Le pavillon national ukrainien à la 56e Exposition internationale d’art – la Biennale de Venise, présente une exposition de groupe intitulée « Hope! » mettant en vedette une jeune génération d’artistes ukrainiens, notamment Yevgenia Belorusets, Nikita Kadan, Zhanna Kadyrova, Mykola Ridnyi & Serhiy Zhadan, Artem Volokitin, Anna Zvyagintseva et Open Group. Le projet est organisé par le PinchukArtCentre avec le soutien de la Fondation Victor Pinchuk.

Le pavillon national ukrainien est un modèle pour une nouvelle Ukraine transparente et ouverte sur le monde. Avec cette exposition, une jeune génération d’artistes exprime son espoir pour l’avenir de l’Ukraine tout en affrontant le conflit actuel et l’histoire récente du pays.

Open Group et Yevgenia Belorusets soulignent de manière opposée l’engagement personnel et la responsabilité des individus dans un conflit armé. Leurs travaux révèlent les différentes attitudes civiles au sein de la société. Open Group s’occupe des jeunes hommes enrôlés dans l’armée et de leurs familles en attente de leur retour. Belorusets dépeint des mineurs invisibles qui ont choisi de vivre et de travailler dans la zone de conflit mais refusent de participer à la guerre, essayant de « sauver » leur avenir en travaillant quotidiennement dans les mines.

Cage (2010) d’Anna Zvyagintseva incarne les contradictions entre la liberté et l’emprisonnement, l’état de droit et l’anarchie et la force et la fragilité. Blind Spot de Ridnyi et Zhadan se concentre sur le prix de la violence mais résiste aux récits étroits qui provoquent la radicalisation de la pensée. Artem Volokitin réduit dans sa peinture la réalité de la vie à un acte violent qui oscille entre l’espoir et la peur, entre la mort et le sublime. Et Zhanna Kadyrova montre l’Ukraine comme une partie du monde, utilisant le passé récent pour entrevoir un avenir.

Juste à l’extérieur du pavillon, la sculpture publique de Nikita Kadan fait référence au passé et confronte la situation actuelle de la guerre. Il traite des questions liées à l’historification d’un conflit et les confronte au passé soviétique de l’Ukraine.

Points forts

Foule. Journée.
Zhanna Kadyrova
Le 16 mars 2014, la Crimée a voté lors d’un référendum illégal pour faire sécession de l’Ukraine et rejoindre la Russie. Un an après cet événement dramatique qui a profondément influencé la situation géopolitique mondiale, le 16 mars 2015, Zhanna Kadyrova a collecté des journaux du monde entier. Elle les a utilisés pour créer un collage panoramique de 6 mètres de long, découpant tous les visages des personnes, les recomposant et juxtaposant des personnes de statut social, de position politique ou de religion différents côte à côte dans le cadre original de la page du journal. Perdant toute référence au texte ou à la langue en dehors des noms des papiers, qui «encadrent» les foules dans un contexte de culture géographique, chaque collage devient la représentation d’une masse de personnes, l’installation dans son ensemble représentant le portrait d’une foule .

Le travail examine également les différences et les caractéristiques unificatrices des médias de masse mondiaux. En choisissant des journaux sur une seule journée, Kadyrova retrace l’attention internationale accordée à l’Ukraine et à son conflit, explorant le pouvoir et la responsabilité des médias et se concentrant sur la façon dont « l’homme » est représenté dans différents pays. À une époque de troubles sociaux mondiaux, où les gens partout dans la rue pour changer, Kadyrova nous présente une foule indisciplinée, anonyme, multiculturelle et partagée.

« Il est évident que les changements qui ont lieu dans un pays affectent fortement ses citoyens. Les principaux espoirs sont toujours liés au peuple. Nous observons comment la société se transforme dans des situations extrêmes, lorsque de puissantes ressources de l’humanité se manifestent chez les gens – l’entraide , auto-organisation, désintéressement. Par conséquent, l’espoir de bâtir une société civile demeure.  »

La cage
Anna Zvyagintseva
La cage tricotée d’Anna Zvyagintseva est basée sur les cages standard installées dans les palais de justice ukrainiens pour accueillir l’accusé pendant son procès. L’artiste a réalisé l’œuvre en 2010 en réponse à l’abus politique du système juridique et à la poursuite de trois membres de Hudrada (un groupe de conservateurs auquel appartient Zvyagintseva) pour leur activisme social. L’œuvre établit un équilibre entre la monumentalité et la disparition, incarnant des contradictions telles que la liberté et l’emprisonnement, l’état de droit et l’anarchie et la force et la fragilité. Le matériau tricoté transforme la cage, la rendant instable, sapant nos attentes de l’état de droit physique lui-même, nos attentes d’indépendance et de fiabilité. Le geste du tricot, métaphore du temps et de la patience, souligne le rôle attribué aux femmes dans la reconstruction et le façonnement de la société.

