Avis sur LA Art Show 2019, Californie, États-Unis

Le LA Art Show, le salon international d’art contemporain le plus complet d’Amérique, a officiellement lancé la saison artistique 2019 de la ville au Los Angeles Convention Center le 23 janvier 2019. LA Art show est l’expérience artistique internationale sans précédent avec plus de 120 galeries. de plus de 18 pays exposant peinture, sculpture, œuvres sur papier, installations, photographie, design, vidéo et performance.

Dans sa 24e année, le salon se concentre sur l’Amérique latine et le Pacifique. L’événement présente un éventail d’œuvres d’art allant du contemporain et du moderne au classique et à d’autres scènes d’art spécialisées qui commandent souvent leurs propres spectacles dédiés. Des présentations rayonnantes sont animées par une variété de galeries qui font de la sphère artistique de Los Angeles un espace d’expression totalement accessible. La tradition et le prestige de LA Art Show sont déjà pleinement consolidés dans la ville et ses environs, ce qui en fait l’une des principales foires américaines d’art contemporain.

Cette année, DIVERSEartLA présente des installations et des vidéos de Marta Minujin et Andres Parades (présenté par CCK – Buenos Aires, Argentine), des performances de Sarah Trouche et Dorian Wood, et un espace supplémentaire organisé par Arte Ai Limite (Chili), LACMA, MOLAA, Lanch LA, la Los Angeles Art Association, Art Share LA, et plus encore. Sous l’angle de la présentation de la composition culturellement riche de Los Angeles, le LA Art Show célèbre l’influence de l’art latino-américain et asiatique sous toutes ses formes aux multiples facettes.

Los Angeles est devenue un épicentre mondial de l’art et de la culture, avec une influence multiculturelle distincte et imbriquée unique à la ville. La diversité est notre force et l’art a le plus d’impact lorsqu’il inclut ou transcende toutes les frontières. Alors que LA devient la destination de classe mondiale pour l’art, le LA Art Show continue de montrer la voie avec une programmation innovante et des expériences uniques pour un public de collectionneurs en pleine expansion.

Le LA Art Show crée l’une des plus grandes foires d’art internationales aux États-Unis, offrant une expérience artistique passionnante, immersive et initiée aux sponsors, à leurs invités sélectionnés et aux clients VIP. L’exposition attire une liste d’élite de galeries nationales et internationales, d’artistes de renom, de conservateurs réputés, d’architectes, de professionnels du design, ainsi que de collectionneurs avertis.

Le LA Art Show est également connu pour un programme robuste d’événements spéciaux pendant le week-end; ces dernières années, les sujets ont varié des beaux-arts à la mode en passant par le cinéma. La programmation de cette année met en lumière des thèmes importants liés au monde de l’art contemporain, y compris le sujet tendance, en ce qui concerne les fichiers numériques originaux et de collection dans le secteur des beaux-arts.

Plus de 180 000 pieds carrés d’espace d’exposition sont consacrés aux galeries de premier plan d’aujourd’hui. Ces galeries nationales et internationales, au-delà de leurs stands, organisent des expositions spéciales qui sont à l’avant-garde du mouvement d’art contemporain en plein essor. Le salon propose un éventail extraordinaire d’œuvres et d’expériences dans des sections spécialisées.

LA Art Show 2019
Le LA Art Show 2019 crée l’une des plus grandes foires d’art internationales aux États-Unis, offrant une expérience artistique passionnante, immersive et initiée aux sponsors, à leurs invités sélectionnés et aux clients VIP. L’exposition attire une liste d’élite de galeries nationales et internationales, d’artistes de renom, de conservateurs réputés, d’architectes, de professionnels du design, ainsi que de collectionneurs avertis.

Cet environnement culturel innovant et exceptionnel attire des dirigeants et des membres du conseil d’administration d’entreprises du sud de la Californie, des représentants des gouvernements des États, des comtés et des municipalités, ainsi que des dirigeants des institutions culturelles de la région. Les participants sont des créateurs de tendances, des influenceurs et des consommateurs alpha, qui recherchent et exigent le plus récent et le meilleur dans tous les domaines de leur vie – l’art, le design, la nourriture, la technologie et les voyages étant des points de passion spécifiques.

