Avaliação do LA Art Show 2020, Califórnia, Estados Unidos

A LA Art Show, a mostra internacional de arte contemporânea mais abrangente da América, inaugurou oficialmente a temporada de arte da cidade de 2020 no Centro de Convenções de Los Angeles em 5 de fevereiro de 2020. A maior e mais antiga feira de arte de LA retorna triunfante após seu marco 25º aniversário. LA Art Show é a experiência artística internacional incomparável com 123 galerias, museus e organizações artísticas sem fins lucrativos de todo o mundo exibindo pinturas, esculturas, trabalhos em papel, instalações, fotografia, design, vídeo e performance.

Como a maior e mais antiga feira de arte de LA, este ano é um marco para a LA Art Show e para toda a comunidade artística de LA. Enquanto o LA Art Show celebra seu 25º aniversário, Los Angeles estava se preparando para a maior programação de arte e programação cultural da história da cidade, rivalizando com Nova York, a capital reinante das artes dos Estados Unidos.

Partindo do ponto de vista da composição culturalmente rica de Los Angeles, o LA Art Show hospeda sua 25ª exposição, celebrando a influência da arte latino-americana e asiática em todas as suas formas multifacetadas. Apresentações radiantes são trazidas à vida por uma variedade de galerias que moldam a esfera artística de Los Angeles como um espaço totalmente acessível para expressão. A tradição e o prestígio da LA Art Show, já totalmente consolidados na cidade e arredores, fazem dela uma das principais feiras americanas de arte contemporânea.

Galerias de mais de 20 países participaram da edição 2020, apresentando ofertas culturais que surpreenderam pela alta qualidade. O respeito que os Estados Unidos têm pela arte europeia, fez com que, pela primeira vez este ano, a feira lhe dedicasse um espaço especial, através do chamado “Pavilhão Europeu”, onde se reuniam galerias do velho continente, para facilitar sua localização para o público americano.

Walker Fine Art permite ao público vislumbrar um mundo completamente desenhado por MC Escher. A Experiência MC Escher apresenta os móveis personalizados do artista em uma instalação de cabine fotográfica que permite ao próprio espectador se tornar um pináculo no autorretrato de MC Escher. Um esforço colaborativo entre Taiji Terasaki, DIVERSEartLA e o Museu Nacional Japonês Americano estende a jornada temática com a instalação TRANSCENDIENTS: Heroes at Borders, que destaca as figuras impactantes que lutam ativamente contra a discriminação. Expositores e talentos emergentes de todo o mundo usam o LA Art Show como o epicentro para o profundo ecossistema da arte.

A peça performática ‘Diversity Walks and Talks’, com curadoria de Miss Artworld, mostra aos participantes a importância da diversidade e um rolo de suas respostas acompanha a passarela. Miss Artworld está reformulando o brilho e glamour de alta intensidade que segue de perto o paradigma de uma Los Angeles estereotipada e contextualizando-a para honrar suas raízes diversas.

Los Angeles emergiu como um epicentro global de arte e cultura, com uma influência multicultural distinta e interligada, única na cidade. A diversidade é a nossa força e a arte tem mais impacto quando inclui ou transcende todas as fronteiras. Enquanto LA surge como um destino de classe mundial para a arte, o LA Art Show continua a liderar o caminho com uma programação inovadora e experiências únicas para um público colecionador em expansão.

O LA Art Show cria uma das maiores feiras de arte internacionais dos Estados Unidos, proporcionando uma experiência de arte empolgante, envolvente e privilegiada para patrocinadores, seus convidados selecionados e clientes VIP. A mostra atrai uma lista de elite de galerias nacionais e internacionais, artistas aclamados, curadores conceituados, arquitetos, profissionais de design, juntamente com colecionadores exigentes.

Mais de 180.000 pés quadrados de espaço de exposição estão comprometidos com as galerias proeminentes de hoje. Essas galerias nacionais e internacionais, além de seus estandes, organizam exposições especiais que estão na vanguarda do crescente movimento de arte contemporânea. A feira oferece um extraordinário conjunto de trabalhos e experiências em setores especializados.

LA Art Show 2020
O LA Art Show 2020 cria uma das maiores feiras de arte internacionais dos Estados Unidos, proporcionando uma experiência de arte empolgante, envolvente e privilegiada para patrocinadores, seus convidados selecionados e clientes VIP. A mostra atrai uma lista de elite de galerias nacionais e internacionais, artistas aclamados, curadores conceituados, arquitetos, profissionais de design, juntamente com colecionadores exigentes.

