Sui modi di viaggiare, Padiglione dell’Angola a Palazzo Pisani, Biennale di Venezia 2015

Alla Biennale 2015, l’Angola ha presentato cinque artisti in On Ways of Travelling. Basata sull’idea di un dialogo intergenerazionale, la mostra si concentra su come una generazione più giovane di artisti e cittadini in un’Angola indipendente promuova l’eredità e le fusioni culturali delle generazioni passate.

Il padiglione dell’Angola si trova nel Palazzo Pisani a Campo Santo Stefano. La mostra avrà una struttura centrale con l’artista António Ole, per contrassegnare la parte anteriore e posteriore, con Francisco Vidal presente costituito strutture di pelle metallica di machete, un simbolo della resistenza angolana, come il supporto di una notevole azione pittorica.

Questa scelta consente a una generazione più giovane, ma con prove date e riconosciute, seguendo l’eredità dell’artista António Ole, l’accesso al circuito della Biennale di Venezia, in una promozione del paese, ma anche le possibilità di sistemare la sua presenza internazionale per garantire il successo di un progetto che soddisfa i requisiti di questa presentazione e la prossima rappresentazione del profilo contemporaneo.

Francisco Vidal ha mostrato Utopia Luanda Machine, un’opera mista che si piega in cassette e include immagini di Zadie Smith, Kanye West e piante di cotone dipinte su machete. L’artista sperava di creare una nuova rivoluzione industriale africana che unisse arte, artigianato e design. Altre opere includevano il breve video umoristico di quattro ragazzi di Binelde Hyrcan in un viaggio immaginario, le immagini stratificate di Délio Jasse che galleggiavano in una bacinella di acqua colorata, le sculture di maschere di Nelo Teixiera e il montaggio di vasche di plastica di António Ole. Ole è stato anche curatore della mostra. Lo spettacolo allestito a Palazzo Pisani a San Stefano a Venezia. Il commissario del padiglione, RitaGT, ha affermato che il Ministero della Cultura dell’Angola era stato un forte sostenitore della partecipazione alla Biennale per il suo impatto sia sul paese che nel portare la sua arte contemporanea su una scena internazionale.

La 56a mostra servirà anche come filtro per la traiettoria storica che la stessa biennale ha percorso durante i suoi 120 anni di vita, un filtro attraverso il quale riflettere sullo “stato delle cose” attuale e sull’apparenza delle cose.

Avvicinarsi al Padiglione stesso sembra una forma di viaggio nel tempo e nello spazio: la mostra è allestita al secondo piano di Palazzo Pisani Moretta, un palazzo barocco veneziano sul Canal Grande che oggi ospita il Conservatorio Benedetto Marcello. Per raggiungere le installazioni, si attraversa un atrio riccamente decorato al suono degli studenti di musica che convocano e provano.

On Ways of Traveling: Urbanism and Renewal
La 56a edizione della più importante Biennale internazionale d’arte contemporanea si svolge quest’anno a Venezia, un forum leader per l’introduzione e il riconoscimento di artisti dai paesi partecipanti. Dal 2013, il Ministero della Cultura dell’Angola ha assicurato la rappresentanza del paese presso Art Biennale di Venezia, che si caratterizza per l’alta qualità delle sue opere, tenendo conto delle pratiche sviluppate nell’ambito della scena artistica contemporanea. Questo approccio ha portato a un eccellente riscontro da parte del pubblico e dei critici d’arte, sia nazionali che internazionali, e si è concluso con il Golden Lion Award nel 2013.

Il padiglione angolano per la 56a Biennale di Venezia si intitola “On Ways of Travelling”, eppure la mostra invoca più accuratamente alcune delle barriere alla libertà di movimento che molti di loro vivono in Angola e altrove in Africa: visti, difficoltà economiche , frontiere e traffico stradale. Tuttavia, “viaggiare”, in questo contesto, non intende significare solo movimento fisico; si riferisce anche all’incontro di diverse visioni del mondo, stili di vita e temporalità, nonché a stati di sogno, desiderio e brama di cambiamento. Il tema non è in alcun modo più rilevante dell’attuale contesto alla Biennale di Venezia, una destinazione essenziale per il turismo artistico internazionale e un precedente precedente per il fenomeno della “mostra globale” dell’arte contemporanea.

