Le LA Art Show, le salon international d’art contemporain le plus complet d’Amérique, a officiellement lancé la saison artistique 2020 de la ville au Los Angeles Convention Center le 5 février 2020. La plus grande et la plus ancienne foire d’art de LA fait un retour triomphal après son 25e anniversaire historique. LA Art Show est l’expérience artistique internationale sans précédent avec 123 galeries, musées et organisations artistiques à but non lucratif du monde entier exposant des peintures, des sculptures, des œuvres sur papier, des installations, des photographies, du design, des vidéos et des performances.

En tant que foire d’art la plus grande et la plus ancienne de LA, cette année marque une étape importante à la fois pour le LA Art Show et pour l’ensemble de la communauté artistique de LA. Alors que le LA Art Show célèbre son 25e anniversaire, Los Angeles se préparait à accueillir la plus grande programmation artistique et culturelle de l’histoire de la ville, rivalisant avec New York, la capitale artistique régnante des États-Unis.

Sous l’angle de la présentation de la composition culturellement riche de Los Angeles, le LA Art Show accueille sa 25e exposition en célébrant l’influence de l’art latino-américain et asiatique sous toutes ses formes aux multiples facettes. Des présentations rayonnantes sont animées par une variété de galeries qui font de la sphère artistique de Los Angeles un espace d’expression totalement accessible. La tradition et le prestige de LA Art Show sont déjà pleinement consolidés dans la ville et ses environs, ce qui en fait l’une des principales foires américaines d’art contemporain.

Des galeries de plus de 20 pays ont participé à l’édition 2020, présentant des offres culturelles surprenantes par leur grande qualité. Le respect que les États-Unis portent à l’art européen a fait que, pour la première fois cette année, la foire lui a consacré un espace spécial, à travers le « Pavillon européen », où se réunissaient les galeries du vieux continent, pour faciliter son emplacement au public américain.

Walker Fine Art permet au public d’entrevoir un monde entièrement gravé par MC Escher. L’expérience MC Escher présente le mobilier personnalisé de l’artiste dans une installation de photomaton qui permet au spectateur lui-même de devenir le summum de l’autoportrait de MC Escher. Un effort de collaboration entre Taiji Terasaki, DIVERSEartLA et le Japanese American National Museum prolonge le parcours thématique avec l’installation TRANSCENDIENTS : Heroes at Borders, qui met en lumière les personnalités influentes qui luttent activement contre la discrimination. Les exposants et les talents émergents du monde entier utilisent le LA Art Show comme l’épicentre de l’écosystème artistique profond.

Pièce de performance, « Diversity Walks and Talks » organisée par Miss Artworld, les participants expliquent l’importance de la diversité et une bobine de leurs réponses accompagne le défilé. Miss Artworld recadre le faste et le glamour de haute intensité qui suivent de près le paradigme d’un Los Angeles stéréotypé et le contextualise pour honorer ses racines diverses.

Los Angeles est devenue un épicentre mondial de l’art et de la culture, avec une influence multiculturelle distincte et imbriquée unique à la ville. La diversité est notre force et l’art a le plus d’impact lorsqu’il inclut ou transcende toutes les frontières. Alors que LA devient la destination de classe mondiale pour l’art, le LA Art Show continue de montrer la voie avec une programmation innovante et des expériences uniques pour un public de collectionneurs en pleine expansion.

Le LA Art Show crée l’une des plus grandes foires d’art internationales aux États-Unis, offrant une expérience artistique passionnante, immersive et initiée aux sponsors, à leurs invités sélectionnés et à leurs clients VIP. L’exposition attire une liste d’élite de galeries nationales et internationales, d’artistes de renom, de conservateurs réputés, d’architectes, de professionnels du design, ainsi que de collectionneurs avertis.

Plus de 180 000 pieds carrés d’espace d’exposition sont consacrés aux galeries éminentes d’aujourd’hui. Ces galeries nationales et internationales, au-delà de leurs stands, organisent des expositions spéciales qui sont à l’avant-garde du mouvement d’art contemporain en plein essor. Le salon propose un éventail extraordinaire d’œuvres et d’expériences dans des sections spécialisées.

LA Art Show 2020
Le LA Art Show 2020 crée l’une des plus grandes foires d’art internationales aux États-Unis, offrant une expérience artistique passionnante, immersive et initiée aux sponsors, à leurs invités sélectionnés et aux clients VIP. L’exposition attire une liste d’élite de galeries nationales et internationales, d’artistes de renom, de conservateurs réputés, d’architectes, de professionnels du design, ainsi que de collectionneurs avertis.