Des galeries de plus de 18 pays ont participé à l’édition 2019. De nombreuses galeries de l’année précédente étaient de retour telles que Patrick Painter Gallery, Timothy Yarger Fine Art et Pigment Gallery dans CORE, Rofa Project, K+Y Gallery, Masterworks Fine Art Gallery et Denis Bloch Fine Art, dans Modern & Contemporary, MS Rau et Rehs Galleries, Inc. dans ROOTS, Trinity House rejoignant cette section pour la première fois. MS Rau exposait la célèbre peinture à grande échelle « Cléopâtre » de Julius Kronberg de 1883.

Certaines galeries plus récentes incluent Mizuma Art Gallery et Kamiya Co., LTD du Japon, Michael Goedhuis de Londres, Galerie Sabine Knust d’Allemagne et Richard Beavers Gallery de Brooklyn rejoignaient la liste des galeries exposantes du LA Art Show. Mizuma présentait de nouvelles peintures à grande échelle de Yoshitaka Amano, célèbre pour son art de personnage pour la série Final Fantasy.

De retour au LA Art Show pour la troisième année, DIVERSEartLA, il s’agit d’un espace de programmation spécial au sein de la foire dédié à l’exposition d’institutions diverses et internationales de la région du Pacifique et au-delà. L’accent a été créé autour de l’engagement civique, 50 000 pieds carrés ont été donnés pour mettre en valeur les organisations participantes. L’œuvre présentée était l’une des rares pièces non à vendre.

Parmi les autres installations participantes, « Memorable Mud » plonge les spectateurs dans une expérience multisensorielle mettant en vedette des parfums, de la musique – exclusivement composée pour cette œuvre d’art – et un système soigneusement conçu reflétant la lumière à travers des pierres translucides. La pièce est le résultat final d’un processus exploratoire qui génère deux expériences pour les participants. En plus d’Art Share, LA s’est associé à l’artiste émergent de la guérilla SC Mero pour donner un avant-goût des rues du centre-ville de Los Angeles au LA Art Show.

Le LA Art Show se concentre sur la diversité au sein de l’art, tout en présentant des outils modernes tels que la réalité virtuelle. La foire d’art présentait un mélange d’artistes uniques tels que Adah Glenn, également connu sous le nom de « AfroPuff », le graffeur bien-aimé de LA RISK, Scott Hove, ainsi qu’une gamme complète de peintures à l’encre panasiatiques et Littletopia, une vitrine du pop art. .

Core – Core est un espace organisé pour des galeries reconnues dans le monde entier comme étant à l’avant-garde de l’art contemporain. Les galeries présentées ici éduquent, inspirent et fascinent continuellement les collectionneurs passionnés du monde avec les voix les plus recherchées sur le marché.

Moderne + Contemporain – La plus grande section de programmation du LA Art Show, Modern + Contemporary présente le vaste éventail de peintures, d’illustrations, de sculptures contemporaines et bien plus encore de galeries de Los Angeles, du Pacific Rim et de pays du monde entier.

Roots – Honorant les voix et les mouvements qui ont précédé, ROOTS est un espace d’exposition dédié aux galeries qui présentent des œuvres historiques et des artistes contemporains suivant ces traditions.

Works On Paper – Works on Paper est un espace d’exposition dédié à la présentation de photographies et d’autres œuvres qui ne sont pas sur toile traditionnelle.

Project Space – Venant du monde entier, les exposants de Project Space présentent un large éventail d’idées et de talents sous la forme d’expositions individuelles, présentées par les galeries participantes.

Luxury PBSG – Luxury PBSG est un espace dédié aux exposants spécialisés dans les articles de luxe, y compris les bijoux et autres accessoires qui entourent le monde des beaux-arts. Il apporte les joyaux des autres spectacles du Palm Beach Show Group sur la côte est directement au public de LA.