Cage en 2015 devient une image emblématique pour un pays qui s’est presque effondré sous les abus du système juridique. Il exprime les fragiles espoirs au sein de la société que les systèmes corrompus pourraient être remplacés et l’État de droit rétabli. L’urgence exprimée par Cage va au-delà de l’Ukraine et de son histoire récente, car c’est un défi auquel la plupart des pays sont confrontés chaque jour: faire respecter et protéger l’idée de l’état de droit.

« L’espoir pour moi est une question d’un seul mot. Vous voulez mettre un point d’interrogation dans le titre de cette exposition au lieu du point d’exclamation. L’espoir est semblable à l’expression courante » Tout ira bien « . Il s’agit d’un transfert de responsabilité quelque part dans le futur, alors que vous n’êtes manifestement pas satisfait du présent et que le passé n’est pas quelque chose que vous pouvez saisir. Sinon, l’espoir ne peut exister que comme un doigt pointé dans l’obscurité, un certificat de volonté de se lever et de partir. cas, il y a une certaine responsabilité.  »

Spectacle – 1
Artem Volokitin
Dans sa nouvelle peinture, Artem Volokitin aborde la guerre comme un spectacle, en se concentrant sur l’acte de violence. Sa toile monumentale traite de l’horreur du sublime et des aspects profondément émotionnels de la guerre. Dans un horizon noir et blanc abstrait, deux types d’explosions créent des événements sensationnels au premier plan de l’image. Le premier type d’explosion est le feu d’artifice, expression de joie, de beauté et de victoire. L’autre est un nuage peint presque photo-réaliste, résultant d’une violente explosion lors d’un bombardement. L’arrière-plan du paysage est réduit, peint de lignes noires décolorées, nous rappelant les gravures du paysage. L’horizon échappe à la réalité pour devenir un fond anonyme à la sublimité de la violence.

Un des thèmes de la peinture de Volokitin est de savoir comment la médialisation de la guerre oriente notre vision. Grâce à la télévision, la radio et les médias sociaux, le champ de bataille trouve une extension dans le salon. Il est devenu extrêmement difficile de regarder le monde et le conflit ukrainien avec la distance, car l’espace est consommé par les reportages des médias au récit singulier. Cela crée une vision tunnel réduisant la diversification du paysage métaphorique tout en se concentrant sur le spectaculaire, le drame et les victoires creuses de la guerre.

« L’espoir pour moi est une substance hautement concentrée. Même une trace suffit pour transformer n’importe quelle réalité. »

Synonyme de « wait ».
Groupe ouvert
Un mur vidéo composé de neuf écrans retransmet en direct les neuf portes d’entrée des maisons familiales des soldats ukrainiens récemment recrutés, tous vivant dans différentes parties du pays. Derrière les écrans, des photographies encadrées des tables des familles sont suspendues, une référence à la vie derrière ces portes. Pendant la période de l’exposition, un membre de l’Open Group est assis devant la diffusion en direct, à une table similaire, typiquement ukrainienne, attendant que les soldats rentrent chez eux et refusant de manger pendant cette période. L’œuvre oscille entre présence, absence et anticipation. L’acte performatif nécessite un test d’endurance, une qualité partagée par les familles, les soldats et la société ukrainienne dans son ensemble. Il exprime l’espoir du retour des soldats et de la fin de ce conflit. Par sa forme simple et honnête, ce travail traite des personnes et de leurs peurs. Il révèle l’impuissance des personnes entraînées dans un conflit violent tout en suggérant les espoirs qui leur permettent de trouver de nouvelles façons de faire vivre la vie.