Cet environnement culturel innovant et exceptionnel attire des dirigeants et des membres du conseil d’administration d’entreprises du sud de la Californie, des représentants des gouvernements des États, des comtés et des municipalités, ainsi que des dirigeants des institutions culturelles de la région. Les participants sont des créateurs de tendances, des influenceurs et des consommateurs alpha, qui recherchent et exigent le plus récent et le meilleur dans tous les domaines de leur vie – l’art, le design, la nourriture, la technologie et les voyages étant des points de passion spécifiques.

Pour 2020, LA Art Show a l’honneur de s’associer à des institutions culturelles telles que The Broad, LACMA, UCLA Chicano Studies, MOLAA, Danubiana Museum (Bratislava, Slovaquie), Arte Al Limite (Chili), La Neomudejar Museum (Madrid, Espagne), PSJM Collectif (Îles Canaries) et Art Museum of the Americas (Washington DC).

Moderne + Contemporain – La plus grande section de programmation du LA Art Show, Modern + Contemporary présente le vaste éventail de peintures, d’illustrations, de sculptures contemporaines et bien plus encore de galeries de Los Angeles, du Pacific Rim et de pays du monde entier.

Core – Core est un espace organisé pour des galeries reconnues dans le monde entier comme étant à l’avant-garde de l’art contemporain. Les galeries présentées ici éduquent, inspirent et fascinent continuellement les collectionneurs passionnés du monde avec les voix les plus recherchées sur le marché.

Pavillon européen – Pour la première fois de notre histoire, nous sommes ravis de présenter un nouveau pavillon dédié aux galeries européennes. Le tout nouveau pavillon européen présente des expositions organisées mettant en évidence divers mouvements et développements stylistiques.

Roots – Honorant les voix et les mouvements qui ont précédé, ROOTS est un espace d’exposition dédié aux galeries qui présentent des œuvres historiques et des artistes contemporains suivant ces traditions.

Works On Paper – Works on Paper est un espace d’exposition dédié à la présentation de photographies et d’autres œuvres qui ne sont pas sur toile traditionnelle.

Project Space – Venant du monde entier, les exposants de Project Space présentent un large éventail d’idées et de talents sous la forme d’expositions individuelles, présentées par les galeries participantes.

Design LA Art – Design LA Art sert d’espace organisé pour présenter des galeries de design internationales de premier plan. Design LA Art propose un marché de l’art pour le design contemporain de collection et l’art fonctionnel, présentant le meilleur des objets de design, d’art, de bijoux, d’architecture et d’ameublement présentés à côté des principales galeries modernes et contemporaines mondiales d’aujourd’hui.

DIVERSEartLA – Capitalisant sur la position de la ville sur le bord du Pacifique, DIVERSEartLA est une section de programmation spéciale consacrée à nourrir l’énergie créative des collectionneurs internationaux, des artistes, des conservateurs, des musées et des organisations à but non lucratif en les connectant directement avec le public de Los Angeles. La diversité et l’inclusion continuent d’être nos principaux mandats alors que nous réfléchissons et nous réjouissons. Capitalisant sur la position de la ville sur le bord du Pacifique, DIVERSEartLA est une section de programmation spéciale consacrant plus de 35 000 pieds carrés consacrés à nourrir l’énergie créative des collectionneurs, artistes, conservateurs, musées et organismes à but non lucratif internationaux en les connectant directement avec le public de Los Angeles.

Expositions en vedette – S’étendant au-delà des limites des espaces de stand, les expositions en vedette créent des expériences immersives pour engager le public à travers des œuvres d’art, des performances et d’autres expositions stimulantes proposées par les galeries participantes, mettant en évidence des œuvres dont on a parlé pendant des années à venir.

Encre – L’exposition d’art de LA 2020 présentait une gamme diversifiée et complète de peintures à l’encre panasiatiques tout au long de la foire, mettant en vedette des artistes du Japon et de la Chine, ce qui est rarement vu à cette échelle en dehors de l’Asie. La peinture à l’encre est originaire d’Asie de l’Est en tant que tradition d’utilisation de l’encre noire à base de carbone et des techniques de peinture au pinceau calligraphique. L’encre est aussi synonyme de peinture en Orient que l’huile l’est de peinture en Occident.

Des expositions

Les œuvres de MC Escher
Explorant l’intersection de l’art, des mathématiques, de la science et de la poésie, le travail d’Escher a fasciné et étonné des générations d’artistes, d’architectes, de mathématiciens, de musiciens et de designers. Depuis plus de 40 ans, Walker Fine Art a rassemblé la plus grande collection d’œuvres d’Escher au monde et présente les « plus rares des rares » lors du 25e salon annuel d’art de LA.