DIVERSEartLA – Capitalisant sur la position de la ville sur le bord du Pacifique, DIVERSEartLA est une section de programmation spéciale consacrée à nourrir l’énergie créative des collectionneurs internationaux, des artistes, des conservateurs, des musées et des organisations à but non lucratif en les connectant directement avec le public de Los Angeles. La diversité et l’inclusion continuent d’être nos principaux mandats alors que nous réfléchissons et nous réjouissons. Capitalisant sur la position de la ville sur le bord du Pacifique, DIVERSEartLA est une section de programmation spéciale consacrant plus de 35 000 pieds carrés consacrés à nourrir l’énergie créative des collectionneurs internationaux, des artistes, des conservateurs, des musées et des organisations à but non lucratif en les connectant directement avec le public de Los Angeles.

Expositions en vedette – S’étendant au-delà des limites des espaces de stand, les expositions en vedette créent des expériences immersives pour engager le public à travers des œuvres d’art, des performances et d’autres expositions stimulantes proposées par les galeries participantes, mettant en évidence des œuvres dont on a parlé pendant des années à venir.

Design LA Art – Design LA Art sert d’espace organisé pour présenter des galeries de design internationales de premier plan. Design LA Art propose un marché de l’art pour le design contemporain de collection et l’art fonctionnel, présentant le meilleur des objets de design, d’art, de bijoux, d’architecture et d’ameublement présentés à côté des principales galeries modernes et contemporaines mondiales d’aujourd’hui.

Des expositions

Pays de grand-mère : Gabriella Possum Nungurrayi
Les femmes sont les principales cueilleuses de Bush Tucker et c’est une partie importante de la vie quotidienne au sein du clan familial. Cette peinture particulière, le pays de grand-mère, représente des femmes ramassant de la nourriture et célèbre également la fertilité de la terre. Les peintures aborigènes sont basées sur les mythes du Temps du Rêve. Dans les représentations par points modernes, l’aspect sacré du tableau n’est pas toujours révélé, mais le sens demeure, transmis à travers des symboles facilement compréhensibles.

Chaque personne a un rêve particulier auquel elle appartient et elle a des danses et des chants cérémoniels spéciaux qui se combinent pour former une croyance unique qui compose la vie des peuples autochtones. Toutes les choses se rapportent à la terre et donc la terre est d’une grande importance pour eux. La terre est la gardienne du Rêve et doit être gardée en sécurité pour toujours afin que les histoires du Rêve, qui sont racontées dans les peintures, puissent être préservées.

Gabriella Possum Nungarrayi est l’une des principales artistes aborigènes d’Australie du désert central qui travaille actuellement à Melbourne. Dès son plus jeune âge, Gabriella a commencé à peindre aux côtés de son père, le célèbre Clifford Possum Tjapaltjarri, dont les œuvres sont représentées dans les plus grandes galeries et collections privées du monde entier. Il a transmis ses compétences à sa fille, dont les peintures reflètent son style unique.

Art contemporain chinois à l’encre : dix artistes de premier plan
Michael Goedhuis exposait les dix meilleurs peintres contemporains à l’encre de Chine. L’exposition décrit, à travers les œuvres de ces dix artistes de premier plan, comment la culture contemporaine chinoise se transforme grâce à une compréhension profonde de la civilisation historique chinoise. Gu Wenda, Li Huayi, Li Xubai, Liu Dan, Lo Ch’ing, Qin Feng, Qiu Deshu, Tai Xiangzhou, Wang Dongling et Wei Ligang créent un nouveau langage pictural qui exprime les principes fondamentaux de l’esthétique et de la culture chinoises de manière pertinentes pour la société d’aujourd’hui en Chine et aussi pour les développements en Occident.

Les peintures à l’encre ont émergé il y a 1000 ans de la calligraphie : la réalisation sublime et centrale de la Chine. La calligraphie est exécutée à l’encre sur soie ou sur papier, au pinceau. Afin de maîtriser ce pinceau sur papier absorbant, qui ne tolère aucune erreur ni correction, l’artiste doit atteindre un haut degré de concentration, d’équilibre et de contrôle. La peinture est une extension de l’art de la calligraphie. Elle est donc, comme la calligraphie, liée au prestige sacré de l’écrit.