« Beaucoup de gens. Et finalement nous le sommes. Ou peut-être au début. Pourquoi pas. Nous espérons que tout ira bien. »

Difficultés de profanation.
Nikita Kadan
Une vitrine traditionnelle, dans sa forme et son matériau faisant référence aux vitrines de l’Union soviétique, accumule les matériaux que Nikita Kadan a collectés dans l’est de l’Ukraine pendant la guerre. Les décombres à l’intérieur révèlent des récits politiques d’une vérité saisissante: ces artefacts détruits sont des conteneurs de mots, d’images et de souvenirs qui racontent une histoire (actuelle). Ainsi, la sculpture traite de l’institutionnalisation des mémoires, du rôle du patrimoine local dans la formation d’une compréhension historique contre l’amnésie culturelle résultant des conflits. La vitrine elle-même, en opposition aux décombres qu’elle recueille, aborde le passé soviétique de l’Ukraine, une partie de l’histoire qui est assez facilement oubliée. Il place le conflit actuel dans un cadre historique et présente la guerre comme une extension d’un conflit d’idéologies établi.

Entre les décombres, à l’intérieur de la vitrine, pousse une plante de haricots qui, au fil du temps, couvrira les artefacts détruits. Il transforme la sculpture en serre, faisant référence aux jardins populaires qui sont apparus tout au long du conflit, en commençant par l’occupation de la place Maidan et en continuant vers la zone de guerre de la Dombass. Ces jardins suggèrent l’espoir, un nouveau départ, une vie future et un processus de réconciliation.

«Le caractère allégorique de Hope est traditionnellement invoqué par les victimes de naufrages, ceux qui sont complètement à la merci des forces extérieures. Il est facile de faire de généralisations profondes à ce sujet pour ceux qui sont en sécurité sur le rivage. Et il est impossible de décrire son situation à celui qui est joué par les vagues. L’expérience d’un espoir pur et universel, qui a remplacé tout le reste, doit rester inconnue. Elle apparaît souvent comme une aide, une excuse pour laisser des échappatoires, pour nous ne devons parler d’espoir que si nous devons l’épuiser, le franchir comme s’il s’agissait d’un seuil, être de l’autre côté. Ce n’est qu’alors que nous pourrons marcher calmement sur le sol brûlant, en souriant et assumer l’entière responsabilité de nos choix.  »

Veuillez ne pas prendre ma photo! Ou ils me tireront dessus demain.
Yevgenia Belorusets
Yevgenia Belorusets a passé des mois à l’intérieur de la zone de conflit dans l’est de l’Ukraine, dépeignant des mineurs dont le lieu de vie et de travail n’est ni dans les territoires contrôlés des séparatistes ni dans celui du gouvernement ukrainien. Ses portraits témoignent d’un engagement personnel profond envers les victimes d’une guerre qui n’appartiennent à aucune des parties. Le combat des mineurs est un combat de survie à court et à long terme. Premièrement, ils doivent survivre à la guerre, et deuxièmement, ils doivent sauver les mines pour s’assurer que leurs familles et leurs villages ont un avenir une fois le conflit terminé.

Pendant la journée, la première partie de l’œuvre montre un portrait monumental d’un mineur, une image d’un homme (dis) apparaissant comme un fantôme derrière la fumée de sa cigarette. Le verso de cette image est la première page de Today’s Paper, un journal fictif qui raconte une histoire de la vie sous « le brouillard de la guerre ». Pendant la nuit, le récit présenté dans le journal est développé à travers une projection de diapositives couvrant une paroi de verre du pavillon. De cette manière, les portraits de Belorusets se déplacent entre apparition et disparition, utilisant la physionomie éphémère et temporelle de l’œuvre comme métaphore de la vie des mineurs.

« Je suppose que je vis dans un pays qui a marché sur ses propres pieds. Mais maintenant, il traverse une guerre. L’État voisin le punit pour son essence, pour son incertitude, qui est si précieuse pour moi. Espoir? L’Ukraine a toujours en avait plus que ce à quoi vous vous attendez. C’est la rationalité qui se cache à chaque coin de rue et peut-être que cela nous sauvera une fois de plus.  »

Angle mort
Mykola Ridnyi et Serhiy Zhadan
Blind Spot de Mykola Ridnyi et Serhiy Zhadan se compose de deux éléments distincts, la poésie de Zhadan et une image imprimée monumentale de Ridnyi. Ensemble, ils forment les deux faces d’une même médaille, deux façons de voir une histoire. Ridnyi a trouvé le motif de son image sur Internet et l’a recouvert de peinture noire, ne laissant qu’un judas qui crée une vue limitée et partiellement effacée de la photographie originale. Ce qui reste est une abstraction de la réalité et de la violence dans l’image. Contrairement à l’image aspergée de noir, les poèmes de Zhadan donnent un visage à la violence. Chaque poème raconte une histoire personnelle, dessinant un portrait de personnages réels et fictifs vivant pendant la guerre dans l’est de l’Ukraine.

