Lors de la Biennale 2015, l’Angola a présenté cinq artistes dans On Ways of Traveling. Basée sur l’idée d’un dialogue intergénérationnel, l’exposition se concentre sur la façon dont une jeune génération d’artistes et de citoyens dans un Angola indépendant contribue à l’héritage et aux fusions culturelles des générations passées.

Le pavillon de l’Angola est situé dans le Palazzo Pisani à Campo Santo Stefano. L’exposition prendra une installation centrale avec l’artiste António Ole, pour marquer le recto et le verso, avec Francisco Vidal présent des installations constituées de peau métallique de machettes, symbole de la résistance angolaise, telles que le support d’une action picturale remarquable.

Ce choix permet à une génération plus jeune, mais avec des preuves données et reconnues, suite à l’héritage de l’artiste António Ole, d’accéder au circuit de la Biennale de Venise, dans une promotion du pays, mais aussi les possibilités de s’installer sa présence internationale pour assurer la réussite d’un projet qui répond aux exigences de cette présentation et de la prochaine représentation contemporaine du profil.

Francisco Vidal a montré Utopia Luanda Machine, une œuvre multimédia qui se plie en caisses et comprend des images de Zadie Smith, Kanye West et des cotonniers peints sur des machettes. L’artiste espérait créer une nouvelle révolution industrielle africaine qui allierait art, artisanat et design. Parmi les autres œuvres, citons la courte vidéo humoristique de Binelde Hyrcan de quatre garçons lors d’un voyage imaginaire, les images en couches de Délio Jasse flottant dans un bassin d’eau colorée, les sculptures de masque de Nelo Teixiera et l’assemblage de tubes en plastique d’António Ole. Ole a également été commissaire de l’exposition. Le spectacle est monté au Palazzo Pisani a San Stefano de Venise. Le commissaire du pavillon, RitaGT, a déclaré que le ministère angolais de la Culture avait été un fervent partisan de la participation à la Biennale pour son impact à la fois sur le pays et pour amener son art contemporain sur la scène internationale.

La 56e exposition servira également de filtre à la trajectoire historique que la même biennale a parcourue au cours de ses 120 ans de vie, un filtre à travers lequel réfléchir sur «l’état des choses» actuel et «l’apparence des choses».

L’approche du pavillon lui-même ressemble à une forme de voyage dans le temps et l’espace: l’exposition est montée au deuxième étage du Palazzo Pisani Moretta, un palais baroque vénitien sur le Grand Canal qui abrite aujourd’hui le Conservatorio Benedetto Marcello. Pour accéder aux installations, on traverse un hall d’entrée richement décoré au son des étudiants en musique qui se réunissent et répètent.

Sur les voies du voyage: urbanisme et renouveau
La 56e édition de la plus importante Biennale internationale d’art contemporain a lieu cette année à Venise, un forum de premier plan pour l’introduction et la reconnaissance des artistes des pays participants.Depuis 2013, le ministère de la Culture de l’Angola assure la représentation du pays à la Biennale d’art de Venise, qui se caractérise par la grande qualité de ses soumissions, en tenant compte des pratiques développées au sein de la scène artistique contemporaine. Cette approche a donné lieu à d’excellents retours du public et des critiques d’art, tant nationaux qu’internationaux, et a abouti au Golden Lion Award en 2013.

Le pavillon angolais de la 56e Biennale de Venise est intitulé «On Ways of Traveling», mais l’exposition évoque plus précisément certaines des barrières à la liberté de circulation que beaucoup connaissent en Angola et ailleurs en Afrique – visas, difficultés économiques , frontières et trafic routier. Pourtant, «voyager», dans ce contexte, ne signifie pas seulement un mouvement physique; il renvoie également à la rencontre de visions du monde, de modes de vie et de temporalités disparates, ainsi qu’à des états de rêve, de désir et de désir de changement. Le sujet n’est nulle part plus pertinent que le contexte actuel de La Biennale di Venezia, une destination essentielle pour le tourisme artistique international et un précédent précoce pour le phénomène de l ’« exposition mondiale »de l’art contemporain.