Esse ambiente cultural inovador e excepcional atrai executivos e membros do conselho de empresas do sul da Califórnia, representantes do governo estadual, municipal e municipal, bem como líderes de instituições culturais da região. Os participantes são criadores de tendências, influenciadores e consumidores alfa, que buscam e exigem o que há de mais novo e melhor em todas as áreas de suas vidas – arte, design, comida, tecnologia e viagens sendo pontos de paixão específicos.

Para 2020, LA Art Show tem a honra de fazer parceria com instituições culturais como The Broad, LACMA, UCLA Chicano Studies, MOLAA, Danubiana Museum (Bratislava, Eslováquia), Arte Al Limite (Chile), La Neomudejar Museum (Madrid, Espanha), PSJM Coletivo (Ilhas Canárias) e Museu de Arte das Américas (Washington DC).

Modern + Contemporary – A maior seção da programação no LA Art Show, Modern + Contemporary exibe o vasto espectro da pintura contemporânea, ilustração, escultura e muito mais de galerias em Los Angeles, Pacific Rim e países ao redor do mundo.

Core – Core é um espaço com curadoria para galerias reconhecidas em todo o mundo como líderes na arte contemporânea. As galerias exibidas aqui continuamente educam, inspiram e encantam os colecionadores ávidos do mundo com as vozes mais procuradas do mercado.

Pavilhão Europeu – Pela primeira vez na nossa história, estamos entusiasmados em apresentar um novo pavilhão dedicado às galerias europeias. O novíssimo Pavilhão Europeu apresentou exposições com curadoria destacando vários movimentos e desenvolvimentos estilísticos.

Roots – Honrando as vozes e movimentos anteriores, o ROOTS é um espaço de exposição dedicado para galerias que exibem obras históricas e artistas contemporâneos que seguem essas tradições.

Works On Paper – Works on Paper é um espaço de exposição dedicado à exibição de fotografias e outros trabalhos que não sejam em telas tradicionais.

Project Space – Vindos de todo o mundo, os expositores do Project Space apresentam uma ampla gama de ideias e talentos na forma de exposições individuais, apresentadas pelas galerias participantes.

Design LA Art – O Design LA Art serve como um espaço com curadoria para mostrar galerias de design internacionais proeminentes. Design LA Art fornece um mercado de arte para design contemporâneo colecionável e arte funcional, exibindo o melhor em objetos de design, arte, joias, arquitetura e móveis apresentados ao lado das galerias modernas e contemporâneas líderes globais de hoje.

DIVERSEartLA – Capitalizando a posição da cidade no Pacífico, DIVERSEartLA é uma seção de programação especial dedicada a nutrir a energia criativa de colecionadores, artistas, curadores, museus e organizações sem fins lucrativos internacionais, conectando-os diretamente com o público em Los Angeles. Diversidade e inclusão continuam a ser nossos principais mandatos à medida que refletimos e nos regozijamos. Capitalizando a posição da cidade na Orla do Pacífico, DIVERSEartLA é uma seção de programação especial que dedica mais de 35.000 pés quadrados para alimentar a energia criativa de colecionadores, artistas, curadores, museus e organizações sem fins lucrativos internacionais, conectando-os diretamente com o público em Los Angeles.

Exposições em destaque – expandindo-se além dos limites dos espaços de estandes, as exposições em destaque criam experiências imersivas para envolver o público por meio de obras de arte, performances e outras exposições instigantes oferecidas pelas galerias participantes, destacando trabalhos que foram comentados nos anos seguintes.

Tinta – A exposição de arte 2020 LA estava exibindo uma gama diversificada e abrangente de pinturas a tinta pan-asiáticas ao longo da feira, apresentando artistas do Japão e da China, que raramente é vista nesta escala fora da Ásia. A pintura com tinta originou-se no Leste Asiático como a tradição de usar tinta preta à base de carbono e técnicas de pintura com pincel caligráfico. Tinta é tão sinônimo de pintura no Oriente quanto óleo é sinônimo de pintura no Ocidente.

Exposições

Obras de MC Escher
Explorando a interseção de arte, matemática, ciência e poesia, o trabalho de Escher fascinou e surpreendeu gerações de artistas, arquitetos, matemáticos, músicos e designers. Ao longo de 40 anos, Walker Fine Art reuniu a maior coleção de obras de Escher do mundo e apresentou o “mais raro dos raros” na 25ª Mostra Anual de Arte de LA.

