Expressionnisme

L’expressionnisme était un mouvement moderniste, initialement dans la poésie et la peinture, originaire d’Allemagne au début du 20ème siècle. Son trait typique est de présenter le monde uniquement à partir d’une perspective subjective, le déformant radicalement pour un effet émotionnel afin d’évoquer des humeurs ou des idées. Les artistes expressionnistes ont cherché à exprimer le sens de l’expérience émotionnelle plutôt que la réalité physique.

L’expressionnisme est un mouvement international dans l’art et l’architecture, qui a fleuri entre 1905 et 1920, surtout en Allemagne. Il s’étend également à la littérature, la musique, la danse et le théâtre. Le terme était à l’origine appliqué plus largement à divers mouvements d’avant-garde: par exemple il a été adopté comme une alternative à l’utilisation de «post-impressionnisme» par Roger Fry dans des expositions à Londres en 1910 et 1912. Il a également été utilisé en Scandinavie et l’Allemagne, progressivement confinée aux groupes spécifiques d’artistes et d’architectes auxquels elle est désormais appliquée. L’expressionnisme dans les beaux-arts s’est développé à partir des tendances symbolistes et expressives de l’art européen à la fin du XIXe siècle. La période de «l’expressionnisme classique» a commencé en 1905, avec la fondation du groupe Die Brucke, et s’est terminée en 1920. Bien qu’il s’agisse en partie d’une réaction artistique à l’art académique et à l’impressionnisme, le mouvement doit être compris comme », qui cherchait à communiquer la vie spirituelle de l’homme. Elle reflétait la profonde agitation religieuse 1900, reflétée dans les sources littéraires contemporaines, à propos de la destruction de la relation traditionnelle de confiance entre l’homme et le monde.

L’expressionnisme a été développé comme un style d’avant-garde avant la Première Guerre mondiale. Il est resté populaire pendant la République de Weimar, particulièrement à Berlin. Le style s’étend à un large éventail d’arts, y compris l’architecture expressionniste, la peinture, la littérature, le théâtre, la danse, le cinéma et la musique.

Le terme est parfois suggestif de l’angoisse. Dans un sens général, les peintres tels que Matthias Grünewald et El Greco sont parfois appelés expressionniste, bien que le terme s’applique principalement aux œuvres du XXe siècle. L’accent expressionniste sur la perspective individuelle a été caractérisé comme une réaction au positivisme et à d’autres styles artistiques tels que le naturalisme et l’impressionnisme.

Définition
La transition du XIXe au XXe siècle entraîna de nombreux changements politiques, sociaux et culturels: d’une part, l’échec de la Commune de Paris signifiait le boom politique et économique de la bourgeoisie, qui vécut dans les dernières décennies du XIXe siècle. Moment de grande splendeur, reflété dans le modernisme, mouvement artistique mis au service du luxe et de l’ostentation dévoilé par la nouvelle classe dirigeante. Cependant, les processus révolutionnaires menés depuis la Révolution française et la crainte d’être répétés ont conduit les classes politiques à faire une série de concessions, telles que la réforme du travail, l’assurance sociale et l’éducation de base obligatoire. Ainsi, le déclin de l’illiteracyled à une augmentation dans les médias et une plus grande diffusion des phénomènes culturels, qui ont gagné une plus grande portée et la rapidité de diffusion, et la “culture de masse” a surgi.

D’autre part, les avancées techniques, notamment dans le domaine de l’art, l’apparition de la photographie et du cinéma, amènent l’artiste à considérer la fonction de son travail qui ne consiste plus à imiter la réalité puisque les nouvelles techniques le font manière plus objective, facile et reproductible. Aussi, de nouvelles théories scientifiques amènent les artistes à s’interroger sur l’objectivité du monde que nous percevons: la théorie de la relativité d’Einstein, la psychanalyse de Freud et la subjectivité du temps de Bergson provoquent que l’artiste s’éloigne de la réalité. Ainsi, la recherche de nouveaux langages artistiques et de nouvelles formes d’expression entraîne l’émergence des mouvements de ‘Vanguard’, qui représentent une nouvelle relation entre l’artiste et le spectateur: les artistes d’avant-garde cherchent à intégrer l’art à la vie, faire de leur travail une expression de l’inconscient collectif de la société qu’il représente. En même temps, l’interaction avec le spectateur fait que celui-ci est impliqué dans la perception et la compréhension de l’œuvre, ainsi que dans sa diffusion et sa mercantilisation. conduira à une augmentation des galeries d’art et des musées.