Avvicinarsi al Padiglione stesso sembra una forma di viaggio nel tempo e nello spazio: la mostra è allestita al secondo piano di Palazzo Pisani Moretta, un palazzo barocco veneziano sul Canal Grande che oggi ospita il Conservatorio Benedetto Marcello.

Per raggiungere le installazioni, si attraversa un atrio riccamente decorato al suono degli studenti di musica che convocano e provano. Salendo le scale fino al secondo piano, appare una torre di bidoni di plastica dai colori vivaci, rivelando una scultura dell’artista e curatore António Ole. Materiali vernacolari, colori vivaci e oggetti trovati riempiono gli interni decorati del Palazzo, creando una contrapposizione ricca e scomoda tra opulenza europea e urbanismo africano.

Qui sta uno dei fili centrali che attraversano la mostra, che considera l’ambiente costruito come una rete vivente di punti di incontro, barriere, interstizi e ricordi.

António Ole
Angola, 1951. Pittore, regista e fotografo, Ole ha creato un vasto corpus di opere che riflette i molteplici aspetti del suo universo creativo, concentrandosi sui temi della colonizzazione, della guerra civile, della carestia, dei conflitti sociali e, specialmente, della capacità umana di resistenza e sopravvivenza. Durante la sua carriera artistica, ha sviluppato progetti che rivelano un certo eclettismo formale ed estetico, le sue opere tra cui disegno, pittura, scultura, installazione, fotografia, video e cinema. La sua prima mostra è stata nel 1967 e, dal suo debutto internazionale all’African-American Art Museum (Los Angeles) nel 1984, le sue opere sono state esposte in molte mostre, festival e biennali, tra cui L’Avana (1986, 1988, 1997), São Paulo (1987), Berlino (1997), Johannesburg (1995, 1997), Dakar (1998) e Venezia (2003, 2007). Ha anche partecipato a prestigiose mostre itineranti: Africa Remix, Contemporary Art of a Continent e The Short Century.

Nella sua pratica artistica, Ole ha studiato la recente modernizzazione di Luanda, gli effetti dello sviluppo di fascia alta sulle aree più povere della città e i modi in cui le persone riescono sempre a passare anche attraverso i confini più severi. Le opere della sua acclamata serie Township Wall, che ha iniziato a metà degli anni ’90, invocano la permeabilità dell’architettura di confine e la coesistenza di lusso e squallore in città come Luanda (basta consultare la prima riga del profilo della nazione della BBC , il che spiega che mentre è “uno dei principali produttori di petrolio dell’Africa, l’Angola è comunque uno dei paesi più poveri del mondo”). Oltre all’enfasi del padiglione sull’architettura, molte opere condividono un trattamento simile a Janus di opposizioni come passato e futuro, declino e progresso, o memoria e fantasia.

Per questa mostra, Ole presenta un’installazione scultorea che comprende una parete piegata di ferro ondulato; nicchie ritagliate nelle lastre di metallo sono piene di bottiglie di vetro o pile accartocciate di vestiti donati, oggetti che si sono spostati nell’economia dell’Angola da altrove. Intorno a questo divario si trovano due assemblaggi di vasche di plastica, esempi di materiali economici e di bassa qualità, spesso importati dalla Cina, che ora sono onnipresenti in tutta l’Angola. Umile ma virtuosistico, l’installazione testimonia anche dell’ottimismo, della creatività e della perseveranza della cultura angolana, nonostante le continue difficoltà.

Binelde Hyrcan
Angola, 1980. Binelde Hyrcan è cresciuto in Angola. Scioccato dalle immagini della guerra in gioventù, vide le vere conseguenze delle decisioni politiche. È in questo mix, tra la visione di un mondo vivente presente di fronte a lui e gli effetti drammatici di alcune decisioni politiche astratte, che l’artista ha catturato questa immagine indelebile. Hyrcan si esprime in tutta la gamma dei media artistici: scultura, pittura, design, videoarte e performance. Ha esposto ampiamente in tutto il mondo dalla sua prima mostra nel 2008 Tre volte due movimenti a Parigi, alla seconda Luanda Triennale nel 2010 e alla “No Fly Zone” del 2013 al Museu Coleção Berardo, Lisbona.