A experiência de MC Escher percorre toda a sua carreira e inclui litografias raramente vistas, cortes de madeira, gravuras e mezzotints, bem como móveis personalizados icônicos do artista. Muitos deles foram exibidos na Califórnia pela primeira vez. Além de ver o trabalho do artista de perto, os participantes do LA Art Show têm a oportunidade de se tornarem Escher. Uma cabine fotográfica especial recriará seu autorretrato esférico icônico com você no reflexo.

Durante anos, Rock J. Walker defendeu o trabalho do famoso gravador holandês MC Escher em feiras e exposições de arte nos Estados Unidos e no mundo todo. Como proprietário de uma das maiores coleções de gráficos intrincados de Escher do mundo – uma coleção que transborda de surpresas até mesmo para o fã mais entusiasta de Escher – Walker tem se esforçado não apenas para manter o artista popular entre o público em geral, mas para demonstrar o substância e profundidade do trabalho aos olhos do mundo da arte.

Iconoclastas: Kazu Hiro
KAZU HIRO é um escultor hiperrealista contemporâneo que vive e trabalha em Los Angeles. Depois de trabalhar 25 anos como maquiador de efeitos especiais em Hollywood, Kazu mudou decisivamente o foco em 2012, dedicando-se em tempo parcial à escultura de belas-artes. Kazu Hiro ganhou um Oscar de Melhor Maquiagem e Penteado em Los Angeles este ano por seu trabalho no filme Bombshell.

Usando resina, silicone de platina e muitos outros materiais, Kazu constrói retratos tridimensionais em uma escala duas vezes maior que o normal. Kazu recebeu vários elogios ao longo de sua carreira, incluindo um Oscar do Oscar em 2018 por seu trabalho no filme “Darkest Hour”, ajudando o bom amigo e ator Gary Oldman a interpretar Winston Churchill. A mais nova escultura de retrato hiperreal de Kazu Hiro foi revelada no LA Art Mostra no estande da Galeria Copro. Na entrada da mostra, Kazu exibe uma retrospectiva de vários de seus trabalhos anteriores. Também houve a oportunidade para os colecionadores tirarem fotos de cada peça – Kazu estava presente em horários programados.

3.11 Réquiem e Reavivamento: Sogen Chiba
O trabalho 3.11 Requiem and Revival de Sogen Chiba transcreve reportagens de jornais sobre o Grande Terremoto do Leste do Japão. Chiba criou um novo trabalho nesta série para a exposição atual. Considerando que estamos agora sete anos depois do 11 de setembro, nossas memórias do evento estão se apagando. Procuramos registrar as memórias de desastres inimagináveis ​​e considerar como podemos ir além deles. O próprio Chiba é do distrito de Ishinomaki, atingido pelo desastre, e usou seu espírito indomável para ir além do infortúnio e se desafiar a criar obras e imagens que só podem ser expressas em caligrafia.

Nove anos se passaram desde o Grande Terremoto no Leste do Japão e Desastres Relacionados, e embora a recuperação e revitalização continuem nas zonas de desastre, também há evidências de intemperismo nessas áreas. Em meio a tais circunstâncias, essas obras se confrontam, na questão, o que só pode ser expresso por meio da caligrafia contemporânea. O próprio Chiba é um sobrevivente do desastre e incorpora nessas obras fortes mensagens para as pessoas da zona do desastre. A sua esperança é que esta exposição permita a um público ainda mais vasto ver, conhecer e sentir estas obras. O novo trabalho de Chiba está incluído aqui. Uma direção que está sendo tomada na caligrafia de vanguarda, como visto nesta obra, é o desprendimento da natureza do caráter de cada personagem, fazendo com que cada espectador considere a própria definição da obra.

Taylor Camp: Edge of Paradise
As fotografias dos anos 1970 de John Wehrheim revelam uma comunidade que criou ordem sem regras e rejeitou o materialismo pelo poder de cura da natureza. Em 1969, treze hippies – refugiados de distúrbios no campus, protestos de guerra e brutalidade policial – fugiram para a remota ilha havaiana de Kauai. Em pouco tempo, essa pequena tribo de homens, mulheres e crianças foi presa e sentenciada a noventa dias de trabalhos forçados por não ter dinheiro nem casa. O residente da ilha, Howard Taylor, irmão da atriz Elizabeth, socorreu o grupo e os convidou para acampar em seu terreno baldio à beira-mar – depois os deixou por conta própria, sem quaisquer restrições, regulamentos ou supervisão.

