Le baroque dans la signification historique de la musique européenne était une période d’environ 1600 à environ 1750. Dès le début, la musique dans le baroque s’est détournée de la musique de la Renaissance. En remplaçant la polyphonie (plusieurs mélodies simultanément) dans la chanson de l’homophonie (une voix principale) pour laisser le texte dominer, créant des opéras, des oratoires, des cantates et des monodies, la musique vocale s’est développée brusquement. Au début du baroque, les échelles modales étaient principalement associées à la musique d’église échangée avec de la musique tonale. Cela a fait de grandes différences à la fois dans le son et dans la capacité de composer des pièces plus avancées.

Les pièces instrumentales non-clergé étaient une innovation dans le baroque. Il y avait une grande variation entre eux, de toccata, joints, préludier, ricercars et capriccio à canzonaer, suites, sonates et concertos. L’orchestre s’est développé de manière significative dans le baroque, et au fur et à mesure que les instruments devenaient de plus en plus performants, de plus en plus étaient inclus. Les instruments qui frappent le baroque incluent le violon, le violoncelle, le crosspie, la clarinette, le basson, l’obo, le cor anglais et les premières versions des cors, des trompettes et du trombone. Les nouveaux bateaux dans la musique vocale et instrumentale ont été le développement de la basse générale, l’un des premiers exemples de transmission du rythme tenant à un instrument. Là où la musique vocale était gaie, la musique instrumentale restait polyphonique et le contrepoint était souvent utilisé.

Au début, la musique baroque était dominée par les compositeurs italiens; Claudio Monteverdi était l’un des plus célèbres d’entre eux. Finalement, les compositeurs néerlandais, allemands, français et anglais en ont eu plus. La culture musicale de chaque pays variait de temps en temps entre l’utilisation de la musique italienne, l’inspiration ou la création ou la prise en charge de sa propre musique. L’opéra, par exemple, a été d’abord tenté en Allemagne en chantant des jeux avant que l’opéra italien ne prenne le relais. L’opéra anglais était un mélange d’opéra italien et de représentations de masques, et l’opéra français était caractérisé par beaucoup de ballet et de techniques propres, pendant longtemps gouverné totalement par Jean-Baptiste Lully. Cependant, l’opéra italien est devenu plus populaire et public-amical par le développement à Venise et à Naples.

La musique instrumentale s’est également développée différemment. En Italie, le violon est devenu très populaire, et la sonate a été étroitement inventée pour présenter les caractéristiques de l’instrument. Arcangelo Corelli était crucial pour le succès de sonata. En France, des compositeurs comme Marc-Antoine Charpentier ont créé des foires et des oratoires français, tandis que l’enfant prodige Élisabeth Jacquet de La Guerre a écrit des cembalosticks difficiles. En Allemagne, Heinrich Schütz et Johann Hermann Schein ont introduit un certain nombre de nouveaux styles musicaux. Samuel Scheidt, et plus tard Johann Pachelbel et Dietrich Buxtehude ont eu beaucoup de succès avec la musique d’orgue, à la fois les foires géologiques et les toccata et les fantaisies mondaines.

Le dernier bar a connu un énorme développement de musique instrumentale spéciale. Sous Johann Sebastian Bach, la toccata, l’articulation et, en partie, l’imagination ont donné un développement et une popularité significatifs. Georg Friedrich Händel a développé spécialement l’opéra et les oratoires, Georg Philipp Telemann a développé des concerts, opéra comique et un certain nombre d’autres thèmes, Antonio Vivaldi et Tomaso Albinoni ont été cruciaux pour le développement du concert sonate et solo, Jean-Philippe Rameau a développé le opéra en France et en Italie et Domenico Scarlatti et François Couperin, avec Telemann, ont contribué à jeter les bases du style galant qui a suivi le baroque. Le style galant et le classicisme se sont rebellés contre le style baroque compliqué, et voulaient de la musique gay avec une simple basse et un accent plus mondain.