Blind Spot attaque la façon dont la réalité est simplifiée dans les médias et sur Internet, où les images sont utilisées pour raconter des histoires mais trop souvent éloignées de leur contexte réel. Ainsi, des angles morts sont créés dans notre façon de voir le monde, et notre sens de la réalité se construit à travers une vision sélective et des connaissances limitées. L’image pulvérisée est une métaphore du pouvoir de la propagande, un acte conscient d’effacer des parties de l’image pour ne montrer que ce qui correspond à l’histoire. Les poèmes individualisent les victimes de la violence et, dans ces approches combinées, Blind Spot résiste à tous les récits étroits qui provoquent la radicalisation de la pensée.

1.L’espoir peut rester silencieux plus longtemps – ils ne commencent à en parler qu’après la fin des pourparlers sur les garanties et les perspectives. 2. L’espoir apparaît généralement au dernier moment. Parfois, il apparaît trop tard. 3. Cependant, il a toujours quelques chances de plus car nous parions rarement dessus. 4. Même celui qui a tout a besoin d’espoir. Et ceux qui n’ont rien en ont d’autant plus besoin. 5. Un être humain a le droit d’espérer même s’il est privé du droit à la justice et à l’opinion privée. Cependant, parfois, la seule chose que nous ayons est l’espoir de justice. 6. Contrairement à la foi ou au bon sens, l’espérance satisfait à la fois les athées et les fanatiques. Les fanatiques, cependant, ne sont pas entièrement satisfaits. 7. L’espoir est généralement mentionné lorsqu’il n’y a plus d’arguments rationnels. Ou lorsque les arguments irrationnels ne fonctionnent pas. 8. L’espoir donne un sens à beaucoup de choses. De plus, certaines choses n’ont de sens qu’à cause de cela. 9. En tout cas, l’espoir sera parmi ces choses que vous verrez avant la mort. 10. L’essentiel est que c’est l’espoir qui ne vous fait pas peur de la mort.

Biennale de Venise 2015
La Biennale d’art 2015 clôt une sorte de trilogie qui a commencé avec l’exposition organisée par Bice Curiger en 2011, Illuminations, et s’est poursuivie avec le Palais encyclopédique de Massimiliano Gioni (2013). Avec All The World’s Futures, La Biennale poursuit ses recherches sur des références utiles pour porter des jugements esthétiques sur l’art contemporain, question «critique» après la fin de l’art avant-gardiste et «non-art».

À travers l’exposition organisée par Okwui Enwezor, La Biennale revient pour observer la relation entre l’art et le développement de la réalité humaine, sociale et politique, dans le pressage des forces et des phénomènes extérieurs: les façons dont, c’est-à-dire les tensions de l’extérieur le monde sollicite les sensibilités, les énergies vitales et expressives des artistes, leurs désirs, les mouvements de l’âme (leur chant intérieur).

La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches dans tous ses secteurs spécifiques: Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives historiques des arts contemporains (ASAC) récemment rénovées.

La relation avec la communauté locale a été renforcée par des activités éducatives et des visites guidées, avec la participation d’un nombre croissant d’écoles de la région de la Vénétie et au-delà. Cela propage la créativité sur la nouvelle génération (3 000 enseignants et 30 000 élèves impliqués en 2014). Ces activités ont été soutenues par la Chambre de commerce de Venise. Une coopération avec des universités et des instituts de recherche organisant des visites et des séjours spéciaux dans les expositions a également été établie. Au cours des trois années 2012-2014, 227 universités (79 italiennes et 148 internationales) ont rejoint le projet Biennale Sessions.

Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des professeurs renommés; cela est devenu plus systématique et continu grâce au projet international Biennale College, qui se déroule désormais dans les sections danse, théâtre, musique et cinéma.