Logo, ondas de hippies, surfistas e veteranos do Vietnã problemáticos encontraram seu caminho para esta vila de casas na árvore onde as roupas são opcionais e adequadas para a maconha, no final da estrada na costa norte da ilha. Em 1977, o governo condenou a vila para dar lugar a um parque estadual. Em poucos anos, a selva recuperou Taylor Camp, deixando pouco mais que cinzas e memórias dos “melhores dias de nossas vidas”.

Karma: A imagem do Moon-Jar como epítome da vida: Choi Young Wook
Choi Young Wook tem pintado o jarro lunar de Chosun por vários anos. A imagem do jarro da lua quase preenche toda a tela, que à primeira vista parece que o pintor a executou com uma técnica hiperrealista. É por isso que alguns espectadores ou críticos se apressam em categorizar seu trabalho como hiperrealismo, mas essa interpretação está errada. Seu trabalho não é uma representação objetiva da imagem em um estilo hiperrealista, mas sim, inclinado a ser subjetivo. A representação da imagem do jarro lunar é meramente vestida no estilo da descrição figurativa. O único critério crítico que se convoca para interpretar sua obra como hiperrealística é a referência à descrição das fissuras superficiais da panela,e isso decorre do equívoco de que a imagem de rachaduras finas na superfície da porcelana esmaltada representa a fissura real na superfície.

Of Aesthetics & The Vernacular: Baua Devi (Artista Mestre da Pintura de Mithila)
Esta exposição mostra obras de Baua Devi, um mestre do estilo de pintura Mithila ou Madhubani na Índia. A tradição da pintura Madhubani desempenhou um papel fundamental nos esforços de preservação ambiental na Índia em 2012, onde houve desmatamento frequente no estado de Bihar. As árvores locais estavam sendo cortadas em nome do desenvolvimento.

A principal razão para o esforço de conservação foi que as árvores são tradicionalmente adornadas com as formas de deuses e outras imagens religiosas e espirituais. Esse reconhecimento do significado cultural e estético das árvores evitou que fossem cortadas. As pinturas Madhubani retratam principalmente pessoas e sua associação com a natureza, bem como cenas e divindades de épicos antigos. Geralmente, nenhum espaço é deixado vazio; as lacunas são preenchidas por pinturas de flores, animais, pássaros e até desenhos geométricos.

O Projeto Milho: Eric Johnson
O “Projeto Milho” representa abstratamente uma estrutura em forma de pólo. Na cultura indígena americana, o mastro do alojamento é um local de encontro e o título e a forma da escultura fazem referência a uma seção de uma espiga de milho. Para Johnson, isso alude à sua herança nativa americana e também é um chamado para aumentar a conscientização sobre as questões da fome global, combustível alternativo e a complicada relação do milho com nosso suprimento de alimentos.

A peça é montada a partir de mais de 300 unidades de resina de poliéster fundidas individualmente, “kernels”, como ele as chama. Os grãos foram feitos no estúdio de Johnson com a ajuda de vários artistas, amigos e membros da comunidade. O projeto comunitário levou vários anos para ser concluído. Os participantes foram convidados a selecionar cores de resina, sequenciamento de derramamentos e envolver pequenos objetos ou mensagens nos grãos. A personalização varia do leve (milho doce) ao profundo (dentes de leite de uma criança perdida).

ALPHACUBE: Lorenzo Marini
ALPHACUBE é o novo projeto artístico de Lorenzo Marini com curadoria de Sabino Maria Frassà. Com ALPHACUBE, o artista literalmente vira o paradigma da arte contemporânea do cubo branco como a melhor forma de transmitir seu uso e compreensão. Lorenzo Marini vira esse paradigma de pernas para o ar e faz do “cubo branco” a caixa, o exterior da obra de arte. A obra está contida totalmente dentro do cubo, delineando um novo espaço imersivo animado pelo brilho artístico.

