Sobre formas de viajar, Pabellón de Angola en el Palazzo Pisani, Bienal de Venecia 2015

En la Bienal de 2015, Angola presentó cinco artistas en On Ways of Travelling. Basado en la idea de un diálogo intergeneracional, la exposición se centra en cómo una generación más joven de artistas y ciudadanos en una Angola independiente promueve los legados y fusiones culturales de las generaciones pasadas.

El pabellón de Angola está ubicado en el Palazzo Pisani en Campo Santo Stefano. La exposición tendrá una instalación central con el artista António Ole, para marcar el anverso y el reverso, con Francisco Vidal presente instalaciones constituidas de piel metálica de machetes, un símbolo de la resistencia angoleña, como el apoyo de una notable acción pictórica.

Esta elección permite a una generación más joven, pero con evidencia dada y reconocida, siguiendo el legado del artista António Ole, acceder al circuito de la Bienal de Venecia, en una promoción del país, pero también las posibilidades de establecer su presencia internacional para garantizar El éxito de un proyecto que cumple con los requisitos de esta presentación y la próxima representación del perfil contemporáneo.

Francisco Vidal mostró Utopia Luanda Machine, una obra de medios mixtos que se pliega en cajas e incluye imágenes de Zadie Smith, Kanye West y plantas de algodón pintadas en machetes. El artista esperaba crear una nueva revolución industrial africana que combinara arte, artesanía y diseño. Otras obras incluyeron el divertido video corto de Binelde Hyrcan de cuatro niños en un viaje imaginario por carretera, las imágenes en capas de Délio Jasse flotando en un recipiente con agua coloreada, las esculturas de máscaras de Nelo Teixiera y el ensamblaje de tinas de plástico de António Ole. Ole también se desempeñó como curador de la exposición. El espectáculo se montó en el Palazzo Pisani a San Stefano de Venecia. El comisionado del pabellón, RitaGT, dijo que el Ministerio de Cultura de Angola había apoyado firmemente la participación en la Bienal por su impacto tanto en el país como en llevar su arte contemporáneo a un escenario internacional.

La 56ª exposición también se utilizará como filtro de la trayectoria histórica a medida que la misma bienal ha viajado durante sus 120 años de vida, un filtro a través del cual reflexionar sobre el «estado de las cosas» actual y la «apariencia de las cosas».

Acercarse al Pabellón en sí se siente como una forma de viaje a través del tiempo y el espacio: la exposición está montada en el segundo piso del Palazzo Pisani Moretta, un palacio barroco veneciano en el Gran Canal que ahora alberga el Conservatorio Benedetto Marcello. Para llegar a las instalaciones, uno atraviesa un hall de entrada ricamente decorado con el sonido de los estudiantes de música que se reúnen y ensayan.

Sobre las formas de viajar: urbanismo y renovación
La 56a edición de la Bienal internacional más importante de arte contemporáneo tiene lugar este año en Venecia, un foro líder para la presentación y el reconocimiento de artistas de los países participantes. Desde 2013, el Ministerio de Cultura de Angola ha asegurado la representación del país en el Art Biennale di Venezia, que se caracteriza por la alta calidad de sus presentaciones, teniendo en cuenta las prácticas desarrolladas dentro de la escena del arte contemporáneo. Este enfoque ha resultado en excelentes comentarios de la audiencia y los críticos de arte, tanto nacionales como internacionales, y culminó con el Golden Lion Award en 2013.

El Pabellón de Angola para la 56ª Bienal de Venecia se titula «Sobre formas de viajar», pero la exposición invoca con mayor precisión algunas de las barreras a la libertad de movimiento que muchos experimentan en Angola y en otras partes de África: visas, dificultades económicas. , fronteras y tráfico rodado. Sin embargo, «viajar», en este contexto, no solo significa movimiento físico; También se refiere a la reunión de cosmovisiones, estilos de vida y temporalidades dispares, así como a estados de sueño, deseo y anhelo de cambio. El tema no es más relevante que el contexto actual en La Biennale di Venezia, un destino esencial para el turismo de arte internacional y un precedente temprano para el fenómeno de la «exposición global» del arte contemporáneo.