L’expérience de MC Escher s’étend sur toute sa carrière et comprend des lithographies, des gravures sur bois, des gravures et des gravures noires rarement vues, ainsi que les meubles personnalisés emblématiques de l’artiste. Beaucoup d’entre eux ont été montrés en Californie pour la première fois. En plus de voir de près le travail de l’artiste, les participants au LA Art Show ont la possibilité de devenir Escher. Un photomaton spécial recréer son autoportrait emblématique de la sphère avec vous dans le reflet.

Pendant des années, Rock J. Walker a défendu le travail du célèbre graveur néerlandais MC Escher lors de foires et d’expositions d’art aux États-Unis et dans le monde. En tant que propriétaire de l’une des plus grandes collections de graphismes complexes d’Escher au monde – une collection qui regorge de surprises même pour les fans d’Escher les plus enthousiastes – Walker s’est efforcé non seulement de garder l’artiste populaire auprès du grand public, mais de démontrer le substance et profondeur de l’œuvre aux yeux du monde de l’art.

Iconoclastes : Kazu Hiro
KAZU HIRO est un sculpteur hyperréaliste contemporain vivant et travaillant à Los Angeles. Après avoir travaillé 25 ans comme maquilleur d’effets spéciaux à Hollywood, Kazu a radicalement changé d’orientation en 2012, se consacrant à mi-temps à la sculpture d’art. Kazu Hiro a remporté l’Oscar du meilleur maquillage et coiffure à Los Angeles cette année pour son travail sur le film Bombshell.

À l’aide de résine, de silicone platine et de nombreux autres matériaux, Kazu construit des portraits en trois dimensions à une échelle deux fois plus grande que nature. Kazu a reçu de nombreuses distinctions tout au long de sa carrière, notamment un Oscar aux Oscars en 2018 pour son travail dans le film « Darkest Hour » aidant un bon ami, acteur, Gary Oldman à incarner Winston Churchill. La nouvelle sculpture hyperréaliste de Kazu Hiro a été dévoilée au LA Art Exposition sur le stand de la Copro Gallery. A l’entrée du salon, Kazu expose une rétrospective de plusieurs de ses œuvres passées. Les collectionneurs ont également la possibilité de prendre des photos avec chaque pièce – Kazu était présent à des heures programmées.

3.11 Requiem et réveil : Sogen Chiba
L’œuvre 3.11 Requiem and Revival de Sogen Chiba transcrit des articles de journaux sur le grand tremblement de terre de l’est du Japon. Chiba a créé une nouvelle œuvre de cette série pour l’exposition en cours. Étant donné que nous sommes maintenant sept ans après le 3/11, nos souvenirs de l’événement s’estompent. Nous cherchons à enregistrer les souvenirs de catastrophes inimaginables et à réfléchir à la manière dont nous pouvons les dépasser. Chiba lui-même est originaire du district d’Ishinomaki, frappé par la catastrophe, et a utilisé son esprit indomptable pour surmonter le malheur et se mettre au défi de créer des œuvres et des images qui ne peuvent être exprimées que par la calligraphie.

Neuf ans se sont écoulés depuis le grand tremblement de terre de l’est du Japon et les catastrophes connexes, et bien que le rétablissement et la revitalisation se poursuivent dans les zones sinistrées, il existe également des preuves d’altération dans ces zones. Dans de telles circonstances, ces œuvres confrontent face à la question, ce qui ne peut s’exprimer qu’à travers la calligraphie contemporaine. Chiba lui-même est un survivant de la catastrophe et intègre des messages forts pour les habitants de la zone sinistrée dans ces œuvres. Son souhait est que cette exposition permette à un public encore plus large de voir, connaître et ressentir ces œuvres. Le nouveau travail de Chiba est inclus ici. Une direction prise dans la calligraphie d’avant-garde, comme on le voit dans cette œuvre, est la suppression de la nature de caractère de chaque personnage, ce qui oblige chaque spectateur à considérer la définition de l’œuvre elle-même.

Taylor Camp : Au bord du paradis
Les photographies des années 1970 de John Wehrheim révèlent une communauté qui a créé un ordre sans règles et rejeté le matérialisme pour le pouvoir de guérison de la nature. En 1969, treize hippies, réfugiés des émeutes sur le campus, des manifestations de guerre et de la brutalité policière, ont fui vers l’île hawaïenne isolée de Kauai. Peu de temps après, cette petite tribu d’hommes, de femmes et d’enfants fut arrêtée et condamnée à quatre-vingt-dix jours de travaux forcés pour n’avoir ni argent ni maison. Le résident de l’île Howard Taylor, frère de l’actrice Elizabeth, a renfloué le groupe et les a invités à camper sur ses terres vacantes au bord de l’océan, puis les a laissés seuls, sans aucune restriction, réglementation ou supervision.

