне, которые встречаются 231, в 1871 году, или Родин, который приобретает около 200 после 1900 года. Фантин-Латур, Эдуард Мане, Каролус-Дюран, Мэри Кассатт и Джузеппе Де Ниттис также собирал японские принты; в то время как Ван Гог купил его в Антверпене в 1885 году и владел более 400.

Среди европейских и американских художников, которые были приверженцами японского языка даже в своих работах, с 1864 года, Тиссо, который в 1867 и 1868 годах дал уроки рисования принцу Токугаве Акитаке, Уистлеру, Ван Гогу и Моне, уже упомянутым, Стивенсу, Дега, Мане , Брейтнер, Ренуар, Чейз и т. Д., И даже украинско-польские Билиньска-Богданович, Климт, Аубуртин или Гоген, под его влиянием, наби, такие как Вюйяр и Боннард, которые используют японские форматы, иногда устанавливаемые на экране.

Альфред Стивенс также посещал магазин китайских дверей, где он покупал предметы с Дальнего Востока. На Универсальной выставке 1867 года он представляет 18 картин, в том числе Индию в Париже (также называемую «Экзотический бибелот»), которую критик Роберта де Монтескю приветствует в «Gazette des Beaux-Arts». Этой картине предшествует «Леди в розовом» с 1866 года, а затем в 1868 году La Collectionneuse de porcelaines, а затем около 1872 года рядом нескольких японских картин. В 1893-1894 годах голландский художник Джордж Хендрик Брейтнеральсо выпускает серию из по меньшей мере 6 полотенец девушек в кимоно разных цветов, вдохновленных его собственными фотографиями.

В 1888 году Огюст Лефер создал с Феликс Брачмондом, Даниэлем Вирже и Тони Белтрандом, журнал L’Estampe, чтобы заинтересовать художников и любителей новыми процессами и тенденциями гравюры, особенно в цвете. В этот период, когда японское влияние оказало большое влияние на декоративное искусство, Анри Ривьер понял с этой даты с 1888 по 1902 год, «Тридцать шесть видов Эйфелевой башни». В 1891 году Валлотон также возобновил гравюру по дереву, с Полом Гогеном или Эмили Бернардом, и в свою очередь Тулуза-Лотрека произвела революцию в искусстве плаката, рисуя в том же году, что для знаменитого кабаре, открытого в 1889 году, называется Мулен Руж – Ла Гуль. Деревянные выгравированные работы Амеди Джояо между 1895 и 1909 годами также имеют знак японского искусства.

Крупные выставки японских принтов также проводятся в Париже, которые участвуют в распространении новой эстетики. В дополнение к прекурсорным критическим работам Филиппа Берти, в 1873 году, Анри Чернуски и Теодор Дюрет выставили во Дворце искусств распечатки, собранные во время рейса 1871-1873 годов. В 1883 году в галерее Жоржа Пети состоялась ретроспективная выставка японского искусства из 3000 объектов, организованная Луисом Гансом, директором Gazette des Beaux-Arts. В 1888 году в своей галерее «Японское искусство», расположенной в 22-й улице Рю де Прованс, где собрались многие искусствоведы и молодые художники, Сэмюэль Бинг представляет историческую выставку искусства гравюры в Японии и публикует первый выпуск своего ежемесячного журнал, Le Japon artistique, особенно прочитанный наби и Густавом Климтом. В 1890 году, благодаря коллекциям своих друзей, Бинг организовал в Школе изящных искусств в Париже выставку японских мастеров, в том числе 760 гравюр, плакат разработан Жюлем Черетом. С 1909 по 1913 год Раймонд Кохлин посвятил шести выставкам в Музее декоративного искусства.

Художники, под влиянием японского искусства и культуры

Густав Климт
Самой известной японской картиной Густава Климта является «Второй портрет Адель Блох-Бауэр». В последнем стиле Климта он находился под влиянием норвежского фуависта.

