콜라주 (collage)는 시각 예술에 주로 사용되는 예술 작품의 기술입니다. 미술 작품은 다양한 형태의 집합체로 이루어져 새로운 전체를 만듭니다.

콜라주에는 때로는 잡지 및 신문 스크랩, 리본, 페인트, 색 또는 수제 종이 조각, 다른 삽화 또는 텍스트의 일부, 사진 및 기타 발견 된 물체가 종이 또는 캔버스 조각에 붙어있을 수 있습니다. 콜라주의 기원은 수 백년 전으로 거슬러 올라갈 수 있지만,이 기술은 20 세기 초반 예술적 형태의 참신함으로 극적으로 재현되었습니다.

콜라주라는 용어는 콜라주가 현대 미술의 특유한 부분이 된 20 세기 초반에 조르주 브라케 (Georges Braque)와 파블로 피카소 (Pablo Picasso)에 의해 만들어졌습니다.

개시 자
André Breton, Pierre-Olivier Walzer 및 Pablo Picasso는 Lautréamont의 계산에 가정 한 표절로 문학적 콜라주의 원칙을 강조했습니다. 가장 긴 구절 중 하나는 5 번째 노래의 시작 부분에있는 별표 비행 설명과 관련된 것입니다. Maldoror 노래.

조르쥬 브라크 (Georges Braque)와 파블로 피카소 (Pablo Picasso, 지팡이 의자에서의 정물)는 1912-1913 년에 첫 번째 그림 콜라주를 제작했습니다.

접착 용지
그들은 그들이 출처 인 콜라주와 구별되어야합니다.

엄밀히 말하면, 콜라주는 종이 조각 (종이, 종이 신문의 컬러 텍스트)으로 구성되지만 숯, 검은 돌, 피 또는 잉크를 사용하여 예술가가 착용하는 플라스틱 표지를 포함 할 수 있습니다. 보세 문서에는 광고 이미지 또는 사진이 포함되지 않으며 사진은 콜라주에 속합니다. 붙여 넣은 논문에서 신문의 텍스트 영역은 회색 효과를 생성하는 부화 영역과 부화 할 수있는 해칭으로 기능합니다. 종이가 붙기 전에 종이는 종종 고정되어 있으며 때로는 다른 요소들 사이에 끼어 들지 않고 그대로 남아 있습니다.

역사

초기 판례
콜라주 기법은 중국에서 약 200 년 전의 종이 발명 당시에 처음 사용되었습니다. 그러나 콜라주의 사용은 서예가들이 그들의시를 쓸 때 표면에 텍스트를 사용하여 접착 된 종이를 적용하기 시작한 일본의 10 세기까지 많은 사람들이 사용하지 못했습니다. 콜라주 기법은 13 세기 중세 유럽에서 나타났습니다. 금박위원회는 제 15 그리고 제 16 세기의 주위에 고딕 대성당에서 적용되는 것을 시작했다. 보석 및 기타 귀금속은 종교 이미지, 아이콘 및 무기 코팅에 사용되었습니다. 18 세기 콜라주 예술의 예는 Mary Delany의 작업에서 찾아 볼 수 있습니다. 19 세기에는 콜비지 방법을 애호가가 기념 앨범 (예 : 사진 앨범에 적용) 및 도서 (예 : 한스 크리스티안 앤더슨, 칼 스핏 위그)에 사용했습니다. 많은 기관들은 1912 년에 콜라주 관행의 시작을 피카소와 브라크 (Braque)로 돌렸지 만 초기 빅토리아 포토 콜레 지션은 콜라주 기술이 1860 년대 초반에 수행되었다고 제안합니다. 많은 기관들은 애호가들의 기념품으로이 작품을 인정하지만, 빅토리아 귀족 집단 초상화의 Facilitator, 여성학 박식의 증거로 기능 했음에도 불구하고 사진 촬영이 진실 인 방식에 의문을 제기하는 새로운 표현 방식을 제시했습니다. 2009 년 큐레이터 엘리자베스 시겔 (Elizabeth Siegel)은 Art Institute 시카고에서 그림을 가지고 노는 전시를 조직하여 덴마크의 Alexandra와 Mary Georgina Filmer의 콜라주 작품을 인정했습니다. 이 전시회는 나중에 메트로폴리탄 미술관과 온타리오 아트 갤러리를 방문했습니다.