Nel video di Binelde Hyrcan, Cambeck, le allusioni al viaggio si incontrano con la realtà dell’immobilità; l’opera registra quattro giovani ragazzi mentre immaginano vite alternate di benessere e fuga. Seduti in piccoli buchi scavati nella sabbia della spiaggia che sono posizionati per assomigliare ai seggiolini auto, i ragazzi si affacciano verso l’Oceano Atlantico e dirigono il “tassista” di fronte, che maneggia un infradito come volante. “Driver, vai più veloce!” uno comanda: “Dai, driver, mettiti quella canzone!” “Non vedi che la radio è rotta?” Parlano di familiari e persone care negli Stati Uniti e in Italia e condannano i bassifondi a casa. Mentre il loro dialogo suggerisce il sogno del viaggio globale – realizzato attraverso l’osservazione di conversazioni per adulti – fa anche riferimento al traffico stradale che notoriamente affligge Luanda, con i pendolari che spesso trascorrono fino a quattro ore in movimento attraverso la città.

Délio Jasse
Angola, 1980. A 18 anni si trasferisce a Lisbona, dove inizia a lavorare negli studi di serigrafia. Qui ebbe il primo contatto con le diverse tecniche di stampa, tra le quali scoprì presto la fotografia. Ha iniziato a sperimentare le diverse possibilità tecniche di questo mezzo di espressione. Ha partecipato a diverse mostre collettive in Portogallo, Angola, Brasile, Germania e Francia. Tra le mostre collettive ricordiamo África (2010) al Museu Nacional de História Natural di Luanda, Bamako Photographic Encounters e la mostra collettiva Present Tense (2013) alla Fundação Calouste Gulbenkian di Lisbona. Tra le mostre personali ricordiamo Schengen (2010) a Baginski, Galeria / Projetos. Nel 2014 è stato selezionato per il BES Photo Award.

L’installazione Ausência Permanente di Délio Jasse è stata precedentemente esposta in spazi del cubo bianco, ma acquisisce nuove possibilità di significato nella sua esposizione all’interno del palazzo inondato di luce. Tre bacini poco profondi pieni di acqua colorata sono disposti nello spazio sotto la parete esterna della Sala dei Vescovi, che è allineata al soffitto con finestre. Macchie di luce solare intensa si riversano nella stanza e attraverso il suo pavimento elegantemente piastrellato, proiettando sia ombre a spigoli vivi che faretti luminosi sulle vasche di turchese, fuscia e bagni dalle acque limpide in cui sono immerse immagini di grandi dimensioni: sono fotomontaggi che contengono ritratti di uomini e donne anonimi sovrapposti con timbri, firme, notazioni, date e dettagli architettonici. Le allusioni al movimento e l’istituzionalizzazione del viaggio risiedono sia nei simboli della burocrazia sparsi attraverso le immagini sia nei tentativi, occhi di ricerca di ogni soggetto che ci guardano, presumibilmente fotografati al momento delle domande di visto o passaporto.

È importante sottolineare che la modalità di presentazione di Jasse fa un inconfondibile riferimento al processo di sviluppo delle fotografie, che, una volta esposte, vengono delicatamente immerse in bagni chimici fluidi prima che l’immagine venga rivelata lentamente. Jasse ha affermato che “le stelle di questa serie sono fantasmi” e, come tale, il contesto attuale porta alla luce le loro storie dimenticate, attraverso una poetica di esposizione e visibilità.

L’acqua che si muove dolcemente sulle immagini di Jasse ricorderà anche agli spettatori una storia di viaggi marittimi che ha definito la storia moderna in Angola, dalle esplorazioni portoghesi del 15 ° secolo sul Nuovo Mondo alle reti commerciali transatlantiche tra Europa, Africa e Americhe che trasportava navi schiave tra Luanda e il Brasile, nonché i tragici viaggi odierni di migranti e rifugiati dal continente africano attraverso il Mediterraneo verso l’Italia.

