LA Art Show, la muestra internacional de arte contemporáneo más completa de Estados Unidos, inauguró oficialmente la temporada de arte 2020 de la ciudad en el Centro de Convenciones de Los Ángeles el 5 de febrero de 2020. La feria de arte más grande y de mayor duración de Los Ángeles hace un regreso triunfal después de su histórico 25 aniversario. LA Art Show es la experiencia artística internacional incomparable con 123 galerías, museos y organizaciones artísticas sin fines de lucro de todo el mundo que exhiben pintura, escultura, obras en papel, instalación, fotografía, diseño, video y performance.
Como la feria de arte más grande y de mayor duración de Los Ángeles, este año marca un hito tanto para LA Art Show como para toda la comunidad artística de Los Ángeles. Mientras LA Art Show celebra su 25 aniversario, Los Ángeles se estaba preparando para la mayor programación de arte y cultura en la historia de la ciudad, rivalizando con Nueva York, la capital de las artes reinante de los EE. UU.
Partiendo del ángulo de mostrar la composición culturalmente rica de Los Ángeles, LA Art Show presenta su exhibición número 25 celebrando la influencia del arte latinoamericano y asiático en todas sus formas multifacéticas. Las presentaciones radiantes cobran vida gracias a una variedad de galerías que moldean la esfera artística de Los Ángeles como un espacio de expresión completamente accesible. La tradición y el prestigio de LA Art Show ya están plenamente consolidados en la ciudad y sus alrededores, la convierte en una de las principales ferias americanas de arte contemporáneo.
Galerías de más de 20 países participaron en la edición 2020, presentando ofertas culturales que sorprendieron por su alta calidad. El respeto que tiene Estados Unidos por el arte europeo, hizo que, por primera vez este año, la feria le dedicó un espacio especial, a través del llamado «Pabellón Europeo», donde se reunían galerías del viejo continente, para facilitar su ubicación para el público estadounidense.
Walker Fine Art permite a la audiencia vislumbrar un mundo completamente grabado por MC Escher. La experiencia MC Escher presenta muebles personalizados del artista a una instalación de fotomatón que permite al espectador convertirse en un pináculo en el autorretrato de MC Escher. Un esfuerzo de colaboración entre Taiji Terasaki, DIVERSEartLA y el Museo Nacional Japonés Americano extiende el viaje temático con la instalación, TRANSCENDIENTS: Heroes at Borders, que resalta las impactantes figuras que luchan activamente contra la discriminación. Expositores y talentos emergentes de todo el mundo utilizan LA Art Show como epicentro del profundo ecosistema artístico.
La pieza de performance, ‘Diversity Walks and Talks’ curada por Miss Artworld, hace que los participantes expliquen la importancia de la diversidad y un carrete de sus respuestas acompaña la pasarela. Miss Artworld está reformulando el brillo y el glamour de alta intensidad que sigue de cerca el paradigma de un Los Ángeles estereotipado y contextualizándolo para honrar sus diversas raíces.
Los Ángeles se ha convertido en un epicentro mundial del arte y la cultura, con una influencia multicultural entrelazada y distintiva única en la ciudad. La diversidad es nuestra fuerza y el arte es más impactante cuando incluye o trasciende todas las fronteras. A medida que Los Ángeles se convierte en el destino de arte de clase mundial, LA Art Show continúa liderando el camino con una programación innovadora y experiencias únicas para una audiencia de coleccionistas en expansión.
LA Art Show crea una de las ferias de arte internacionales más grandes de los Estados Unidos, proporcionando una experiencia de arte apasionante, inmersiva y privilegiada para los patrocinadores, sus invitados selectos y clientes VIP. La muestra atrae a una lista de élite de galerías nacionales e internacionales, artistas aclamados, curadores de gran prestigio, arquitectos, profesionales del diseño, junto con coleccionistas exigentes.
Más de 180,000 pies cuadrados de espacio de exhibición están dedicados a las galerías prominentes de la actualidad. Estas galerías nacionales e internacionales, más allá de sus stands, curan exhibiciones especiales que están a la vanguardia del floreciente movimiento de arte contemporáneo. La feria ofrece un extraordinario abanico de trabajos y experiencias en secciones especializadas.
LA Art Show 2020
LA Art Show 2020 crea una de las ferias de arte internacionales más grandes de los Estados Unidos, brindando una experiencia de arte emocionante, inmersiva e interna a los patrocinadores, sus invitados selectos y clientes VIP. La muestra atrae a una lista de élite de galerías nacionales e internacionales, artistas aclamados, curadores de gran prestigio, arquitectos, profesionales del diseño, junto con coleccionistas exigentes.