Acercarse al Pabellón en sí se siente como una forma de viaje a través del tiempo y el espacio: la exposición está montada en el segundo piso del Palazzo Pisani Moretta, un palacio barroco veneciano en el Gran Canal que ahora alberga el Conservatorio Benedetto Marcello.

Para llegar a las instalaciones, uno atraviesa un hall de entrada ricamente decorado con el sonido de los estudiantes de música que se reúnen y ensayan. Al subir la escalera al segundo piso, aparece una torre de contenedores de plástico de colores brillantes que revela una escultura del artista y curador António Ole. Materiales vernáculos, colores llamativos y objetos encontrados llenan el adornado interior del Palazzo, creando una yuxtaposición rica e incómoda entre la opulencia europea y el urbanismo africano.

Aquí se encuentra uno de los hilos centrales que atraviesan la exposición, que contempla el entorno construido como una red viva de puntos de encuentro, barreras, intersticios y recuerdos.

António Ole
Angola, 1951. Pintor, cineasta y fotógrafo, Ole ha creado un vasto cuerpo de trabajo que refleja los múltiples aspectos de su universo creativo, centrándose en los temas de colonización, guerra civil, hambruna, conflictos sociales y, especialmente, la capacidad humana para resistencia y supervivencia. A lo largo de su carrera artística, ha desarrollado proyectos que revelan un cierto eclecticismo formal y estético, sus obras incluyen dibujo, pintura, escultura, instalación, fotografía, video y cine. Su primera exposición fue en 1967 y, desde su debut internacional en el Museo de Arte Afroamericano (Los Ángeles) en 1984, sus obras se han exhibido en numerosas exposiciones, festivales y bienales, incluida La Habana (1986, 1988, 1997), São Paulo (1987), Berlín (1997), Johannesburgo (1995, 1997), Dakar (1998) y Venecia (2003, 2007). También participó en las prestigiosas exposiciones itinerantes: Africa Remix, Contemporary Art of a Continent y The Short Century.

En su propia práctica artística, Ole ha investigado la reciente modernización de Luanda, los efectos del desarrollo de alto nivel en las áreas más pobres de la ciudad y las formas en que las personas siempre logran atravesar incluso las fronteras más estrictas. Las obras de su aclamada serie Township Wall, que comenzó a mediados de la década de 1990, invocan la permeabilidad de la arquitectura fronteriza y la coexistencia del lujo y la miseria en ciudades como Luanda (solo hay que consultar la primera línea del perfil de la nación de la BBC , lo que explica que si bien es «uno de los principales productores de petróleo de África, Angola es uno de los países más pobres del mundo»). Además del énfasis del Pabellón en la arquitectura, muchas obras comparten un tratamiento similar al de Janus de oposiciones como el pasado y el futuro, el declive y el progreso, o la memoria y la fantasía.

Para esta exposición, Ole presenta una instalación escultórica que comprende una pared doblada de hierro corrugado; Los nichos recortados en las láminas de metal están llenos de botellas de vidrio o pilas arrugadas de ropa donada, objetos que se han trasladado a la economía de Angola desde otros lugares. Alrededor de esta división se encuentran dos conjuntos de tinas de plástico, ejemplos de materiales baratos y de baja calidad, a menudo importados de China, que ahora son omnipresentes en toda Angola. Humilde pero virtuosa, la instalación atestigua también el optimismo, la creatividad y la perseverancia de la cultura angoleña, incluso a pesar de las continuas dificultades.

Binelde Hyrcan
Angola, 1980. Binelde Hyrcan creció en Angola. Sorprendido por las imágenes de guerra en su juventud, vio las consecuencias reales de las decisiones políticas. Es en esta mezcla, entre la visión de un mundo vivo presente frente a él y los efectos dramáticos de algunas decisiones políticas abstractas, que el artista captó esta imagen indeleble. Hyrcan se expresa en toda la gama de medios artísticos: escultura, pintura, diseño, videoarte y performance. Ha exhibido ampliamente en todo el mundo desde su primera exposición en 2008 Tres veces Dos movimientos en París, hasta la 2da Trienal de Luanda en 2010 y la «Zona de exclusión aérea» 2013 en el Museu Coleção Berardo, Lisboa.