La musique du début du baroque (1600-1630)
Le début du baroque a connu un certain nombre de changements musicaux. La transition de la Renaissance s’est faite rapidement avec l’accent sur un style homophone de chanson où vous pourriez facilement entendre les paroles. C’était aussi quand l’opéra a été créé, ainsi le chant et le théâtre ont été liés pour la première fois. Au cours de cette période, l’opéra était principalement pour la noblesse, tandis que dans la période baroque suivante, il a été joué de plus en plus souvent pour la plupart des gens. Peu de temps après l’opéra est venu l’oratorium. Cela ressemblait à de l’opéra, mais avait beaucoup moins de traits théâtraux. Un troisième style de chanson était la cantate, également la créature en grande partie baroque. A l’origine, il ne contenait pas de pièces, mais était une chorale avec des solistes et une explication entre les pièces.

Une autre différence importante entre les premières casernes et la renaissance a été aussi que le baroque a commencé l’émergence de la musique instrumentale et l’augmentation du nombre de musiciens dans un ensemble musical. Cela a encore causé des changements majeurs dans la musique, y compris la création de la basse générale, une basse improvisée avec certains accords dans des endroits spéciaux, et la transition de la musique modale à la musique tonale. La musique d’orgue aux Pays-Bas et en Allemagne a aussi clairement évolué depuis la Renaissance. La musique baroque imposait donc plus d’exigences aux instruments, aux musiciens et aux orchestres. Il était également plus avancé que la musique précédente en ce qui concerne les chromatismes, les harmoniques, le contrepoint et une variété de techniques autres que la musique de la Renaissance.

Les instruments étaient essentiellement comme à la Renaissance, mais plusieurs d’entre eux, comme le violon, sont devenus plus importants. Le son distinctif des instruments a également été pris en compte, de sorte que vous aimeriez écrire des mélodies basées sur la façon dont l’instrument a sonné et utilisé le son distinctif de l’instrument pour représenter les humeurs ou les événements. De plus, la musique était de plus en plus écrite en rythmes avec des tactiques et des lignes, de sorte que l’on devenait plus prévisible.

Instruments d’instruments précoces
Alors que le violon existe depuis longtemps, c’est au début des années 1600 qu’il est utilisé dans la musique «sérieuse» comme dans les opéras et les ballets. C’est ainsi qu’elle a rivalisé avec le jeu jusqu’alors préféré. Le jeu appartenait à une famille qui comprenait également violon basse et violon contrebasse. Les deux derniers ont pu être le prédécesseur de la contrebasse d’aujourd’hui. D’autres instruments de la famille stricte comprenaient la pochette française, une sorte de « fiction de poche » sans formes et de dreielire utilisées au départ.

Il y avait plusieurs instruments à cordes, habituellement dans des variations, comme la harpe, le luth, la mandoline et le cistre. Dans les instruments de soufflage, Sackbut, un prédécesseur du trombone, était largement utilisé. La Lutte était principalement réservée à la musique française, tandis que la théorie prenait plus de place en Italie.

Skalmeien, qui a été développé depuis son arrivée en Europe dans les années 700, a gagné une version de ténor et de basse au cours des neuf cents prochaines années. Le Skalmeien était un instrument à deux lames, et donc plus apparenté à l’obo qu’à la clarinette. C’était le point de départ pour le bob baroque qui est arrivé au milieu des années 1600. De plus, la corne à miettes, le zinc, le flux transversal et la flûte en bloc ont été utilisés. Des instruments à percussion tels que le pauke et les tabous ont également été utilisés. L’un des insturments les plus couramment utilisés, en particulier dans la voix de basse, était les indices pour les petites pièces et cembalo pour les chambres de taille moyenne. Les grandes pièces étaient principalement des églises, utilisant des pipelines.

Développement musical
La transition de la musique renaissance à la musique baroque fut l’une des violations majeures de la musique occidentale. Le style traditionnel de la chanson, prima pratica, était la polyphonie vocale de la Renaissance (de nombreuses mélodies simultanément) avec des lignes mélodiques entrelacées. Le nouveau style, seconda pratica, met l’accent sur le soloisme, le texte clair, la distinction entre mélodie et ligne de basse et l’intérêt pour l’harmonie expressive. Cependant, la transition de la polyphonie à l’homophonie était significativement dans la chanson, mais pas dans la musique instrumentale, où la polyphonie était importante à travers le baroque.