Джеймс Тиссо, Джеймс Макнейл Уистлер, Эдуард Мане, Клод Моне, Винсент ван Гог, Эдгар Дега, Пьер-Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Пол Гоген, Анри де Тулуз-Лотрек, Мэри Кассатт, Берта Лам, Уильям Брэдли, Обри Бердсли, Артур Уэсли Доу, Альфонс Муха, Густав Климт, Пьер Боннард, Фрэнк Ллойд Райт, Чарльз Ренни Макинтош, Луис Комфорт Тиффани, Хелен Хайд, Жорж Фердинанд Биго,

В литературе и поэзии французские авторы XIX века чувствуют необходимость расколоться с определенным классицизмом и, в частности, посмотреть на востоковедение и японское искусство. Что касается Японии, речь идет не столько о том, чтобы привлечь внимание к новой чувствительности и эстетике; среди этих авторов – Чарльз Бодлер, Стефан Малларме и Виктор Гюго.

Другие авторы упоминают искусство и японский дух в своих работах, таких как Марсель Пруст, Эдмонд де Гонкур и Эмиль Золя. Пьер Лоти написал один из своих самых знаменитых романов, мадам Хрисантиме (1887), взяв в качестве своей темы свою встречу с молодой японкой, выйдя замуж в течение месяца, предшественником мадам Баттерфляй и мисс Сайгон, и работой, которая представляет собой комбинацию рассказ и путевой дневник.

В ответ на эксцессы японства писатель Чампллери подделывает с 1872 года слово «japonaiserie». Он осуждает этот неологизм снобизма, самодовольный и лишенный критического духа, который затем окружает в определенных французских кругах все, что касается Японии; Затем слово берется, чтобы описать эти экзотические дрифты, такие как «японский салат», который появляется в пьесе Александра Дюма-младшего, Франциллона или эротический мусор, вдохновленный Пьером Лоти, и который символизирует слово «мусме», ,

Японский в музыке
В 1871 году Камиль Сен-Санс написал одну оперу «Желтая принцесса» на либретто Луи Галлета, в которой молодая голландская девушка ревновала к фиксации, сделанной ее другом-художником на японском принтере. В 1885 году комическая опера «Микадо» представлена ​​в Лондоне Артуром Салливаном, либретто Уильяма С. Гилберта и оперы «Мадам Баттерфляй», «Пуччини» создана в Милане в 1904 году с либретто Луиджи Илликой и Джузеппе Джакозой. Японский балет, папа хризантема, представленный в 1892 году в Новом цирке улицы Сен-Оноре, вдохновляет в 1895 году витраж в Тулузе-Лотреке по заказу Бинга и исполнен Луи Комфорт Тиффани.

После поэтов музыканты заинтересовались более сжатой, более резкой поэзией, позволяющей мелодичному развитию более тонким, чем великая декламация, зарезервированная для области оперы. В этом духе, возвращаясь к точности классического мадригала, внимание французских композиторов обратилось к переводам танк и хайкуса на французский язык.

Одним из первых музыкантов, активно посвятивших себя японской поэзии, был Морис Делаж. Поехав в Индию и Японию в конце 1911 года, он оставался там в течение 1912 года. Вернувшись во Францию, он достаточно овладел тонкостями поэтического языка, чтобы переделать стихи, которые его друг Стравинский вложил в музыку в 1913 году, под названием Три стихотворения японской лирики.

Работа Стравинского была хорошо принята, когда она была создана в январе 1914 года. Три года спустя Жорж Мигот написал семь маленьких фотографий Японии для голоса и фортепиано, из стихотворений из антологии классических поэтов.

В 1925 году Морис Делаж стал свидетелем создания его ненавистных в сентябре Кайса для сопрано и ансамбля камерной музыки (флейта, гобой, кларнет в квартире, фортепиано и струнного квартета), которые он сам перевел в стихах.

В 1927 году Жак Пиллуа предложил Cinq haï-kaï для квинтета (флейта, скрипка, альт, виолончель и арфа). Хай-кай читаются между кусками.

Между 1928 и 1932 годами Дмитрий Шостакович составил цикл «Шесть романсов» на текстах японских поэтов, для тенора и оркестра, опус. Тексты частично взяты из коллекции японской лирики, в которой Стравинский заимствовал три своих стихотворения. Субъекты, которые вращаются вокруг любви и смерти, присоединяются к любимым темам русского музыканта. Он сочинил первые три романса в первый год, четвертый в 1931 году и два последних в 1932 году.

