Il LA Art Show, la mostra d’arte contemporanea internazionale più completa in America, dà ufficialmente il via alla stagione artistica 2020 della città al Los Angeles Convention Center il 5 febbraio 2020. La più grande e longeva fiera d’arte di Los Angeles fa un trionfante ritorno dopo il suo punto di riferimento 25 ° anniversario. LA Art Show è l’impareggiabile esperienza artistica internazionale con 123 gallerie, musei e organizzazioni artistiche senza scopo di lucro di tutto il mondo che espongono pittura, scultura, opere su carta, installazione, fotografia, design, video e performance.

Essendo la più grande e longeva fiera d’arte di Los Angeles, quest’anno segna una pietra miliare sia per il LA Art Show che per l’intera comunità artistica di Los Angeles. Mentre il LA Art Show celebra il suo 25° anniversario, Los Angeles si stava preparando per la più grande programmazione artistica e culturale nella storia della città, rivaleggiando con New York, la capitale artistica in carica degli Stati Uniti.

Disegnando dal punto di vista della visualizzazione della composizione culturalmente ricca di Los Angeles, il LA Art Show ospita la sua 25a mostra celebrando l’influenza dell’arte latinoamericana e asiatica in tutte le sue sfaccettate forme. Presentazioni radiose prendono vita da una varietà di gallerie che plasmano la sfera artistica di Los Angeles come uno spazio di espressione completamente accessibile. La tradizione e il prestigio di LA Art Show sono già pienamente consolidati nella città e nei suoi dintorni, ne fanno una delle principali fiere d’arte contemporanea americane.

Gallerie di oltre 20 paesi hanno partecipato all’edizione 2020, presentando offerte culturali sorprendenti per la loro alta qualità. Il rispetto che gli Stati Uniti hanno per l’arte europea, ha fatto sì che, per la prima volta quest’anno, la fiera le dedicasse uno spazio speciale, attraverso il cosiddetto “Padiglione Europeo”, dove si incontravano le gallerie del vecchio continente, per facilitare la sua posizione al pubblico americano.

Walker Fine Art consente al pubblico di intravedere un mondo completamente inciso da MC Escher. L’esperienza di MC Escher presenta i mobili personalizzati dell’artista per un’installazione di cabina fotografica che consente allo spettatore stesso di diventare un pinnacolo nell’autoritratto di MC Escher. Uno sforzo collaborativo tra Taiji Terasaki, DIVERSEartLA e il Japanese American National Museum estende il viaggio tematico con l’installazione TRANSCENDIENTS: Heroes at Borders, che mette in luce le figure di impatto che combattono attivamente contro la discriminazione. Espositori e talenti emergenti da tutto il mondo utilizzano il LA Art Show come epicentro per il profondo ecosistema artistico.

Il pezzo di performance, “Diversity Walks and Talks”, curato da Miss Artworld, ha i partecipanti che spiegano l’importanza della diversità e una bobina delle loro risposte accompagna la passerella. Miss Artworld sta riformulando lo sfarzo e il glamour ad alta intensità che segue da vicino il paradigma di una Los Angeles stereotipata e lo contestualizza per onorare le sue diverse radici.

Los Angeles è emersa come un epicentro globale di arte e cultura, con un’influenza multiculturale distinta e intrecciata unica per la città. La diversità è la nostra forza e l’arte è più impattante quando include o trascende tutti i confini. Mentre Los Angeles si afferma come destinazione di livello mondiale per l’arte, il LA Art Show continua ad aprire la strada con una programmazione innovativa ed esperienze uniche per un pubblico di collezionisti in espansione.

Il LA Art Show crea una delle più grandi fiere d’arte internazionali negli Stati Uniti, offrendo un’esperienza artistica entusiasmante, coinvolgente e riservata agli sponsor, ai loro ospiti selezionati e ai clienti VIP. La mostra attrae un’élite di gallerie nazionali e internazionali, artisti acclamati, curatori molto apprezzati, architetti, professionisti del design e collezionisti esigenti.

Più di 180.000 piedi quadrati di spazio espositivo sono dedicati alle gallerie importanti di oggi. Queste gallerie nazionali e internazionali, oltre ai loro stand, curano mostre speciali che sono in prima linea nel fiorente movimento artistico contemporaneo. La fiera offre una straordinaria gamma di opere ed esperienze in sezioni specializzate.

LA Mostra d’Arte 2020
Il LA Art Show 2020 crea una delle più grandi fiere d’arte internazionali negli Stati Uniti, offrendo un’esperienza artistica entusiasmante, coinvolgente e riservata agli sponsor, ai loro ospiti selezionati e ai clienti VIP. La mostra attrae un elenco d’élite di gallerie nazionali e internazionali, artisti acclamati, curatori molto apprezzati, architetti, professionisti del design, insieme a collezionisti esigenti.