Bientôt, des vagues de hippies, de surfeurs et d’anciens combattants vietnamiens troublés ont trouvé leur chemin vers ce village de cabanes dans les arbres où les vêtements sont facultatifs et les pots au bout de la route sur la côte nord de l’île. En 1977, le gouvernement condamne le village à faire place à un parc d’État. En quelques années, la jungle a récupéré Taylor Camp, ne laissant que des cendres et des souvenirs des « plus beaux jours de notre vie ».

Karma : L’image du Moon-Jar comme l’incarnation de la vie : Choi Young Wook
Choi Young Wook peint le pot lunaire de Chosun depuis de nombreuses années. L’image de la jarre lunaire remplit presque toute la toile, qui d’un coup d’œil donne l’impression que le peintre l’a exécutée avec une technique hyperréaliste. C’est pourquoi certains téléspectateurs ou critiques s’empressent de qualifier son travail d’hyperréalisme, mais cette interprétation est erronée. Son travail n’est pas une représentation objective de l’image dans un style hyperréaliste, mais est plutôt enclin à être subjectif. La représentation de l’image de la lune-jarre est simplement habillée dans le style de la description figurative. Le seul critère critique qui est convoqué pour interpréter son travail comme hyperréaliste est la référence à la description des fissures superficielles sur le pot,et cela provient du malentendu que l’image des fissures capillaires sur la surface de la porcelaine émaillée représente la vraie fissure sur la surface.

De l’esthétique et du vernaculaire : Baua Devi (Maître de la peinture Mithila)
Cette exposition présente des œuvres de Baua Devi, un maître artiste du style de peinture Mithila ou Madhubani en Inde. La tradition de la peinture Madhubani a joué un rôle clé dans les efforts de conservation de l’environnement en Inde en 2012, où la déforestation était fréquente dans l’État du Bihar. Les arbres locaux étaient abattus au nom du développement.

La principale raison de l’effort de conservation était que les arbres sont traditionnellement ornés de formes de dieux et d’autres images religieuses et spirituelles. Cette reconnaissance de l’importance culturelle et esthétique des arbres les a évités d’être abattus. Les peintures de Madhubani représentent principalement des personnes et leur association avec la nature ainsi que des scènes et des divinités des épopées anciennes. Généralement, aucun espace n’est laissé vide; les lacunes sont comblées par des peintures de fleurs, d’animaux, d’oiseaux et même de motifs géométriques.

Le projet maïs : Eric Johnson
Le « Projet de maïs » représente de manière abstraite une structure semblable à un poteau de lodge. Dans la culture amérindienne, le pôle lodge est un lieu de rassemblement et le titre et la forme de la sculpture font référence à une section d’un épi de maïs. Pour Johnson, cela fait allusion à son héritage amérindien et est également un appel à sensibiliser aux problèmes de la faim dans le monde, aux carburants alternatifs et à la relation compliquée du maïs avec notre approvisionnement alimentaire.

La pièce est assemblée à partir de plus de 300 unités de résine polyester coulées individuellement, des « noyaux », comme il les appelle. Les grains ont été fabriqués dans l’atelier de Johnson avec l’aide de divers artistes, amis et membres de la communauté. Le projet communal a duré plusieurs années. Les participants ont été invités à sélectionner les couleurs de la résine, le séquençage des coulées et à enfermer de petits objets ou messages dans les noyaux. La personnalisation va du plus léger (bonbon au maïs) au plus profond (dents de lait d’un enfant perdu).

ALPHACUBE : Lorenzo Marini
ALPHACUBE est le nouveau projet artistique de Lorenzo Marini organisé par Sabino Maria Frassà. Avec ALPHACUBE, l’artiste bouleverse littéralement le paradigme de l’art contemporain du white cube comme la meilleure forme pour transmettre son utilisation et sa compréhension. Lorenzo Marini renverse ce paradigme et fait du « cube blanc » le logement, l’extérieur de l’œuvre d’art. L’œuvre est entièrement contenue à l’intérieur du cube, délimitant un nouvel espace immersif animé par un éclat artistique.