Este entorno cultural innovador y excepcional atrae a ejecutivos y miembros de la junta de empresas del sur de California, representantes del gobierno estatal, del condado y municipal, así como a líderes de las instituciones culturales de la región. Los asistentes son creadores de tendencias, influencers y consumidores alfa, que buscan y exigen lo más nuevo y lo mejor en todas las áreas de sus vidas: el arte, el diseño, la comida, la tecnología y los viajes son puntos de pasión específicos.
Para 2020, LA Art Show tiene el honor de asociarse con instituciones culturales como The Broad, LACMA, UCLA Chicano Studies, MOLAA, Museo Danubiana (Bratislava, Eslovaquia), Arte Al Limite (Chile), Museo La Neomudejar (Madrid, España), PSJM. Colectiva (Canarias) y Museo de Arte de las Américas (Washington DC).
Modern + Contemporary: la sección más grande de programación en LA Art Show, Modern + Contemporary exhibe el amplio espectro de pintura, ilustración, escultura y más contemporáneos de galerías en Los Ángeles, la Cuenca del Pacífico y países de todo el mundo.
Core – Core es un espacio comisariado para galerías reconocidas en todo el mundo como líderes en el arte contemporáneo. Las galerías que se exhiben aquí educan, inspiran y cautivan continuamente a los ávidos coleccionistas del mundo con las voces más solicitadas del mercado.
Pabellón europeo: por primera vez en nuestra historia, nos complace presentar un nuevo pabellón dedicado a las galerías europeas. El nuevo Pabellón Europeo exhibe exhibiciones curadas que destacan varios movimientos y desarrollos estilísticos.
Roots – Honrando las voces y movimientos que vinieron antes, ROOTS es un espacio de exhibición dedicado para galerías que exhiben obras históricas y artistas contemporáneos que siguen esas tradiciones.
Works On Paper – Works on Paper es un espacio de exhibición dedicado para exhibir fotografías y otras obras que no están en lienzos tradicionales.
Project Space: provenientes de todo el mundo, los expositores de Project Space muestran una amplia gama de ideas y talentos en forma de exposiciones individuales, presentadas por las galerías participantes.
Design LA Art – Design LA Art sirve como un espacio comisariado para exhibir destacadas galerías de diseño internacionales. Design LA Art proporciona un mercado de arte para el diseño contemporáneo coleccionable y el arte funcional, mostrando lo mejor en objetos de diseño, arte, joyería, arquitectura y mobiliario presentados junto a las principales galerías modernas y contemporáneas del mundo.
DIVERSEartLA – Aprovechando la posición de la ciudad en la Cuenca del Pacífico, DIVERSEartLA es una sección de programación especial dedicada a nutrir la energía creativa de coleccionistas, artistas, curadores, museos y organizaciones sin fines de lucro internacionales al conectarlos directamente con el público de Los Ángeles. La diversidad y la inclusión continúan siendo nuestros mandatos clave mientras reflexionamos y nos regocijamos. Aprovechando la posición de la ciudad en la Cuenca del Pacífico, DIVERSEartLA es una sección de programación especial que dedica más de 35,000 pies cuadrados dedicados a nutrir la energía creativa de coleccionistas, artistas, curadores, museos y organizaciones sin fines de lucro internacionales conectándolos directamente con el público de Los Ángeles.
Exposiciones destacadas: más allá de los límites de los espacios de los stands, las exposiciones destacadas crean experiencias inmersivas para atraer al público a través de obras de arte, actuaciones y otras exposiciones que invitan a la reflexión ofrecidas por las galerías participantes, destacando las obras de las que se habló en los años venideros.
Tinta: la muestra de arte de Los Ángeles 2020 mostró una variedad diversa y completa de pinturas de tinta panasiáticas a lo largo de la feria, con artistas de Japón y China, que rara vez se ven en esta escala fuera de Asia. La pintura con tinta se originó en el este de Asia como tradición de utilizar tinta negra a base de carbón y técnicas de pintura con pincel caligráfico. La tinta es sinónimo de pintura en Oriente como lo es el aceite de pintura en Occidente.
Exposiciones
Las obras de MC Escher
Explorando la intersección del arte, las matemáticas, la ciencia y la poesía, el trabajo de Escher ha fascinado y asombrado a generaciones de artistas, arquitectos, matemáticos, músicos y diseñadores por igual. Durante más de 40 años, Walker Fine Art ha reunido la colección más grande de obras de Escher en el mundo y exhibe lo «más raro de lo raro» en la 25ª Exposición Anual de Arte de Los Ángeles.