Questo ambiente culturale innovativo ed eccezionale attrae dirigenti e membri del consiglio di amministrazione di aziende del sud della California, rappresentanti del governo statale, di contea e municipale, nonché leader delle istituzioni culturali della regione. I partecipanti sono trendsetter, influencer e consumatori alfa, che cercano e richiedono il meglio e il più nuovo in tutte le aree della loro vita: arte, design, cibo, tecnologia e viaggi sono punti di passione specifici.

Per il 2020, LA Art Show ha l’onore di collaborare con istituzioni culturali come The Broad, LACMA, UCLA Chicano Studies, MOLAA, Danubiana Museum (Bratislava, Slovacchia), Arte Al Limite (Cile), La Neomudejar Museum (Madrid, Spagna), PSJM Collective (Isole Canarie) e Art Museum of the Americas (Washington DC).

Modern + Contemporary – La più grande sezione di programmazione al LA Art Show, Modern + Contemporary espone il vasto spettro di pittura contemporanea, illustrazione, scultura e altro dalle gallerie di Los Angeles, del Pacifico e dei paesi di tutto il mondo.

Core – Core è uno spazio curato per le gallerie riconosciute in tutto il mondo come leader nell’arte contemporanea. Le gallerie qui esposte educano, ispirano e affascinano continuamente gli accaniti collezionisti di tutto il mondo con le voci più ricercate del mercato.

Padiglione Europeo – Per la prima volta nella nostra storia, siamo entusiasti di presentare un nuovo padiglione dedicato alle gallerie europee. La nuovissima vetrina del Padiglione Europeo ha curato mostre che mettono in evidenza vari movimenti e sviluppi stilistici.

Roots – Onorando le voci e i movimenti precedenti, ROOTS è uno spazio espositivo dedicato alle gallerie che mettono in mostra opere storiche e artisti contemporanei che seguono quelle tradizioni.

Works On Paper – Works on Paper è uno spazio espositivo dedicato alla presentazione di fotografie e altre opere non su tela tradizionale.

Project Space – Provenienti da tutto il mondo, gli espositori di Project Space mettono in mostra un’ampia gamma di idee e talenti sotto forma di mostre personali, presentate dalle gallerie partecipanti.

Design LA Art – Design LA Art funge da spazio curato per mostrare importanti gallerie di design internazionali. Design LA Art fornisce un mercato dell’arte per il design contemporaneo da collezione e l’arte funzionale, mostrando il meglio di oggetti di design, arte, gioielli, architettura e arredamento presentati accanto alle principali gallerie moderne e contemporanee globali di oggi.

DIVERSEartLA – Sfruttando la posizione della città sul Pacific Rim, DIVERSEartLA è una sezione di programmazione speciale dedicata a coltivare l’energia creativa di collezionisti, artisti, curatori, musei e organizzazioni non profit internazionali collegandoli direttamente con il pubblico di Los Angeles. Diversità e inclusione continuano a essere i nostri mandati chiave mentre riflettiamo e ci rallegriamo. Sfruttando la posizione della città sul Pacific Rim, DIVERSEartLA è una sezione di programmazione speciale che dedica oltre 35.000 piedi quadrati dedicati a coltivare l’energia creativa di collezionisti, artisti, curatori, musei e organizzazioni non profit internazionali collegandoli direttamente con il pubblico di Los Angeles.

Mostre in primo piano – Espandendosi oltre i confini degli spazi dello stand, le mostre in primo piano creano esperienze coinvolgenti per coinvolgere il pubblico attraverso opere d’arte stimolanti, spettacoli e altre mostre offerte dalle gallerie partecipanti, mettendo in evidenza opere di cui si è parlato negli anni a venire.

Inchiostro – La mostra d’arte 2020 di Los Angeles ha mostrato una gamma diversificata e completa di dipinti a inchiostro panasiatici in tutta la fiera, con artisti provenienti dal Giappone e dalla Cina, che raramente si vedono su questa scala al di fuori dell’Asia. La pittura a inchiostro ha origine nell’Asia orientale come tradizione dell’uso di inchiostro nero a base di carbonio e tecniche di pittura a pennello calligrafico. L’inchiostro è sinonimo di pittura in Oriente come l’olio lo è di pittura in Occidente.

Mostre

Le opere di MC Escher
Esplorando l’intersezione tra arte, matematica, scienza e poesia, il lavoro di Escher ha affascinato e sbalordito generazioni di artisti, architetti, matematici, musicisti e designer. In 40 anni, Walker Fine Art ha riunito la più grande collezione di opere di Escher al mondo e ha presentato il “più raro del raro” alla 25a Mostra d’arte annuale di Los Angeles.