콜라주와 모더니즘
콜라주와 같은 응용 기술의 20 세기 전의 사용에도 불구하고 일부 미술 당국은 적절하게 말하면 콜라주가 모더니즘의 초기 단계와 함께 1900 년 이후에 출현하지 않는다고 주장한다.

예를 들어 Tate Gallery의 온라인 예술 용어집에 “콜라주는”20 세기에 처음으로 예술가의 기법으로 사용되었습니다. “라고 명시되어 있습니다. 구겐하임 미술관의 온라인 예술 용어집에 따르면, 콜라주는 모더니즘의 시작과 관련된 예술적 개념이며, 무언가를 다른 것에 붙이는 아이디어 이상을 수반합니다. 브라크 (Braque)와 피카소 (Picque)가 캔버스에 붙인 접착 패치는 패치가 “그림의 표면과 충돌”했을 때 그림에 대한 새로운 시각을 제시했습니다. 이 관점에서, 콜라주는 회화와 조각 사이의 관계를 체계적으로 재검토 한 것이 었으며,이 새로운 작품은 구겐하임 에세이에 따르면 “각 매체에 다른 매체의 특성을 부여했습니다. 더욱이 신문의 이러한 잘게 썰어 진 비트는 충돌에 대한 외부 참조 된 의미의 단편을 소개했다 : “발칸 반도에서의 전쟁과 대중 문화에 대한 현재의 사건에 대한 언급은 예술의 내용을 풍부하게했다.” “진지하고 혀를 똑바로 사용하는”상징의 병치는 콜라주의 영감을 얻는 근본 요소였습니다. “최종 제품에 대한 개념과 프로세스를 강조하면 콜라주는 의미없는 의회로의 평범함을 가져 왔습니다.”

진화
1941 년까지 콜라주는 다양한 예술적 움직임의 원칙에 따라 창조 기술을 발전시킵니다.

큐비즘 기간 동안 조르쥬 브라크 (Georges Braque)와 파블로 피카소 (Pablo Picasso)와 같은 예술가들은 콜라주에 의지하여 읽을 수있는 작품으로 돌아와 중첩되고 추가 계획을 세워 그림의 공간을 재구성 할 수 있습니다.

다다 이스트와 초현실주의 자들은 1918 년부터 1931 년까지 콜라주를 통해 눈에 띄기를 원합니다. 1911 년부터 British Edward Verrall Lucas와 George Morrow는 백화점 카탈로그에서 잘라낸 이미지로 만든 What life!와 함께 다양한 방법으로 다양한 자료를 처리합니다. 1918 년 Raoul Hausmann, Hannah Hoch 및 John Heartfield는 정치 뉴스를 비판하기 위해 사진을 사용했습니다. 1919 년 Max Ernst는 오래된 조각을 사용하여 콜라주, 특히 컬렉션에서 사용 된 프로세스 인 The Woman 100 heads (1929), Carmel (1930)에 들어가기를 원하는 소녀의 꿈과 선량의 주간 (1934)을 사용합니다.

다다 이스트와 초현실주의 자들의 파괴적인 활동과 병행하여, 1914 년부터 1941 년까지,보다 단호한 콜라주 관행이 개발되었고, 특히 장식으로 향했다. 따라서 앙리 마티스 (Henri Matisse)는 예를 들어 방스의 묵주 (Rosary of Vence)의 스테인드 글라스 창문과 같은 모델을 만들기 위해 커다란 커팅 틈을 만든다.

1941 년부터 오늘까지
1941 년 이래로, 콜라주는 일반적인 예술적 관습이며 대중은 많은 전시회를 통해이 기술에 익숙해집니다.