La distinction entre la première et la seconde pratique a été définie par Claudio Monteverdi et son frère Giulio Cesare entre 1605 et 1607, en réponse à la critique de Giovanni Maria Artusi à partir de 1600 sur la violation «inutile» de Monteverdi de la règle de consonance et de dissonance. La réponse de Monteverdi était que dans le premier style c’était la musique qui dominait le texte, alors que dans l’autre c’était l’inverse. Monteverdi était conscient que la seconde pratique ne remplaçait pas la première, mais était une alternative.

L’une des introductions les plus importantes au début du baroque était la basse générale. La basse générale était une voix de basse souvent jouée par deux instruments, tels que le cembalo et le violoncelle. La liste pour la basse générale était limitée aux accords qui pouvaient être joués de temps en temps, mais entre les accords il y avait une improvisation mélodique libre. En ayant une basse générale qui est restée en place, cela a également fourni une plus grande improvisation pour les instruments mélodiques.

La tonalité était également importante. La Renaissance avait largement été utilisée à l’échelle modale, basée sur la musique d’église médiévale. Cependant, le développement du baroque en musique est devenu si exigeant que l’échelle modale en elle-même n’était pas assez bonne. Peu après 1600, la transition est venue à la musique tonale, qui a ouvert pour une plus grande liberté mélodique, y compris la dissonance.

Un autre des développements musicaux qui ont eu lieu au début du baroque était la théorie affective, l’idée que la musique pouvait recréer des émotions. Ici, certaines affections étaient stylisées, de sorte que le rythme audacieux, haut perché et haut symbolisait la joie, tandis que la tristesse était profonde. Le rythme lent et la lourdeur, souvent avec des dissonances et d’autres émotions, étaient symbolisés par des combinaisons de mélodie, rythme, instrumentation et tonalité. C’est surtout Monteverdi qui l’a développé dans ses opéras et ses madrigues.

Déjà au milieu du XVIe siècle la romance était bien utilisée à Venise, mais c’était surtout au début du baroque, avec Giovanni Gabrieli avec plusieurs qu’elle a vraiment commencé à évoluer. Gabrieli a écrit des sonates spéciales, et a été le premier à utiliser constamment le terme sur les pièces de musique sans chanson. Les seules sonates étaient loin d’être aussi développées qu’elles le devenaient dans le classicisme, elles s’ouvraient pour que le compositeur détermine le degré de force des instruments. Gabrieli a surtout expérimenté des instruments jouant en dialogue les uns avec les autres, les deux groupes d’instruments les uns contre les autres, comme des cordes contre des souffleurs de cuivre, et des groupes de souffleurs internes ou des cordes les uns contre les autres.

Le développement de l’opéra
L’opéra a été découvert au début du baroque, mais peut-être été inspiré par pastoraldramas, madrigaux et intermédiaires, tous trois un mélange de théâtre et de musique. En outre, des humanistes comme Girolamo Mei, qui a compris que les pièces grecques ont été chantées dans leur intégralité, important pour l’idée derrière l’opéra. Les idées de Meise ont été discutées dans le cercle des personnes académiquement intéressées autour du comte Bardi appelé Camerata Fiorentina.

La discussion portait sur la façon d’exécuter des poèmes, des pièces de théâtre et des pièces de théâtre mélodiquement. À la Renaissance, les Madrigaux avaient déjà été mentionnés, mais ces chansons étaient polyphoniques, et il était difficile pour les auditeurs de suivre l’action. Dans Camerata Fiorentina, monodies, les chansons ont été écrites pour une voix chantante avec accompagnement unique, souvent sur scène, guitare, cembalo ou orgue créé. Avec une seule chanson, il est devenu plus facile de suivre l’action. En outre, la phrase devrait suivre le contenu du texte de sorte que les notes courtes et les tons élevés caractérisent la révélation et les longs tons et le guidage vocal faible une humeur plus calme. D’abord, c’est surtout Vincenzo Galilei et Giulio Caccini qui ont écrit des monodies, et celles-ci les ont développées dans une large mesure. Les monods ont disparu à la fin du début du baroque, mais se sont répandus dans de nombreux autres pays européens et ont inspiré des chansons similaires.