ALPHACUBE surge no espaço como algo estranho, tanto na forma como no conteúdo: embora seja óbvio que o artista tem um certo fascínio pelo dadaísmo e pelo futurismo, que ele reinterpreta e atualiza, também não se pode negar que o foco da instalação é não uma satisfação estética, mas um estímulo social e cultural. O resultado formal é, portanto, uma instalação fascinante e – podemos também admiti-lo – extremamente atraente e sedutora, que literalmente esconde “dentro” uma crítica de como nos comunicamos e interagimos hoje: informação demais que varre a comunicação, para qual linguagem nasceu.

Acontecendo: Ryan Schude
Um estande de exposição especial de fotografias de Ryan Schude. Schude é conhecido por seus quadros em grande escala, de quadro único, repletos de ação sofisticada – mesclando surrealismo e cultura americana com um toque de humor contemporâneo. Neste mais recente corpo de trabalho, os temas de Schude se misturam com ambientes exteriores monumentais. Freqüentemente visto de uma perspectiva elevada, as forças da natureza tornam-se parte da narrativa aberta de cada personagem.

Schude foi destaque internacional e nacionalmente em exposições e publicações, incluindo a capa da edição Norman Rockwell da revista Smithonian. Recentemente, ele colaborou com Laura Miner em um Tableau Vivant para o Museu de Arte Moderna de São Francisco, que destacou os funcionários e suas obras de arte criadas fora do museu como os temas da narrativa. Este projeto faz parte de uma série maior envolvendo fotografias de indivíduos em instituições como documentação de um ‘Acontecimento’ no processo fotográfico.

Programas

DIVERSEartLA
A DIVERSEartLA se dedica a reunir algumas das mais importantes instituições de arte locais e internacionais, museus e organizações sem fins lucrativos para um diálogo elevado e atencioso. Para 2020, o foco curatorial de Marisa Caichiolo para DIVERSEartLA foi expandido para abraçar e celebrar as instituições e colecionadores de arte que apoiam o florescimento da comunidade artística de LA.

DIVERSEartLA foi expandido para abraçar e celebrar as instituições de arte e colecionadores de arte que apóiam a mais nova e maior iteração da comunidade de arte de LA, bem como para criar uma forte conversa sobre uma variedade de eventos e programas. Servindo assim como uma plataforma e recurso para as melhores práticas e liderança de diversidade, incluindo TODAS as comunidades de Los Angeles.

As comunidades de Los Angeles refletem uma variedade impressionante de origens étnicas, e seus arredores naturais icônicos são igualmente variados e vastos. Para homenagear esta biodiversidade única, estamos nos concentrando na representação de artistas contemporâneos de todo o mundo como parte de cada instituição. A importância do enfoque curatorial deste ano deve permanecer comprometida em fomentar e aprender sobre as organizações que apoiam a inclusão e a diversidade.

Este ano, estamos entusiasmados em comemorar o 25º aniversário do LA Art Show com um evento magnífico que reflete os amplos habitats naturais e a diversidade cultural de LA, bem como o DIVERSEartLA como uma parte essencial para transformar museus e instituições culturais em modelos para comunidades pluralistas. Não há nada mais importante do que a inclusão em um momento em que a cultura política e social dos Estados Unidos é definida pela divisão.

Pirâmides de Gronk
Para seu novo trabalho chamado “Pirâmides”, o artista de LA Gronk estava repensando o palco da ópera que ele originalmente projetou e pintou em 2013 para a adaptação de Peter Sellar da semi-ópera de Purcell “The Indian Queen (1695). Esse trabalho conectou as noções fantasiosas de Purcell de a Conquista com questões atuais de imigração e autoritarismo. Durante a exibição do LA Art Show, Gronk estava pintando em uma maquete em tamanho real de um palco teatral, proporcionando aos visitantes uma visão por trás da cortina de sua prática artística como bem como da criação do cenário envolvida na performance e na cultura da mídia. Ao contrário de uma performance teatral, o design do cenário foi concluído apenas após o encerramento da exposição e o desaparecimento do público. Em vez de ver uma obra concluída, os visitantes puderam interagir com o artista,participando do processo de fazer um “teatro político” para o nosso momento contemporâneo. Os programas incluem um diálogo entre Gronk e Peter Sellars e uma performance improvisada, ambos usando o espaço teatral criado por “Pirâmides”.

Eu Te Vejo, Eu Sou Visto: Sobre o Impacto da Diversidade
Tendo o título de um discurso da educadora e ex-membro do partido Black Panther Ericka Huggins para a Aliança Americana de Museus, este espaço apresenta fotografia e vídeo envolventes que destacam as experiências de primeira mão dos participantes do DAP enquanto constroem carreiras em museus.