L’approche du pavillon lui-même ressemble à une forme de voyage dans le temps et l’espace: l’exposition est montée au deuxième étage du Palazzo Pisani Moretta, un palais baroque vénitien sur le Grand Canal qui abrite aujourd’hui le Conservatorio Benedetto Marcello.

Pour accéder aux installations, on traverse un hall d’entrée richement décoré au son des étudiants en musique qui se réunissent et répètent. Montant l’escalier au deuxième étage, une tour de poubelles en plastique aux couleurs vives apparaît, révélant une sculpture de l’artiste et conservateur António Ole. Des matériaux vernaculaires, des couleurs vives et des objets trouvés remplissent l’intérieur fleuri du Palazzo, créant une juxtaposition riche et inconfortable entre l’opulence européenne et l’urbanisme africain.

Ici se trouve l’un des fils centraux qui traversent l’exposition, qui envisage l’environnement construit comme un réseau vivant de points de rencontre, de barrières, d’interstices et de souvenirs.

António Ole
Angola, 1951. Peintre, cinéaste et photographe, Ole a créé une vaste œuvre qui reflète les multiples aspects de son univers créatif, en se concentrant sur les thèmes de la colonisation, la guerre civile, la famine, les conflits sociaux et, en particulier, la capacité humaine à résistance et survie. Tout au long de sa carrière artistique, il a développé des projets qui révèlent un certain éclectisme formel et esthétique, ses œuvres comprenant le dessin, la peinture, la sculpture, l’installation, la photographie, la vidéo et le cinéma. Sa première exposition a eu lieu en 1967 et, depuis ses débuts internationaux au African-American Art Museum (Los Angeles) en 1984, ses œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions, festivals et biennales, dont La Havane (1986, 1988, 1997), São Paulo (1987), Berlin (1997), Johannesburg (1995, 1997), Dakar (1998) et Venise (2003, 2007). Il a également participé aux prestigieuses expositions itinérantes: Africa Remix, Contemporary Art of a Continent et The Short Century.

Dans sa propre pratique artistique, Ole a étudié la récente modernisation de Luanda, les effets du développement haut de gamme sur les quartiers les plus pauvres de la ville et les moyens par lesquels les gens parviennent toujours à franchir les frontières les plus strictes. Les œuvres de sa célèbre série Township Wall, commencée au milieu des années 1990, évoquent la perméabilité de l’architecture frontalière et la coexistence du luxe et de la misère dans des villes comme Luanda (il suffit de consulter la première ligne du profil de la nation de la BBC). , ce qui explique que s’il est «l’un des principaux producteurs de pétrole en Afrique, l’Angola n’en est pas moins l’un des pays les plus pauvres du monde»). En plus de l’accent mis par le Pavillon sur l’architecture, de nombreuses œuvres partagent un traitement de type Janus des oppositions telles que le passé et le futur, le déclin et le progrès, ou la mémoire et la fantaisie.

Pour cette exposition, Ole présente une installation sculpturale qui comprend une paroi pliée en tôle ondulée; les niches découpées dans les tôles sont remplies de bouteilles en verre ou de piles de vêtements froissés – des objets qui sont entrés ailleurs dans l’économie angolaise. Autour de ce fossé se trouvent deux assemblages de bacs en plastique, des exemples de matériaux bon marché et de mauvaise qualité, souvent importés de Chine, qui sont maintenant omniprésents dans tout l’Angola. Humble mais virtuose, l’installation témoigne également de l’optimisme, de la créativité et de la persévérance de la culture angolaise malgré les difficultés persistantes.

Binelde Hyrcan
Angola, 1980. Binelde Hyrcan a grandi en Angola. Choqué par les images de guerre dans sa jeunesse, il a vu les conséquences réelles des décisions politiques. C’est dans ce mélange, entre la vision d’un monde vivant présent devant lui et les effets dramatiques de certaines décisions politiques abstraites, que l’artiste a saisi cette image indélébile. Hyrcan s’exprime dans toute la gamme des médias artistiques: sculpture, peinture, design, vidéo-art et performance. Il a exposé à travers le monde depuis sa première exposition en 2008, Trois fois deux mouvements à Paris, à la 2e Triennale de Luanda en 2010 et à la «No Fly Zone» de 2013 au Museu Coleção Berardo, Lisbonne.