Requin : RISQUE
Le graffeur bien-aimé de LA RISK fait ses débuts au LA Art Show avec deux sculptures de sa série « Shark » en cours qui a évolué pour explorer les prédateurs sous leurs nombreuses formes. L’une des sculptures dont on a le plus parlé en 2018 était son croiseur coupé en deux, une vraie voiture trempée dans du formaldéhyde et ouverte « comme du bacon », révélant le fonctionnement interne du véhicule.

Le projet a en fait commencé comme une sculpture d’un requin et s’est métamorphosé en un autre type de prédateur, avec sa propre version de nageoires révélatrices, de forme et de palette de couleurs. En face se trouvait la sculpture finie du requin qu’il avait l’intention de créer à l’origine – un prédateur d’une autre époque qui fait toujours peur. Pour le spectacle, cette pièce controversée a été juxtaposée à une sculpture similaire d’un requin composée de pièces détachées de machines. « Embrassez ce que vous craignez » est une idée qui découle des enseignements bouddhistes et la voiture de police coupée en deux de RISK était le résultat surprise d’une méditation sur ce principe.

Paysage noir : Parc Chuni
En vedette, l’installation à grande échelle à plusieurs panneaux de Park, Black Landscape, qui dessine les saisons à l’encre noire dérivée de la suie de pin. Inspiré par les paysages naturels, Chuni Park recrée des peintures abstraites à partir de la mémoire des lieux qu’il a explorés et les peuple d’un casting de personnages symboliques, souvent récurrents.

Dans les mois qui ont précédé le LA Art Show, Park voyage également à travers la Californie et l’ouest américain, visitant des parcs nationaux comme Yosemite pour s’inspirer. Il créait plusieurs nouvelles pièces inspirées par son exploration du Sud-Ouest, rejoignant des artistes paysagistes emblématiques comme Hockney qui ont abordé des sujets similaires. C’était la première fois que Park représentait des paysages américains, ouvrant un tout nouveau monde à son travail et ouvrant un nouveau chapitre de sa carrière créative.

Les meilleurs jours de votre vie, un atlas : Scott Hove
Scott Hove revient au LA Art Show cette année avec cette installation murale à l’échelle d’un musée, « Les meilleurs jours de votre vie, un atlas ». Anciennement connu pour la première arche à grande échelle à Littletopia, puis pour sa chambre à débordement miroir sur le thème des gâteaux, Hove présente une pièce murale plus détaillée et plus élaborée qui illumine les esprits et l’espace immédiat.

Pour cette sculpture, il a utilisé une approche plus picturale de la composition et a appliqué plusieurs points d’éclairage pour fournir une sensation de chaleur rayonnante et une texture fantastique pour engager les spectateurs de manière très active. Les 36 gallons de « glaçage » acrylique créent une illusion convaincante de satisfaction imminente et une contextualisation repensée et idéalisée de la mémoire personnelle. Pour une grande partie du travail de Hove, l’artifice sert de support à un récit fantastique qui peut sembler à la fois sûr et invitant, puis discutable et menaçant.

Programmes

DIVERSEartLA
DIVERSEartLA se consacre à rassembler certaines des institutions artistiques locales et internationales les plus importantes, des musées et des organisations à but non lucratif pour un dialogue élevé et réfléchi. DIVERSEartLA a été élargi pour englober et célébrer les institutions d’art et les collectionneurs d’art qui soutiennent la plus récente et la plus grande itération de la communauté artistique de LA, ainsi que pour créer une conversation forte autour d’une variété d’événements et de programmes. Servir ainsi de plate-forme et de ressource pour les meilleures pratiques et le leadership en matière de diversité, y compris TOUTES les communautés de Los Angeles.