Nos últimos anos, as iniciativas para diversificar o pessoal dos museus de arte acumularam uma quantidade considerável de dinheiro. Embora mais trabalho ainda seja necessário, os apelos por uma maior diversidade se espalharam pelo mundo da arte. Em Los Angeles, o The Broad tem sido uma instituição líder nesse trabalho por meio de seu inovador Programa de Aprendizagem em Diversidade (DAP). Um aprendizado remunerado em tempo integral em manipulação de arte e preparações para aqueles sub-representados na equipe do museu, o DAP está mudando a demografia e mudando o panorama da equidade no campo do museu.

O Nascimento do Niemand
O nascimento do Niemand consiste em grandes esculturas monumentais. Eles representam toda uma gama de emoções negativas que as pessoas tentam esconder em suas vidas, como maldade, complexo de inferioridade e autoconfiança doentia. O artista estudou em Bratislava na Academia de Belas Artes e Design de Bratislava e em Praga na Academia de Belas Artes. Frešo pertence às figuras mais notáveis ​​da arte contemporânea na região da ex-Tchecoslováquia, na Europa. Seu trabalho e abordagem geral da arte são bastante atípicos, mas ao mesmo tempo refletem a situação na sociedade e na cultura.

O artista cria conceitos e projetos sofisticados apresentando-os como “Obras de Arte” fechadas aparentemente simples. Ele costuma ser crítico em suas obras e expressa agressivamente seu desprezo pela cena artística em si e seus processos, mas com um tom leve, bem-humorado e divertido. Um dos elementos mais fascinantes de sua criação é o aparente contraponto da ênfase no enorme e grandioso EGO conectado a um gesto em combinação com a desarmante humildade auto-irônica. Sua capacidade de revelar lados sombrios de sua alma, ou tropeçar e jogá-los ao mundo independente das consequências, desloca os conceitos do autor para possibilidades mais amplas de percepção dos motivos de sua obra. Viktor Frešo está interessado em ferramentas visuais diretas e eficientes.Ele cria um certo espaço entre a ação-reação e as condições de rápido reconhecimento das relações entre o expressar de mim e a indicação dos outros.

Do sul
A artista apresenta retratos em preto e branco de duas cidades do sul do Chile. Como no romance A Tale of Two Cities de Charles Dickens, uma cidade (Londres) é descrita como obediente à lei e ordeira, análoga a como o artista apresenta Punta Arenas, e é contrastada com uma cidade altamente agitada politicamente (Paris), que é como González vê Valparaíso. Como descreve o artista: “A cidade é violenta para mim à primeira vista, talvez com o caráter de quem se fez. Cresce a cada dia como a selva que penetra seus riachos em todos os morros que a constituem para chegar ao mar. Não é planejado, só ocupa os espaços deixados pela natureza, como as plantas de um jardim abandonado. ”

Na série Liceo de González, ele comemora as conquistas individuais de cada aluno, enquanto vê os frutos do trabalho árduo de famílias, professores e amigos. Eles foram suspensos em um período que define a adolescência e a esperança. Os retratos desses alunos em uniformes escolares, em longos corredores do Liceu e em oficinas vestindo uniformes comerciais, é uma reminiscência de um passado promissor. É como se González evocasse os ancestrais que chegaram a essas praias para realizar sonhos e prosperar. Como Alfred Doblin escreveu sobre os retratos de August Sanders do povo alemão: eles são uma expressão maximizada dos esforços combinados de uma classe social, onde a maior conquista é domar a individualidade. Ele acrescenta que foi o desejo de sucesso que os trouxe a este ponto,e que pertencer a este lugar, em última análise, os reteve como pessoas.

Dactiloscopia Rosa: vídeo arte e construções QUEER
A exposição foi a partir dos materiais de arquivo, documentações e ensinamentos do arquivo transfeminista / queer do Museu, materiais didáticos das construções dos movimentos sociais que conseguiram passar a perspectiva social que existia na comunidade LGTBQ nos anos 70, 80 e 90 nos anos Espanha sob a ditadura de Franco, o material audiovisual é uma compilação de manifestações, celebrações e ativismos, pôsteres vintage. A primeira versão desta instalação fora do Museu La Neomudejar foi em 2018 no Espaço Matadero em Madrid, paralelamente à celebração do orgulho mundial na cidade.