Jean Dubuffet은 콜라주를 사용하여 이미지의 관능 성과 작곡의 역 동성을 강조합니다. Jiri Kolar는 사용 된 여러 프로세스를 정확하게 구분하여 콜라주를 이론화합니다. Bernard Requichot는 혐오를 유발하는 동일한 이미지 (음식, 동물)의 축적과 반복을 연습합니다. 6. 기타

1992 년 프랑스에서 collagist 예술가를 연합 한 최초의 유럽 단체 인 Collectif Amer라는 이름으로 Artcolle이라는 이름으로 설립되었습니다. 그녀는 1993 년부터 파리에서 매년 개최되는 Salon du Collage Contemporaine을 비롯하여 콜라주 예술에 전념하는 500 개 이상의 전시회를 개최합니다. 콜라주 예술에 전념 한 최초의 박물관 창설의 기원이기도합니다. Plémet에 위치한 콜라주 아트.

회화의 콜라주
모더니스트 감각의 콜라주는 입체파 화가 조르주 브라크 (Georges Braque)와 파블로 피카소 (Pablo Picasso)와 함께 시작되었습니다. 일부 소식통에 따르면 피카소는 유화에서 콜라주 기법을 처음으로 사용했습니다. 구겐하임 미술관 (Guggenheim Museum)의 콜라주에 관한 온라인 기사에 따르면, 브라크 (Braque)는 콜라주 자체에 대한 개념을 피카소 이전에 숯 그림에 적용했습니다. 피카소 (Picasso)는 직후에 콜라주를 채택했습니다. (드로잉과는 대조적으로 그림에서 콜라주를 처음 사용할 수 있습니다.)

“Braque는 시뮬레이션 된 오크 그레인 벽지를 구입하여 종이 조각을 잘라 내고 목탄 그림에 붙이는 작업을 시작했으며 Picasso는 즉각 새로운 매체에서 실험을 시작했습니다.”

1912 년 의자 깡깡이의 정물 (Nature-morte la laaa cannée)을 위해 피카소는 의자의 지팡이 모양의 디자인을 한 오일 클로스 패치를 캔버스에 붙여 놓았습니다.

초현실주의 예술가들은 콜라주를 광범위하게 사용합니다. Cubomania는 이미지를 사각형으로 절단하여 자동 또는 무작위로 재조합 한 콜라주입니다. 비슷하거나 아마도 동일한 방법을 사용하여 제작 된 콜라주는 Mariën이 처음으로 조사한 방법에서 Marcel Mariën의 etrécissements라고합니다. 병렬 콜라주와 같은 초현실주의 게임은 콜라주 제작의 집단 기법을 사용합니다.

Sidney Janis Gallery는 1962 년 11 월 미국의 예술가 Tom Wesselmann, Jim Dine, Robert Indiana, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, George Segal 및 Andy Warhol의 작품을 포함한 New Realist Exhibition이라는 초기 팝 아트 전시회를 개최했습니다. ; Brian, Christo, Yves Klein, Festa, Rotella, Jean Tinguely, Schifano와 같은 유럽인들과 함께합니다. 파리의 Galerie Rive Droite에서 열린 Nouveau Réalisme 전시회를 뒤이어 영국과 미국의 Pop Art, 유럽 대륙의 Nouveau Réalisme이라는 예술가가 곧 등장하게 된 국제적인 데뷔 무대가되었습니다. 이 아티스트 중 다수는 콜라주 기법을 사용했습니다. Wesselmann은 몇 가지 예약으로 New Realist 쇼에 참여하여 1962 년에 두 편의 작품을 전시했습니다 : Still Life # 17과 Still Life # 22.

또 다른 기법은 캔버스 콜라주의 기법으로, 일반적으로 접착제로 도포하여 페인트의 메인 캔버스 표면에 별도로 페인트 한 캔버스 패치를 적용하는 것입니다. 이 기술의 사용으로 잘 알려진 영국의 예술가 존 워커 (John Walker)는 1970 년대 후반의 회화에서 캔버스 콜라주는 이미 1960 년대 초에 콘래드 마르카 – 리리 (Conrad Marca-Relli)와 제인 프랭크 (Jane Frank) 같은 미국 작가들의 혼합 미디어 작품의 필수적인 부분이었습니다. 강렬하게 자기 중심적인 리 크라스 너는 종종 자신의 그림을 조각으로 자르며 콜라주로 조각을 재 조립하여 새로운 예술 작품을 창작하기도했다.