Les communautés de Los Angeles reflètent une variété impressionnante d’origines ethniques, et ses environs naturels emblématiques sont tout aussi variés et vastes. Pour honorer cette biodiversité unique, nous nous concentrons sur la représentation d’artistes contemporains du monde entier au sein de chaque institution. L’importance de l’objectif de conservation de cette année devrait rester engagée à favoriser et à apprendre sur les organisations qui soutiennent l’inclusion et la diversité. DIVERSEartLA comme élément essentiel pour faire des musées et des institutions culturelles des modèles pour les communautés pluralistes. Il n’y a rien de plus important que l’inclusion à un moment où la culture sociale est définie par la division.

Le Parthénon des livres & Rayuelarte : Marta Minujín
L’artiste argentine Marta Minujín, qui arrive avec deux de ses œuvres d’art les plus emblématiques : Le Parthénon des livres et Rayuelarte. Le Parthénon des livres honore la première démocratie du monde et les valeurs de cette époque, qui ont servi de base aux sociétés démocratiques occidentales d’aujourd’hui. Ce travail est également un symbole du besoin prolongé du pays et de l’espoir renouvelé de revenir à la démocratie.

Le Parthénon des livres : Le retour de la démocratie en Argentine en décembre 1983 a été l’inspiration qui a conduit Marta Minujín à créer une réplique du Parthénon grec sur l’avenue « 9 de Julio », une rue située à Buenos Aires, en Argentine. Le Parthénon de Mujín a une structure métallique recouverte de plus de 20 000 livres, dont beaucoup avaient été interdits pendant la dictature militaire.

« Memorable Mud » – Installation, 2017 : Andrés Paredes
« Memorable Mud » est une installation participative qui entraîne les spectateurs dans une expérience multisensorielle mettant en scène des parfums, de la musique, exclusivement composés pour cette œuvre d’art – et un système soigneusement conçu reflétant la lumière à travers des pierres translucides. La pièce est le résultat final d’un processus exploratoire qui génère deux expériences pour les participants. La première expérience commence lorsque le spectateur entre dans la pièce et rencontre des structures d’argile géantes, des dômes d’argile avec des pinacles et d’autres éléments, qui pendent du plafond à une hauteur de 1,4 mètre. Ce paysage agit comme une bulle d’argile, qui est récupérée sur le lieu de production. Les dômes ont leur propre monde intérieur, auquel le public peut accéder par des trous situés dans la partie inférieure.

Tout cela agit comme un lieu où la vie et les souvenirs personnels de l’artiste sont stockés et matérialisés dans l’argile. Le travail d’Andrés Paredes va des dessins et papiers découpés en deux dimensions aux installations immersives, et constitue des collections privées en Argentine et dans plusieurs pays à l’étranger. Il vit et travaille à Misiones et à Buenos Aires, en Argentine.

Futurs virtuels : vitrine XR
La réalité virtuelle est l’un des sujets les plus discutés dans la culture contemporaine, mais beaucoup dans le monde de l’art commencent seulement à considérer son impact – esthétique, technologique, psychologique, thérapeutique, économique, etc. Cette année, DIVERSEartLA propose quatre expériences de réalité virtuelle qui démontrent l’éventail de pratiques et de possibilités qui définissent la réalité virtuelle en 2019. Les visiteurs peuvent avoir un aperçu de l’avenir vu par quatre innovateurs créatifs différents : Wesley Allsbrook, Nancy Baker Cahill, Jorge R. Gutiérrez , et Drue Kataoka.

Les outils de création et d’affichage VR et AR – autrefois réservés aux ingénieurs, disponibles principalement dans les universités et l’armée – sont désormais beaucoup plus accessibles à toute personne ayant une histoire à raconter : concepteurs de jeux, peintres, scénaristes, documentaristes, journalistes, architectes, chorégraphes et bien d’autres. Travaillant souvent en collaboration dans plusieurs disciplines, cette communauté diversifiée de créateurs découvre le potentiel de la technologie, impliquant le public dans l’acte même de la création.

Faire de l’eau : Guido Yannito
Ce travail fait partie d’un projet Hémisphère, créé en Antarctique et générant un dialogue sur la situation géographique (hémisphères nord & sud) et de l’esprit. L’Antarctique est un environnement radical et pourrait être considéré comme un déplacement géographique. L’hémisphère est présenté comme un état indéfini où le corps se situe comme une idée de territoire et de paysage mais aussi comme un état d’esprit.