La experiencia de MC Escher se extiende a lo largo de toda su carrera e incluye litografías, cortes de madera, grabados y mezzotints raramente vistos, así como los icónicos muebles personalizados del artista. Muchos de estos se mostraron en California por primera vez. Además de ver de cerca el trabajo del artista, los asistentes a LA Art Show tienen la oportunidad de convertirse en Escher. Un fotomatón especial recrea su icónico autorretrato de esfera contigo en el reflejo.
Durante años, Rock J. Walker ha abogado por el trabajo del famoso grabador holandés MC Escher en ferias y exposiciones de arte en los Estados Unidos y en todo el mundo. Como propietario de una de las colecciones más grandes de gráficos intrincados de Escher en el mundo, una colección que rebosa de sorpresas incluso para el fanático más entusiasta de Escher, Walker se ha esforzado no solo por mantener al artista popular entre el público en general, sino por demostrar la sustancia y profundidad de la obra a los ojos del mundo del arte.
Iconoclastas: Kazu Hiro
KAZU HIRO es un escultor hiperrealista contemporáneo que vive y trabaja en Los Ángeles. Después de trabajar 25 años como maquillador de efectos especiales en Hollywood, Kazu cambió de enfoque de manera decisiva en 2012, dedicándose a tiempo parcial a la escultura de bellas artes. Kazu Hiro ganó un Oscar a Mejor Maquillaje y Peinado en Los Ángeles este año por su trabajo en la película Bombshell.
Usando resina, silicona de platino y muchos otros materiales, Kazu construye retratos tridimensionales en una escala dos veces su tamaño natural. Kazu ha recibido numerosos elogios a lo largo de su carrera, incluido un Oscar de la Academia en 2018 por su trabajo en la película «Darkest Hour» ayudando al buen amigo, el actor Gary Oldman a interpretar a Winston Churchill. La escultura de retrato hiperreal más reciente de Kazu Hiro se presentó en el LA Art Exposición en el stand de Copro Gallery. A la entrada de la muestra, Kazu exhibe una retrospectiva de varias de sus obras pasadas. También habrá una oportunidad para que los coleccionistas tomen fotos con cada pieza: Kazu estuvo presente en los horarios programados.
3.11 Réquiem y avivamiento: Sogen Chiba
El trabajo de Réquiem y Renacimiento 3.11 de Sogen Chiba transcribe informes de periódicos sobre el Gran Terremoto del Este de Japón. Chiba creó un nuevo trabajo en esta serie para la exposición actual. Dado que ahora estamos siete años después del 11 de marzo, nuestros recuerdos del evento se están desvaneciendo. Buscamos registrar los recuerdos de desastres inimaginables y considerar cómo podemos superarlos. El propio Chiba es del distrito de Ishinomaki, afectado por el desastre, y ha utilizado su espíritu indomable para ir más allá de la desgracia y desafiarse a sí mismo para crear obras e imágenes que solo pueden expresarse en caligrafía.
Han pasado nueve años desde el gran terremoto del este de Japón y los desastres relacionados, y mientras continúa la recuperación y revitalización en las zonas de desastre, también hay evidencia de meteorización en estas áreas. En medio de tales circunstancias, estas obras se enfrentan de frente a la pregunta, lo que solo puede expresarse a través de la caligrafía contemporánea. El mismo Chiba es un sobreviviente del desastre e incorpora fuertes mensajes para la gente de la zona del desastre en estas obras. Su esperanza es que esta exposición permita a un público aún más amplio ver, conocer y sentir estas obras. El nuevo trabajo de Chiba se incluye aquí. Una dirección que se está tomando en la caligrafía de vanguardia, como se ve en esta obra, es el desprendimiento de la naturaleza del carácter de cada personaje, lo que hace que cada espectador considere la definición de la obra en sí.
Taylor Camp: el borde del paraíso
Las fotografías de John Wehrheim de la década de 1970 revelan una comunidad que creó un orden sin reglas y rechazó el materialismo por el poder curativo de la naturaleza. En 1969, trece hippies, refugiados de disturbios en el campus, protestas de guerra y brutalidad policial, huyeron a la remota isla hawaiana de Kauai. En poco tiempo, esta pequeña tribu de hombres, mujeres y niños fueron arrestados y sentenciados a noventa días de trabajos forzados por no tener dinero ni hogar. Howard Taylor, residente de la isla y hermano de la actriz Elizabeth, rescató al grupo y los invitó a acampar en su terreno baldío frente al mar, luego los dejó solos, sin restricciones, regulaciones o supervisión.