En el video de Binelde Hyrcan, Cambeck, las alusiones a viajar se encuentran con la realidad de la inmovilidad; la pieza registra a cuatro niños pequeños mientras imaginan vidas alternativas de riqueza y escape. Sentados en pequeños hoyos excavados en la arena de la playa que se colocan para parecerse a los asientos de los autos, los niños miran hacia el Océano Atlántico y dirigen al «conductor de taxi» al frente, que empuña una chancleta como volante. «¡Conductor, ve más rápido!» uno ordena: «¡Vamos, conductor, pon esa canción!» «¿No ves que la radio está rota?» Hablan de familiares y seres queridos en los Estados Unidos e Italia y condenan a los barrios marginales de vuelta a casa. Si bien su diálogo insinúa el sueño de un viaje global, creado a través de la observación de conversaciones de adultos, también hace referencia al tráfico por carretera que afecta a Luanda, y los viajeros a menudo pasan hasta cuatro horas recorriendo la ciudad.

Délio Jasse
Angola, 1980. Cuando tenía 18 años, se mudó a Lisboa, donde comenzó a trabajar en estudios de serigrafía. Aquí tuvo el primer contacto con las diferentes técnicas de impresión, entre las cuales pronto descubrió la fotografía. Comenzó a experimentar con las diferentes posibilidades técnicas de este medio de expresión. Participó en varias exposiciones colectivas en Portugal, Angola, Brasil, Alemania y Francia. Entre la exposición colectiva, recordamos África (2010) en el Museu Nacional de História Natural en Luanda, Bamako Photographic Encounters y el show grupal Present Tense (2013) en la Fundação Calouste Gulbenkian en Lisboa. Entre la exposición individual, recordamos a Schengen (2010) en Baginski, Galeria / Projetos. En 2014 fue seleccionado para el BES Photo Award.

La instalación de Délio Jasse, Ausência Permanente, se ha exhibido previamente en espacios de cubo blanco, pero adquiere nuevas posibilidades de significación en su exhibición dentro del Palazzo empapado de luz. Tres cuencas poco profundas llenas de agua coloreada están dispuestas en el espacio debajo de la pared exterior de la Sala dei Vescovi, que se alinea hasta el techo con ventanas. Parches de luz solar brillante ingresan a la habitación y atraviesan su elegante suelo de baldosas, proyectando sombras de bordes duros y reflectores brillantes sobre las piscinas de turquesas, fuscia y baños de agua clara en los que se sumergen grandes imágenes: estos son fotomontajes que contienen retratos de hombres y mujeres anónimos superpuestos con sellos de visa, firmas, anotaciones, fechas y detalles arquitectónicos. Las alusiones al movimiento y la institucionalización de los viajes residen tanto en los símbolos de la burocracia dispersos en las imágenes como en los ojos tentativos y penetrantes de cada sujeto que nos mira, presumiblemente fotografiados en el momento de las solicitudes de visa o pasaporte.

Es importante destacar que el modo de presentación de Jasse hace referencia inequívoca al proceso de revelar fotografías, que, una vez expuestas, se sumergen delicadamente en baños químicos líquidos antes de que la imagen se revele lentamente. Jasse ha declarado que «las estrellas de esta serie son fantasmas» y, como tal, el contexto actual saca a la luz sus historias olvidadas, a través de una poética de exposición y visibilidad.

El agua que se mueve suavemente sobre las imágenes de Jasse también recordará a los espectadores una historia de viajes marítimos que ha definido la historia moderna en Angola, desde las exploraciones portuguesas del siglo XV del Nuevo Mundo hasta las redes comerciales transatlánticas entre Europa, África y las Américas. que transportaba barcos de esclavos entre Luanda y Brasil, así como los trágicos viajes actuales de migrantes y refugiados del continente africano a través del Mediterráneo hacia Italia.