Celebrando a Diversidade
Com o objetivo de homenagear as comunidades LGBTQ + locais e internacionais ao redor do mundo, o Museu de Arte Latino-Americana (MOLAA) apresenta uma instalação especial sobre diversidade e orgulho em colaboração com a mundialmente conhecida dupla artística argentina, Leo Chiachio e Daniel Giannone. A apresentação inclui a bandeira têxtil de 120 pés de comprimento, a nova aquisição da MOLAA “Família Californiana em Seis Cores 1” e uma entrevista gravada sobre seu processo criativo. Essas obras foram criadas pelos artistas da MOLAA, onde mais de 3.000 membros da comunidade de Long Beach e Los Angeles colaboraram na criação da bandeira.

A criação desta obra de arte ocorreu durante a residência dos artistas MOLAA entre março e junho de 2019. Visitantes e membros da comunidade foram convidados a contribuir com a construção da obra de arte, agregando suas próprias mensagens sobre o significado da diversidade e aceitação . A faixa foi carregada por mais de 100 voluntários na Parada do Orgulho de Long Beach e exibida no evento Pride no The Port em San Pedro, CA. O Museu destaca vozes pouco representadas de latino-americanos e latinos nos Estados Unidos e em todo o mundo. Esta instalação representa o compromisso da MOLAA com os valores da diversidade e inclusão para todos através das artes.

O verdadeiro amor de colecionar
A Revista AAL do Chile traz uma exposição que explora a Subjetividade do Colecionar no mundo da arte contemporânea de hoje. Ele revela o mistério por trás da paixão de colecionar e se concentra na questão sobre o que exatamente os faz se apaixonar por uma obra de arte. Os colecionadores reconhecem o valor que os artistas trazem para as comunidades e os trazem à luz de outros profissionais e instituições de arte.

Não é nenhum mistério que muitas de nossas experiências em museus são lideradas por colecionadores visionários que fizeram doações significativas ou abriram novos museus para exibir suas extensas coleções de arte. Os colecionadores de arte moldam o cenário da arte contemporânea internacional por causa das decisões únicas e conexões ponderadas com outros entusiastas da arte e participantes do mercado de arte.

Colecionador de arte: Homeira Goldstein
Descendente da Dinastia Real Qajar no Oriente Médio, uma força multitalentosa dedicada à criatividade e às artes, e uma ávida colecionadora de arte contemporânea, Homeira Goldstein construiu uma reputação incomparável defendendo artistas nacionais e internacionais que promovem a arte e a cultura na Grande Los Angeles. Como Presidente do Conselho da TIME4ART, ela tem sido fundamental na criação de oportunidades para os artistas alcançarem o público usando locais tradicionais e inovadores, como centros de arte, locais pop-up, espaços abertos e casas particulares.

A inspiração para o trabalho de Timothy Tompkins é o reflexo de uma narrativa relacional tanto física quanto metaforicamente que se dissolve em forma e cor. Este efeito se esforça para imitar as camadas de códigos e semiótica de uma imagem ao mesmo tempo em que pede ao espectador para participar de um diálogo expandido de contemplação e conotação de conteúdo. Além disso, as pinturas tentam refletir as influências da sociedade contemporânea, como consumismo, mídia de massa e cultura digital. O interesse de Tompkins pela linguagem da pintura e pelas teorias contemporâneas da cultura visual o atraem para as imagens produzidas por várias mídias, como uma conexão visual frouxa com a história da pintura e a influência do meio como comunicador visual.

Estou indo para..
Adriana Ramirez é uma artista conceitual da Colômbia. Seu trabalho fez parte de bienais, exposições em diferentes partes do mundo convidando o coletivo a participar da maioria de suas instalações. Esta plataforma tem um eixo: a capacidade de cada um decidir e se tornar criador do seu próprio destino e, portanto, responsabilidade pelo futuro da comunidade. Assenta em duas premissas: a primeira, é que não viemos a este mundo apenas para nos conhecermos, mas também viemos com a possibilidade de nos criarmos; e a segunda, é que todo indivíduo está rodeado por um grupo social e coexiste graças à linguagem.

Para tanto, esta plataforma convida as pessoas a vivenciarem o poder da linguagem de construir realidades futuras, declarando: quando se AFIRMA algo, a linguagem é usada para descrever a realidade; significa que as palavras dependem do mundo que já existe; por exemplo, “Hoje está chovendo”. Por outro lado, quando alguém DECLARA algo, usa-se a linguagem para definir a realidade, pois nosso mundo depende das palavras pronunciadas; por exemplo, “Hoje vou ouvir antes de falar”.