Pronto, oleadas de hippies, surfistas y veteranos de Vietnam con problemas encontraron el camino a este pueblo de casas en los árboles que no ofrece ropa y que es amigable con las macetas, al final de la carretera en la costa norte de la isla. En 1977, el gobierno condenó al pueblo a dar paso a un parque estatal. En unos pocos años, la jungla recuperó Taylor Camp, dejando poco más que cenizas y recuerdos de «los mejores días de nuestras vidas».
Karma: la imagen del tarro lunar como epítome de la vida: Choi Young Wook
Choi Young Wook ha estado pintando el tarro lunar de Chosun durante bastantes años. La imagen del tarro de la luna casi llena todo el lienzo, que a simple vista parece como si el pintor lo hubiera ejecutado con una técnica hiperrealista. Es por eso que algunos espectadores o críticos se apresuran a categorizar su trabajo como hiperrealista, pero esta interpretación es incorrecta. Su obra no es una representación objetiva de la imagen en un estilo hiperrealista, sino que tiende a ser subjetivo. La representación de la imagen del tarro de la luna está simplemente vestida con el estilo de descripción figurativa. El único criterio crítico que se convoca para interpretar su obra como hiperrealista es la referencia a la descripción de las grietas superficiales de la olla,y esto se debe al malentendido de que la imagen de grietas finas en la superficie de porcelana esmaltada representa la verdadera fisura en la superficie.
De la estética y lo vernáculo: Baua Devi (Artista maestro de la pintura de Mithila)
Esta exposición exhibe obras de Baua Devi, un artista maestro del estilo de pintura Mithila o Madhubani en la India. La tradición pictórica de Madhubani jugó un papel clave en los esfuerzos de conservación del medio ambiente en la India en 2012, donde hubo una deforestación frecuente en el estado de Bihar. Se estaban talando árboles locales en nombre del desarrollo.
La razón principal del esfuerzo de conservación fue que los árboles están tradicionalmente adornados con formas de dioses y otras imágenes religiosas y espirituales. Este reconocimiento del significado cultural y estético de los árboles los salvó de ser talados. Las pinturas de Madhubani representan principalmente a personas y su asociación con la naturaleza, así como escenas y deidades de las epopeyas antiguas. En general, no se deja espacio vacío; los huecos se llenan con pinturas de flores, animales, pájaros e incluso diseños geométricos.
El proyecto del maíz: Eric Johnson
El «Proyecto Maíz» representa de manera abstracta una estructura similar a un poste de una cabaña. En la cultura nativa americana, el poste de la logia es un lugar de reunión y el título y la forma de la escultura hacen referencia a una sección de una mazorca de maíz. Para Johnson, esto alude a su herencia nativa americana y también es un llamado a crear conciencia sobre los problemas del hambre global, los combustibles alternativos y la complicada relación del maíz con nuestro suministro de alimentos.
La pieza se ensambla a partir de más de 300 unidades de resina de poliéster fundidas individualmente, «kernels», como él las llama. Los granos se hicieron en el estudio de Johnson con la ayuda de varios artistas, amigos y miembros de la comunidad. El proyecto comunal tardó varios años en completarse. Se invitó a los participantes a seleccionar colores de resina, secuenciar los vertidos y encerrar pequeños objetos o mensajes en los granos. La personalización varía desde lo alegre (maíz dulce) hasta lo profundo (dientes de leche de un niño perdido).
ALFACUBO: Lorenzo Marini
ALPHACUBE es el nuevo proyecto de arte de Lorenzo Marini comisariado por Sabino Maria Frassà. Con ALPHACUBE, el artista revoluciona literalmente el paradigma del arte contemporáneo del cubo blanco como la mejor forma de transmitir su uso y comprensión. Lorenzo Marini le da la vuelta a ese paradigma y hace del «cubo blanco» la carcasa, el exterior de la obra de arte. La obra está contenida completamente dentro del cubo, delineando un nuevo espacio inmersivo animado por la brillantez artística.
ALPHACUBE surge en el espacio como algo ajeno, tanto en forma como en contenido: si bien es evidente que el artista tiene una cierta fascinación por el dadaísmo y el futurismo, que reinterpreta y actualiza, tampoco se puede negar que el foco de la instalación es no una satisfacción estética sino un estímulo social y cultural. El resultado formal es, por tanto, una instalación fascinante y, bien podríamos admitirlo, extremadamente atractiva y seductora, que literalmente esconde «dentro de ella» una crítica de cómo nos comunicamos e interactuamos hoy: demasiada información que barre la comunicación, por qué idioma nació.