나무와 콜라주
나무 콜라주는 종이 콜라주보다 다소 늦게 출현 한 유형입니다. Kurt Schwitters는 이미 종이 콜라주를 위해 그림을 포기한 후 1920 년대에 나무 콜라주를 실험하기 시작했습니다. 나무 콜라주의 원리는 적어도 1920 년대 중반부터 후반까지 거슬러 올라가는 ‘Merz Picture with Candle’만큼이나 분명히 분명히 밝혀졌습니다.

Georges Braque는 시뮬레이션 된 오크 나무 조각을 잘라내어 종이 콜라주를 사용하기 시작했기 때문에 (즉, 구겐하임 온라인에 따르면) 간접적으로 종이 콜라주와 동시에 간접적으로 데뷔 한 나무 콜라주가 흥미 롭습니다. 곡물 벽지 및 자신의 숯불 그림에 부착. 따라서 첫 번째 종이 콜라주에 사용 된 종이 나무처럼 보이도록 제조 된 상업용 제품 이었기 때문에 나무를 그림에 붙이는 아이디어는 처음부터 암묵적으로있었습니다.

1940 년대 중반부터 15 년 동안 강렬한 실험을 한 Louise Nevelson은 가구 부품, 나무 상자 또는 배럴 및 계단 난간과 같은 건축 잔재물을 비롯하여 발견 된 스크랩으로 조립 된 조각 나무 콜라주를 발전 시켰습니다. 몰딩. 일반적으로 직사각형, 매우 크고 검은 색으로 칠해지며 거대한 그림과 비슷합니다. Nevelson ‘s Sky Cathedral (1958)과 관련하여 현대 미술관 카탈로그에는 “정면에서 볼 수있는 직사각형의 평면으로서 하늘의 성당에는 그림의 화질이 있습니다 …”그러나 그런 조각들도 거대한 벽으로 나타납니다 또는 모노리스 (monoliths)가 있습니다.이 모노리스는 때때로 양쪽에서 보거나 심지어 보았습니다.

많은 목제 콜라주 예술은 규모가 상당히 작고 그림이 될 때까지 매달 렸습니다. 그것은 일반적으로 나무 조각, 나무 부스러기, 또는 스크랩, 캔버스에 조립 (그림이 포함되어있는 경우), 또는 나무 보드에 특징이다. 그러한 액자 화 된 그림 같은 나무 기복 콜라주는 예술가가 깊이 내재하고 자연스러운 색상과 질감이있는 다양한 요소를 탐구 할 수있는 기회를 제공하면서 동시에 언어, 관습 및 역사적인 공명을 활용할 수 있습니다. 벽에 매달려 사진을 만드는 전통에서 비롯된다. 나무 콜라주의 기법은 때로는 하나의 예술 작품에서 회화와 다른 매체와 결합됩니다.

종종 “나무 콜라주 아트”라고 불리는 것은 유목지와 같은 천연 나무 또는 발견되거나 변경되지 않은 통나무, 가지, 막대기 또는 나무 껍질의 일부만 사용합니다. 이것은 그러한 삽화가 콜라주인지 (원래의 의미에서) 콜라주인지 모더니즘인지에 대한 의문을 제기한다. 초기의 종이 콜라주는 일반적으로 텍스트 나 그림의 비트로 만들어 졌기 때문입니다. 원래 사람들이 만들어 내고 문화적 맥락에서 작동하거나 상징적으로 나타나기 때문입니다. 이 콜라주는 상징적 인 충돌의 일환으로 이들을 여전히 인식 할 수있는 “기호”(또는 기호의 단편)를 함께 제공합니다. Nevelson 저작에서 사용 된 잘려진 나무 의자 또는 계단 뉴 엘은 같은 의미에서 콜라주의 잠재적 인 요소로 간주 될 수 있습니다. 원래의 문화적으로 결정된 일부 맥락이있었습니다. 숲 바닥에서 찾을 수있는 것과 같은 변경되지 않은 천연 나무는 틀림없이 그런 맥락이 없다. 따라서 Braque와 Picasso에서 비롯된 콜라주 아이디어와 관련된 특징적인 상황 별 중단은 실제로 발생할 수 없습니다. (유목은 물론 때로는 모호합니다. 유목 조각은 예전에는 우주선의 일부와 같이 일종의 목재 였지만 소금과 바다로 인해 풍화되어 과거의 기능적 정체성이 거의 또는 완전히 가려졌습니다 .)