Au départ, ce projet consistait à rechercher l’utilisation de l’eau douce sur les bases de l’Antarctique, car l’Antarctique est le plus grand réservoir d’eau douce de la planète, un intérêt constant de l’artiste. « Faire de l’eau » est une expression utilisée par les personnes travaillant sur la base pour décrire la production d’eau consommable, car bien qu’il s’agisse de la plus grande réserve d’eau douce, elle est très difficile à se procurer. « To Make Water » est une vidéo tournée le jour où les membres de la base ont tenté l’extraction.

Mensonges blancs : Gaston Ugalde, Matilde Marin, Sandra Mann, Fernando Arias
Arte Al Límite (AAL) promeut le travail d’artistes contemporains du monde entier, dans le but de favoriser la circulation de l’art, d’encourager la collection d’art et de rapprocher l’art de la communauté à travers des activités mondiales. White Lies est une exposition qui émerge du dialogue des arts visuels et de la politique ; les arts visuels et la réalité à travers le monde, où l’acte politique ressemble à une manifestation de pouvoir qui domine et contrôle les masses et les esprits, oubliant l’idée initiale de bien commun et de bien-être social.

27 Peces/27 Fish, Installation, 2018 : Cristian Castro
Le Museum of Latin American Art (MOLAA) a sélectionné l’artiste argentin Cristian Castro et son installation in situ, 27 Peces / 27 Fish, 2018 pour mettre en lumière l’art contemporain d’Amérique latine dans l’édition 2019 du Los Angeles Art Show. A l’image du collectif argentin Centre d’art et de communication (CAyC) dans les années 70 et 80, l’artiste conçoit ses installations comme un espace pluridisciplinaire permettant d’explorer les relations entre art, science, environnement et société. Les poissons des grands fonds de 27 Fish ont été créés dans un style rétro-futuriste, incorporant le mouvement cinétique et la lumière.

Cristian Castro, né à Buenos Aires, en Argentine en 1971 et actuellement basé à Los Angeles, exprime son talent artistique en réutilisant des appareils électroménagers d’époque et de vieux outils mécaniques avec des designs contemporains de son cru. Dans l’installation 27 Fish, l’artiste a utilisé des moteurs hors-bord de marque Johnson des années 1950 pour le corps principal, des bols pour chat en acier inoxydable, des charnières de cuisine, des clous pour les dents, des conduits électriques, de la fibre de verre, des pièces en aluminium découpées au laser et moulées avec une presse hydraulique pour le des ailerons et de la peinture automobile avec des pièces chromées et polies pour créer ces créatures hybrides qui semblent provenir d’une vision du futur du XIXe siècle.

Un homme noir dans le monde :
Pour Bob Holmes, qui se dit « citoyen du monde », sa collection d’art est le reflet de sa vie et de son époque. L’histoire de l’oppression coloniale par les Européens en Afrique, dans les Caraïbes et en Amérique centrale et du Sud, et l’histoire de l’esclavage aux États-Unis ont créé une perception déformée des Noirs lorsqu’ils se sont déplacés ou ont été forcés de se déplacer à travers le monde. Cette perception a souvent créé une impression étroite des intérêts, des limites, des possibilités et de l’avenir des Noirs et des autres peuples de couleur.

Dans sa vaste collection, nous pouvons trouver une offre diversifiée de cultures à travers des artistes tels que Dan McCleary, Matsumi Kanemitsu, Derrick Maddox, Charles White, Romare Bearden, Gronk, Deni Ponty, Betty Parsons, Elizabeth Catlett, David Alfaro Siquieros et Aime Mpane, parmi beaucoup d’autres.