В 1951 году американский композитор Джон Кейдж в свою очередь предложил Cinq haikus для фортепиано, затем Seven haikus в следующем году. По словам Михаэля Андриу, музыкант, «любители минимальных форм, будет заинтересован в хайку позже в своей карьере».

К 1912 году Богуслав Мартинь сочинил свой Ниппонари, семь мелодий для сопрано и инструментального ансамбля, которые были созданы только в 1963 году.

В том же году Оливье Мессиан сочинил Семь хайкай, японские эскизы для фортепиано и оркестра.

Композитор Фридрих Серха также написал хайку «по-японски», по словам Михаэля Андриу, «но текстовое содержание которого очень далеки от потери всех ссылок на природу и поэтические образы (текст, в переводе на французский язык , есть: чем больше я устал, тем больше мне нравится быть в Вене …) ».

Японский стиль моды
До второй половины XIX века европейцы мало что значили в Японии. Однако в XVII веке японские кимоно импортируются в Европу голландской Ост-Индской компанией и носят богатые европейцы в качестве халатов. Импорт этой аутентичной одежды ограничен, рынок удовлетворен так называемыми «индийскими» халатами, получившими прозвище «Japonsche rocken» («Японские платья») в Голландии, «индийские халаты» во Франции и «Banyans» (” Индийский купец “) в Англии. После открытия Японии в 1868 году (эпоха Мэйдзи) кимоно, безусловно, было принято в использовании халата (мадам Эриот (1892) Огюста Ренуара представлена ​​внутренним кимоно, а в 1908 году Соня Калло произвела переинтерпретированную японскую кимоно), в то время как ее ткань использовалась для изготовления западных платьев, например, платья из кринолинов (см. «Состояние женщин на Западе во время эпохи Belle Epoque»). Японские мотивы также адаптированы к западному текстилю, например, представители растений, мелких животных или даже семейные шкафы на лионских шелках. В 20-ом столетии, если форма кимоно становится обычным делом, чтобы окончательно спутать с халатом, традиционное кимоно сохраняет реальное влияние на западную моду.

Японские сады
Эстетика японских садов была представлена ​​в англоязычном мире Пейзажным садоводством Йосиа Кондера в Японии (Kelly & Walsh, 1893). Это вызвало первые японские сады на Западе. Второе издание требовалось в 1912 году. Принципам Кондера иногда трудно было следовать:

Японский метод, украшенный его местными нарядами и манерами, раскрывает эстетические принципы, применимые к садам любой страны, обучая, как это делается, как превращать в стихотворение или изображать композицию, которая при всей своей разнообразности деталей в противном случае не имеет единство и намерение

Японское садовое производство Samuel Newsom (1939) предложило японскую эстетику как коррекцию в строительстве горных садов, которая задолжала их совершенно раздельному происхождению на Западе до середины XIX века, желая выращивать альпины в приближении альпийских осыпей. По данным Общества истории сада, японский садовод ландшафта Сеймон Кусумото участвовал в разработке около 200 садов в Великобритании. В 1937 году он выставил скальный сад на Цветочная выставка Челси и работал над поместьем Бернграйв в Богнор Регис, японский садом в Коттери в Хартфордшире и дворами в суде Ду-Кейна в Лондоне.

Художник-импрессионист Клод Моне смоделировал части своего сада в Живерни после японских элементов, таких как мост над лилийским прудом, который он рисовал много раз. Детально описывающая несколько избранных моментов, таких как мост или лилии, найденные в печати ukiyo-e, из которых у него была большая коллекция. Он также посадил большое количество местных японских видов, чтобы придать ему более экзотическое чувство.

Музеи
В Соединенных Штатах, где есть все, что угодно, и все, что угодно. Эпицентр был Бостоном в немалой степени благодаря Изабелле Стюарт Гарднер, первопроходца сборной азиатского искусства. Как следствие, в Музее изящных искусств в Бостоне теперь находится самая лучшая коллекция японского искусства за пределами Японии. В Freer Gallery of Art и галерее Артура М. Саклера находится крупнейшая в США библиотека исследований в области искусства в Соединенных Штатах, а также японское искусство, а также японские произведения под названием Уистлера.