Dans la vidéo de Binelde Hyrcan, Cambeck, les allusions au voyage rencontrent la réalité de l’immobilité; la pièce enregistre quatre jeunes garçons alors qu’ils imaginent des vies alternatives de richesse et d’évasion. Assis dans de petits trous creusés dans du sable de plage qui sont positionnés pour ressembler à des sièges d’auto, les garçons font face à l’océan Atlantique et dirigent le «chauffeur de taxi» à l’avant, qui brandit une bascule comme volant. « Conducteur, allez plus vite! » on commande, « Allez, pilote, mets cette chanson! » « Tu ne vois pas que la radio est cassée? » Ils parlent des membres de leur famille et de leurs proches aux États-Unis et en Italie et condamnent les bidonvilles à la maison. Bien que leur dialogue fasse allusion au rêve du voyage mondial – conçu par l’observation de conversations d’adultes – il fait également référence au trafic routier qui afflige Luanda, les navetteurs passant souvent jusqu’à quatre heures à se déplacer à travers la ville.

Délio Jasse
Angola, 1980. À 18 ans, il s’installe à Lisbonne où il commence à travailler dans des ateliers de sérigraphie. Ici, il a eu le premier contact avec les différentes techniques d’impression, parmi lesquelles il a rapidement découvert la photographie. Il a commencé à expérimenter les différentes possibilités techniques de ce moyen d’expression. Il a participé à plusieurs expositions collectives au Portugal, en Angola, au Brésil, en Allemagne et en France. Parmi l’exposition de groupe, nous rappelons África (2010) au Museu Nacional de História Natural à Luanda, Bamako Photographic Encounters et l’exposition de groupe Present Tense (2013) à la Fundação Calouste Gulbenkian à Lisbonne. Parmi l’exposition solo, nous rappelons Schengen (2010) à Baginski, Galeria / Projetos. En 2014, il a été sélectionné pour le BES Photo Award.

L’installation Ausência Permanente de Délio Jasse a déjà été exposée dans des espaces en cube blanc, mais elle acquiert de nouvelles possibilités de signification dans son affichage au sein du Palazzo baigné de lumière. Trois bassins peu profonds remplis d’eau colorée sont disposés dans l’espace sous le mur extérieur de la Sala dei Vescovi, qui est bordé au plafond de fenêtres. Des taches de lumière du soleil brillent dans la pièce et sur son sol élégamment carrelé, projetant à la fois des ombres tranchantes et des projecteurs lumineux sur les piscines de turquoise, de fuscia et de bains d’eau claire dans lesquels de grandes images sont immergées: ce sont des photomontages qui contiennent des portraits de des hommes et des femmes anonymes recouverts de cachets, signatures, notations, dates et détails architecturaux. Les allusions au mouvement et à l’institutionnalisation du voyage résident à la fois dans les symboles de la bureaucratie dispersés à travers les images et dans les yeux hésitants et scrutateurs de chaque sujet qui nous regarde, vraisemblablement photographiés au moment des demandes de visa ou de passeport.

Il est important de noter que le mode de présentation de Jasse fait référence sans équivoque au processus de développement de photographies qui, une fois exposées, sont délicatement submergées dans des bains chimiques fluides avant que l’image ne soit lentement révélée. Jasse a déclaré que «les stars de cette série sont des fantômes» et, à ce titre, le contexte actuel met en lumière leurs histoires oubliées, à travers une poétique d’exposition et de visibilité.

L’eau qui se déplace doucement sur les images de Jasse rappellera également aux téléspectateurs une histoire des voyages maritimes qui a défini l’histoire moderne en Angola, des explorations portugaises du XVe siècle du Nouveau Monde aux réseaux commerciaux transatlantiques entre l’Europe, l’Afrique et les Amériques. qui a transporté des navires négriers entre Luanda et le Brésil, ainsi que les voyages tragiques actuels des migrants et des réfugiés du continent africain à travers la Méditerranée vers l’Italie.