L’expressionnisme fait partie de ce qu’on appelle l’avant-garde historique, c’est-à-dire ceux qui ont été produits dans les premières années du XXe siècle, dans l’atmosphère antérieure à la Première Guerre mondiale et à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Cette dénomination comprend aussi le fauvisme, le cubisme, le futurisme, le constructivisme, le néoclasticisme, le dadaïsme, le surréalisme, etc. L’avant-garde est intimement liée au concept de modernité, caractérisé par la fin du déterminisme et la suprématie de la religion. et l’individualisme, la confiance dans la technologie et le progrès, dans les propres capacités de l’être humain. Ainsi, les artistes tentent de se mettre à la tête du progrès social, d’exprimer à travers leur travail l’évolution de l’être humain contemporain.

Le terme expressionnisme a été utilisé pour la première fois par le peintre français Julien-Auguste Hervé, qui a fait référence à l’expressionnisme pour désigner une série de peintures présentées à la salle des indépendants de Paris en 1901, par opposition à l’impressionnisme. Le terme allemand expressionismus a été directement adapté du français, comme l’expression en allemand est ausdruck – et a été utilisé pour la première fois dans le catalogue de la XXIIe Exposition de la Sécession de Berlin en 1911, qui comprenait à la fois des œuvres d’artistes allemands et français. En littérature, il a été appliqué pour la première fois en 1911 par le critique Kurt Hiller. Plus tard, le terme expressionnisme a été diffusé par l’écrivain Herwarth Walden, rédacteur en chef du magazine Der Sturm (La tempête), qui est devenu le principal centre de diffusion de l’expressionnisme allemand. Walden a d’abord appliqué le terme à toutes les avant-gardes qui ont surgi entre 1910 et 1920. Au lieu de cela, l’expression expressionnisme liée exclusivement à l’art allemand d’avant-garde était l’idée de Paul Fechter dans son livre Der Expressionismus (1914), , suivant les théories de WorringerRelate les nouvelles manifestations artistiques comme une expression de l’âme collective allemande.

L’expressionnisme est né comme une réaction à l’impressionnisme: les impressionnistes ont tracé sur la toile une «impression» du monde environnant, un simple reflet des sens, des expressionnistes destinés à refléter leur monde intérieur, une «expression» de leurs propres sentiments. . Ainsi, les expresionistas utilisent la ligne et la couleur d’une manière capricieuse et émotionnelle, avec un fort contenu symbolique. Cette réaction à l’impressionnisme signifiait une rupture avec l’art créé par la génération précédente, et convertissait l’expressionnisme en un synonyme de l’art moderne au début du XXe siècle. L’expressionnisme impliquait une nouvelle conception de l’art, comprise comme une manière de capturer l’existence, de traduire les images dans le substrat qui existe sous la réalité apparente, reflétant la nature immuable et éternelle des êtres humains et de la nature. Ainsi, l’expressionnisme était le point de départ d’un processus de transmutation de la réalité qui s’est cristallisé dans l’expressionnisme abstrait et l’informalisme. Les expressionnistes utilisaient l’art comme une manière de refléter leurs sentiments, leur humeur, généralement enclins à la mélancolie, à l’évocation, à un décadent néo-romantique. Ainsi, l’art était une expérience catharique, qui purifiait les défauts spirituels, l’angoisse de l’artiste.

Dans la genèse de l’expressionnisme, un facteur fondamental était le rejet du positivisme, le progrès scientifique, la croyance dans les possibilités illimitées des êtres humains basées sur la science et la technologie. Au lieu de cela, un nouveau climat de pessimisme, de scepticisme, de mécontentement, de critique, de perte de valeurs a commencé à être généré. Il y a eu une crise du développement humain, qui a été effectivement confirmée par le déclenchement de la Première Guerre mondiale. Notons également en Allemagne le rejet du régime impérialiste de Guillaume II par une minorité intellectuelle, noyée par le militarisme pangermanista Kaiser. Ces facteurs favorisaient un bouillon de culture dans lequel l’expressionnisme grandissait progressivement, dont les premières manifestations se produisaient dans le domaine de la littérature: Frank Wedekind dénonçait dans ses œuvres la morale bourgeoise contre laquelle il s’opposait à la liberté passionnée des instincts; Georg Trakl a été enlevé de la réalité en se réfugiant dans un monde spirituel créé par l’artiste; Heinrich Mann était celui qui dénonçait le plus directement la société Guillermin.