Francisco Vidal
Francisco Vidal Angola, 1978. Il lavoro di Francisco esamina le questioni di razza, differenza, negritudine e diaspora africana. impiega sia le possibilità comunicative della sua espressione plastica ed estetica, sia i suoi rapporti con la società e il Portogallo e l’Angola moderni. Crede che sia particolarmente radicato nella sua epoca e nella sua identità; qualcosa strettamente legato alla fascia di età a cui appartiene, e che si potrebbe quasi considerare un riflesso della sua generazione. Le sue opere, in vari formati, sono il risultato di una riflessione sempre più meticolosa sulla realtà in cui vive. Ha esposto da solo e collettivamente dal 2006.

Nelo Teixeira
Angola, 1975. Nelo ha studiato pittura e scultura nelle officine dell’UNAP (National Union Plastic Artists) e ha una formazione in carpenteria e scenografia. Nelo ha ereditato un’interessante eredità familiare di produttori di maschere. Inoltre, svolge un ruolo importante nella comunità artistica di Luanda, insegnando alla sua generazione più giovane alcune delle sue tecniche. Espone regolarmente dal 2000 e ha sviluppato la scenografia per diversi spettacoli teatrali e cinematografici.

Tutto ciò ci riporta al contesto della Biennale e al privilegio del viaggio turistico in una nazione che attualmente rappresenta il sogno di asilo per così tanti in tutto il continente africano. Mentre “On Ways of Travelling” contiene ricche dichiarazioni sulla vita nell’Angola contemporanea, sembra che il significato risieda anche nel dialogo messo in scena tra il Palazzo stesso e i materiali e le idee presentati nella mostra e gli innegabili intrecci di storie, economie e culture attraverso il globo.

Palazzo Pisani a Santo Stefano
Palazzo Pisani è un palazzo veneziano situato nel quartiere di San Marco, con vista sul Rio del Santissimo e al confine con Palazzetto Pisani e Palazzo Morosini, con vista su Campo Pisani, adiacente a Campo Santo Stefano. È la sede del conservatorio di Benedetto Marcello.

“L’ultima grande ristrutturazione fu affidata a Girolamo Frigimelica, architetto della famiglia Pisani, la stessa che costruì l’imponente villa pisana a Stra. Lo scopo della costruzione era eminentemente celebrativo: la nobile famiglia Pisani, all’epoca una delle più ricche di la città, voleva un palazzo degno delle sue dimensioni, facendosi gradualmente strada tra le case vicine per raggiungere il Canal Grande. Qui soggiornarono personaggi famosi, sovrani e principi: le cronache parlano della magnificenza dei mobili e delle decorazioni, della galleria piena di dipinti dei pittori più illustri. L’enorme facciata dell’edificio, criticata da alcuni per la sua ostentazione, è animata da due grandi archi sopra la porta d’ingresso ”
-Benedetto Marcello

“[A Palazzo Pisani] di notevole [c’è] solo il coraggio dell’antico proprietario di spendere molto denaro”
-Pietro Selvatico

Storia
Nel 1525 i pisani vivevano già nell’area di Santo Stefano, ma la costruzione del palazzo iniziò solo tra il 1614 e il 1615. Il primo nucleo si sviluppò dove esisteva una casa già di proprietà della famiglia (ottenuta per eredità) e altri edifici acquistati appositamente per la necessità di costruire questa casa. Alvise Pisani, il cliente, decise di non rivolgersi a un architetto per la supervisione delle attività, ma di provvedere personalmente, contattando direttamente gli artigiani, forse a causa dell’assenza di una grande personalità artistica in città in quel momento. Nel 1634 un terremoto distrusse parte della casa, che dovette essere ricostruita. Si pensava che il proto dell’epoca, ovvero Bortolo da Venezia, noto come Manopola, potesse essere stato contattato per l’edificio, costruito “in stile romano”. Nel XVIII secolo Vincenzo Maria Coronelli attribuì il progetto del palazzo a Jacopo Sansovino.

Espansione
Nel 1728 la famiglia Pisani incaricò Gerolamo Frigimelica di provvedere al potenziamento e all’espansione del complesso. Il suo intervento ha comportato la distruzione della grande finestra centrale, l’abitazione di un piano, la costruzione dei cortili interni e la decorazione. Alla fine del 18 ° secolo furono eseguiti altri lavori che causarono l’alterazione della pianta.

