Il padiglione nazionale ucraino alla 56a Esposizione Internazionale d’Arte – la Biennale di Venezia, presenta una mostra collettiva intitolata “Spero!” con una giovane generazione di artisti ucraini, tra cui Yevgenia Belorusets, Nikita Kadan, Zhanna Kadyrova, Mykola Ridnyi e Serhiy Zhadan, Artem Volokitin, Anna Zvyagintseva e Open Group. Il progetto è organizzato dal PinchukArtCentre con il supporto della Fondazione Victor Pinchuk.

Il padiglione nazionale ucraino si pone come modello per una nuova Ucraina trasparente che raggiunge il mondo. Con questa mostra una giovane generazione di artisti esprime le speranze per il futuro dell’Ucraina mentre si confronta con l’attuale conflitto e la storia recente dei paesi.

Open Group e Yevgenia Belorusets sottolineano in modo opposto l’impegno personale e la responsabilità degli individui in un conflitto armato. Le loro opere rivelano i diversi atteggiamenti civili all’interno della società. Open Group si occupa di giovani arruolati nell’esercito e delle loro famiglie in attesa del loro ritorno. Belorusets interpreta minatori invisibili che hanno scelto di vivere e lavorare nella zona di conflitto, ma si rifiutano di prendere parte alla guerra, cercando di “salvare” il loro futuro lavorando quotidianamente nelle miniere.

Cage (2010) di Anna Zvyagintseva incarna le contraddizioni tra libertà e prigionia, stato di diritto e illegalità, forza e fragilità. Blind Spot di Ridnyi e Zhadan si concentra sul prezzo della violenza ma resiste alle strette narrazioni che provocano la radicalizzazione del pensiero. Artem Volokitin riduce nella sua pittura la realtà della vita in un atto violento che si muove tra speranza e paura, tra morte e sublime. E Zhanna Kadyrova mostra l’Ucraina come parte del mondo, usando il passato recente per intravedere un futuro.

Appena fuori dal padiglione, la scultura pubblica di Nikita Kadan si riferisce al passato e affronta l’attuale situazione di guerra. Si occupa di questioni relative alla storicizzazione di un conflitto e si confronta con il passato sovietico dell’Ucraina.

Punti salienti

Folla. Giorno.
Zhanna Kadyrova
Il 16 marzo 2014 la Crimea ha votato in un referendum illegale per recedere dall’Ucraina e unirsi alla Russia. Un anno dopo questo drammatico evento che ha profondamente influenzato la situazione geopolitica del mondo, il 16 marzo 2015, Zhanna Kadyrova ha raccolto giornali da tutto il mondo. Li ha usati per creare un collage panoramico lungo 6 metri, ritagliare tutti i volti delle persone, ricomporle e giustapporre persone di diverso status sociale, posizione politica o religione affiancate all’interno della cornice originale della pagina del giornale. Perdendo ogni riferimento al testo o alla lingua a parte i nomi dei giornali, che “inquadrano” la folla in un contesto di cultura geografica, ogni collage diventa una rappresentazione di una massa di persone, con l’installazione nella sua interezza che rappresenta il ritratto di una folla .

Il lavoro indaga anche le differenze e le caratteristiche unificanti dei mass media globali. Scegliendo i giornali da un solo giorno, Kadyrova traccia l’attenzione internazionale accordata all’Ucraina e al suo conflitto, esplorando il potere e la responsabilità dei media e concentrandosi sul modo in cui “l’uomo” è rappresentato in diversi paesi. In un’epoca di disordini sociali in tutto il mondo, dove le persone di tutto il mondo scendono in strada per il cambiamento, Kadyrova ci presenta una folla ribelle, anonima, multiculturale e condivisa.

“È ovvio che i cambiamenti che avvengono in un Paese influenzano fortemente i suoi cittadini. Tuttavia le speranze principali sono collegate alla gente. Osserviamo come la società si sta trasformando in situazioni estreme, quando si manifestano potenti risorse dell’umanità nelle persone – aiuto reciproco , auto-organizzazione, altruismo. Pertanto, rimane la speranza di costruire una società civile “.