Pode haver um monstro dentro de você
A PSJM apresenta no LA ART SHOW 2020 a mesma performance que criaram para o contexto da 58ª Bienal de Veneza, uma das suas performances corporativas em que anfitriãs uniformizadas interagem com o público de forma a causar sobressalto e reflexão. Combinando marketing e totalitarismo, utilizando a estratégia de “superidentificação” teorizada por Zizek, o coletivo se apresenta apropriando-se esteticamente das estratégias e modos de sedução do sistema capitalista de forma autoritária.

PSJM é uma equipa de criação, teoria e gestão formada por Cynthia Viera (Las Palmas GC, 1973) e Pablo San José (Mieres, 1969). A PSJM apresenta-se como uma «marca de arte», apropriando-se dos procedimentos e estratégias do capitalismo avançado para subverter as suas estruturas simbólicas. PSJM atua como uma marca registrada da arte do acontecimento abordando questões da obra de arte no mercado, comunicação com os consumidores, ou função como qualidade artística, utilizando recursos de comunicação emprestados do capitalismo do espetáculo para ressaltar os paradoxos produzidos por seu desenvolvimento desenfreado.

Diversidade Caminhadas e Palestras
A performance “Diversity Walks and Talks” convida os proclamadores individuais da cultura de LA a desfilarem na passarela em celebração à sua singularidade, apresentando a diversidade de LA. Vários participantes foram pré-selecionados e entrevistados sobre o que a diversidade representa para eles. Suas entrevistas acontecem durante a passarela em formato de vídeo ou áudio. Espectadores também serão recrutados ao vivo para percorrer a passarela. Um fotógrafo no final da pista documenta todos os indivíduos e suas fotos são instantaneamente exibidas na parede da pista. Esse desempenho, assim como a cultura da moda e das celebridades de LA, é de alta energia, ritmo rápido e confiante.

Transcendientes: heróis na fronteira
TRANSCENDIENTS é uma colaboração única entre o artista Taiji Terasaki e JANM que homenageia HEROES AT BORDERS: indivíduos que defendem e lutam por aqueles que enfrentam discriminação, preconceito e desigualdade nas fronteiras físicas e conceituais. Esses heróis, sejam conhecidos ou não, inspiram seus conterrâneos americanos, seus bairros e comunidades, políticas governamentais e mudanças sociais. Ao iluminar suas histórias, esperamos educar os visitantes do museu sobre seu trabalho e inspirar um espírito de unidade e ação em apoio à democracia e à justiça para todos.

Esta exposição destaca figuras importantes que trabalham para superar e transcender fronteiras que reforçam a discriminação, a desigualdade e a intolerância. Quer sejam aqueles que lutam para retificar as injustiças dos direitos humanos e para combater os sentimentos e ações anti-imigrantes, membros da comunidade LGBTQ + que buscam direitos iguais, mulheres pressionando por salários iguais ou adeptos religiosos que desejam adorar em segurança, esses heróis usam seus próprios experiências para construir pontes de compreensão que nos conectam no centro de nossa humanidade coletiva. É imperativo que aqueles que acreditam na liberdade, justiça e justiça social sejam encorajados a se unir e apoiar as forças da democracia e da decência humana.

Festival de Cinema de Belas Artes
O Festival de Cinema de Belas Artes (FAFF) é dedicado a mostrar os melhores filmes do mundo sobre arte, fotografia, colecionadores e artistas de todas as mídias dentro e fora de seus estúdios, galerias, museus, arte pública e espaços de arte alternativos. Apresentando filmes excepcionalmente criativos e importantes sobre arte, atistas e o mundo da arte de países ao redor do mundo.

Local
O LA Art Show está estrategicamente situado no epicentro dinâmico da cidade. O LA Convention Center é o local ecológico mais avançado do sul da Califórnia, com tetos altos e amplo espaço. Aqui fica o Grammy Awards, o Grammy Museum e um impressionante complexo de entretenimento que inclui o Nokia Theatre, o Staples Center Arena, os melhores restaurantes e o The Ritz Carlton Hotel and Residences. Os patrocinadores das artes dirigem com prazer para Downtown LA para o melhor em Música Clássica (Disney Hall), Teatro (Mark Taper e Ahmanson) e Arte Contemporânea (MOCA, Art District).