L’esperienza di MC Escher copre l’arco della sua intera carriera e include litografie, tagli di legno, incisioni e mezzetinte raramente visti, così come gli iconici mobili personalizzati dell’artista. Molti di questi sono stati mostrati in California per la prima volta in assoluto. Oltre a vedere da vicino il lavoro dell’artista, i partecipanti al LA Art Show hanno l’opportunità di diventare Escher. Una speciale cabina fotografica ricrea il suo iconico autoritratto a sfera con te nel riflesso.

Per anni, Rock J. Walker ha sostenuto il lavoro del famoso incisore olandese MC Escher in fiere e mostre d’arte negli Stati Uniti e nel mondo. In qualità di proprietario di una delle più grandi collezioni di intricate grafiche di Escher nel mondo – una collezione che trabocca di sorprese anche per il fan più entusiasta di Escher – Walker si è sforzato non solo di mantenere l’artista popolare tra il pubblico in generale, ma di dimostrare la sostanza e profondità dell’opera agli occhi del mondo dell’arte.

Iconoclasti: Kazu Hiro
KAZU HIRO è uno scultore iperrealista contemporaneo che vive e lavora a Los Angeles. Dopo aver lavorato per 25 anni come truccatore di effetti speciali a Hollywood, Kazu ha decisamente spostato l’attenzione nel 2012, dedicandosi semi-pieno alla scultura d’arte. Kazu Hiro ha vinto un Oscar per il miglior trucco e acconciatura a Los Angeles quest’anno per il suo lavoro nel film Bombshell.

Usando resina, silicone platino e molti altri materiali, Kazu costruisce ritratti tridimensionali in scala due volte la grandezza naturale. Kazu ha ricevuto numerosi riconoscimenti durante la sua carriera, tra cui un Oscar agli Academy Awards nel 2018 per il suo lavoro nel film “L’ora più buia” aiutando il buon amico, attore, Gary Oldman a interpretare Winston Churchill. Mostra nello stand di Copro Gallery. All’ingresso della mostra, Kazu espone una retrospettiva di molti dei suoi lavori passati. C’era anche l’opportunità per i collezionisti di scattare foto con ogni pezzo: Kazu era presente negli orari programmati.

3.11 Requiem e risveglio: Sogen Chiba
L’opera 3.11 Requiem and Revival di Sogen Chiba trascrive i resoconti dei giornali del grande terremoto del Giappone orientale. Chiba ha creato un nuovo lavoro in questa serie per la mostra in corso. Dato che sono passati sette anni dal 3/11, i nostri ricordi dell’evento stanno svanendo. Cerchiamo di registrare i ricordi di disastri inimmaginabili e consideriamo come possiamo andare oltre. Lo stesso Chiba proviene dal distretto di Ishinomaki, colpito da un disastro, e ha usato il suo spirito indomito per andare oltre la sfortuna e sfidare se stesso per creare opere e immagini che possono essere espresse solo in calligrafia.

Sono trascorsi nove anni dal grande terremoto del Giappone orientale e dai disastri correlati, e mentre il recupero e la rivitalizzazione continuano nelle zone del disastro, ci sono anche prove di agenti atmosferici in queste aree. In tali circostanze, queste opere si confrontano sulla questione, cosa può essere espresso solo attraverso la calligrafia contemporanea. Lo stesso Chiba è un sopravvissuto al disastro e in queste opere incorpora messaggi forti per le persone della zona del disastro. La sua speranza è che questa mostra permetta a un pubblico ancora più ampio di vedere, conoscere e sentire queste opere. Il nuovo lavoro di Chiba è incluso qui. Una direzione presa nella calligrafia d’avanguardia, come si vede in questo lavoro, è lo spargimento della natura caratteriale di ogni carattere, facendo sì che ogni spettatore consideri la definizione dell’opera stessa.

Taylor Camp: Ai confini del paradiso
Le fotografie degli anni ’70 di John Wehrheim rivelano una comunità che creava ordine senza regole e rifiutava il materialismo per il potere curativo della natura. Nel 1969, tredici hippy, rifugiati da disordini del campus, proteste di guerra e brutalità della polizia, fuggirono nella remota isola hawaiana di Kauai. In poco tempo questa piccola tribù di uomini, donne e bambini fu arrestata e condannata a novanta giorni di lavori forzati per mancanza di denaro e di casa. Il residente dell’isola Howard Taylor, fratello dell’attrice Elizabeth, ha salvato il gruppo e li ha invitati ad accamparsi sulla sua terra libera di fronte all’oceano, poi li ha lasciati soli, senza restrizioni, regolamenti o supervisione.