Francisco Vidal
Francisco Vidal Angola, 1978. El trabajo de Francisco examina las cuestiones de raza, diferencia, negligencia y la diáspora africana. Emplea las posibilidades comunicativas de su expresión plástica y estética, así como su relación con la sociedad y los modernos Portugal y Angola. Él cree que se basa particularmente en su época y su identidad; algo estrechamente relacionado con el grupo de edad al que pertenece y al que casi podría considerarse un reflejo de su generación. Sus obras, en varios formatos, son el resultado de una reflexión cada vez más meticulosa sobre la realidad en la que vive. Ha expuesto en solitario y colectivamente desde 2006.

Nelo Teixeira
Angola, 1975. Nelo estudió pintura y escultura en los talleres de UNAP (National Union Plastic Artists) y tiene experiencia en carpintería y escenografía. Nelo heredó un interesante legado familiar de fabricantes de máscaras. También juega un papel importante en la comunidad artística de Luanda, enseñando a la generación más joven algunas de sus técnicas. Expone regularmente desde el año 2000 y desarrolló Escenografía para piezas de teatro y cine de varios ral.

Todo esto nos devuelve al contexto de La Biennale y al privilegio de los viajes turísticos a una nación que actualmente representa el sueño del asilo para muchos en todo el continente africano. Si bien «On Ways of Travelling» contiene ricas declaraciones sobre la vida en la Angola contemporánea, parece que el significado también radica en el diálogo organizado entre el Palazzo y los materiales e ideas presentados en la exposición y los enredos innegables de historias, economías y culturas. a traves del globo.

Palazzo Pisani en Santo Stefano
Palazzo Pisani es un palacio veneciano ubicado en el distrito de San Marco, con vista al Río del Santísimo y bordeando Palazzetto Pisani y Palazzo Morosini, con vista a Campo Pisani, adyacente a Campo Santo Stefano. Es la sede del conservatorio Benedetto Marcello.

«La última gran renovación fue encomendada a Girolamo Frigimelica, arquitecto de la familia Pisani, el mismo que construyó la imponente villa Pisani en Stra. El propósito de la construcción fue eminentemente festivo: la noble familia Pisani, en ese momento una de las más ricas de la ciudad, quería un palacio digno de su tamaño, abriéndose paso gradualmente entre las casas vecinas para llegar al Gran Canal. Personas famosas, soberanos y príncipes se quedaron aquí: las crónicas hablan de la magnificencia de los muebles y decoraciones, de la galería llena de pinturas de los pintores más ilustres. La enorme fachada del edificio, criticada por algunos por su ostentación, está animada por dos grandes arcos sobre la puerta de entrada «.
-Benedetto Marcello

«[En el Palazzo Pisani] de notable [solo hay] el coraje del antiguo propietario para gastar mucho dinero»
-Pietro Selvatico

Historia
En 1525 los pisanos ya vivían en el área de Santo Stefano, pero la construcción del palacio comenzó solo entre 1614 y 1615. El primer núcleo se desarrolló donde había una casa que ya era propiedad de la familia (obtenida por herencia) y otros edificios comprados específicamente por la necesidad de construir esta casa. Alvise Pisani, el cliente, decidió no recurrir a un arquitecto para la supervisión de las actividades, sino para proporcionar personalmente, contactando a los artesanos directamente, tal vez debido a la ausencia de una gran personalidad artística en la ciudad en ese momento. En 1634, un terremoto destruyó parte de la casa, que tuvo que ser reconstruida. Se pensó que el prototipo de la época, Bortolo da Venezia, conocido como Manopola, pudo haber sido contactado para la construcción del edificio, construido «al estilo romano». En el siglo XVIII, Vincenzo Maria Coronelli atribuyó el proyecto del palacio a Jacopo Sansovino.

Expansión
En 1728, la familia Pisani encargó a Gerolamo Frigimelica que se encargara de la construcción y expansión del complejo. Su intervención implicó la destrucción de la gran ventana de buhardilla central, la elevación de un piso, la construcción de los patios internos y la decoración. A finales del siglo XVIII se llevaron a cabo otras obras que provocaron la alteración de la planta.

