La Fondation Ruya pour la culture contemporaine en Irak (Ruya) a commandé le pavillon national de l’Irak à la 56e Biennale de Venise, mai 2015. L’exposition, Invisible Beauty, est organisée par Philippe Van Cauteren, directeur artistique de S.M.A.K. (Musée d’art contemporain) à Gand. Il présente cinq artistes contemporains de tout l’Irak et de la diaspora. Les artistes travaillent dans une gamme de médias et le Pavillon comprend de nouvelles œuvres qui ont été produites spécifiquement pour l’exposition ainsi que des œuvres qui ont été redécouvertes après de longues périodes d’inattention. L’exposition est accompagnée d’une exposition de plus de 500 dessins réalisés par des réfugiés dans le nord de l’Irak. L’artiste de renommée mondiale Ai Weiwei a sélectionné un certain nombre de ces dessins pour une publication majeure qui sera lancée à la Biennale.

L’exposition comprendra une gamme variée de médias, avec à la fois des œuvres récemment commandées et redécouvertes. Accompagnant le spectacle principal, une collection de 500 dessins réalisés par des réfugiés dans le nord de l’Irak sera également exposée. L’artiste chinois Ai Weiwei a sélectionné un certain nombre de ces dessins pour une publication qui sera lancée à la Biennale.

L’Irak évoque les brutalités de l’État islamique (également connu sous le nom d’ISIS ou ISIL) dans des dessins, des aquarelles et des photographies. Cette année, le pavillon iraquien se concentre principalement sur un ensemble de dessins de réfugiés iraquiens adultes qui ont fui l’attaque de l’État islamique. Ces représentations – un militant cagoulé tirant sur une mère et son enfant, un homme bandé dont le cœur saignant a la forme de l’Irak – ont été produites lorsque la Fondation Ruya a apporté du papier, des crayons et des crayons aux réfugiés dans trois camps du nord de l’Irak.

Sur les cinq artistes présentés, deux ont créé des œuvres directement liées à l’État islamique. Haider Jabbar, un jeune exilé en Turquie, montre des aquarelles expressionnistes représentant une série de têtes coupées et saignantes, chacune avec un numéro de cas (plutôt qu’un nom) dans le titre. Les photographies en noir et blanc mises en scène avec élégance par Akam Shex Hadi montrent des personnages isolés de communautés sous l’attaque de l’État islamique debout avec un tissu noir – représentant le drapeau des assaillants – enroulés autour de leurs pieds. « L’EI vient juste pour tuer », a déclaré M. Hadi, un Kurde irakien, à côté de ses photographies, ajoutant que le drapeau était « comme un serpent » qui tourne autour de ses victimes.

Beauté invisible
Le titre de l’exposition fait référence à la fois à des sujets insolites ou inattendus rencontrés dans les œuvres des artistes, ainsi qu’à leur invisibilité sur la scène internationale. Parmi la variété des thèmes explorés figurent la survie, la tenue de dossiers, la thérapie et la beauté.

«Invisible Beauty» vise à rendre visibles les artistes travaillant actuellement en Irak et à l’étranger. Il traite de l’identité et de la politique, de la mémoire et de la perte, du courage comme forme de beauté.

Les possibilités infinies d’interprétation du titre font référence aux nombreuses façons dont l’art – généré dans un pays soumis à la guerre, au génocide, aux violations des droits de l’homme et à la montée d’Isis – peut être abordé. C’est un moment important, comme le souligne le communiqué de presse, pour faire entendre la voix de ceux qui continuent de créer de l’art en Irak, où Isis a procédé à la démolition systématique du patrimoine culturel du pays à Hatra, Nimrud, Ninive et au Musée de Mossoul.

La Beauté Invisible est comme une membrane fragile qui enregistre les oscillations d’une pratique artistique imprégnée de l’état actuel du pays et de l’état des arts.

Les artistes

Les artistes du pavillon représentent une rupture – à la fois en termes de médias et de préoccupations sociales plus larges – des contraintes d’une éducation classique qui informe la tradition esthétique orthodoxe de la majorité du travail des artistes irakiens

Latif Al Ani
Latif Al Ani (né en 1932) est considéré comme le père fondateur de la photographie irakienne et sa longue carrière documentaire s’étend de la fin des années 1950 à la fin des années 1970, lorsqu’il est devenu impossible de photographier en public en raison de l’atmosphère de plus en plus autoritaire du régime de Saddam et la guerre Iran-Irak. Une dualité de pensée fait à la fois des tendances à la modernisation et la conservation des thèmes des traditions anciennes du travail d’Al Ani, et l’exposition Pavilion se concentre sur les œuvres du début de sa carrière.