La gabbia
Anna Zvyagintseva
La gabbia a maglia di Anna Zvyagintseva si basa sulle gabbie standard installate nelle case di giustizia ucraine per ospitare l’imputato durante il suo processo. L’artista ha realizzato l’opera nel 2010 come risposta all’abuso politico del sistema giuridico e all’accusa di tre membri di Hudrada (un gruppo curatoriale a cui appartiene Zvyagintseva) per il loro attivismo sociale. L’opera si bilancia tra monumentalità e scomparsa, incarnando contraddizioni come libertà e prigionia, stato di diritto e illegalità, forza e fragilità. Il materiale a maglia trasforma la gabbia, rendendola instabile, minando le nostre aspettative sulla regola della legge fisica stessa, aspettative di indipendenza e affidabilità. Il gesto del lavoro a maglia, metafora del tempo e della pazienza, sottolinea il ruolo attribuito alle donne nella ricostruzione e nel modellamento della società.

La gabbia nel 2015 diventa un’immagine iconica per un paese che è quasi crollato sotto l’abuso del sistema giuridico. Esprime le fragili speranze all’interno della società che i sistemi corrotti potrebbero essere sostituiti e ripristinato lo stato di diritto. L’urgenza espressa da Cage va oltre l’Ucraina e la sua storia recente, dal momento che è una sfida che la maggior parte dei paesi si trova ad affrontare ogni giorno: far rispettare e proteggere l’idea dello stato di diritto.

“La speranza per me è una domanda di una sola parola. Volete mettere un punto interrogativo nel titolo di questa mostra invece del punto esclamativo. La speranza è simile alla frase comune” Tutto andrà bene “. Questo è un trasferimento di responsabilità. da qualche parte nel futuro, mentre chiaramente non sei felice con il presente e il passato non è qualcosa che puoi cogliere. Altrimenti la speranza può esistere solo come un dito che punta nell’oscurità, un certificato di prontezza per alzarti e andare. caso, c’è qualche responsabilità “.

Spettacolo – 1
Artem Volokitin
Nel suo nuovo dipinto, Artem Volokitin affronta la guerra come uno spettacolo, concentrandosi sull’atto della violenza. La sua tela monumentale affronta l’orrore del sublime e gli aspetti profondamente emotivi della guerra. All’interno di un orizzonte astratto in bianco e nero, due tipi di esplosioni creano eventi sensazionali in prima linea nell’immagine. Il primo tipo di esplosione sono i fuochi d’artificio, espressione di gioia, bellezza e vittoria. L’altra è una nuvola dipinta quasi fotorealistica, risultante da una violenta esplosione durante un bombardamento. Il paesaggio di sfondo è ridotto, dipinto con linee nere sbiadite, che ci ricordano le incisioni del paesaggio. L’orizzonte sfugge alla realtà per diventare uno sfondo anonimo alla sublimità della violenza.

Un argomento della pittura di Volokitin è come la medializzazione della guerra dirige la nostra visione. Attraverso la televisione, la radio e i social media il campo di battaglia trova un’estensione nel soggiorno. Guardare il mondo e il conflitto ucraino con la distanza è diventato estremamente difficile, poiché lo spazio è consumato dai resoconti dei media con una narrazione singolare. Questo crea una visione a tunnel che riduce la diversificazione del paesaggio metaforico mentre si concentra sullo spettacolare, il dramma e le vuote vittorie della guerra.

“La speranza per me è una sostanza altamente concentrata. Anche una quantità di traccia è sufficiente per trasformare qualsiasi realtà.”

Sinonimo di “aspettare”.
Apri gruppo
Un videowall composto da nove schermi trasmette flussi in diretta da nove porte d’ingresso delle case di famiglia di soldati ucraini recentemente arruolati, che vivono tutti in diverse parti del paese. Sul retro degli schermi sono appese le fotografie incorniciate dei tavoli da pranzo delle famiglie, un riferimento alla vita dietro queste porte. Durante il periodo della mostra, un membro di Open Group si siede davanti al live stream, ad un simile tavolo, tipicamente ucraino, in attesa che i soldati tornino a casa e si rifiutino di mangiare durante questo periodo. Il lavoro si muove tra presenza, assenza e anticipazione. L’atto performativo richiede un test di resistenza, che è una qualità condivisa dalle famiglie, dai soldati e dalla società ucraina nel suo insieme. Esprime la speranza per il ritorno dei soldati e la fine di questo conflitto. Attraverso la sua forma semplice e onesta, questo lavoro tratta le persone e le loro paure. Rivela l’impotenza delle persone coinvolte in un conflitto violento mentre suggerisce le speranze che consentono loro di trovare nuovi modi per far andare avanti la vita.

“Molta gente. E finalmente lo siamo. O forse all’inizio. Perché no. Speriamo che vada tutto bene.”