ALPHACUBE s’élève dans l’espace comme quelque chose d’étranger, tant dans la forme que dans le contenu : s’il est évident que l’artiste a une certaine fascination pour le dadaïsme et le futurisme, qu’il réinterprète et actualise, on ne peut pas non plus nier que l’objectif de l’installation est pas une satisfaction esthétique mais un stimulus social et culturel. Le résultat formel est donc une installation fascinante et – autant l’admettre – extrêmement séduisante et séduisante, qui cache littéralement « à l’intérieur » une critique de la façon dont nous communiquons et interagissons aujourd’hui : trop d’informations qui balayent la communication, par quelle langue elle-même est née.

Passage : Ryan Schude
Un stand d’exposition spéciale de photographies de Ryan Schude. Schude est connu pour ses tableaux à grande échelle à cadre unique qui regorgent d’action sophistiquée – mêlant surréalisme et Americana avec une touche d’humour contemporain. Dans ce dernier corpus d’œuvres, les sujets de Schude se mêlent à des environnements extérieurs monumentaux. Souvent vues sous un angle accru, les forces de la nature font partie du récit ouvert de chaque personnage.

Schude a été présenté à l’échelle internationale et nationale dans des expositions et des publications, y compris la couverture de l’édition Norman Rockwell du magazine Smithonian. Récemment, il a collaboré avec Laura Miner sur un Tableau Vivant pour le San Francisco Museum of Modern Art qui mettait en lumière les employés et leurs œuvres d’art créées en dehors du musée en tant que sujets du récit. Ce projet fait partie d’une série plus vaste impliquant des photographies d’individus dans des institutions comme documentation d’un « Happening » dans le processus photographique.

Programmes

DIVERSEartLA
DIVERSEartLA se consacre à rassembler certaines des institutions artistiques locales et internationales les plus importantes, des musées et des organisations à but non lucratif pour un dialogue élevé et réfléchi. Pour 2020, l’orientation de conservation de Marisa Caichiolo pour DIVERSEartLA a été élargie pour englober et célébrer les institutions artistiques et les collectionneurs d’art qui soutiennent la communauté artistique florissante de LA.

DIVERSEartLA a été élargi pour englober et célébrer les institutions d’art et les collectionneurs d’art qui soutiennent la plus récente et la plus grande itération de la communauté artistique de LA, ainsi que pour créer une conversation forte autour d’une variété d’événements et de programmes. Servir ainsi de plate-forme et de ressource pour les meilleures pratiques et le leadership en matière de diversité, y compris TOUTES les communautés de Los Angeles.

Les communautés de Los Angeles reflètent une variété impressionnante d’origines ethniques, et ses environs naturels emblématiques sont tout aussi variés et vastes. Pour honorer cette biodiversité unique, nous nous concentrons sur la représentation d’artistes contemporains du monde entier au sein de chaque institution. L’importance de l’accent mis sur la conservation cette année devrait rester engagée à favoriser et à apprendre sur les organisations qui soutiennent l’inclusion et la diversité.

Cette année, nous sommes ravis de célébrer le 25e anniversaire du LA Art Show avec un événement magnifique qui reflète les vastes habitats naturels et la diversité culturelle de LA, ainsi que DIVERSEartLA en tant qu’élément essentiel pour faire des musées et des institutions culturelles des modèles pour les communautés pluralistes. Il n’y a rien de plus important que l’inclusion à un moment où la culture politique et sociale américaine est définie par la division.

Pyramides de Gronk
Pour sa nouvelle œuvre intitulée « Pyramides », l’artiste de LA Gronk a repensé la scène d’opéra qu’il avait initialement conçue et peinte en 2013 pour l’adaptation par Peter Sellar du semi-opéra de Purcell « La reine indienne (1695). Cette œuvre reliait les notions fantaisistes de Purcell sur Pendant la durée du LA Art Show, Gronk peignait sur une maquette grandeur nature d’une scène de théâtre, offrant aux visiteurs une vue en coulisse de sa pratique artistique en tant que ainsi que de la scénographie impliquée dans la performance et la culture médiatique. Contrairement à une représentation théâtrale, la scénographie n’a été achevée qu’après la fermeture de l’exposition et le départ du public. Plutôt que de voir une œuvre finie, les visiteurs ont pu interagir avec l’artiste,participer au processus de faire un « théâtre politique » pour notre moment contemporain. Les programmes incluent un dialogue entre Gronk et Peter Sellars, et une performance impromptue, tous deux utilisant l’espace théâtral créé par « Pyramids ».

Je te vois, je suis vu : sur l’impact de la diversité
Tirant son titre d’un discours prononcé par l’éducatrice et ancienne membre du parti Black Panther Ericka Huggins à l’Alliance américaine des musées, cet espace présente des photographies et des vidéos immersives qui mettent en lumière les expériences directes des participants au DAP alors qu’ils construisent une carrière dans les musées.