Sucediendo: Ryan Schude
Un stand de exhibición especial de fotografías de Ryan Schude. Schude es conocido por sus cuadros a gran escala de un solo marco que están llenos de acción sofisticada, mezclando surrealismo y americana con un toque de humor contemporáneo. En este último cuerpo de trabajo, los temas de Schude se entremezclan con ambientes exteriores monumentales. A menudo vistas desde una perspectiva elevada, las fuerzas de la naturaleza se vuelven parte de la narrativa abierta de cada personaje.
Schude ha aparecido a nivel internacional y nacional en exposiciones y publicaciones, incluida la portada de la edición Norman Rockwell de la revista Smithonian. Recientemente colaboró con Laura Miner en un Tableau Vivant para el Museo de Arte Moderno de San Francisco que destacó a los empleados y sus obras de arte creadas fuera del museo como sujetos de la narrativa. Este proyecto es parte de una serie más amplia que involucra fotografías de individuos en instituciones como documentación de un ‘Happening’ en el proceso fotográfico.
Programas
DIVERSEartLA
DIVERSEartLA se dedica a reunir a algunas de las instituciones de arte, museos y organizaciones sin fines de lucro locales e internacionales más importantes para un diálogo elevado y reflexivo. Para 2020, el enfoque curatorial de Marisa Caichiolo para DIVERSEartLA se amplió para acoger y celebrar a aquellas instituciones de arte y coleccionistas de arte que apoyan a la floreciente comunidad artística de Los Ángeles.
DIVERSEartLA se expandió para acoger y celebrar a aquellas instituciones de arte y coleccionistas de arte que apoyan la iteración más nueva y más grande de la comunidad de arte de Los Ángeles, así como para crear una fuerte conversación en torno a una variedad de eventos y programas. Por lo tanto, sirve como plataforma y recurso para las mejores prácticas y el liderazgo en materia de diversidad, incluidas TODAS las comunidades de Los Ángeles.
Las comunidades de Los Ángeles reflejan una impresionante variedad de orígenes étnicos, y sus icónicos entornos naturales son igualmente variados y vastos. Para honrar esta biodiversidad única, nos estamos enfocando en la representación de artistas contemporáneos de todo el mundo como parte de cada institución. La importancia del enfoque curatorial de este año debe seguir comprometida con el fomento y el aprendizaje de las organizaciones que apoyan la inclusión y la diversidad.
Este año, estamos encantados de celebrar el 25 aniversario de LA Art Show con un evento magnífico que refleja los amplios hábitats naturales y la diversidad cultural de Los Ángeles, así como DIVERSEartLA como una parte esencial para hacer que los museos y las instituciones culturales sean modelos para comunidades pluralistas. No hay nada más importante que la inclusión en un momento en el que la cultura política y social de Estados Unidos se define por la división.
Pirámides de Gronk
Para su nuevo trabajo llamado «Pyramids», el artista de Los Ángeles Gronk estaba recreando la imagen del escenario de ópera que originalmente diseñó y pintó en 2013 para la adaptación de Peter Sellar de la semi-ópera de Purcell «The Indian Queen (1695)». Ese trabajo conectó las fantásticas nociones de Purcell sobre la Conquista con problemas actuales de inmigración y autoritarismo. Durante la ejecución de LA Art Show, Gronk estaba pintando en una maqueta de tamaño completo de un escenario teatral, brindando a los visitantes una visión detrás de la cortina de su práctica artística como así como de la creación de escenarios involucrada en la interpretación y la cultura de los medios. A diferencia de una representación teatral, el diseño de la escenografía se completó solo después del cierre de la exposición y la audiencia se fue. En lugar de ver una obra terminada, los visitantes pudieron interactuar con el artista,participando en el proceso de hacer un «teatro político» para nuestro momento contemporáneo. Los programas incluyen un diálogo entre Gronk y Peter Sellars, y una actuación improvisada, ambos utilizando el espacio teatral creado por «Pyramids».
Te veo, me ven: sobre el impacto de la diversidad
Tomando su título de un discurso de la educadora y ex miembro del partido Pantera Negra Ericka Huggins a la Alianza Americana de Museos, este espacio presenta fotografías y videos envolventes que destacan las experiencias de primera mano de los participantes del DAP mientras construyen carreras en los museos.