Presto ondate di hippy, surfisti e veterani del Vietnam in difficoltà hanno trovato la loro strada in questo villaggio di case sull’albero con vestiti facoltativo e pot-friendly alla fine della strada sulla costa settentrionale dell’isola. Nel 1977, il governo condannò il villaggio a far posto a un parco statale. Nel giro di pochi anni la giungla reclamò Taylor Camp, lasciando solo cenere e ricordi dei “giorni più belli della nostra vita”.

Karma: l’immagine della giara lunare come epitome della vita: Choi Young Wook
Choi Young Wook dipinge il vaso lunare di Chosun da parecchi anni. L’immagine del vaso lunare riempie quasi tutta la tela, che a prima vista sembra che il pittore l’abbia eseguita con una tecnica iperrealistica. Questo è il motivo per cui alcuni spettatori o critici sono pronti a classificare il suo lavoro come iperrealismo, ma questa interpretazione è sbagliata. Il suo lavoro non è una rappresentazione oggettiva dell’immagine in uno stile iperrealistico, ma è piuttosto incline alla soggettività. La rappresentazione dell’immagine della giara lunare è semplicemente vestita nello stile della descrizione figurativa. L’unico criterio critico chiamato a interpretare il suo lavoro come iperrealistico è il riferimento alla descrizione delle crepe superficiali sul vaso,e questo nasce dall’equivoco che l’immagine delle microfessurazioni sulla superficie della porcellana smaltata rappresenti la vera fessura sulla superficie.

Of Aesthetics & The Vernacular: Baua Devi (Maestro artista della pittura di Mithila)
Questa mostra mostra le opere di Baua Devi, un maestro dello stile pittorico Mithila o Madhubani in India. La tradizione pittorica di Madhubani ha svolto un ruolo chiave negli sforzi di conservazione ambientale in India nel 2012, dove c’era una frequente deforestazione nello stato del Bihar. Gli alberi locali venivano abbattuti in nome dello sviluppo.

Il motivo principale per lo sforzo di conservazione era che gli alberi sono tradizionalmente adornati con le forme degli dei e altre immagini religiose e spirituali. Questo riconoscimento del significato culturale ed estetico degli alberi li ha salvati dall’abbattimento. I dipinti di Madhubani raffigurano principalmente persone e la loro associazione con la natura, nonché scene e divinità degli antichi poemi epici. In genere, nessuno spazio viene lasciato vuoto; le lacune sono riempite da dipinti di fiori, animali, uccelli e persino disegni geometrici.

Il progetto del mais: Eric Johnson
Il “Progetto Maize” rappresenta astrattamente una struttura simile a un palo di loggia. Nella cultura dei nativi americani, il palo della loggia è un luogo di ritrovo e il titolo e la forma della scultura fanno riferimento a una sezione di una spiga di mais. Per Johnson, questo allude alla sua eredità dei nativi americani ed è anche un appello a sensibilizzare sui problemi della fame globale, del carburante alternativo e del complicato rapporto del mais con la nostra fornitura di cibo.

Il pezzo è assemblato da più di 300 unità di resina poliestere colate singolarmente, “kernel”, come li chiama lui. I kernel sono stati realizzati nello studio di Johnson con vari artisti, amici e membri della comunità in assistenza. Il progetto comunale ha richiesto diversi anni per essere completato. I partecipanti sono stati invitati a selezionare i colori della resina, la sequenza delle colate e a racchiudere piccoli oggetti o messaggi nei chicchi. La personalizzazione spazia dal spensierato (candy corn) al profondo (denti da latte di un bambino smarrito).

ALFACUBO: Lorenzo Marini
ALPHACUBE è il nuovo progetto artistico di Lorenzo Marini a cura di Sabino Maria Frassà. Con ALPHACUBE, l’artista capovolge letteralmente il paradigma dell’arte contemporanea del white cube come forma migliore per veicolarne l’uso e la comprensione. Lorenzo Marini ribalta questo paradigma e fa del “cubo bianco” l’involucro, l’esterno dell’opera. L’opera è contenuta completamente all’interno del cubo, delineando un nuovo spazio immersivo animato da brillantezza artistica.

ALPHACUBE sorge nello spazio come qualcosa di estraneo, tanto nella forma quanto nel contenuto: se è ovvio che l’artista ha un certo fascino per il dadaismo e il futurismo, che reinterpreta e attualizza, non si può negare che il focus dell’installazione sia non un appagamento estetico ma uno stimolo sociale e culturale. Il risultato formale è dunque un’installazione affascinante e – tanto vale ammetterlo – estremamente attraente e seducente, che letteralmente nasconde “dentro” una critica a come comunichiamo e interagiamo oggi: troppe informazioni che spazzano via la comunicazione, per quale lingua stessa è nata.