Ces dernières années, les initiatives visant à diversifier le personnel des musées d’art se sont multipliées. Bien que davantage de travail soit encore nécessaire, les appels à une plus grande diversité se sont propagés dans le monde de l’art. À Los Angeles, The Broad a été une institution de premier plan dans ce travail grâce à son programme innovant d’apprentissage de la diversité (DAP). Un apprentissage rémunéré à temps plein dans le traitement des œuvres d’art et la préparation des personnes sous-représentées dans le personnel des musées, le DAP modifie la démographie et change le paysage de l’équité dans le domaine muséal.

La Naissance du Niemand
La Naissance du Niemand se compose de grandes sculptures monumentales. Ils représentent toute une gamme d’émotions négatives que les gens essaient de cacher dans leur vie, telles que la méchanceté, le complexe d’infériorité et la confiance en soi malsaine. L’artiste a étudié à Bratislava à l’Académie des beaux-arts et du design de Bratislava et à Prague à l’Académie des beaux-arts. Frešo fait partie des figures les plus remarquables de l’art contemporain dans la région de l’ex-Tchécoslovaquie, l’Europe. Son travail et son approche globale de l’art sont plutôt atypiques mais reflètent en même temps la situation de la société et de la culture.

L’artiste crée des concepts et des projets sophistiqués les présentant comme des « pièces d’art » fermées en apparence simples. Il est souvent critique dans ses œuvres et exprime avec agressivité son mépris de la scène artistique elle-même et de ses processus, mais avec une nuance légère, humoristique et ludique. L’un des éléments les plus fascinants de sa création est le contrepoint apparent de l’accent mis sur un EGO énorme et grandiose lié à un geste en combinaison avec une humilité auto-ironique désarmante. Sa capacité à révéler les côtés sombres de son âme, ou trébuche et les jette au monde sans tenir compte des conséquences, déplace les concepts de l’auteur vers des possibilités plus larges de perception des raisons de son travail. Viktor Frešo s’intéresse aux outils visuels directs, efficaces.Il crée un certain espace entre l’action-réaction et les conditions de reconnaissance rapide des relations entre l’expression de moi et l’indication d’autrui.

Du Sud
L’artiste présente des portraits en noir et blanc de deux villes du sud du Chili. Comme dans le roman de Charles Dickens A Tale of Two Cities, une ville (Londres) est décrite comme respectueuse des lois et ordonnée, de manière analogue à la façon dont l’artiste présente Punta Arenas, et contraste avec une ville largement agitée politiquement (Paris), qui est comment González voit Valparaíso. Comme le décrit l’artiste : « La ville est violente pour moi à première vue, peut-être avec le caractère de celui qui s’est fait. Elle grandit chaque jour comme la jungle qui pénètre ses ruisseaux dans toutes les collines qui la composent pour atteindre la mer. Ce n’est pas prévu, il n’occupe que les espaces laissés par la nature, comme des plantes dans un jardin abandonné. »

Dans la série Liceo de González, il célèbre les réalisations individuelles de chaque élève, tout en voyant les fruits du travail acharné des familles, des enseignants et des amis. Ils ont été suspendus à une époque définissant l’adolescence et l’espoir. Ces portraits d’étudiants en uniformes scolaires, dans les longs couloirs du Liceo et dans les ateliers vêtus d’uniformes de métiers, rappellent un passé plein d’espoir. C’est comme si González évoquait les ancêtres qui sont arrivés sur ces rivages pour réaliser leurs rêves et prospérer. Comme Alfred Doblin l’a écrit à propos des portraits du peuple allemand d’August Sanders : ils sont une expression maximisée des efforts combinés d’une classe sociale, où la plus grande réussite est l’apprivoisement de l’individualité. Il ajoute que c’est leur désir de réussir qui les a amenés à ce point,et qu’appartenir à cet endroit les a finalement retenus en tant que personnes.

Dactiloscopia Rosa : Art vidéo et constructions QUEER
L’exposition provenait des documents d’archives, des documentations et des enseignements des archives transféministes/queer du Musée, des matériaux didactiques des constructions des mouvements sociaux qui ont réussi à transmettre la perspective sociale qui existait sur la communauté LGTBQ dans les années 70, 80 et 90 dans L’Espagne sous la dictature franquiste, le matériel audiovisuel est une compilation de manifestations, de célébrations et d’activismes, d’affiches anciennes. La première version de cette installation en dehors du Musée La Neomudejar a eu lieu en 2018 à l’Espace Matadero de Madrid, parallèlement à la célébration de la fierté mondiale dans la ville.