En los últimos años, las iniciativas para diversificar el personal de los museos de arte han obtenido una considerable aceptación. Aunque todavía se necesita más trabajo, los llamados a una mayor diversidad se han extendido por el mundo del arte. En Los Ángeles, The Broad ha sido una institución líder en este trabajo a través de su innovador Programa de Aprendizaje de Diversidad (DAP). Un aprendizaje remunerado a tiempo completo en el manejo y preparación del arte para aquellos que están subrepresentados en el personal del museo, el DAP está cambiando la demografía y cambiando el panorama de la equidad en el campo de los museos.
El nacimiento de Niemand
El nacimiento del Niemand consta de grandes esculturas monumentales. Representan toda una gama de emociones negativas que las personas intentan ocultar en sus vidas, como la malicia, el complejo de inferioridad y la autoconfianza poco saludable. El artista estudió en Bratislava en la Academia de Bellas Artes y Diseño de Bratislava y en Praga en la Academia de Bellas Artes. Frešo pertenece a las figuras más notables del arte contemporáneo en la región de la antigua Checoslovaquia, Europa. Su trabajo y su enfoque general del arte son bastante atípicos, pero al mismo tiempo reflejan la situación en la sociedad y la cultura.
El artista crea conceptos y proyectos sofisticados presentándolos como «Piezas de Arte» aparentemente simples y cerradas. A menudo es crítico en sus obras y expresa agresivamente su desprecio por la escena artística en sí y sus procesos, pero con un tono ligero, humorístico y lúdico. Uno de los elementos más fascinantes de su creación es el aparente contrapunto de énfasis en el EGO enorme y grandioso conectado con un Gesto en combinación con una humildad autoirónica que desarma. Su capacidad para revelar los lados oscuros de su alma, o tropezar y arrojarlos al mundo sin importar las consecuencias, desplaza los conceptos del autor hacia posibilidades más amplias de percepción de las razones de su trabajo. Viktor Frešo está interesado en herramientas visuales directas y eficientes.Crea un cierto espacio entre la acción-reacción y las condiciones de reconocimiento rápido de las relaciones entre la expresión de mí y la indicación de los demás.
Del Sur
El artista presenta retratos en blanco y negro de dos ciudades del sur de Chile. Al igual que en la novela de Charles Dickens A Tale of Two Cities, una ciudad (Londres) se describe como respetuosa de la ley y ordenada, análoga a cómo el artista presenta Punta Arenas, y se contrasta con una ciudad en gran parte políticamente agitada (París), que es cómo González ve Valparaíso. Como describe el artista: “La ciudad me resulta violenta a primera vista, quizás con el carácter de quien se ha hecho a sí mismo. Crece cada día como la selva que penetra sus arroyos en todos los cerros que la componen para llegar al mar. No está planificado, solo ocupa los espacios que deja la naturaleza, como plantas en un jardín abandonado «.
En la serie Liceo de González, él celebra los logros individuales de cada alumno, mientras ve los frutos del arduo trabajo de familias, maestros y amigos. Se han suspendido en una época que define la adolescencia y la esperanza. Los retratos de estos estudiantes con uniformes escolares, en los largos pasillos del Liceo y en los talleres con uniformes comerciales, recuerdan un pasado esperanzador. Es como si González estuviera evocando a los antepasados que llegaron a estas costas para cumplir sueños y prosperar. Como escribió Alfred Doblin en los retratos de los alemanes de August Sanders: son una expresión maximizada de los esfuerzos combinados de una clase social, donde el mayor logro es la domesticación de la individualidad. Agrega que fue su deseo de tener éxito lo que los llevó a este punto,y que pertenecer a este lugar los frenó en última instancia como personas.
Dactiloscopia Rosa: Videoarte y construcciones QUEER
La muestra fue a partir de los materiales de archivo, documentaciones y enseñanzas del archivo transfeminista / Queer del Museo, materiales didácticos de las construcciones de movimientos sociales que lograron traspasar la perspectiva social que existía en la comunidad LGTBQ en los años 70, 80 y 90 en España bajo la dictadura de Franco, el material audiovisual es una recopilación de manifestaciones, celebraciones y activismos, carteles antiguos. La primera versión de esta instalación fuera del Museo La Neomudejar fue en 2018 en el Espacio Matadero de Madrid, en paralelo a la celebración del orgullo mundial en la ciudad.