Successo: Ryan Schude
Uno speciale stand espositivo di fotografie di Ryan Schude. Schude è noto per i suoi tableaux di grandi dimensioni, a fotogramma singolo, ricchi di azione sofisticata, che mescolano il surrealismo e l’americana con un tocco di umorismo contemporaneo. In quest’ultimo corpus di opere, i soggetti di Schude si mescolano con ambienti esterni monumentali. Spesso viste da una prospettiva più elevata, le forze della natura diventano parte della narrativa aperta di ogni personaggio.

Schude è stato presentato a livello internazionale e nazionale in mostre e pubblicazioni, inclusa la copertina dell’edizione Norman Rockwell della rivista Smithonian. Recentemente ha collaborato con Laura Miner su un Tableau Vivant per il San Francisco Museum of Modern Art che ha evidenziato i dipendenti e le loro opere d’arte create al di fuori del museo come soggetti della narrazione. Questo progetto fa parte di una serie più ampia che coinvolge fotografie di individui nelle istituzioni come documentazione di un ‘Happening’ nel processo fotografico.

Programmi

DIVERSEartLA
DIVERSEartLA è dedicato a riunire alcune delle più importanti istituzioni d’arte locali e internazionali, musei e organizzazioni senza scopo di lucro per un dialogo elevato e riflessivo. Per il 2020, il focus curatoriale di Marisa Caichiolo per DIVERSEartLA è stato ampliato per abbracciare e celebrare quelle istituzioni d’arte e collezionisti d’arte che supportano la fiorente comunità artistica di Los Angeles.

DIVERSEartLA è stato ampliato per abbracciare e celebrare quelle istituzioni d’arte e collezionisti d’arte che supportano la più recente e più grande iterazione della comunità artistica di Los Angeles, nonché per creare una forte conversazione attorno a una varietà di eventi e programmi. Servendo così come piattaforma e risorsa per le migliori pratiche e leadership sulla diversità, comprese TUTTE le comunità di Los Angeles.

Le comunità di Los Angeles riflettono un’impressionante varietà di origini etniche e i suoi iconici dintorni naturali sono ugualmente vari e vasti. Per onorare questa biodiversità unica, ci stiamo concentrando sulla rappresentazione di artisti contemporanei di tutto il mondo come parte di ogni istituzione. L’importanza del focus curatoriale di quest’anno dovrebbe rimanere impegnata a promuovere e conoscere le organizzazioni che sostengono l’inclusione e la diversità.

Quest’anno, siamo entusiasti di celebrare il 25° anniversario del LA Art Show con un magnifico evento che riflette gli ampi habitat naturali e la diversità culturale di Los Angeles, nonché DIVERSEartLA come parte essenziale per rendere musei e istituzioni culturali modelli per le comunità pluralistiche. Non c’è niente di più importante dell’inclusione in un momento in cui la cultura politica e sociale degli Stati Uniti è definita dalla divisione.

Piramidi di Gronk
Per il suo nuovo lavoro intitolato “Pyramids”, l’artista di Los Angeles Gronk stava re-immaginando il palcoscenico dell’opera che aveva originariamente progettato e dipinto nel 2013 per l’adattamento di Peter Sellar della semi-opera di Purcell “The Indian Queen (1695). Quel lavoro collegava le fantasiose nozioni di Purcell di the Conquest con le questioni attuali dell’immigrazione e dell’autoritarismo.Durante lo svolgimento del Los Angeles Art Show, Gronk stava dipingendo su un modello a grandezza naturale di un palcoscenico teatrale, fornendo ai visitatori una visione dietro le quinte della sua pratica artistica come oltre che della scenografia coinvolta nella performance e nella cultura dei media. A differenza di una performance teatrale, la scenografia è stata completata solo dopo la chiusura della mostra e il pubblico se ne è andato. Piuttosto che vedere un’opera finita, i visitatori hanno potuto interagire con l’artista,partecipando al processo di realizzazione di un “teatro politico” per la nostra contemporaneità. I programmi includono un dialogo tra Gronk e Peter Sellars e una performance improvvisata, entrambi utilizzando lo spazio teatrale creato da “Pyramids”.

Ti vedo, mi vedo: sull’impatto della diversità
Prendendo il titolo da un discorso dell’educatore ed ex membro del partito delle Pantere Nere Ericka Huggins all’American Alliance of Museums, questo spazio presenta fotografie e video immersivi che mettono in evidenza le esperienze di prima mano dei partecipanti al DAP mentre costruiscono carriere museali.