Il nuovo proprietario dell’edificio, Alvise Pisani, decise di trasformare le sale del secondo piano nobile in stanze più piccole, dividendole secondo il piano di Bernardino Maccaruzzi. Il palazzo ora aveva circa 200 stanze. Durante questo periodo fu ospite del palazzo anche Gustavo III di Svezia, il quale dichiarò di non poter mai restituire il sontuoso ricevimento ricevuto. Seguirono numerose altre trasformazioni: l’impianto fu ripetutamente rivisto, le collezioni d’arte furono rimosse, l’intero complesso fu diviso in appartamenti in affitto. Nel frattempo, la famiglia proprietaria doveva infatti trasferire gran parte dell’edificio, rimanendo il proprietario solo dell’ala nord. Nel 1880 la famiglia proprietaria si estinse. Nel 1940 l’edificio fu trasformato in un giardino d’inverno. Nel 1947 il pittore Zoran Music aveva il suo studio in soffitta.

Architettura

facciate
L’edificio, che dimostra chiaramente il desiderio della famiglia Pisani di raggiungere il Canal Grande, l’obiettivo raggiunto con l’acquisizione del Palazzetto Pisani, ha dimensioni considerevoli e quindi molteplici facciate.

La facciata principale si affaccia su Campo Pisani ed è caratterizzata dalla decorazione in pietra d’Istria, che le conferisce un aspetto maestoso. Tradizionalmente appare tripartito: al centro del piano terra c’è un grande portale, preso dalle serliane dei piani superiori. Ai lati di quest’ultimo vi sono finestre con archi a tutto sesto, la cui chiave di volta è decorata con una testa umana. Sono disposti in modo da formare bifore: le due finestre che compongono l’unità modulare poi ripetute hanno una colonna al centro e ai lati dei pilastri. Il balcone eccezionalmente potente al primo piano è supportato da due modilioni e il suo parapetto è decorato con un motivo quadrato.

Le facciate secondarie si sviluppano verso il Canal Grande (terminato solo nel 1751) e verso il Rio del Santissimo. Entrambi hanno un aspetto nudo, non paragonabile a quello di quello principale. La loro decorazione consiste principalmente di bifore.

Disposizione
La struttura della pianta ha caratteri molto diversi da quelli tradizionali, che vedono una successione di stanze ai lati del portego. In questo caso, l’edificio si sviluppa attorno a due cortili, separati solo da un corpo di loggia.

interno
Nel corso degli anni l’edificio è stato vittima di spoliazione. Nonostante tutto, numerose opere d’arte sopravvivono ancora, concentrate nei soffitti e negli stucchi. Il portale è circondato da due gruppi scultorei, raffiguranti l’uccisione del leone di Nemea e la cattura di Cerbero: di solito sono attribuiti alla scuola di Girolamo Campagna. La parete di fondo dell’atrio è dominata dal grande fanò, la lanterna che si trovava a poppa della prigione di Andrea Pisani. Nella sala dell’antica biblioteca, al quinto piano, ci sono due medaglioni con i profili di Martin Lutero e Giovanni Calvino. Nel mezzanino ci sono alcune sale decorate con stucchi risalenti alla seconda metà del XVIII secolo.

Il portego al primo piano presentava una collezione di dipinti raffiguranti i volti degli uomini più famosi della famiglia: oggi sopravvivono solo quelli di Andrea Pisani e Alvise Pisani. La decorazione della stanza è invece opera del pittore Jacopo Guarana. Le decorazioni abbondano nelle stanze del primo piano: Francesco Zugno ha lavorato tra l’altro per la creazione degli affreschi che decorano la stanza sul campo e quella adiacente. Lo stesso piano ospita anche una cappella con una pala d’altare sul tema della Sacra Famiglia e San Giovannino, costruita da Giuseppe Angeli.

Per quanto riguarda l’ala che si affaccia sul canale, ha due stanze che un tempo dovevano essere state riccamente decorate ma che oggi appaiono spoglie. Sempre sullo stesso lato c’era anche una stanza adibita a galleria d’arte, dove erano custodite opere di pregio. Secondo un inventario del 1809, consisteva di 159 opere, tra cui due terzi del XVI secolo, una quarantina del XVII secolo e una dozzina del XVIII secolo. L’inventario indica anche i nomi degli artisti, tra cui Tiziano, Tintoretto, Paolo Veronese, Bassano, Palma il Vecchio. Adiacente a questa stanza vi è un ricco stucco bianco e dorato, attribuito a Giuseppe Ferrari che li avrebbe realizzati nel 1776. A destra è una cappella dedicata alla Madonna del Rosario, ampliata e decorata nel 1717.