Célébrer la diversité
Afin de commémorer les communautés LGBTQ+ locales et internationales du monde entier, le Musée d’art latino-américain (MOLAA) présente une installation spéciale sur la diversité et la fierté en collaboration avec le duo d’artistes argentins de renommée mondiale, Leo Chiachio & Daniel Giannone. La présentation comprend le drapeau textile de 120 pieds de long, la nouvelle acquisition de MOLAA « Californian Family in Six Colors 1 » et une interview enregistrée sur leur processus créatif. Ces œuvres d’art ont été créées par les artistes de MOLAA où plus de 3 000 membres de la communauté de Long Beach et de Los Angeles ont collaboré à la création du drapeau.

La création de cette œuvre d’art a eu lieu pendant la résidence des artistes MOLAA entre mars et juin 2019. Les visiteurs et les membres de la communauté ont été invités à contribuer à la construction de l’œuvre d’art en ajoutant leurs propres messages sur le sens de la diversité et de l’acceptation. . La bannière a été portée par plus de 100 bénévoles lors du défilé de la fierté de Long Beach et exposée lors de l’événement Pride at The Port à San Pedro, en Californie. Le musée met en lumière les voix sous-représentées des Latino-Américains et des Latinos aux États-Unis et dans le monde. Cette installation représente l’engagement de MOLAA envers les valeurs de diversité et d’inclusion pour tous à travers les arts.

Le véritable amour de la collection
Le magazine AAL du Chili présente une exposition qui explore la subjectivité de la collection dans le monde de l’art contemporain d’aujourd’hui. Il révèle le mystère derrière la passion de collectionner et se concentre sur la question de savoir ce qui les fait tomber amoureux d’une œuvre d’art. Les collectionneurs reconnaissent la valeur que les artistes apportent aux communautés et les mettent en lumière auprès d’autres professionnels de l’art et institutions artistiques.

Ce n’est pas un mystère que bon nombre de nos expériences muséales sont menées par des collectionneurs visionnaires qui ont soit fait des dons importants, soit ouvert de nouveaux musées pour exposer leurs vastes collections d’art. Les collectionneurs d’art façonnent la scène internationale de l’art contemporain en raison de décisions uniques et de liens réfléchis avec d’autres passionnés d’art et acteurs du marché de l’art.

Collectionneur d’art : Homeira Goldstein
Descendante de la dynastie royale Qajar au Moyen-Orient, une force aux multiples talents dédiée à la créativité et aux arts, et une collectionneuse d’art contemporain passionnée, Homeira Goldstein s’est bâti une réputation inégalée en défendant les artistes nationaux et internationaux promouvant l’art et la culture dans le Grand Los Angeles. En tant que présidente du conseil d’administration de TIME4ART, elle a joué un rôle déterminant dans la création d’opportunités pour les artistes d’atteindre le public en utilisant des lieux traditionnels et innovants, tels que des centres d’art, des lieux éphémères, des espaces ouverts et des maisons privées.

L’inspiration pour le travail de Timothy Tompkins est le reflet à la fois physique et métaphorique d’un récit relationnel qui se dissout dans la forme et la couleur. Cet effet s’efforce d’imiter les couches de codes et de sémiotique d’une image tout en demandant simultanément au spectateur de participer à un dialogue élargi de contemplation et de connotation de contenu. De plus, les peintures tentent de refléter les influences de la société contemporaine, telles que le consumérisme, les médias de masse et la culture numérique. L’intérêt de Tompkins pour le langage de la peinture et les théories contemporaines de la culture visuelle l’attire vers les images produites par divers médias, en tant que lien visuel lâche avec l’histoire de la peinture et l’influence du médium en tant que communicateur visuel.

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Adriana Ramirez est une artiste conceptuelle colombienne. Son travail a fait partie de biennales, d’expositions dans différentes parties du monde invitant le collectif à participer à la plupart de ses installations. Cette plateforme a un axe : La capacité de chacun à décider et à devenir créateur de son propre destin, et donc la responsabilité de l’avenir de la communauté. Elle repose sur deux prémisses : la première, c’est que nous ne venons pas dans ce monde seulement pour nous connaître, mais aussi nous y arrivons avec la possibilité de nous créer ; et la seconde, c’est que chaque individu est entouré d’un groupe social et coexiste grâce au langage.

Pour cela, cette plate-forme invite les gens à expérimenter le pouvoir du langage pour construire des réalités futures en déclarant : quand on AFFIRME quelque chose, le langage est utilisé pour décrire la réalité ; cela signifie que les mots dépendent du monde qui existe déjà ; par exemple « Aujourd’hui il pleut ». Par contre, quand on DÉCLARE quelque chose, le langage sert à définir la réalité, donc notre monde dépend des mots prononcés ; par exemple, « Aujourd’hui, je vais écouter avant de parler ».