Francisco Vidal
Francisco Vidal Angola, 1978. Le travail de Francisco examine les questions de race, de différence, de négritude et de la diaspora africaine. il utilise à la fois les possibilités de communication de son expression plastique et esthétique, ainsi que ses relations avec la société et le Portugal et l’Angola modernes. Il pense qu’elle est particulièrement ancrée dans son époque et son identité; quelque chose d’étroitement lié à la tranche d’âge à laquelle il appartient, et que l’on pourrait presque considérer comme le reflet de sa génération. Ses œuvres, sous divers formats, sont le fruit d’une réflexion de plus en plus minutieuse sur la réalité dans laquelle il vit. Il expose en solo et collectivement depuis 2006.

Nelo Teixeira
Angola, 1975. Nelo a étudié la peinture et la sculpture dans les ateliers de l’UNAP (National Union Plastic Artists) et a une formation en menuiserie et scénographie. Nelo a hérité d’un héritage familial intéressant de fabricants de masques. Il joue également un rôle important dans la communauté artistique de Luanda, enseignant à la plus jeune génération certaines de ses techniques. Il expose régulièrement depuis 2000 et développe la scénographie de plusieurs pièces de théâtre et de cinéma.

Tout cela nous ramène au contexte de La Biennale et au privilège du voyage touristique dans une nation qui représente actuellement le rêve d’asile pour tant de personnes à travers le continent africain. Alors que «On Ways of Traveling» contient de riches déclarations sur la vie dans l’Angola contemporain, il semble que le sens réside également dans le dialogue mis en place entre le Palazzo lui-même et les matériaux et les idées présentés dans l’exposition et aux enchevêtrements indéniables d’histoires, d’économies et de cultures à travers le monde.

Palazzo Pisani à Santo Stefano
Le Palazzo Pisani est un palais vénitien situé dans le quartier de San Marco, surplombant le Rio del Santissimo et bordant le Palazzetto Pisani et le Palazzo Morosini, surplombant Campo Pisani, adjacent au Campo Santo Stefano. C’est le siège du conservatoire Benedetto Marcello.

« La dernière rénovation majeure a été confiée à Girolamo Frigimelica, architecte de la famille Pisani, le même qui a construit l’imposante villa Pisani à Stra. Le but de la construction était éminemment festif: la noble famille Pisani, à l’époque l’une des plus riches en la ville, voulait un palais digne de sa taille, se frayant progressivement un chemin entre les maisons voisines pour atteindre le Grand Canal. Des personnalités, souverains et princes y séjournèrent: les chroniques parlent de la magnificence du mobilier et des décorations, de la galerie pleine de peintures des peintres les plus illustres. L’immense façade du bâtiment, critiquée par certains pour son ostentation, est animée par deux grandes arches au-dessus de la porte d’entrée  »
-Benedetto Marcello

« [Au Palazzo Pisani] d’une remarquable [il n’y a] que le courage de l’ancien propriétaire de dépenser beaucoup d’argent mal »
-Pietro Selvatico

Histoire
En 1525, les Pisans vivaient déjà dans la région de Santo Stefano, mais la construction du palais n’a commencé qu’entre 1614 et 1615. Le premier noyau s’est développé là où il y avait une maison appartenant déjà à la famille (obtenue par héritage) et d’autres bâtiments achetés spécifiquement pour la nécessité de construire cette maison. Alvise Pisani, le client, a décidé de ne pas se tourner vers un architecte pour la supervision des activités mais de fournir personnellement, en contactant directement les artisans, peut-être en raison de l’absence d’une grande personnalité artistique dans la ville à cette époque. En 1634, un tremblement de terre a détruit une partie de la maison, qui a dû être reconstruite. On pensait que le proto de l’époque, à savoir Bortolo da Venezia, connu sous le nom de Manopola, aurait pu être contacté pour la construction du bâtiment, construit « dans le style romain ». Au XVIIIe siècle, Vincenzo Maria Coronelli attribua le projet du palais à Jacopo Sansovino.