Un altro luogo particolarmente importante è la sala da ballo, ora utilizzata per i concerti. La sua forma fu definita da Almorò Pisani tra il 1717 e il 1720. Il pezzo artistico più prezioso della stanza era una volta la tela che decorava il soffitto, realizzata da Giovanni Antonio Pellegrini tra il 1722 e il 1723. La tela fu venduta nel 1895 ma fu sostituita nel 1904 di un’opera di Vittorio Emanuele Bressanin, raffigurante la Glorificazione della musica. Questo lavoro è stato svolto gratuitamente. Allo stesso tempo, Bressanin si dedicò anche alla creazione dell’affresco nell’altra stanza verso la scala centrale, un tempo decorata con cinque dipinti del Veronese. Nella stanza che ora ospita la direzione del giardino d’inverno c’è un battente di bronzo, attribuito ad Alessandro Vittoria.

Biblioteca
Nulla rimane dell’antica biblioteca pisana a parte un catalogo risalente al 1807. Tre anni dopo tutto andò all’asta e fu disperso. La biblioteca fu fondata da Almorò Pisani ed era la più ricca tra quelle disponibili per i singoli nobili veneziani. Durante il periodo della sua attività era aperto al pubblico due volte a settimana e aveva un custode. La collezione era ricca di quelli che venivano chiamati libri vietati in quanto spesso associati alle eresie. La biblioteca ospitava anche una grande collezione numismatica, composta da 6000 pezzi, da aggiungere alla serie completa di monete veneziane.

Biennale di Venezia 2015
La Biennale d’Arte 2015 chiude una sorta di trilogia iniziata con la mostra curata da Bice Curiger nel 2011, Illuminazioni, e proseguita con il Palazzo Enciclopedico di Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale prosegue la sua ricerca su riferimenti utili per esprimere giudizi estetici sull’arte contemporanea, una questione “critica” dopo la fine dell’arte d’avanguardia e “non artistica”.

Attraverso la mostra curata da Okwui Enwezor, La Biennale torna a osservare il rapporto tra arte e sviluppo della realtà umana, sociale e politica, nella pressione di forze e fenomeni esterni: i modi in cui, cioè, le tensioni dell’esterno il mondo sollecita le sensibilità, le energie vitali ed espressive degli artisti, i loro desideri, i movimenti dell’anima (il loro canto interiore).

La Biennale di Venezia è stata fondata nel 1895. Paolo Baratta è stato presidente dal 2008, e prima ancora dal 1998 al 2001. La Biennale, che è all’avanguardia nella ricerca e promozione di nuove tendenze dell’arte contemporanea, organizza mostre, festival e ricerche in tutti i suoi settori specifici: Arts (1895), Architecture (1980), Cinema (1932), Dance (1999), Music (1930) e Theater (1934). Le sue attività sono documentate presso l’Archivio storico delle arti contemporanee (ASAC) che recentemente è stato completamente rinnovato.

Il rapporto con la comunità locale è stato rafforzato attraverso attività didattiche e visite guidate, con la partecipazione di un numero crescente di scuole venete e non solo. Questo diffonde la creatività sulla nuova generazione (3.000 insegnanti e 30.000 studenti coinvolti nel 2014). Queste attività sono state supportate dalla Camera di commercio di Venezia. È stata inoltre istituita una collaborazione con università e istituti di ricerca che organizzano tour speciali e soggiorni nelle mostre. Nel triennio 2012-2014, 227 università (79 italiane e 148 internazionali) hanno aderito al progetto Sessioni della Biennale.

In tutti i settori ci sono state maggiori opportunità di ricerca e produzione rivolte alle giovani generazioni di artisti, direttamente in contatto con insegnanti di fama; questo è diventato più sistematico e continuo attraverso il progetto internazionale Biennale College, attualmente in corso nelle sezioni Danza, Teatro, Musica e Cinema.