Les photographies de sites archéologiques par Latif Al Ani de la fin des années 1950 et des années 1960 prennent de l’importance dans le contexte des événements dramatiques actuels. À l’époque, l’artiste avait l’intention de documenter une société au tournant de l’ère moderne. Aujourd’hui, ces photographies fonctionnent comme des agents critiques contre la tragédie de la décadence et la perte de dignité et de sophistication. Le travail d’Al Ani est un témoin en noir et blanc d’une société utopique, une société qui est maintenant emportée par les irrationalités de la guerre et de la religion.

Mosquée Mirjan (1960)
Gare, Bagdad (1961)
Berlin (1965)
Boutique de la rue Nahr (1960)
Karkh, Bagdad (1961)
Rashid Street, Haydarkhana (1961)
Musayb, Pont flottant (1959)
Al Aqida, lycée, Bagdad (1961)
Tête volée qui n’a pas été retrouvée, Hatra (c. 1960)

Akam Shex Hadi
Akam Shex Hadi (né en 1985) représente une génération plus récente de la photographie irakienne et ses œuvres symboliques mises en scène l’ont vu participer à des festivals de photographie à travers l’Asie et le Moyen-Orient. Son travail, ainsi que celui de Haider Jabbar, s’intéresse à la montée d’Isis et à la crise des réfugiés. Il a créé une nouvelle œuvre pour le Pavillon composée de 28 photographies. Un motif récurrent dans la série est un fil qui se déroule, qui ressemble à un serpent mais se révèle être le drapeau d’Isis, un rappel continu de ses qualités captivantes. Shex Hadi présente également une série de photographies aériennes représentant ce qui semble être une grande horloge au sol, sauf que les chiffres ne sont pas à leur position attendue. Une figure prosternée représentant une aiguille de l’horloge fait de l’œuvre une rumination sur la capitulation humaine face au temps, une sorte de memento mori.

Akam Shex Hady dans lequel il a photographié des personnes fuyant ISIS d’une manière subtile et délicate. Le morceau de tissu noir se glisse dans l’image comme un nœud coulant menaçant autour des personnes capturées dans la nudité de leur tragédie.

Rabab Ghazoul
Rabab Ghazoul (née en 1970) répond également à sa relation géographique particulière avec l’Iraq dans son travail. Basé au Pays de Galles, Ghazoul a produit une nouvelle œuvre vidéo pour le Pavillon qui prend comme point de départ l’enquête Chilcot. Le travail de Ghazoul étudie notre relation avec les structures politiques et sociales et une partie de ce nouveau travail est un inventaire des témoignages officiels sur la guerre en Irak, récemment prononcés par des citoyens britanniques anonymes. Cet aspect de l’œuvre met en lumière trois des thèmes clés de l’exposition – l’art en tant qu’acte de catalogage, la corrélation entre le moment où une œuvre est réalisée et ses qualités formelles et ses idées sur ce qui constitue la communauté. Ghazoul, qui est la seule artiste féminine exposée, a eu plusieurs expositions personnelles à Cardiff et a participé à de nombreuses expositions de groupe à travers le Pays de Galles et le reste de l’Europe.

En donnant une voix au peuple, Rabab Ghazoul réfléchit sur la notion de public et de ses représentants. Par le simple geste d’enregistrer les voix de citoyens anonymes d’Angleterre alors qu’ils répètent un discours de l’ancien Premier ministre britannique Tony Blair, l’artiste déconstruit les notions de vérité, de culpabilité et de responsabilité.

Haider Jabbar
Le peintre Haider Jabbar (né en 1986) montre une série de portraits à l’aquarelle reflétant la crise d’Isis et les nombreuses victimes qu’elle a revendiquées. Ces œuvres sont des interprétations choquantes, souvent brutales, du sort des jeunes hommes décédés pendant le conflit. Les hommes ne sont identifiés que par le nombre de cas et Jabbar, qui se considère comme faisant partie d’une génération de jeunes hommes qui ont vu leur vie inutilement ruinée par des décennies de conflit en Irak, a l’intention de réaliser 2000 de ces œuvres. Jabbar est lui-même un réfugié, qui vit et travaille maintenant en Turquie avec le soutien de la Fondation Ruya.

Les visages de Haider Jabbar deviennent muets suite à l’acte brutal de décapitation. L’artiste réfléchit sur le corps en morceaux en réalisant une archive de têtes décapitées, victimes de violences. Son langage artistique trahit une fascination pour le travail de certains de ses pairs plus âgés, mais la différence se trouve dans la façon dont il «traduit» ce qu’il a vécu dans une image à l’attrait universel. Chaque canal englobe des fragments tragiques de la réalité.