Expansion
En 1728, la famille Pisani a chargé Gerolamo Frigimelica de pourvoir à l’élévation et à l’agrandissement du complexe. Son intervention a impliqué la destruction de la grande lucarne centrale, la surélévation d’un étage, la construction des cours intérieures et la décoration. À la fin du XVIIIe siècle, d’autres travaux ont été effectués, ce qui a provoqué la modification de l’usine.

Le nouveau propriétaire du bâtiment, Alvise Pisani, a décidé de transformer les salles du deuxième étage noble en pièces plus petites, en les divisant selon le plan de Bernardino Maccaruzzi. Le palais compte désormais environ 200 chambres. Pendant ce temps, il était également un invité du palais Gustavo III de Suède, qui a déclaré qu’il ne pourrait jamais rendre la réception somptueuse reçue. De nombreuses autres transformations ont suivi: l’usine a été révisée à plusieurs reprises, les collections d’art ont été supprimées, l’ensemble du complexe a été divisé en appartements locatifs. Entre-temps, la famille propriétaire avait en fait dû transférer une grande partie du bâtiment, ne restant propriétaire que de l’aile nord. En 1880, la famille propriétaire s’éteignit. En 1940, le bâtiment a été transformé en véranda. En 1947, le peintre Zoran Music avait son atelier dans le grenier.

Architecture

Façades
Le bâtiment, qui démontre clairement la volonté de la famille Pisani d’atteindre le Grand Canal, objectif atteint avec l’acquisition de Palazzetto Pisani, a des dimensions considérables et donc de multiples façades.

La façade principale donne sur Campo Pisani et se caractérise par la décoration en pierre d’Istrie, ce qui lui donne un aspect majestueux. Traditionnellement, il apparaît tripartite: au centre du rez-de-chaussée il y a un grand portail, pris de la serliane des étages supérieurs. Sur les côtés de ce dernier, il y a des fenêtres à arcades rondes, dont la clé de voûte est ornée d’une tête humaine. Ils sont agencés pour former des fenêtres à meneaux: les deux fenêtres qui composent l’ensemble modulaire puis répétées ont une colonne au centre et sur les côtés des piliers. Le balcon exceptionnellement puissant du premier étage est soutenu par deux modillions et son parapet est décoré d’un motif carré.

Des façades secondaires se développent vers le Grand Canal (terminé seulement en 1751) et vers le Rio del Santissimo. Les deux ont une apparence nue, pas comparable à celle de la principale. Leur décoration se compose principalement de fenêtres à meneaux.

Disposition
La structure de la plante a des caractères très différents des traditionnels, qui voient une succession de pièces sur les côtés du portego. Dans ce cas, le bâtiment se développe autour de deux cours, séparées uniquement par un corps de loggia.

Intérieur
Au fil des ans, le bâtiment a été victime de spoliation. Malgré tout, de nombreuses œuvres d’art subsistent encore, concentrées dans les plafonds et les stucs. Le portail est entouré de deux groupes sculpturaux, représentant le meurtre du lion de Némée et la capture de Cerbère: ils sont généralement attribués à l’école de Girolamo Campagna. Le mur arrière du hall d’entrée est dominé par le grand fanò, la lanterne qui était située à l’arrière de la prison d’Andrea Pisani. Dans la salle de l’ancienne bibliothèque, au cinquième étage, se trouvent deux médaillons avec les profils de Martin Luther et Giovanni Calvino. Dans la mezzanine, il y a quelques pièces décorées de stucs datant de la seconde moitié du XVIIIe siècle.

Le portego du premier étage présentait une collection de peintures représentant les visages des hommes les plus célèbres de la famille: aujourd’hui seuls subsistent ceux d’Andrea Pisani et d’Alvise Pisani. La décoration de la pièce est plutôt l’œuvre du peintre Jacopo Guarana. Les décors abondent dans les pièces du premier étage: Francesco Zugno a notamment travaillé à la création des fresques qui décorent la pièce sur le terrain et celle adjacente. Le même étage abrite également une chapelle avec un retable sur le thème de la Sainte Famille et de San Giovannino, construite par Giuseppe Angeli.