데쿠 파주
Decoupage는 일반적으로 공예품으로 정의되는 콜라주 유형입니다. 그것은 장식을 위해 물체에 그림을 배치하는 과정입니다. 데쿠 파주 (Decoupage)는 동일한 이미지의 사본을 여러 개 추가하고 잘라내어 겹쳐서 겉보기 깊이를 더할 수 있습니다. 사진은 종종 바니시 또는 다른 밀봉 제로 코팅되어 보호됩니다.

20 세기 초반에, 다른 미술 기법과 마찬가지로 decoupage는 덜 현실적이고 추상적 인 스타일로 실험하기 시작했습니다. 데쿠 파주 작품을 제작 한 20 세기 예술가로는 파블로 피카소 (Pablo Picasso)와 앙리 마티스 (Henri Matisse)가 있습니다. 가장 유명한 데쿠 파주 작품은 마티스의 Blue Nude II입니다.

목적에 맞는 ‘접착제’를 사용하여 적은 수의 층 (일반적으로 종이의 양에 따라 5 개 또는 20 개)을 필요로하는 전통적인 기법에는 많은 변형이 있습니다. 컷 아웃은 또한 유리 아래에 적용되거나 decouper의 욕망에 따라 3 차원 외관을 제공하기 위해 제기. 현재 decoupage는 인기있는 수공예품입니다.

이 공예품은 17 세기와 18 세기에 대단한 인기를 얻은 프랑스의 데쿠 페 (découpage)에서 유명 해졌다. 이 기간 동안 많은 고급 기법이 개발되었으며, 많은 코팅 및 샌딩이 적용되어 아이템을 완성하는 데 최대 1 년이 걸릴 수 있습니다. 일부 유명하거나 귀족적인 종사자에는 마리 앙투아네트 (Marie Antoinette), 퐁빠두 마담 (Madame de Pompadour), 보 Brummell (Beau Brummell) 등이 있습니다. 실제로 대부분의 데쿠 파파 애호가들은 17 세기 베니스로 데쿠 파주의 시작을 기인합니다. 그러나 그것은 아시아에서이시기 이전에 알려졌습니다.

decoupage의 가장 유력한 기원은 동 시베리아 장례 예술로 생각됩니다. 유목민 종족은 죽은 자의 무덤을 장식하기 위해 잘라낸 펠트를 사용할 것입니다. 시베리아에서 관행은 중국에 왔고, 12 세기 경에 종이를 잘라서 등불, 창문, 상자 및 기타 물건을 장식하는 데 사용하고있었습니다. 17 세기에 이탈리아, 특히 베니스에서는 극동 무역의 최전선에 서 있었고 일반적으로 이러한 무역 연결을 통해 종이 장식이 잘라내 진 유럽으로 진출한 것으로 보입니다.

포토 몽타주
사진이나 사진의 일부로 만든 콜라주를 photomontage라고합니다. Photomontage는 다른 여러 사진을 잘라내어 결합하여 합성 사진을 만드는 과정입니다. 합성 이미지는 때때로 촬영되어 최종 이미지가 완벽한 사진 인쇄로 다시 변환됩니다. 오늘날 이미지 편집 소프트웨어를 사용하여 동일한 방법을 수행합니다. 이 기술은 전문가가 합성이라고 부릅니다.