Celebrando la diversidad
Con el fin de conmemorar a las comunidades LGBTQ + locales e internacionales de todo el mundo, el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) presenta una instalación especial sobre la diversidad y el orgullo en colaboración con el dúo artístico argentino de fama mundial, Leo Chiachio y Daniel Giannone. La presentación incluye la bandera textil de 120 pies de largo, la nueva adquisición de MOLAA «Familia californiana en seis colores 1» y una entrevista grabada sobre su proceso creativo. Estas obras de arte fueron creadas por los artistas de MOLAA, donde más de 3,000 miembros de la comunidad de Long Beach y Los Ángeles colaboraron en la creación de la bandera.
La creación de esta obra de arte se llevó a cabo durante la residencia de los artistas en MOLAA entre marzo y junio de 2019. Se invitó a visitantes y miembros de la comunidad a contribuir con la construcción de la obra de arte agregando sus propios mensajes sobre el significado de la diversidad y la aceptación. . La pancarta fue llevada por más de 100 voluntarios en el Long Beach Pride Parade y exhibida en el evento Pride en The Port en San Pedro, CA. El Museo destaca las voces subrepresentadas de latinoamericanos y latinos en los EE. UU. Y en todo el mundo. Esta instalación representa el compromiso de MOLAA con los valores de diversidad e inclusión para todos a través de las artes.
El verdadero amor por coleccionar
La Revista AAL de Chile trae una exposición que explora la subjetividad del coleccionismo en el mundo del arte contemporáneo actual. Revela el misterio detrás de la pasión por coleccionar y se centra en la pregunta sobre qué es exactamente lo que los hace enamorarse de una obra de arte. Los coleccionistas reconocen el valor que los artistas aportan a las comunidades y lo llevan a la luz de otros profesionales del arte e instituciones artísticas.
No es ningún misterio que muchas de nuestras experiencias en los museos estén dirigidas por coleccionistas visionarios que han realizado importantes donaciones o han abierto nuevos museos para exhibir sus extensas colecciones de arte. Los coleccionistas de arte dan forma a la escena del arte contemporáneo internacional debido a las decisiones únicas y las conexiones meditadas con otros entusiastas del arte y actores del mercado del arte.
Coleccionista de arte: Homeira Goldstein
Descendiente de la dinastía real Qajar en el Medio Oriente, una fuerza polifacética dedicada a la creatividad y las artes, y una ávida coleccionista de arte contemporáneo, Homeira Goldstein ha construido una reputación incomparable defendiendo a artistas nacionales e internacionales que promueven el arte y la cultura en el Gran Los Ángeles. Como presidenta de la junta directiva de TIME4ART, ha sido fundamental en la creación de oportunidades para que los artistas lleguen al público público utilizando lugares tradicionales e innovadores, como centros de arte, lugares emergentes, espacios abiertos y hogares privados.
La inspiración para el trabajo de Timothy Tompkins es el reflejo de una narrativa relacional tanto física como metafóricamente que se disuelve en forma y color. Este efecto intenta imitar las capas de códigos y semiótica de una imagen al mismo tiempo que pide al espectador que participe en un diálogo ampliado de contemplación y connotación de contenido. Además, las pinturas intentan reflejar las influencias de la sociedad contemporánea, como el consumismo, los medios de comunicación y la cultura digital. El interés de Tompkins por el lenguaje de la pintura y las teorías contemporáneas de la cultura visual lo atraen a las imágenes producidas por diversos medios, como una conexión visual suelta con la historia de la pintura y la influencia del medio como comunicador visual.
Voy a..
Adriana Ramirez es una artista conceptual de Colombia. Su trabajo formó parte de bienales, exposiciones en diferentes partes del mundo invitando al colectivo a participar en la mayoría de sus instalaciones. Esta plataforma tiene un eje: la capacidad de cada uno para decidir y convertirse en creador de su propio destino y, por tanto, en la responsabilidad del futuro de la comunidad. Se basa en dos premisas: la primera, es que no venimos a este mundo solo para conocernos a nosotros mismos, sino que también llegamos a él con la posibilidad de crearnos a nosotros mismos; y el segundo, es que todo individuo está rodeado de un grupo social y convive gracias al lenguaje.
En ese orden, esta plataforma invita a las personas a experimentar el poder del lenguaje para construir realidades futuras al declarar: cuando uno AFIRMA algo, el lenguaje se usa para describir la realidad; significa que las palabras dependen del mundo que ya existe; por ejemplo, «Hoy está lloviendo». Por otro lado, cuando uno DECLARA algo, el lenguaje se usa para definir la realidad, entonces nuestro mundo depende de las palabras que se pronuncien; por ejemplo, «Hoy voy a escuchar antes de hablar».