Quant à l’aile qui surplombe le canal, elle dispose de deux pièces qui autrefois devaient être richement décorées mais qui paraissent aujourd’hui nues. Du même côté, il y avait aussi une salle utilisée comme galerie d’art, où étaient conservées de précieuses œuvres. Selon un inventaire réalisé en 1809, il se composait de 159 œuvres, dont les deux tiers du XVIe siècle, une quarantaine du XVIIe siècle et une douzaine du XVIIIe siècle. L’inventaire indique également les noms des artistes, dont Tiziano, Tintoretto, Paolo Veronese, Bassano, Palma the Elder. Adjacent à cette salle, il y a un riche stuc blanc et doré, attribué à Giuseppe Ferrari qui les aurait faites en 1776. A droite se trouve une chapelle dédiée à la Madone du Rosaire, agrandie et décorée en 1717.

Un autre lieu particulièrement important est la salle de bal, maintenant utilisée pour les concerts. Sa forme a été définie par Almorò Pisani entre 1717 et 1720. La pièce artistique la plus précieuse de la pièce était autrefois la toile qui décorait le plafond, réalisée par Giovanni Antonio Pellegrini entre 1722 et 1723. La toile a été vendue en 1895 mais a été remplacée en 1904 par une œuvre de Vittorio Emanuele Bressanin, illustrant la glorification de la musique. Ce travail a été réalisé gratuitement. Dans le même temps, Bressanin se consacre également à la création de la fresque de l’autre pièce vers l’escalier central, jadis décoré de cinq tableaux de Véronèse. Dans la salle qui abrite maintenant la direction du conservatoire, il y a un heurtoir en bronze, attribué à Alessandro Vittoria.

Bibliothèque
Il ne reste rien de l’ancienne bibliothèque Pisani à part un catalogue datant de 1807. Trois ans plus tard, tout est allé aux enchères et a été dispersé. La bibliothèque a été fondée par Almorò Pisani et était la plus riche parmi celles disponibles aux particuliers nobles vénitiens. Pendant la période de son activité, il était ouvert au public deux fois par semaine et avait un gardien. La collection était riche en ce qu’on appelait les livres interdits car ils sont souvent associés aux hérésies. La bibliothèque abritait également une grande collection numismatique, composée de 6000 pièces, à ajouter à la série complète de pièces vénitiennes.

Biennale de Venise 2015
La Biennale d’art 2015 clôt une sorte de trilogie qui a commencé avec l’exposition organisée par Bice Curiger en 2011, Illuminations, et s’est poursuivie avec le Palais encyclopédique de Massimiliano Gioni (2013). Avec All The World’s Futures, La Biennale poursuit ses recherches sur des références utiles pour porter des jugements esthétiques sur l’art contemporain, question «critique» après la fin de l’art avant-gardiste et «non-art».

À travers l’exposition organisée par Okwui Enwezor, La Biennale revient pour observer la relation entre l’art et le développement de la réalité humaine, sociale et politique, dans le pressage des forces et des phénomènes extérieurs: les façons dont, c’est-à-dire les tensions de l’extérieur le monde sollicite les sensibilités, les énergies vitales et expressives des artistes, leurs désirs, les mouvements de l’âme (leur chant intérieur).

La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches dans tous ses secteurs spécifiques: Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives historiques des arts contemporains (ASAC) récemment rénovées.

La relation avec la communauté locale a été renforcée par des activités éducatives et des visites guidées, avec la participation d’un nombre croissant d’écoles de la région de la Vénétie et au-delà. Cela propage la créativité sur la nouvelle génération (3 000 enseignants et 30 000 élèves impliqués en 2014). Ces activités ont été soutenues par la Chambre de commerce de Venise. Une coopération avec des universités et des instituts de recherche organisant des visites et des séjours spéciaux dans les expositions a également été établie. Au cours des trois années 2012-2014, 227 universités (79 italiennes et 148 internationales) ont rejoint le projet Biennale Sessions.

Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des professeurs renommés; cela est devenu plus systématique et continu grâce au projet international Biennale College, qui se déroule désormais dans les sections danse, théâtre, musique et cinéma.