Negli ultimi anni, le iniziative per diversificare il personale dei musei d’arte hanno acquisito una notevole importanza. Sebbene sia ancora necessario più lavoro, le richieste di una maggiore diversità si sono diffuse nel mondo dell’arte. A Los Angeles, The Broad è stata un’istituzione leader in questo lavoro attraverso il suo innovativo Diversity Apprenticeship Program (DAP). Un apprendistato a tempo pieno e retribuito nella gestione dell’arte e nella preparazione di coloro che sono sottorappresentati nel personale dei musei, il DAP sta cambiando i dati demografici e sta cambiando il panorama dell’equità nel campo dei musei.

La nascita del Niemand
La Nascita del Niemand consiste in grandi sculture monumentali. Rappresentano un’intera gamma di emozioni negative che le persone cercano di nascondere nelle loro vite, come la malizia, il complesso di inferiorità e la malsana fiducia in se stessi. L’artista ha studiato a Bratislava presso l’Accademia di Belle Arti e Design di Bratislava ea Praga presso l’Accademia di Belle Arti. Frešo appartiene alle figure più notevoli dell’arte contemporanea nella regione dell’ex Cecoslovacchia, l’Europa. Il suo lavoro e il suo approccio generale all’arte sono piuttosto atipici ma allo stesso tempo riflettono la situazione nella società e nella cultura.

L’artista crea concetti e progetti sofisticati presentandoli come “Pezzi d’arte” chiusi apparentemente semplici. È spesso critico nelle sue opere ed esprime in modo aggressivo il suo disprezzo per la scena artistica stessa e i suoi processi, ma con un sottofondo leggero, umoristico e giocoso. Uno degli elementi più affascinanti della sua creazione è l’apparente contrappunto di enfasi su un enorme, grandioso EGO connesso con un Gesto in combinazione con una disarmante umiltà autoironica. La sua capacità di svelare i lati oscuri della sua anima, o inciampare e gettarli al mondo a prescindere dalle conseguenze, sposta i concetti dell’autore a più ampie possibilità di percezione delle ragioni del suo lavoro. Viktor Frešo è interessato a strumenti visivi diretti, efficienti.Crea un certo spazio tra l’azione-reazione e le condizioni di rapido riconoscimento delle relazioni tra l’esprimersi di me e l’indicazione degli altri.

Dal sud
L’artista presenta ritratti in bianco e nero di due città del sud del Cile. Come nel romanzo di Charles Dickens A Tale of Two Cities, una città (Londra) è descritta come rispettosa della legge e ordinata, analogamente a come l’artista presenta Punta Arenas, ed è in contrasto con una città in gran parte politicamente agitata (Parigi), che è come González vede Valparaíso. Come descrive l’artista: “La città per me è violenta a prima vista, forse con il carattere di chi si è fatta se stessa. Cresce ogni giorno come la giungla che si insinua nei suoi corsi d’acqua in tutte le colline che la compongono per arrivare al mare. Non è pianificato, occupa solo gli spazi lasciati dalla natura, come piante in un giardino abbandonato”.

Nella serie Liceo di González, celebra i risultati individuali di ogni studente, mentre vede i frutti del duro lavoro di famiglie, insegnanti e amici. Sono stati sospesi in un tempo che definisce l’adolescenza e la speranza. I ritratti di questi studenti in uniforme scolastica, nei lunghi corridoi del Liceo e nelle officine con indosso uniformi commerciali, ricordano un passato pieno di speranza. È come se González evocasse gli antenati che arrivarono su queste coste per realizzare sogni e prosperare. Come ha scritto Alfred Doblin sui ritratti del popolo tedesco di August Sanders: sono un’espressione massimizzata degli sforzi combinati di una classe sociale, dove il più grande risultato è l’addomesticamento dell’individualità. Aggiunge che è stato il loro desiderio di riuscire a portarli a questo punto,e l’appartenenza a questo luogo alla fine li trattenne come persone.

Dactiloscopia Rosa: Video Arte e Costruzioni QUEER
La mostra proveniva dai materiali d’archivio, dalle documentazioni e dagli insegnamenti dell’archivio transfemminista/queer del Museo, materiali didattici dalle costruzioni dei movimenti sociali che sono riusciti a superare la prospettiva sociale che esisteva sulla comunità LGTBQ negli anni ’70, ’80 e ’90 in Spagna sotto la dittatura franchista, il materiale audiovisivo è una raccolta di manifestazioni, celebrazioni e attivismi, manifesti d’epoca. La prima versione di questa installazione al di fuori del Museo La Neomudejar è stata nel 2018 allo Spazio Matadero di Madrid, parallelamente alla celebrazione dell’orgoglio mondiale in città.