Salam Atta Sabri
Salam Atta Sabri (né en 1953) a beaucoup travaillé dans l’administration des arts en Irak et à l’étranger mais, malgré sa formation de céramiste et ses nombreux dessins, il n’a jamais montré ses dessins en public. Il a produit quelque 300 dessins entre 2012 et 2015 qu’il n’a jamais exposés, dont plus de 100 sont exposés au Pavillon. Ces œuvres intensément personnelles témoignent de l’expérience d’un artiste qui s’efforce de créer à l’ombre d’une infrastructure artistique en ruine. Atta Sabri est revenu à Bagdad en 2005 après avoir vécu aux États-Unis et en Jordanie pendant 16 ans, et ses dessins peuvent être compris comme un journal intime dans lequel l’artiste aborde la tragédie existentielle qu’il subit en retournant dans sa ville natale.

Le journal des dessins de Salam Atta Sabri. Les lettres de Bagdad peuvent être comprises comme des annotations introspectives dans lesquelles les circonstances tragiques d’un pays entrent en collision avec le drame personnel d’un artiste qui ressent l’impératif de faire de l’art dans un contexte marqué par des conditions autres que artistiques.

Des traces de survie en Irak
Une exposition de plus de 500 dessins réalisés par des réfugiés dans le nord de l’Irak – recueillis par Ruya au camp Shariya, au camp Baharka et au camp Mar Elia – accompagnera l’exposition. L’artiste chinois Ai Weiwei a sélectionné un certain nombre de ces œuvres pour les inclure dans une publication, TRACES OF SURVIVAL: Dessins de réfugiés en Irak sélectionnés par Ai Weiwei, qui sera lancée à la Biennale. Le produit du livre sera remis à ceux qui ont fourni le contenu.

L’exposition est accompagnée d’une exposition de dessins réalisés par des réfugiés dans le nord de l’Irak. En décembre 2014, Ruya a lancé une campagne pour fournir du matériel de dessin aux hommes et aux femmes adultes dans les camps de réfugiés. Ruya a visité le Camp Shariya, le Camp Baharka et le Camp Mar Elia et pendant cinq jours, la Fondation a recueilli 546 soumissions, y compris des dessins, de la poésie et de la prose. Une sélection de ces dessins est exposée. Les soumissions présentent des réponses incroyablement puissantes à la vie dans les camps de réfugiés. Un homme de quarante ans portant la légende «  Notre peuple n’a vécu que pendant les guerres et la destruction  » a dessiné une représentation de chars et d’avions se retournant le feu, tandis qu’une autre image représente une figure isolée dans un camp de réfugiés inondé qui pétitions, «Sauvez-nous de la noyade. Je suis irakien. »En revanche, d’autres dessins illustrent la vie avant la crise des réfugiés, notamment une brillante représentation de Mossoul avant la prise de contrôle d’Isis et une représentation d’une fête traditionnelle yézidie. Un certain nombre de ces images ont été sélectionnées par Ai Weiwei pour un livre majeur publié à l’occasion de la Biennale. Les recettes du livre reviendront à ceux qui ont fourni le contenu.

Ce travail a été dessiné par un homme de 41 ans, représentant sa ville de Mossoul qu’il a fui lorsque Isis a pris le contrôle. La légende se traduit par: «Bien-aimée Mossoul. Nous reviendrons si Dieu le veut. »Une écolière de 18 ans dépeint sa meilleure amie qu’elle a vue morte et ensanglantée après avoir été violée sur le mont Sinjar. Au moment où ce dessin a été réalisé, son amie n’était toujours pas enterrée. Ceci est un dessin du camp dans lequel l’homme vit maintenant. Il représente le camp inondé, y compris lui-même et d’autres criant: «Sauvez-nous de la noyade. Je suis irakien.

Un grenadier dans le jardin d’un vieil homme yézidi forcé de fuir sa maison lorsque Isis a attaqué le mont Sinjar. Il se souvient en détail du jour où Isis a attaqué. Cet arbre représente la maison pour lui.

La beauté invisible des œuvres de cette exposition s’étend au courage des artistes en matière d’engagement. Invisible Beauty donne la parole à différentes générations d’artistes, tous prisonniers de la décadence d’un pays. En même temps, chacun croit qu’en tant qu’artiste, on peut prendre position, on peut assumer une responsabilité différente de la croyance orthodoxe en pure beauté. Ces artistes ancrent leurs pratiques artistiques dans une tourmente complexe de perte, d’identité, de mémoire et de beauté. Invisible Beauty est une exposition qui chuchote, qui s’articule doucement. Dans le contexte apocalyptique du passé récent de l’Iraq, les artistes trouvent toujours le courage de s’engager dans des travaux où l’artiste individuel est indépendant de toute forme d’académisme et dépend d’une réflexion dense sur le rapport entre l’art et la société.