El nuevo propietario del edificio, Alvise Pisani, decidió transformar los pasillos del segundo piso noble en habitaciones más pequeñas, dividiéndolas de acuerdo con el plan de Bernardino Maccaruzzi. El palacio ahora tenía alrededor de 200 habitaciones. Durante este tiempo también fue invitado del palacio Gustavo III de Suecia, quien declaró que nunca podría devolver la suntuosa recepción recibida. Numerosas otras transformaciones siguieron: la planta fue revisada repetidamente, las colecciones de arte fueron removidas, todo el complejo se dividió en apartamentos de alquiler. Mientras tanto, la familia propietaria de hecho tuvo que transferir una gran parte del edificio, quedando el propietario solo del ala norte. En 1880, la familia propietaria se extinguió. En 1940 el edificio se convirtió en un conservatorio. En 1947 el pintor Zoran Music tenía su estudio en el ático.

Arquitectura

Fachadas
El edificio, que demuestra claramente el deseo de la familia Pisani de llegar al Gran Canal, el objetivo alcanzado con la adquisición de Palazzetto Pisani, tiene dimensiones considerables y, por lo tanto, múltiples fachadas.

La fachada principal da a Campo Pisani y se caracteriza por la decoración de piedra de Istria, que le da un aspecto majestuoso. Tradicionalmente parece tripartito: en el centro de la planta baja hay un gran portal, tomado de la serie de los pisos superiores. A los lados de este último hay ventanas con arcos redondos, cuya piedra angular está decorada con una cabeza humana. Están dispuestos para formar ventanas geminadas: las dos ventanas que componen la unidad modular que luego se repiten tienen una columna en el centro y los lados de los pilares. El excepcionalmente potente balcón del primer piso está soportado por dos modillones y su parapeto está decorado con un motivo cuadrado.

Las fachadas secundarias se desarrollan hacia el Gran Canal (terminado solo en 1751) y hacia el Río del Santísimo. Ambos tienen una apariencia desnuda, no comparable con la del principal. Su decoración consiste principalmente en ventanas geminadas.

Diseño
La estructura de la planta tiene caracteres muy diferentes de los tradicionales, que ven una sucesión de habitaciones a los lados del portego. En este caso, el edificio se desarrolla alrededor de dos patios, separados solo por un cuerpo de logia.

Interior
Con los años, el edificio ha sido víctima de despojo. A pesar de todo, aún sobreviven numerosas obras de arte, concentradas en los techos y estucos. El portal está rodeado por dos grupos escultóricos, que representan el asesinato del león de Nemea y la captura de Cerberus: generalmente se atribuyen a la escuela de Girolamo Campagna. La pared posterior del hall de entrada está dominada por el gran fanò, la linterna que se encontraba en la popa de la cárcel de Andrea Pisani. En la sala de la antigua biblioteca, en el quinto piso, hay dos medallones con los perfiles de Martin Luther y Giovanni Calvino. En el entrepiso hay algunas habitaciones decoradas con estucos que datan de la segunda mitad del siglo XVIII.

El portego en el primer piso presentaba una colección de pinturas que representaban los rostros de los hombres más famosos de la familia: hoy solo sobreviven los de Andrea Pisani y Alvise Pisani. La decoración de la sala es obra del pintor Jacopo Guarana. Las decoraciones abundan en las habitaciones del primer piso: Francesco Zugno trabajó entre otros para la creación de los frescos que decoran la habitación en el campo y la adyacente. El mismo piso también cuenta con una capilla con un retablo sobre el tema de la Sagrada Familia y San Giovannino, construido por Giuseppe Angeli.

En cuanto al ala que da al canal, tiene dos habitaciones que una vez debieron estar ricamente decoradas pero que hoy parecen desnudas. También en el mismo lado también había una sala utilizada como galería de arte, donde se alojaban obras valiosas. Según un inventario realizado en 1809, constaba de 159 obras, incluidas dos tercios del siglo XVI, unas cuarenta del siglo XVII y una docena del siglo XVIII. El inventario también indica los nombres de los artistas, incluidos Tiziano, Tintoretto, Paolo Veronese, Bassano, Palma el Viejo. Adyacente a esta sala hay un rico estuco blanco y dorado, atribuido a Giuseppe Ferrari que los habría hecho en 1776. A la derecha hay una capilla dedicada a la Virgen del Rosario, ampliada y decorada en 1717.