Cependant, les monos étaient des chanteurs singles, et la musique intéressée florentines discuté de la possibilité de compléter toute une série de monodies consécutives. Même après que Bardi a déménagé à Rome, la discussion a continué. Jacopo Peri a écrit les premières tentatives d’opéra avec Daphne (non conservé) en 1598 et L’Euridice en 1600. Peri a également inventé le resitatif, le chant de mots qui racontait l’histoire et reliait les monodies (éventuellement les «ariens»). Le fond pour les resitatives était dans une théorie largement acceptée que les Grecs anciens ont exécuté leurs poèmes à mi-chemin.

L’opéra commence expérimentalement, mais c’est avec Claudio Monteverdi que l’opéra trouve sa place. Dans son opéra L’Orfeo, Monteverdi comprend l’équilibre entre texte et musique dans les deux pratiques de l’opéra. Il a placé les musiciens derrière et devant la scène, ainsi que sur la page. En plus d’avoir un si grand orchestre, avec jusqu’à 40 musiciens, la musique était caractérisée en partie par la dissonance, les accords surprenants et l’utilisation consciente des couleurs sonores. Monteverdi utilisait des trombones, ce qui était inhabituel dans la musique mondaine de l’époque, pour créer le sentiment de l’underground, tandis que les flûtes créaient un thème plus pastoral. L’orchestre a également joué un rôle plus actif lors des resitatives, où il a accompagné l’ensemble de l’orchestre, souvent de façon dramatique, pour améliorer les émotions.

Monteverdi a écrit plusieurs opéras. Déjà l’année suivante, L’Arianna est venu, qui n’est presque pas conservé. Il n’y a pas d’opéra connu de lui avant Il ritorno d’Ulisse en 1640. A Florence, il n’y avait pas non plus d’opéras au début du baroque, bien que quelques pièces opéraient dans la représentation. Francesca Caccinis La libération de la Roggiero dall’isola d’Alcina, à partir de 1625, avait un certain nombre de caractéristiques musicales de l’opéra à Monteverdi et ses contemporains, y compris les arias, resitatives, chœur et ouverture infonia, mais a été qualifié de ballet. Quelque chose plus tard, Rome a pris la place de la capitale de l’opéra, où les récitals sont devenus moins mélodiques, tandis que le Bélier a conservé son style mélodique. C’est aussi à Rome que les castrateurs ont chanté les chansons des femmes. À Rome, entre autres, Stefano Landi était un compositeur d’opéra actif. Il a écrit les deux opéras avec un thème religieux et comique, habituellement en même temps que dans Il Sant ‘Alessio ou thème mythologique pastoral et grec comme à La Morte d’Orfeo.

Vers la fin de la période il y avait aussi une forme d’opéra en Allemagne. Tout comme en Italie, le premier opéra nommé Dafne (1627), mais il pourrait avoir été une cantate mondaine. On pense qu’il a été écrit par Heinrich Schütz, mais seul le livret est pris en compte.

Oratoires et cantates
Juste après la diffusion de l’opéra, les orienteurs se sont également répandus. Les oratoires ont été inspirés par des madrigaux religieux et des textes religieux laudi sur la langue quotidienne. Un oratorium (= maison de prière) était une présentation d’un texte ou message chrétien, ressemblant le plus souvent à un opéra en ce qu’il comportait des résitatifs, des croix et des danses, mais aussi un narrateur qui lisait les textes bibliques sur lesquels l’action était basée. Les oratoires étaient cependant influencés par la musique mondaine, et comme les opéras avaient aussi des thèmes religieux, la différence devenait parfois que les oratoriens n’avaient pas de scénographie. Emilio de ‘Cavalieri, également actif dans l’émergence de l’opéra, a écrit ce qui est considéré comme le premier oratorium La représentation de l’âme et du corps. Tout comme avec l’opéra, des variantes des oratoires sont apparues en Allemagne. De nouveau, Heinrich Schütz écrivit le premier cas allemand, l’Histoire de la Résurrection, en 1623. En Allemagne, «l’histoire» fut utilisée à propos de la forme musicale, et le terme «oratorium» ne fut trouvé qu’en 1640.