L’émergence de l’expressionnisme dans un pays comme l’Allemagne n’était pas un hasard, mais s’explique par l’étude approfondie consacrée à l’art au XIXe siècle par les philosophes, artistes et théoriciens allemands, du romantisme et des contributions multiples. tels que Wagner et Nietzsche, à l’esthétique culturelle et l’œuvre d’auteurs tels que Konrad Fiedler (Sur la valorisation des œuvres d’art visuel, 1876), Theodor Lipps (Esthétique, 1903-1906) et Wilhelm Worringer (Abstraction et empathie, 1908 ). Ce courant théorique a profondément influencé les artistes allemands de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, en se concentrant principalement sur le besoin de s’exprimer de l’artiste (Drang intérieur ou nécessité interne, principe que j’ai ensuite supposé Kandinski), ainsi que la découverte d’une rupture entre l’artiste et le monde extérieur, l’environnement qui l’entoure, ce qui fait de lui un être introverti et aliéné de la société. Il a également influencé le changement produit dans l’environnement culturel de l’époque, qui s’est éloigné du goût classique gréco-romain pour admirer l’art populaire, primitif et exotique – en particulier l’Afrique, l’Océanie et l’Extrême-Orient – ainsi que l’art médiéval. des artistes comme Grünewald, Brueghel et El Greco.

En Allemagne, l’expressionnisme était plus un concept théorique, une proposition idéologique qu’un programme artistique collectif, bien qu’un sceau stylistique commun à tous ses membres soit apprécié. Face à l’académisme qui prévaut dans les centres artistiques officiels, les expressionnistes se regroupent autour de plusieurs centres de diffusion du nouvel art, notamment dans des villes comme Berlin, Cologne, Munich, Hanovre et Dresde. Cependant, son travail de diffusion à travers des publications, des galeries et des expositions a contribué à répandre le nouveau style dans toute l’Allemagne et, plus tard, dans toute l’Europe. C’était un mouvement hétérogène qui, mis à part la diversité de ses manifestations, réalisées dans divers langages et médias artistiques, présentait de nombreuses différences et même des contradictions en soi, avec de grandes divergences stylistiques et thématiques entre les différents groupes apparus au fil du temps, et même entre les mêmes artistes qui les ont intégrés. Même les limites chronologiques et géographiques de ce courant sont inexactes: bien que la première génération expressionniste (Die Brücke, Der Blaue Reiter) fut la plus emblématique, la nouvelle objectivité et l’exportation du mouvement vers d’autres pays supposaient sa continuité dans le temps au moins jusqu’à La Seconde Guerre mondiale; géographiquement, bien que le centre nerveux de ce style se situât en Allemagne, il s’étendit bientôt aux autres pays européens et aux extrémités du continent américain.

Après la Première Guerre mondiale, l’expressionnisme passa à l’Allemagne de la peinture au cinéma et au théâtre, qui utilisait le style expressionniste dans le paysage, mais de manière purement esthétique, dépourvue de son sens originel, déchirant des peintres expressionnistes, qui, paradoxalement, est devenu des artistes malveillants. Avec l’avènement du nazisme, l’expressionnisme était considéré comme un «art dégénéré» (Entartete Kunst), le rattachant au communisme et le nommant immoral et subversif, tout en considérant que sa laideur et son infériorité artistique étaient le signe du déclin de art moderne. En 1937, une exposition fut organisée au Hofgarten de Munich sous le titre précisément de Degenerate Art, afin de l’infâmer et de montrer au public la faible qualité de l’art produit dans la République de Weimar. A cette fin, quelque 16 500 œuvres de divers musées, non seulement des artistes allemands, mais aussi des étrangers tels que Gauguin, Van Gogh, Munch, Matisse, Picasso, Braque, Chagall, etc., ont été confisquées. La plupart de ces œuvres ont été vendues plus tard à des galeristes et des marchands, notamment lors d’une grande vente aux enchères tenue à Lucerne en 1939, mais environ 5 000 de ces œuvres ont été directement détruites en mars 1939.