Otro lugar particularmente importante es el salón de baile, ahora utilizado para conciertos. Su forma fue definida por Almorò Pisani entre 1717 y 1720. La pieza artística más valiosa de la sala fue una vez el lienzo que decoraba el techo, realizado por Giovanni Antonio Pellegrini entre 1722 y 1723. El lienzo se vendió en 1895 pero se reemplazó en 1904. por una obra de Vittorio Emanuele Bressanin, que representa la Glorificación de la Música. Este trabajo se realizó de forma gratuita. Al mismo tiempo, Bressanin también se dedicó a la creación del fresco en la otra habitación hacia la escalera central, una vez decorada con cinco pinturas de Veronese. En la sala que ahora alberga la dirección del conservatorio hay un llamador de bronce, atribuido a Alessandro Vittoria.

Biblioteca
No queda nada de la antigua biblioteca de Pisani, aparte de un catálogo que data de 1807. Tres años después, todo fue a la subasta y se dispersó. La biblioteca fue fundada por Almorò Pisani y era la más rica entre las disponibles para los nobles venecianos individuales. Durante el período de su actividad estuvo abierto al público dos veces por semana y tenía un cuidador. La colección era rica en lo que se llamaban libros prohibidos, ya que con frecuencia se asocian con herejías. La biblioteca también albergaba una gran colección numismática, que consta de 6000 piezas, que se agregarán a la serie completa de monedas venecianas.

Bienal de Venecia 2015
La Bienal de Arte de 2015 cierra una especie de trilogía que comenzó con la exposición comisariada por Bice Curiger en 2011, Illuminations, y continuó con el Palacio Enciclopédico de Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale continúa su investigación sobre referencias útiles para hacer juicios estéticos sobre el arte contemporáneo, un tema «crítico» después del final del arte vanguardista y «no artístico».

A través de la exposición comisariada por Okwui Enwezor, La Biennale vuelve a observar la relación entre el arte y el desarrollo de la realidad humana, social y política, en la presión de las fuerzas y fenómenos externos: las formas en que, es decir, las tensiones de lo externo mundo solicita las sensibilidades, las energías vitales y expresivas de los artistas, sus deseos, los movimientos del alma (su canción interior).

La Biennale di Venezia fue fundada en 1895. Paolo Baratta ha sido su presidente desde 2008, y antes de eso desde 1998 hasta 2001. La Biennale, que se encuentra a la vanguardia de la investigación y la promoción de nuevas tendencias de arte contemporáneo, organiza exposiciones, festivales e investigaciones. en todos sus sectores específicos: Artes (1895), Arquitectura (1980), Cine (1932), Danza (1999), Música (1930) y Teatro (1934). Sus actividades están documentadas en el Archivo Histórico de Artes Contemporáneas (ASAC) que recientemente ha sido completamente renovado.

La relación con la comunidad local se ha fortalecido a través de actividades educativas y visitas guiadas, con la participación de un número creciente de escuelas de la región del Véneto y más allá. Esto difunde la creatividad en la nueva generación (3,000 maestros y 30,000 alumnos involucrados en 2014). Estas actividades han sido apoyadas por la Cámara de Comercio de Venecia. También se ha establecido una cooperación con universidades e institutos de investigación que realizan visitas especiales y estancias en las exposiciones. En los tres años transcurridos entre 2012 y 2014, 227 universidades (79 italianas y 148 internacionales) se han unido al proyecto Biennale Sessions.

En todos los sectores ha habido más oportunidades de investigación y producción dirigidas a la generación más joven de artistas, directamente en contacto con maestros de renombre; Esto se ha vuelto más sistemático y continuo a través del proyecto internacional Biennale College, que ahora se ejecuta en las secciones de Danza, Teatro, Música y Cine.