Difficoltà di profanazione.
Nikita Kadan
Una vetrina tradizionale, nella sua forma e materiale riferendosi alle vetrine dell’Unione Sovietica, accumula materiali che Nikita Kadan ha raccolto nell’Ucraina orientale durante la guerra. Le macerie all’interno rivelano narrazioni politiche con una sorprendente verità: questi artefatti distrutti sono contenitori di parole, di immagini e ricordi che narrano una storia (presente). Pertanto la scultura si occupa dell’istituzionalizzazione delle memorie, del ruolo del patrimonio locale nel formare una comprensione storica contro l’amnesia culturale risultante dai conflitti. La stessa vetrina, in opposizione alle macerie che raccoglie, affronta il passato sovietico dell’Ucraina, una parte della storia che è piuttosto facilmente dimenticata. Pone l’attuale conflitto in un quadro storico e presenta la guerra come un’estensione di un conflitto di ideologie stabilito.

Tra le macerie, all’interno della vetrina, cresce una pianta di fagioli che col tempo coprirà i manufatti distrutti. Trasforma la scultura in una serra, facendo riferimento ai giardini popolari che sono comparsi durante il conflitto, a partire dall’occupazione di Maidan Square e proseguendo nella zona di guerra di Dombass. Questi giardini suggeriscono speranza, un nuovo inizio, una vita futura e un processo di riconciliazione.

“Il carattere allegorico di Hope è tradizionalmente richiesto dalle vittime del naufragio, coloro che sono completamente in balia delle forze esterne. È facile fare delle generalizzazioni profonde al riguardo per coloro che sono al sicuro sulla riva. Ed è impossibile descrivere il suo situazione per colui che viene suonato dalle onde. L’esperienza di una speranza pura e onnicomprensiva, che ha sostituito tutto il resto, deve rimanere non raccontata. Spesso appare come un aiuto, una scusa per lasciare scappatoie, per sconsideratezza e per non perseguire una questione. Dovremmo parlare di speranza solo se dobbiamo esaurirla, superarla come se fosse una soglia, per essere dall’altra parte. Solo allora possiamo tranquillamente camminare sul terreno in fiamme, sorridendo e assumersi la piena responsabilità delle nostre scelte “.

Per favore, non fare la mia foto! O mi spareranno domani.
Yevgenia Belorusets
Yevgenia Belorusets ha trascorso mesi all’interno della zona di conflitto nell’Ucraina orientale, interpretando minatori il cui luogo di vita e di lavoro non è né all’interno dei territori controllati dei separatisti né in quello del governo ucraino. I suoi ritratti dimostrano un profondo coinvolgimento personale verso le vittime di una guerra che non appartengono a nessuna delle due parti. La lotta dei minatori è di sopravvivenza sia a breve che a lungo termine. Per prima cosa devono sopravvivere alla guerra, e in secondo luogo devono salvare le miniere per assicurarsi che le loro famiglie e villaggi abbiano un futuro una volta che il conflitto è terminato.

Durante il giorno, la prima parte dell’opera mostra un monumentale ritratto di un minatore, l’immagine di un uomo (dis) che appare come un fantasma dietro il fumo della sua sigaretta. Il retro di questa immagine è la prima pagina di Today’s Paper, un giornale immaginario che racconta una storia di vita sotto “la nebbia della guerra”. Durante la notte, la narrativa introdotta sul giornale viene sviluppata attraverso una proiezione di diapositive che copre una parete di vetro del padiglione. In questo modo, i ritratti di Belorus si muovono tra l’apparenza e la scomparsa, usando la fisicità effimera e temporale dell’opera come metafora della vita dei minatori.

“Suppongo di vivere in un paese che ha fatto un passo da solo. Ma ora sta attraversando una guerra. Lo stato vicino lo punisce per la sua essenza, per la sua incertezza, che è così preziosa per me. Speranza? L’Ucraina ha sempre ce n’era più di quanto ti aspetteresti. È razionalità in agguato dietro ogni angolo e forse questo ci salverà ancora una volta. ”

Punto cieco
Mykola Ridnyi e Serhiy Zhadan
Blind Spot di Mykola Ridnyi e Serhiy Zhadan è composto da due elementi distinti, la poesia di Zhadan e una monumentale immagine stampata di Ridnyi. Insieme formano due facce della stessa medaglia, due modi per vedere una storia. Ridnyi ha trovato il motivo della sua immagine su Internet e lo ha spruzzato con vernice nera, lasciando solo uno spioncino che crea una visione limitata, parzialmente cancellata, della fotografia originale. Ciò che rimane è un’astrazione della realtà e della violenza nella foto. Contrariamente all’immagine spruzzata di nero, le poesie di Zhadan danno un volto alla violenza. Ogni poesia racconta una storia personale, disegnando un ritratto di figure reali e immaginarie che vivono la guerra nell’Ucraina orientale.