Après la Seconde Guerre mondiale, l’expressionnisme disparaît comme un style, bien qu’il exerce une puissante influence sur de nombreux courants artistiques dans la seconde moitié du siècle, comme l’expressionnisme abstrait américain (Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning), l’informalisme. Fautrier, Jean Dubuffet), le groupe CoBrA (Karel Appel, Asger Jorn, Corneille, Pierre Alechinsky) et le néoexpressionnisme allemand – héritier à juste titre des artistes de Die Brücke et Der Blaue Reiter, ainsi que des artistes individuels tels que Francis Bacon, Antonio Saura, Bernard Buffet, Nicolas de Staël, Horst Antes, etc.

Origines et influences
Bien que le mouvement artistique développé en Allemagne au début du XXe siècle soit surtout connu par l’expressionnisme, de nombreux historiens et critiques d’art utilisent aussi ce terme de manière plus générique pour décrire le style d’une grande variété d’artistes dans toute l’Histoire. Compris comme la déformation de la réalité à la recherche d’une expression plus émotionnelle et subjective de la nature et des êtres humains, l’expressionnisme est ensuite extrapolé à tout moment et dans l’espace géographique. Ainsi, le travail de plusieurs auteurs tels que Hieronymus Bosch, Matthias Grünewald, Quentin Metsys, Pieter Brueghel el Vell, a souvent été décrit comme expressionniste, Francisco de Goya, Honoré Daumier, etc.

Les racines de l’expressionnisme se retrouvent dans des styles tels que le symbolisme et le post-impressionnisme, ainsi que chez les nabis et les artistes tels que Paul Cézanne, Paul Gauguin et Vincent Van Gogh. Cependant, ils ont des points de contact avec le néo-impressionnisme et le fauvisme pour leur expérimentation de la couleur. Les expressionnistes reçurent de nombreuses influences: d’abord l’art médiéval, surtout le gothique allemand de signification religieuse et de caractère transcendantal, l’art médiéval accentuait l’expression, non dans les formes: les figures avaient peu de corporeité, perdant intérêt pour la réalité, proportions, perspectives. Au lieu de cela, il a souligné l’expression, en particulier le regard: les personnages étaient plus symbolisés que représentés. Ainsi, les expressionnistes ont inspiré les principaux artistes du gothique allemand, développés par deux écoles fondamentales: le style international (fin XIVe – première moitié du quinzième), représenté par Conrad Soest et Stefan Lochner; et le style flamenco (seconde moitié du XVe siècle), développé par Konrad Witz, Martin Schongauer et Hans Holbein el Vell. Ils ont également inspiré la sculpture gothique allemande, qui a été remarquée pour sa grande expressivité, avec des noms tels que Veit Stoss et Tilman Riemenschneider. Autre point de référence: Matthias Grünewald, un peintre de la fin du Moyen Age qui connaissait même les innovations de la Renaissance, caractérisées par une intensité émotionnelle, une distorsion formelle expressive et une intense incandescence colorée, comme dans son chef-d’œuvre, le retable de Issenheim.

Une autre référence de l’art expressionniste est l’art primitif, notamment celui de l’Afrique et de l’Océanie, diffusé depuis la fin du XIXe siècle par les musées ethnographiques. Les avant-gardes artistiques ont trouvé dans l’art primitif une plus grande liberté d’expression, d’originalité, de formes et de matériaux nouveaux, une nouvelle conception du volume et de la couleur, ainsi qu’une plus grande transcendance de l’objet. art, mais ont un but religieux, magique, totémique, votif, somptuaire, etc. Ce sont des objets qui expriment une communication directe avec la nature, aussi bien qu’avec des forces spirituelles, avec des cultes et des rituels, sans aucune médiation ou interprétation.