Celebrando la diversità
Per commemorare le comunità LGBTQ+ locali e internazionali in tutto il mondo, il Museum of Latin American Art (MOLAA) presenta un’installazione speciale sulla diversità e l’orgoglio in collaborazione con il duo artistico argentino di fama mondiale, Leo Chiachio e Daniel Giannone. La presentazione include la bandiera tessile lunga 120 piedi, la nuova acquisizione di MOLAA “Californian Family in Six Colors 1” e un’intervista registrata sul loro processo creativo. Queste opere d’arte sono state create dagli artisti del MOLAA, dove più di 3.000 membri della comunità di Long Beach e Los Angeles hanno collaborato alla creazione della bandiera.

La creazione di quest’opera d’arte è avvenuta durante la residenza degli artisti MOLAA tra marzo e giugno 2019. I visitatori e i membri della comunità sono stati invitati a contribuire alla costruzione dell’opera d’arte aggiungendo i propri messaggi sul significato della diversità e dell’accettazione . Lo striscione è stato portato da oltre 100 volontari alla Long Beach Pride Parade ed esposto all’evento Pride at The Port a San Pedro, in California. Il Museo mette in evidenza le voci sottorappresentate di latinoamericani e latinoamericani negli Stati Uniti e nel mondo. Questa installazione rappresenta l’impegno di MOLAA verso i valori della diversità e dell’inclusione per tutti attraverso le arti.

Il vero amore per il collezionismo
AAL Magazine dal Cile porta una mostra che esplora la soggettività del collezionismo nel mondo dell’arte contemporanea di oggi. Rivela il mistero dietro la passione del collezionismo e si concentra sulla domanda su cosa esattamente li fa innamorare di un’opera d’arte. I collezionisti riconoscono il valore che gli artisti apportano alle comunità e le portano alla luce di altri professionisti dell’arte e istituzioni artistiche.

Non è un mistero che molte delle nostre esperienze museali siano guidate da collezionisti visionari che hanno fatto donazioni significative o aperto nuovi musei per esporre le loro vaste collezioni d’arte. I collezionisti d’arte plasmano la scena dell’arte contemporanea internazionale grazie alle decisioni uniche e alle connessioni ponderate con altri appassionati d’arte e attori del mercato dell’arte.

Collezionista d’arte: Homeira Goldstein
Discendente della dinastia reale Qajar in Medio Oriente, una forza poliedrica dedita alla creatività e alle arti e un appassionato collezionista d’arte contemporanea, Homeira Goldstein ha costruito una reputazione senza rivali sostenendo artisti nazionali e internazionali che promuovono l’arte e la cultura nella Grande Los Angeles. In qualità di presidente del consiglio di amministrazione di TIME4ART, è stata determinante nel creare opportunità per gli artisti di raggiungere il pubblico pubblico utilizzando luoghi tradizionali e innovativi, come centri d’arte, luoghi pop-up, spazi aperti e case private.

L’ispirazione per il lavoro di Timothy Tompkins è il riflesso di una narrazione relazionale sia fisicamente che metaforicamente che si dissolve in forma e colore. Questo effetto cerca di imitare gli strati di codici e semiotica di un’immagine chiedendo allo stesso tempo allo spettatore di partecipare a un dialogo esteso di contemplazione e connotazione del contenuto. Inoltre, i dipinti tentano di riflettere le influenze della società contemporanea, come il consumismo, i mass media e la cultura digitale. L’interesse di Tompkins sia per il linguaggio della pittura che per le teorie contemporanee della cultura visiva lo attraggono verso le immagini prodotte da vari media, come una connessione visiva allentata con la storia della pittura e l’influenza del mezzo come comunicatore visivo.

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Adriana Ramirez è un’artista concettuale colombiana. Il suo lavoro faceva parte di biennali, mostre in diverse parti del mondo invitando il collettivo a partecipare alla maggior parte delle sue installazioni. Questa piattaforma ha un asse: la capacità di ognuno di decidere e diventare artefice del proprio destino, e quindi la responsabilità del futuro della comunità. Si basa su due premesse: la prima, è che non veniamo in questo mondo solo per conoscere noi stessi, ma ci veniamo anche con la possibilità di crearci; e il secondo, è che ogni individuo è circondato da un gruppo sociale e convive grazie al linguaggio.