Les cantates sont également arrivés tôt. Ils étaient pour la plupart des crimes et basés sur des textes séculaires ou religieux. Les cantates mondains ont évolué loin des religieux. Le religieux contenait une introduction instrumentale, des arias séparés et des zones de récitatif, des sections de corail et des parties où la congrégation participait à la chanson. Ce cantat est devenu celui qui a frappé plus tard parmi les compositeurs allemands comme Johann Sebastian Bach.

Autre musique d’église
En plus des cantates, des madrigaux et des oratoires, il y avait aussi d’autres genres mélodiques religieux. L’un d’eux était les homologues français. Les motets étaient heureux de partager prima pratica, et ainsi inspiré par la Renaissance, principalement Giovanni Pierluigi da Palestrina, Josquin des Prez et Orlando di Lasso. Ils ont donc eu la musique comme dominante du texte. Alessandro Grandi a fait usage de contraires inspirés par les monodies, et ainsi les motets sont devenus plus proches de secondo prattico puisque la mélodie est devenue moins dominante et la voix a eu plus de front. Ce mélange a montré Grandi surtout quand il a été inspiré par des émeutes solo, des airs resitatifs et lyriques.

Girolamo Frescobaldi était dominant dans la musique instrumentale. Il est devenu organiste à l’église Saint-Pierre à l’âge de 25 ans et a créé un certain nombre d’œuvres pour instruments à piano, de préférence d’orgue. Il a écrit toccataer, capricioer et ricercaros pour le cembalo et l’orgue, le plus souvent dans le contexte de l’église. Frescobaldi était le plus célèbre pour son langage tonal, qui était caractérisé par la tension entre la modalité et les grands / moll-tones qui ont pris le dessus. Cela signifiait, entre autres, qu’il jouait beaucoup de chromatique, mais il s’intéressait aussi aux instruments harmonieux.

Toujours en Allemagne, il y a eu un développement musical et, entre autres choses, Michael Praetorius a défini une transition musicale avec ses coraux et surtout sa musique Syntagma Musicum. Il y avait surtout trois de ses descendants, Heinrich Schütze, Johann Hermann Schein et Samuel Scheidt, qui ont largement introduit la musique baroque en Allemagne. Les trois, souvent appelés « les trois S-er » connus les uns aux autres et à Praetorius.

Parmi ceux-ci, c’est surtout Samuel Scheidt qui a écrit de la musique d’orgue. Scheidt a étudié la technologie des orgues sous la direction du célèbre champion d’orgue Jan Pieterszoon Sweelinck. Scheidts Tabulatura nova de 1624 est considérée comme la première importante collection d’orgue allemande. Scheidt a fait usage de la basse générale et du développement sonore, et en outre il a écrit contrasté dans la mélodie. Scheidt était particulièrement actif dans les pièces de fantaisie, et sa musique d’orgue était d’une grande importance pour le développement de la musique d’or de l’Allemagne du Nord à cette époque.

Johann Hermann Schein a réussi à mélanger le moderne et l’italien avec la tradition corallienne allemande. Entre autres choses, il a ajouté une chanson décorative aux voix chantantes et a divisé les phrases en différentes voix pour que la musique d’église luthérienne se développe. Il a également ajouté dans des œuvres ultérieures avec des instruments solistes et contrasté entre les parties solo et les parties avec tous les i. Ces œuvres, toutes deux intitulées Opella nova, définissent depuis longtemps la norme pour la musique d’église parmi les compositeurs protestants.

Heinrich Schütz était probablement le plus influent des trois. En tant qu’étudiant de Giovanni Gabrieli et en visite à Monteverdi, il avait beaucoup appris sur l’utilisation du son et de la voix pour obtenir le meilleur message. Il a emprunté les orchestrations majeures de Gabrieli, par exemple dans le sacrement du Psaume David et de Cantion, deux chansons religieuses en allemand et en latin, respectivement. Schütz a également écrit des opéras et des oratoires, mais est resté loin de la musique instrumentale pure. Schütz a continué à développer la musique d’église bien au-delà de cette période. Schütz est devenu particulièrement célèbre pour sa capacité à utiliser plusieurs vaches, comme Gabrielli l’a fait, et pour monter les vaches les unes contre les autres ou les solistes contre le chœur. Cela signifie qu’il a créé des expériences dramatiques pour mettre en évidence le texte. Ainsi, Schütz peut être placé en toute sécurité dans la deuxième pratique.