Mais sa plus grande inspiration est venue du post-impressionnisme, en particulier le travail de trois artistes: Paul Cézanne, qui entreprit un processus de défragmentation de la réalité dans des formes géométriques conduisant au cubisme, réduisant les formes aux cylindres, aux cônes et aux sphères. les points les plus essentiels de la composition. Couleurs superposées, chevauchement des couleurs avec les autres, sans avoir besoin de lignes, travailler avec des taches. Il n’utilisait pas de perspective, mais la superposition de tons chauds et froids donnait une sensation de profondeur. Deuxième Paul Gauguin, qui a fourni une nouvelle conception entre le plan pictural et la profondeur du tableau, avec des couleurs plates et arbitraires, qui ont une valeur symbolique et décorative, avec des scènes de classification difficile, situées entre la réalité et un monde onirique et magique. Son séjour à Tahiti a provoqué son travail pour conduire à un certain primitivisme, influencé par l’art océanique, reflétant le monde intérieur de l’artiste au lieu d’imiter la réalité. Enfin, Vincent Van Gogh, qui a élaboré son travail selon des critères d’exaltation, caractérisés par le manque de perspective, l’instabilité des objets et des couleurs, qui détruisent l’arbitraire, sans imiter la réalité, mais venant de l’intérieur de «l’artiste». La santé mentale fragile, ses œuvres sont le reflet de son humeur, la dépression et la torture, qui se reflète dans les œuvres de coups de pinceau sinueux et de couleurs violentes.

En fin de compte, il convient de mentionner l’influence de deux artistes que les expressionnistes considéraient comme des précédents immédiats: le norvégien Edvard Munch, influencé au début par l’impressionnisme et le symbolisme, a rapidement conduit à un style personnel reflétant son intérieur obsessionnel et torturé. avec des scènes d’un environnement oppressant et énigmatique, se concentrant sur le sexe, la maladie et la mort, caractérisé par la sinuosité de la composition et une couleur forte et arbitraire. Les images en colère et désespérées de Munch -com The Cry (1893), paradigme de la solitude et du manque de communication, ont été l’un des principaux points de départ de l’expressionnisme. Le travail du Belge James Ensor, qui a repris la grande tradition artistique de son pays – en particulier Brueghel -, a été tout aussi influent, préférant les thèmes populaires, le traduisant en scènes énigmatiques et irrévérencieuses, d’un caractère absurde et burlesque, avec un sens de l’humour, acide et corrosif, centré sur des figures de vagabonds, d’ivrognes, de squelettes, de masques et de scènes de carnaval. Ainsi, L’entrée du Christ à Bruxelles (1888) représente la passion de Jésus au milieu d’un défilé de carnaval, un travail qui a provoqué un grand scandale à l’époque.

Dans d’autres arts
Le mouvement expressionniste a inclus d’autres types de culture, y compris la danse, la sculpture, le cinéma et le théâtre.

Danse
L’expressionniste de la danse (allemand, Ausdruckstanz) est née dans le contexte de l’esprit novateur de pionnier apporté à l’art, et a été reflété comme d’autres manifestations artistiques d’une nouvelle façon de comprendre l’expression artistique. Comme dans le reste des disciplines artistiques, la danse expressionniste signifiait une rupture avec le passé, en l’occurrence le ballet classique, à la recherche de nouvelles formes d’expression basées sur la liberté du geste corporel, libéré des ligaments métriques et rythmiques. l’expression et la relation avec l’espace deviennent plus pertinentes. Parallèlement à la revendication naturiste de l’art expressionniste, notamment dans Die Brücke, la danse expressionniste réclame la liberté corporelle, en même temps que les nouvelles théories psychologiques de Freud influencent une plus grande introspection dans l’esprit de l’artiste. artiste, qui a été traduit dans une tentative par la danse pour exprimer l’intérieur, pour libérer l’être humain des répressions.

La danse expressionniste a coïncidé avec Der Blaue Reiter dans son concept spirituel du monde, essayant de capturer l’essence de la réalité et de la transcender. Ils ont rejeté le concept classique de la beauté, et cela s’exprime dans un dynamisme plus brutal et brutal que celui de la danse classique. En même temps, ils ont accepté l’aspect le plus négatif de l’être humain, subjugué dans son inconscient mais qui fait partie de son indissoluble. La danse expressionniste ne s’est pas empêchée de montrer la place la plus sombre de l’individu, sa fragilité, sa souffrance, son incrédulité. Cela se traduit par une corporalité plus contractée, dans une expressivité qui englobe tout le corps, ou même dans la préférence de danser pieds nus, qui est un plus grand contact avec la réalité, avec la nature.