Per questo, questa piattaforma invita le persone a sperimentare il potere del linguaggio di costruire realtà future dichiarando: quando uno AFFERMA qualcosa, il linguaggio è usato per descrivere la realtà; significa che le parole dipendono dal mondo che già esiste; per esempio “Oggi piove”. Quando invece si DICHIARA qualcosa, si usa il linguaggio per definire la realtà, quindi il nostro mondo dipende dalle parole pronunciate; per esempio, “Oggi ascolterò prima di parlare”.

Potrebbe esserci un mostro dentro di te
PSJM presenta a LA ART SHOW 2020 la stessa performance che hanno creato per il contesto della 58a Biennale di Venezia, una delle sue performance aziendali in cui hostess in divisa interagiscono con il pubblico per provocare sussulto e riflessione. Combinando marketing e totalitarismo, utilizzando la strategia della “sovraidentificazione” teorizzata da Zizek, il collettivo si presenta esteticamente appropriandosi in modo autoritario delle strategie e delle modalità di seduzione del sistema capitalista.

PSJM è un team di creazione, teoria e gestione formato da Cynthia Viera (Las Palmas GC, 1973) e Pablo San José (Mieres, 1969). PSJM si presenta come un «marchio d’arte», appropriandosi così delle procedure e delle strategie del capitalismo avanzato per sovvertire le proprie strutture simboliche. PSJM agisce come un marchio dell’arte accademica affrontando i problemi dell’opera d’arte nel mercato, la comunicazione con i consumatori o funziona come una qualità artistica, utilizzando risorse di comunicazione prese in prestito dal capitalismo dello spettacolo per sottolineare i paradossi prodotti dal suo sviluppo sfrenato.

Diversity Walks and Talks
La performance “Diversity Walks and Talks” invita i singoli proclamatori della cultura di Los Angeles a sfilare in passerella per celebrare la loro unicità, mettendo in mostra la diversità di Los Angeles. Una varietà di partecipanti è stata preselezionata e intervistata su ciò che la diversità rappresenta per loro. Le loro interviste vengono riprodotte durante la sfilata in formato video o audio. Gli spettatori possono anche essere reclutati dal vivo per sfilare in passerella. Un fotografo alla fine della passerella ha documentato tutti gli individui e le loro foto sono state immediatamente visualizzate su una parete della passerella. Questa performance, come la cultura della moda e delle celebrità di Los Angeles, è piena di energia, veloce e sicura di sé.

Trascendenti: eroi ai confini
TRANSCENDIENTS è una collaborazione unica tra l’artista Taiji Terasaki e JANM che onora HEROES AT BORDERS: individui che sostengono e combattono per coloro che affrontano discriminazioni, pregiudizi e iniquità ai confini sia fisici che concettuali. Questi eroi, noti o meno, ispirano i loro concittadini americani, i loro quartieri e comunità, la politica del governo e il cambiamento sociale. Illuminando le loro storie, speriamo di educare i frequentatori dei musei sul loro lavoro e ispirare uno spirito di unità e azione a sostegno della democrazia e della giustizia per tutti.

Questa mostra mette in luce figure importanti che lavorano per superare e trascendere i confini che rafforzano la discriminazione, l’ingiustizia e l’intolleranza. Che si tratti di coloro che combattono per rettificare le ingiustizie sui diritti umani e per contrastare sentimenti e azioni anti-immigrati, membri della comunità LGBTQ+ che cercano uguali diritti, donne che spingono per la parità di retribuzione o aderenti religiosi che vogliono adorare in sicurezza, questi eroi usano il loro personale esperienze per costruire ponti di comprensione che ci connettono al centro della nostra umanità collettiva. È imperativo che coloro che credono nella libertà, nell’equità e nella giustizia sociale siano incoraggiati a unire e sostenere le forze della democrazia e della decenza umana.

Festival del cinema di belle arti
Il Fine Arts Film Festival (FAFF) è dedicato a mostrare i migliori film al mondo su arte, fotografia, collezionisti e artisti di tutti i mezzi dentro e fuori dai loro studi, gallerie, musei, arte pubblica e spazi di arte alternativa. Presenta film eccezionalmente creativi e importanti sull’arte, gli artisti e il mondo dell’arte provenienti da paesi di tutto il mondo.

Luogo
Il LA Art Show è strategicamente situato nel dinamico epicentro della città, il LA Convention Center è il luogo verde tecnologicamente più avanzato della California meridionale, con soffitti alti e ampi spazi. Qui si trovano i Grammy Awards, il Grammy Museum e un imponente complesso di intrattenimento che include il Nokia Theatre, la Staples Center Arena, i migliori ristoranti e il Ritz Carlton Hotel and Residences. I mecenati delle arti vanno volentieri a Downtown LA per il meglio della musica classica (Disney Hall), del teatro (Mark Taper e Ahmanson) e dell’arte contemporanea (MOCA, Art District).