Il pourrait y avoir un monstre en vous
PSJM présente au LA ART SHOW 2020 la même performance qu’ils ont créée pour la 58e Biennale de Venise, l’une de ses performances d’entreprise dans laquelle des hôtesses en uniforme interagissent avec le public afin de provoquer surprise et réflexion. Alliant marketing et totalitarisme, usant de la stratégie de la « suridentification » théorisée par Zizek, le collectif se présente esthétiquement en s’appropriant les stratégies et modes de séduction du système capitaliste de manière autoritaire.

PSJM est une équipe de création, théorie et gestion formée par Cynthia Viera (Las Palmas GC, 1973) et Pablo San José (Mieres, 1969). PSJM se présente comme une « marque d’art », s’appropriant ainsi les procédures et stratégies du capitalisme avancé pour subvertir leurs structures symboliques. PSJM agit comme une marque de fabrique de l’art happening abordant les problèmes de l’œuvre d’art sur le marché, la communication avec les consommateurs, ou fonctionne comme une qualité artistique, en utilisant des ressources de communication empruntées au capitalisme du spectacle pour souligner les paradoxes produits par son développement débridé.

Marches et conférences sur la diversité
La performance « Diversity Walks and Talks » invite les proclamateurs individuels de la culture de LA à se pavaner sur la piste pour célébrer leur unicité, mettant en valeur la diversité de LA. Divers participants ont été présélectionnés et interrogés sur ce que la diversité représente pour eux. Leurs interviews sont diffusées pendant le défilé en format vidéo ou audio. Les spectateurs seront également recrutés en direct pour fouler la piste. Un photographe à la fin de la piste documente tous les individus et leurs photos ont été instantanément affichées sur un mur de la piste. Cette performance, comme la culture de la mode et des célébrités de LA, est pleine d’énergie, rapide et confiante.

Transcendants : Heroes At Borders
TRANSCENDIENTS est une collaboration unique entre l’artiste Taiji Terasaki et JANM qui honore les HÉROS AUX FRONTIÈRES : des individus qui défendent et se battent pour ceux qui sont confrontés à la discrimination, aux préjugés et à l’iniquité aux frontières à la fois physiques et conceptuelles. Ces héros, connus ou méconnus, inspirent leurs compatriotes américains, leurs quartiers et leurs communautés, la politique gouvernementale et le changement social. En éclairant leurs histoires, nous espérons sensibiliser les visiteurs des musées à leur travail et inspirer un esprit d’unité et d’action en faveur de la démocratie et de la justice pour tous.

Cette exposition met en lumière des personnalités importantes qui œuvrent pour surmonter et transcender les frontières qui renforcent la discrimination, l’iniquité et l’intolérance. Qu’il s’agisse de ceux qui luttent pour rectifier les injustices en matière de droits humains et contrer les sentiments et les actions anti-immigrés, les membres de la communauté LGBTQ+ cherchant l’égalité des droits, les femmes faisant pression pour un salaire égal ou les fidèles religieux qui veulent adorer en toute sécurité, ces héros utilisent leur expériences pour construire des ponts de compréhension qui nous relient au cœur de notre humanité collective. Il est impératif que ceux qui croient en la liberté, l’équité et la justice sociale s’enhardissent à s’unir et à soutenir les forces de la démocratie et de la décence humaine.

Festival du film des beaux-arts
Le Fine Arts Film Festival (FAFF) se consacre à montrer les meilleurs films au monde sur l’art, la photographie, les collectionneurs et les artistes de tous les médiums dans et hors de leurs studios, galeries, musées, art public et espaces d’art alternatif. Présentant des films exceptionnellement créatifs et importants sur l’art, les artistes et le monde de l’art de pays du monde entier.

Lieu
Le LA Art Show est stratégiquement situé à l’épicentre dynamique de la ville, le LA Convention Center est le lieu vert le plus technologiquement avancé du sud de la Californie, avec des plafonds hauts et un grand espace. C’est ici que se trouvent les Grammy Awards, le Grammy Museum et un impressionnant complexe de divertissement qui comprend le Nokia Theatre, le Staples Center Arena, les meilleurs restaurants et le Ritz Carlton Hotel and Residences. Les mécènes des arts se rendent volontiers au centre-ville de LA pour le meilleur de la musique classique (Disney Hall), du théâtre (Mark Taper et Ahmanson) et de l’art contemporain (MOCA, Art District).