Nodrissx/Narcissx : Performance – Dorian Wood
L’artiste Dorian Wood cherche à glorifier à la fois le caractère sacré et irrévérencieux de l’intimité. Grâce à l’utilisation de leur corps corpulent et de leur voix en plein essor, Wood se délecte à remettre en question la séparation artiste-public, en utilisant des sujets informés par leur propre position dans la société en tant que personne de couleur non binaire et autodidacte sans éducation universitaire formelle ni forte alliance avec une communauté particulière. Pour « Nodrissx/Narcissx », l’artiste était assis sur une chaise au centre d’une pièce sombre, recouvert de la tête aux pieds d’un tissu avec une fente. Pendant l’installation de la performance, l’artiste vocalise sur un paysage sonore à 4 canaux créé uniquement par la voix de l’artiste.

Le travail de Wood a été présenté dans des salles de concert et des espaces de performance du monde entier, notamment dans des institutions telles que The Broad (Los Angeles), LACMA (Los Angeles), The Stone (NYC), MASS Gallery (Austin), Kulturhuset (Stockholm), et Hebbel am Ufer (Berlin). En tant que musicien, ils ont sorti plus d’une douzaine d’enregistrements, dont deux albums consécutifs, Rattle Rattle et Down, The Dirty Roof, présentant une série de chansons sur le thème de la fin du monde qui intègrent plus de 60 musiciens. Leur album le plus récent, XALÁ, marque la première fois que Wood enregistre une œuvre complète dans leur langue maternelle espagnole.

Vous devriez porter votre révolution : Performance – Sarah Trouche
Sarah Trouche est une artiste visuelle française qui utilise la performance, la photographie, la vidéo et la sculpture dans sa pratique. Elle utilise son corps comme un outil social et politique. Le travail de Trouche s’articule autour d’enjeux culturels et politiques tels que les migrations et les déplacements, et nous invite à nous interroger sur les grands défis auxquels nous sommes confrontés aujourd’hui.

Pour le projet « Tu devrais porter ta révolution », Trouche s’engage dans une recherche sur l’émancipation des femmes, en s’inspirant de l’histoire de France pendant la Révolution française et du mouvement des « Sans culottes ». Sarah Trouche se produit avec des centaines de sous-vêtements qu’elle a préalablement collectés, lavés et teints. A travers cette action, elle imagine un manifeste autour de la notion d’émancipation féminine, radicale et collective.

Boho Highs & Visual Drive-bys: Adah Glenn
Adah Glenn, également connue sous le nom d’« AfroPuff », est une artiste, designer et entrepreneure basée à Los Angeles. Le graffiti, le hip-hop, le punk et le rock, ainsi que l’anime japonais, informent son travail. Sa pratique est multidisciplinaire, s’étendant largement des peintures murales, peintures sur toile et carton façonné, estampes, courtepointes et livres, à l’art numérique et à l’animation. Glenn s’est également aventuré dans les arts appliqués, créant des objets d’art portables, tels que des chapeaux et des bijoux, et des jouets, notamment des poupées en tissu et des figurines de collection en résine. Plus récemment, Glenn s’est lancée dans l’art de la performance, ce qui lui permet d’intégrer ses nombreuses impulsions créatives.

L’art de Glenn est vibrant et coloré, multicouche et très texturé. En tant que femme afro-américaine, elle entremêle souvent des thèmes de race et de politique de genre dans son travail. Adah Glenn : Boho Highs & Visual Drive-bys présente une large sélection de ses nombreux talents dans de nombreux médiums. L’exposition célèbre non seulement la fierté ethnique et culturelle, la musique et la forme féminine, mais présente également une sélection d’œuvres poignantes de commentaires sociaux de Glenn.

Ping pong
La Los Angeles Art Association a le plaisir de présenter Ping Pong, un projet d’exposition indépendant fondé en 2007 pour cultiver l’interaction et l’échange artistiques entre les villes sélectionnées de Bâle, Miami et Los Angeles. Ping Pong s’efforce de montrer à la fois les similitudes et les différences entre les différents paysages culturels représentés. Alors que les artistes représentés à Ping Pong ont changé au fil des ans et des lieux, l’esprit de collaboration et d’ambition centré sur l’artiste reste intact.