Blind Spot attacca il modo in cui la realtà viene semplificata nei media e su Internet, dove le immagini vengono utilizzate per raccontare storie ma troppo spesso alienate dal loro contesto di vita reale. In questo modo si creano punti ciechi nel modo in cui guardiamo il mondo e il nostro senso della realtà è costruito attraverso una visione selettiva e una conoscenza limitata. L’immagine spruzzata è una metafora del potere della propaganda, un atto consapevole di cancellare parti dell’immagine per mostrare solo ciò che si adatta alla storia. Le poesie individuano le vittime della violenza e in questi approcci combinati Blind Spot resiste a qualsiasi narrativa ristretta che provoca la radicalizzazione del pensiero.

1.La speranza può rimanere in silenzio più a lungo – iniziano a parlarne solo dopo la fine delle discussioni su garanzie e prospettive. 2. La speranza di solito appare all’ultimo momento. A volte sembra troppo tardi. 3. Tuttavia, ha sempre qualche possibilità in più perché raramente ci scommettiamo. 4. Anche chi ha tutto ha bisogno di speranza. E quelli che non hanno nulla ne hanno più bisogno. 5. Un essere umano ha il diritto di sperare anche quando è privato del diritto alla giustizia e all’opinione privata. Tuttavia, a volte l’unica cosa che abbiamo è la speranza per la giustizia. 6. A differenza della fede o del buon senso, la speranza soddisfa sia gli atei che i fanatici. I fanatici, tuttavia, non sono completamente soddisfatti. 7. La speranza è di solito menzionata quando non sono rimasti argomenti razionali. O quando gli argomenti irrazionali non funzionano. 8. La speranza dà significato a molte cose. Inoltre, alcune cose hanno senso solo per questo. 9. In ogni caso, la speranza sarà tra quelle cose che vedrai prima della morte. 10. La cosa principale è che è la speranza che non ti fa paura della morte.

Biennale di Venezia 2015
La Biennale d’Arte 2015 chiude una sorta di trilogia che è iniziata con la mostra curata da Bice Curiger nel 2011, Illuminazioni, e proseguita con il Palazzo Enciclopedico di Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale prosegue la sua ricerca su riferimenti utili per esprimere giudizi estetici sull’arte contemporanea, una questione “critica” dopo la fine dell’arte d’avanguardia e “non artistica”.

Attraverso la mostra curata da Okwui Enwezor, La Biennale torna a osservare il rapporto tra arte e sviluppo della realtà umana, sociale e politica, nella pressione di forze e fenomeni esterni: i modi in cui, cioè, le tensioni dell’esterno il mondo sollecita le sensibilità, le energie vitali ed espressive degli artisti, i loro desideri, i movimenti dell’anima (il loro canto interiore).

La Biennale di Venezia è stata fondata nel 1895. Paolo Baratta è stato presidente dal 2008, e prima ancora dal 1998 al 2001. La Biennale, che è all’avanguardia nella ricerca e promozione di nuove tendenze dell’arte contemporanea, organizza mostre, festival e ricerche in tutti i suoi settori specifici: Arts (1895), Architecture (1980), Cinema (1932), Dance (1999), Music (1930) e Theater (1934). Le sue attività sono documentate presso l’Archivio storico delle arti contemporanee (ASAC) che recentemente è stato completamente rinnovato.

Il rapporto con la comunità locale è stato rafforzato attraverso attività didattiche e visite guidate, con la partecipazione di un numero crescente di scuole venete e non solo. Questo diffonde la creatività sulla nuova generazione (3.000 insegnanti e 30.000 studenti coinvolti nel 2014). Queste attività sono state supportate dalla Camera di commercio di Venezia. È stata inoltre istituita una collaborazione con università e istituti di ricerca che organizzano tour e soggiorni speciali nelle mostre. Nel triennio 2012-2014, 227 università (79 italiane e 148 internazionali) hanno aderito al progetto Sessioni della Biennale.

In tutti i settori ci sono state maggiori opportunità di ricerca e produzione rivolte alle giovani generazioni di artisti, direttamente in contatto con insegnanti di fama; questo è diventato più sistematico e continuo attraverso il progetto internazionale Biennale College, attualmente in corso nelle sezioni Danza, Teatro, Musica e Cinema.