오늘날의 집이 그렇게 다른 이유는 무엇입니까? 이 작품은 1956 년 영국 런던에서 열리는 This Is Tomorrow 전시회의 카탈로그로 제작되었습니다.이 전시회는 흑백으로 재현되었습니다. 또한이 작품은 전시용 포스터에 사용되었습니다. Richard Hamilton은 이후 여성 보디 빌더를 특징으로하는 1992 년 판을 포함하여 팝 아트 콜라주의 주제와 구성을 다시 작업 한 여러 작품을 만들었습니다. 많은 예술가들이 해밀턴 콜라주의 파생 작품을 만들었습니다. P. C. Helm은 2000 년 해석을했다.

사진을 결합하는 다른 방법은 Victorian의 “조합 인쇄”와 같은 사진 몽타주라고도하며, 한 장의 인쇄 용지 (예 : O. G. Rejlander, 1857)에 두 개 이상의 네거티브에서 인쇄, 정면 투영 및 컴퓨터 몽타주 기술입니다. 콜라주가 여러면으로 구성되어있을 때와 마찬가지로, 아티스트도 몽타주 기술을 결합합니다. Romare Bearden (1912-1988)의 흑백 “photomontage projections”시리즈가 그 예입니다. 그의 방법은 8½ × 11 인치 크기의 종이, 페인트 및 사진으로 구성되었습니다. Bearden은 유화기로 이미지를 고정시켜 핸드 롤러로 적용했습니다. 그 후 그는 콜라주를 사진으로 확대했습니다.

여러 이미지를 복합체로 물리적으로 결합하고 결과를 촬영하는 19 세기의 전통은 디지털 이미지 편집이 널리 보급 될 때까지 프레스 사진 및 오프셋 리소그래피에서 널리 보급되었습니다. 잡지의 현대 사진 편집기는 이제 디지털로 “붙여 넣기”를 만듭니다.

포토 몽타주 만들기는 어도비 포토샵, 픽셀 이미지 편집기, 김프와 같은 컴퓨터 소프트웨어의 출현으로 인해 대부분 쉽게 이루어집니다. 이러한 프로그램은 디지털 방식으로 변경 작업을 수행하므로 더 빠른 워크 플로우와보다 정확한 결과를 얻을 수 있습니다. 또한 아티스트가 오류를 “실행 취소”할 수있게하여 실수를 완화합니다. 그러나 일부 예술가들은 전통 예술의 요구에 필적하는 극도로 시간 집약적 인 작품을 만들기 위해 디지털 이미지 편집의 경계를 밀고 있습니다. 현재의 추세는 그림, 연극, 일러스트레이션 및 그래픽을 완벽한 사진 전체에 결합한 그림을 만드는 것입니다.

디지털 콜라주
디지털 콜라주는 콜라주 제작에 컴퓨터 도구를 사용하여 서로 다른 시각적 요소의 우연한 연관성을 유도하고 전자 매체를 사용하여 시각적 결과를 변환하는 기술입니다. 그것은 일반적으로 디지털 아트의 창조에 사용됩니다.

3 차원 콜라주
3D 콜라주는 암석, 구슬, 단추, 동전 또는 토양과 같은 3 차원 물체를 모두 넣어 새로운 전체 또는 새로운 물체를 형성하는 기술입니다. 주택, 비드 서클 등을 예로들 수 있습니다.

모자이크
작은 조각의 종이, 타일, 대리석, 돌 등을 모으거나 조립하는 기술입니다. 대개 성당, 교회, 사원에서 인테리어 디자인의 정신적 중요성으로 볼 수 있습니다. 일반적으로 대략 2 차적인 돌 조각 또는 tesserae (작은 tessellae)로 알려진 다른 색상의 유리는 패턴이나 그림을 만드는 데 사용됩니다.

e 콜라주
“eCollage”(전자 콜라주)라는 용어는 컴퓨터 도구를 사용하여 만든 콜라주에 사용할 수 있습니다.

다른 맥락에서

건축에서
르 코르뷔지에 (Le Corbusier)와 다른 건축가들은 콜라주와 유사한 기법을 사용했지만 콜린 (Colin Rowe)과 프레드 쾨터 (Fred Koetter)의 콜라주 시티 (Collage City, 1978)가 발표 된 후에 이론적 개념으로 만 콜라주가 논의되었습니다.