Cette itération de Ping Pong au LA Art Show 2019 présente les artistes Pam Doulas, Jerry Haenggli, Cathy Immordino, Sue Irion, Dan Künzler, Sungjae Lee et Elizabeth Tobias, et reflète les points communs et les conflits qui déferlent dans notre culture en 2019. Chaque artiste est singulier vision est maintenue tout en s’adaptant à l’esthétique esthétique et culturelle imposée par leurs confrères artistes.

La pièce expansive de Sungjae Lee Her Real Secret et la performance d’Elizabeth Tobias Survivor! Share Your 98 Second Story sont deux réflexions opportunes sur l’état de la politique de genre et de l’identité. Pam Douglas et Cathy Immordino partagent une fascination pour la pertinence historique, mais diffèrent considérablement dans l’exécution et l’approche. De plus, Jerry Haenggli et Dan Künzler partagent une certaine formalité suisse qui aborde le récit avec des centres émotifs opposés.

Survivant! Partagez votre 98 deuxième histoire : Performance – Elizabeth Tobias
Elizabeth Tobias amplifie sa fusion de pratique sociale, de performance et de son pour débuter Survivor ! Partagez votre 98 deuxième histoire au salon d’art de Los Angeles 2019. Ce projet immersif aborde l’épidémie d’agressions sexuelles, l’un des crimes les plus répandus, mais les plus sous-déclarés. Survivant! aborde la statistique stupéfiante selon laquelle toutes les 98 secondes, il y a une agression sexuelle en Amérique.

Mêlant paroles et sons improvisés, Elizabeth Tobias se produit avec un ensemble d’artistes survivants pour promouvoir collectivement la sensibilisation et le plaidoyer nécessaires pour les survivants d’agressions sexuelles dans la communauté artistique et dans l’ensemble de la sphère publique. Les victimes de violence manquent souvent du soutien et des ressources nécessaires pour se manifester. Pour les artistes qui ont été touchés par le traumatisme d’une agression sexuelle, il y a rarement, voire jamais, des opportunités adéquates de créer des œuvres qui abordent leurs histoires au sein et au-delà de la communauté artistique plus large.

Le Dr Jennifer Freyd, experte dans le domaine de la violence interpersonnelle, a identifié que le fait de s’exprimer a un impact mesurable sur la diminution de la violence. Par conséquent, la performance a le potentiel de réduire directement les statistiques. Survivant! Share Your 98 Second Story est une nouvelle performance révolutionnaire qui aborde les traumatismes, le courage et la persévérance.

L’art vit ici : SC Mero
Art Share LA s’est associé à l’artiste de guérilla émergent SC Mero, basé sur le skid-row, pour apporter un avant-goût des rues du centre-ville de Los Angeles à LA Art Show. Incarnant la nature du centre-ville, les pièces d’installation sur place ne sont qu’un aperçu de la plus grande carte du site de son travail – qui guide les participants au centre-ville pour explorer notre communauté sous le couvert d’une pseudo chasse au trésor d’art de rue. Chacune de ses créations intelligentes et spécifiques à un site attire l’attention sur les problèmes liés à l’itinérance, à la gentrification, à la consommation de drogues, au réchauffement climatique, etc. L’objectif de ce projet est d’encourager une exploration plus poussée de l’art underground, de l’activisme artistique et de la justice sociale dans la communauté du centre-ville d’une manière invitante et accessible à tous.

Lieu
Le LA Art Show est stratégiquement situé à l’épicentre dynamique de la ville, le LA Convention Center est le lieu vert le plus avancé technologiquement du sud de la Californie, avec des plafonds hauts et un grand espace. C’est ici que se trouvent les Grammy Awards, le Grammy Museum et un impressionnant complexe de divertissement qui comprend le Nokia Theatre, le Staples Center Arena, les meilleurs restaurants et le Ritz Carlton Hotel and Residences. Les mécènes des arts se rendent volontiers au centre-ville de LA pour le meilleur de la musique classique (Disney Hall), du théâtre (Mark Taper et Ahmanson) et de l’art contemporain (MOCA, Art District).