Podría haber un monstruo dentro de ti
El PSJM presenta en LA ART SHOW 2020 la misma performance que crearon para el contexto de la 58a Bienal de Venecia, una de sus performances corporativas en la que azafatas uniformadas interactúan con el público para provocar sobresaltos y reflexiones. Combinando marketing y totalitarismo, utilizando la estrategia de «sobreidentificación» teorizada por Zizek, el colectivo se presenta estéticamente apropiándose de las estrategias y modos de seducción del sistema capitalista de manera autoritaria.
PSJM es un equipo de creación, teoría y gestión formado por Cynthia Viera (Las Palmas GC, 1973) y Pablo San José (Mieres, 1969). El PSJM se presenta como una «marca de arte», apropiándose así de los procedimientos y estrategias del capitalismo avanzado para subvertir sus estructuras simbólicas. El PSJM actúa como una marca registrada del arte del acontecimiento que aborda cuestiones de la obra de arte en el mercado, la comunicación con los consumidores o funciona como una cualidad artística, utilizando recursos comunicativos tomados del capitalismo del espectáculo para subrayar las paradojas producidas por su desenfrenado desarrollo.
Caminatas y charlas sobre diversidad
La presentación «Diversity Walks and Talks» invita a los proclamadores individuales de la cultura de Los Ángeles a pavonearse en la pasarela en celebración de su singularidad, mostrando la diversidad de Los Ángeles. Se preseleccionó y entrevistó a una variedad de participantes sobre lo que representa la diversidad para ellos. Sus entrevistas se reproducen durante la pasarela en formato de video o audio. Los espectadores también serán reclutados en vivo para caminar por la pasarela. Un fotógrafo al final de la pista documenta a todas las personas y sus fotos se muestran instantáneamente en la pared de la pista. Esta actuación, al igual que la moda de Los Ángeles y la cultura de las celebridades, es de mucha energía, de ritmo rápido y segura.
Transcendients: Heroes At Borders
TRANSCENDIENTS es una colaboración única entre el artista Taiji Terasaki y JANM que honra a HEROES AT BORDERS: individuos que abogan y luchan por quienes enfrentan discriminación, prejuicio e inequidad en las fronteras tanto físicas como conceptuales. Estos héroes, ya sean conocidos o no, inspiran a sus conciudadanos, sus vecindarios y comunidades, la política gubernamental y el cambio social. Al iluminar sus historias, esperamos educar a los visitantes del museo sobre su trabajo e inspirar un espíritu de unidad y acción en apoyo de la democracia y la justicia para todos.
Esta exposición destaca a importantes figuras que trabajan para superar y trascender fronteras que refuerzan la discriminación, la inequidad y la intolerancia. Ya sean aquellos que luchan para rectificar las injusticias de los derechos humanos y contrarrestar los sentimientos y acciones antiinmigrantes, los miembros de la comunidad LGBTQ + que buscan la igualdad de derechos, las mujeres que presionan por la igualdad de remuneración o los seguidores religiosos que quieren adorar con seguridad, estos héroes usan su experiencias para construir puentes de entendimiento que nos conecten en el centro de nuestra humanidad colectiva. Es imperativo que quienes creen en la libertad, la equidad y la justicia social se animen a unirse y apoyar las fuerzas de la democracia y la decencia humana.
Festival de Cine de Bellas Artes
El Festival de Cine de Bellas Artes (FAFF) se dedica a mostrar las mejores películas del mundo sobre arte, fotografía, coleccionistas y artistas de todos los medios dentro y fuera de sus estudios, galerías, museos, arte público y espacios de arte alternativo. Con películas excepcionalmente creativas e importantes sobre arte, artistas y el mundo del arte de países de todo el mundo.
Sede
El LA Art Show está estratégicamente ubicado en el epicentro dinámico de la ciudad, el Centro de Convenciones de Los Ángeles es el lugar verde tecnológicamente más avanzado del sur de California, con techos altos y un amplio espacio. Aquí se encuentran los premios Grammy, el Museo Grammy y un impresionante complejo de entretenimiento que incluye el Nokia Theatre, el Staples Center Arena, los mejores restaurantes y The Ritz Carlton Hotel and Residences. Los mecenas de las artes conducen con gusto al centro de Los Ángeles para disfrutar de lo mejor en música clásica (Disney Hall), teatro (Mark Taper y Ahmanson) y arte contemporáneo (MOCA, Art District).