Palazzo Dandolo Farsetti
Ca ‘Farsetti (ou Palazzo Dandolo Farsetti) est un palais vénitien, situé dans le quartier de San Marco et surplombant le Grand Canal, non loin du pont du Rialto. C’est le siège, avec le Ca ‘Loredan adjacent, de la municipalité de la ville lagunaire.

Le palais a été construit au XIIIe siècle par la volonté des descendants du Doge Enrico Dandolo, de seulement deux étages.
Federigo Contarini, qui a acheté le palais en 1440, l’a fait agrandir en hauteur, le ramenant à sa taille actuelle.

Vers 1670, il passe à la famille qui lui donne son nom, les Farsetti, qui au cours du XVIIIe siècle ont créé une sorte de centre culturel ouvert aux intellectuels, artistes, citoyens et touristes étrangers. Dans le «musée», il y avait une riche collection d’œuvres d’art de différentes époques et horizons, complétée par une bibliothèque bien garnie.

Le dernier membre de la famille était Anton Francesco qui, surchargé de dettes, ferma la galerie en 1788 et commença à aliéner les œuvres conservées. Immédiatement bloqué par les Inquisiteurs de l’Etat, il a pu reprendre ses ventes après la chute de la Serenissima.

Décédé en 1808, le palais a été acheté aux enchères par la veuve Andriana da Ponte en tant que créancier de la dot. Pendant un certain temps, l’hôtel « Gran Bretagna » y a été installé, mais en 1826, il a été vendu à l’administration municipale de Venise qui, l’année suivante, l’a transformé en résidence municipale, un rôle qu’il joue encore.

La façade du Palazzo Farsetti a un bâtiment sur trois niveaux plus une mezzanine: les deux premiers sont ceux du noyau d’origine, avec une loggia de style vénitien-byzantin au niveau du canal; le deuxième étage et la mezzanine sont le résultat d’œuvres de la Renaissance.

Le rez-de-chaussée a un portique fermé par cinq arches rondes, soutenues par quatre colonnes corinthiennes, structurellement similaire à celle du Ca ‘Loredan adjacent, auquel Ca’ Farsetti est connecté, sur le côté gauche, par un « survol ». Au rez-de-chaussée, la façade se caractérise par quinze ouvertures rondes avec une longue balustrade pour marquer les deux niveaux.

A l’intérieur, il y a l’escalier de l’aile droite, en raison des travaux que les Farsetti ont pris au XVIIIe siècle et le hall du rez-de-chaussée avec des stucs du même siècle.

Biennale de Venise 2015
La Biennale d’art 2015 clôt une sorte de trilogie qui a commencé avec l’exposition organisée par Bice Curiger en 2011, Illuminations, et s’est poursuivie avec le Palais encyclopédique de Massimiliano Gioni (2013). Avec All The World’s Futures, La Biennale poursuit ses recherches sur des références utiles pour porter des jugements esthétiques sur l’art contemporain, question «critique» après la fin de l’art avant-gardiste et «non-art».

À travers l’exposition organisée par Okwui Enwezor, La Biennale revient pour observer la relation entre l’art et le développement de la réalité humaine, sociale et politique, dans le pressage des forces et des phénomènes extérieurs: les façons dont, c’est-à-dire les tensions de l’extérieur le monde sollicite les sensibilités, les énergies vitales et expressives des artistes, leurs désirs, les mouvements de l’âme (leur chant intérieur).

La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches dans tous ses secteurs spécifiques: Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives historiques des arts contemporains (ASAC) récemment rénovées.

La relation avec la communauté locale a été renforcée par des activités éducatives et des visites guidées, avec la participation d’un nombre croissant d’écoles de la région de la Vénétie et au-delà. Cela propage la créativité sur la nouvelle génération (3 000 enseignants et 30 000 élèves impliqués en 2014). Ces activités ont été soutenues par la Chambre de commerce de Venise. Une coopération avec des universités et des instituts de recherche organisant des visites et des séjours spéciaux dans les expositions a également été établie. Au cours des trois années 2012-2014, 227 universités (79 italiennes et 148 internationales) ont rejoint le projet Biennale Sessions.

Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des professeurs renommés; cela est devenu plus systématique et continu grâce au projet international Biennale College, qui se déroule désormais dans les sections danse, théâtre, musique et cinéma.