그러나 Rowe와 Koetter는 그림 적 의미에서 콜라주를 옹호하지는 못했으며 콜라주에서 발생하는 의미의 혼란 유형을 찾는 것이 훨씬 적습니다. 대신, 그들은 모더니즘의 통일성에 도전하고 디자인 실천을 활성화시키는 수단으로 역사의 비선형 개념을 사용한 콜라주를 보려고했습니다. 역사적인 도시의 직물은 그 자리를 차지할뿐만 아니라 설계자도 그것을 연구하면서 얼마나 잘 작동하는지 이해할 수 있기를 희망했습니다. Rowe는 소위 텍사스 레인저스 (Texas Rangers)의 멤버였습니다. 텍사스 대학교에서 한동안 가르쳐 준 그룹입니다. 그 그룹의 또 다른 멤버는 스위스 건축가 Bernhard Hoesli로 ETH-Zurirch에서 중요한 교육자가되었습니다. Rowe의 경우 콜라주가 실제 관행보다 더 은유 인 반면 Hoesli는 디자인 과정의 일부로 콜라주를 적극적으로 만들었습니다. 그는 뉴욕에 기반을 둔 예술가 로버트 슬 루츠 키 (Robert Slutzky)와 가깝고 스튜디오 작업에서 콜라주와 혼란에 대한 질문을 자주 제기했습니다.

음악
콜라주의 개념은 시각 예술의 경계를 넘어 섰습니다. 음악 분야에서 레코딩 기술의 발전으로 아방가르드 예술가들은 20 세기 중반 이래로 절단 및 붙여 넣기를 실험하기 시작했습니다.

1960 년대에 George Martin은 The Beatles의 음반을 제작하면서 음반 콜라주를 만들었습니다. 1967 년 팝 아티스트 인 피터 블레이크 (Peter Blake)는 비틀즈의 앨범 ‘Sgt. 후추의 외로운 하트 클럽 밴드. 1970 년대와 1980 년대에 Christian Marclay와 Negativland 그룹은 오래된 오디오를 새로운 방식으로 재사용했습니다. 1990 년대와 2000 년대에이 샘플러의 인기로 인해 “뮤지컬 콜라주”가 랩, 힙합, 전자 음악과 같은 대중 음악의 표준이 된 것이 분명해졌습니다. 1996 년, DJ Shadow는 획기적인 앨범 인 Endtroducing …..을 발표했습니다.이 앨범은 기존의 녹음 자료를 오디오 콜라주에서 함께 믹스 한 것입니다. 같은 해 뉴욕시에있는 예술가, 작가, 음악가 인 폴 밀러 (Paul D. Miller)라는 DJ Spooky의 작품은 샘플링 작업을 박물관 및 갤러리의 맥락에 밀착시킨 것으로, DJ 문화가 음원으로 아카이브 자료에 집착 한 예술 관행으로 자리 매김했습니다 그의 앨범 Ronthm Science (2004)와 Sound Unbound (2008) (MIT Press)에서 Dead Dreamer의 노래와 그의 저서에 실렸다. 그의 저서에서 Antonin Artaud, James Joyce, William S. Burroughs, Raymond Scott와 같은 작가, 예술가, 음악가의 콜라주 기반 믹스는 그가 “소리의 문학”이라고 불렀던 부분의 일부로 소개되었습니다. ” 2000 년 The Avalanches는 약 3,500 개의 음악 출처 (예 : 샘플)로 구성된 뮤지컬 콜라주 인 I Left You 이후 출시되었습니다.

삽화에서
콜라주는 일반적으로 어린이 그림책 그림에서 기술로 사용됩니다. 에릭 칼 (Eric Carle)은 생생하게 색칠 된 손으로 짜여진 종이를 사용하여 모양을 만들고 겹쳐서 사용하며, 때로는 크레용이나 다른 자국으로 장식했습니다. The Very Hungry Caterpillar의 이미지를보십시오.

예술가의 책에서
콜라주는 종종 혼자서 또는 아티스트의 도서에서 다른 기술과 함께, 특히 발행 된 책에서 재현 된 이미지가 아닌 일회성 고유 도서로 사용됩니다.

문학
콜라주 소설은 다른 간행물에서 선택한 이미지가 포함 된 책으로 주제 나 서술에 이어 함께 콜라주로 사용됩니다.

discordianism의 성경 인 Principia Discordia는 저자에 의해 문학적 콜라주로 묘사됩니다. 문학적 용어로 콜라주는 아이디어 나 이미지의 겹침을 나타낼 수도 있습니다.

패션 디자인
콜라주는 종이, 사진, 원사 또는 패브릭과 같은 다양한 재료와 함께 그림을 디자인에 적용하는 혼합 미디어 일러스트레이션의 일부로 스케치 프로세스의 패션 디자인에 활용됩니다.

영화에서
콜라주 필름은 전통적으로 “뉴스 릴과 같이 서로 다른 소스에서 가져온 영상으로 가상의 장면을 병행하는 영화”라고 정의됩니다. 다양한 유형의 영상을 결합하면 감독의 접근 방식에 따라 다양한 영향을 미칠 수 있습니다. 콜라주 필름은 소재를 필름 스트립에 물리적으로 콜라주하는 것을 나타낼 수도 있습니다. 캐나다 영화 제작자 인 Arthur Lipsett은 콜라주 영화로 유명했으며, 그 중 다수가 National Film Board 스튜디오의 커팅룸에서 제작되었습니다.

후반 작업에서
CGI 또는 컴퓨터 생성 이미지의 사용은 콜라주의 한 형태로 간주 될 수 있습니다. 특히 애니메이션 그래픽이 기존의 필름 영상 위에 겹쳐지면 더욱 그러합니다. Amélie (Jean-Pierre Juenet, 2001)의 특정 순간에, mise en scène은 색과 빛의 소용돌이 치는 터널과 같은 가상의 요소를 포함하여 매우 환상적인 스타일을 취합니다. David O. Russel의 I Heart Huckabees (2004)는 CGI 효과를 통합하여 실존 형사 (Lily Tomlin과 Dustin Hoffman이 연출한)가 설명하는 철학적 이론을 시각적으로 증명합니다. 이 경우 효과는 선명도를 높이는 반면 실제와 다른 영화에는 초현실적 인면을 추가합니다.

법적인 문제
콜라주가 기존 저작물을 사용하면 저작권 학자들이 파생 저작물이라고 부르는 결과가 생깁니다. 따라서 콜라주에는 원래 통합 된 저작물과 관련된 저작권과 별도의 저작권이 있습니다.

재 정의되고 재 해석 된 저작권법 및 재정적 이해 관계로 인해 일부 형태의 콜라주 아트는 크게 제한됩니다. 예를 들어 사운드 콜라주 (힙합 음악과 같은 영역)에서 일부 법원 판결은 저작권 침해에 대한 방어 수단으로서 de minimis 원칙을 효과적으로 제거하여 공정 사용 또는 de에 의존하는 비 허용 용도에서 콜라주 관행을 바꿔 놓았습니다 최소한의 보호, 그리고 면허에 관한 것이다. 현대 저작권에 위배되는 음악 콜라주 예술의 예는 The Gray Album과 Negativland의 U2입니다.

시각적 저작물의 저작권 상태는 아직 애매하지만 덜 문제가 있습니다. 예를 들어 일부 시각 콜라주 예술가들은 최초 판매 교리가 자신의 업무를 보호한다고 주장했습니다. 첫 번째 판매 원칙은 파생 저작물에는 적용되지 않는다고 판결 했음에도 불구하고 저작권 소유자가 자신의 저작물을 “처음 판매”한 후 소비를 통제하지 못하게합니다. de minimis 교리 및 공정 사용 예외는 저작권 침해 주장에 대해 중요한 방어 수단을 제공합니다. 2006 년 10 월 제 2 순회 법원은 제프 쿤스 (Jeff Koons)가 사진을 콜라주 페인팅에 포함 시켰기 때문에 저작권 침해에 대한 책임이 없다고 주장했다.