La danse expressionniste s’appelait aussi danse expressive et danse abstraite, car elle impliquait une libération du mouvement, loin de la métrique et du rythme, parallèle à l’abandon de la figuration par la peinture, en même temps que sa prétention à s’exprimer à travers des idées de mouvement. ou des états d’esprit ont coïncidé avec le terme travail spirituel abstrait Kandinsky. Malgré tout, la présence inéluctable du corps humain provoquait une certaine contradiction dans la dénomination d’un courant «abstrait» au sein de la danse.

Rudolf von Laban était un théoricien du mouvement qui a créé un système qui cherchait à intégrer le corps et l’âme, en mettant l’accent sur l’énergie émanant des corps, et en analysant le mouvement et sa relation avec l’espace. Les contributions de Laban ont permis aux danseurs une nouvelle multidirectionalité par rapport à l’espace environnant, tandis que le mouvement s’est libéré du rythme, accordant autant d’importance au silence qu’à la musique. Laban a également tenté d’échapper à la gravité en cherchant délibérément la perte d’équilibre. Cependant, il a essayé de s’éloigner de l’aspect rigide du ballet classique en promouvant le mouvement dynamique et naturel du danseur.

Sculpture
La sculpture expressionniste n’avait pas un timbre stylistique commun et était le produit de plusieurs artistes individuels reflétant leur travail ou distorsion thématique ou formelle caractéristique de l’expressionnisme. En particulier, il y a trois noms:

Ernst Barlach: inspiré par l’art populaire russe – après un voyage dans le pays slave en 1906 – et la sculpture médiévale allemande, ainsi que Brueghel et Bosch, ses œuvres ont un certain air caricatural, travaillant beaucoup sur le volume, la profondeur et articulation du mouvement. Il a développé deux thèmes principaux: le populaire (coutumes de tous les jours, scènes paysannes) et, surtout après la guerre, la peur, l’angoisse, la terreur. Il n’imitait pas la réalité, mais créait une réalité nouvelle, jouant avec des lignes et des angles brisés, avec des anatomies distancées du naturalisme, tendant vers la géométrie. Il travaillait de préférence dans le bois et le plâtre, qui passait parfois plus tard au bronze. Parmi ses œuvres figurent: El fugitivo (1920-1925), El venjador (1922), La muerte en la vida (1926), El flautista (1928), El bebedor (1933), Vella fredolica (1939), etc.
Wilhelm Lehmbruck: éduqué à Paris, son travail a un caractère classique marqué, bien que déformé et stylisé, et avec un fort fardeau introspectif et émotionnel. Au cours de sa formation à Düsseldorf, il évolue d’un naturalisme de racines sentimentales, à travers un dramatisme baroque influencé par Rodin, à un réalisme influencé par Meunier. En 1910, il s’installe à Paris, où il accuse l’influence de Maillol. Enfin, après un voyage en Italie en 1912 a commencé une plus grande géométrie et stylisation de l’anatomie, avec une influence médiévale dans l’extension des figures (Femme agenouillée, 1911, Jeune homme debout, 1913).
Käthe Kollwitz: La femme d’un médecin d’un quartier pauvre de Berlin connaissait la misère humaine qui la marquait profondément. Socialiste et féministe, son travail a une composante marquée de la demande sociale, avec des sculptures, lithographies et gravures qui se distinguent par sa cruauté: La révolte des Tisserands (1907-1908), La guerre des paysans (1902-1908), Hommage à Karl Liebknecht (1919-1920).

Cinéma
L’expressionnisme n’atteignit le cinéma qu’à la première guerre mondiale, alors qu’il avait pratiquement disparu en tant que courant artistique, et fut remplacé par New Objectivity. Cependant, l’expressivité émotionnelle et la distorsion formelle de l’expressionnisme ont eu une traduction parfaite du langage cinématographique, notamment grâce à la contribution du théâtre expressionniste, dont les innovations scéniques ont été adaptées avec succès au cinéma. Le cinéma expressionniste a traversé plusieurs étapes: de l’expressionnisme pur – parfois appelé causticisme – Il est allé à un certain néo-romantisme (Murnau), et au réalisme critique (Pabst, Siodmak, Lupu Pick), pour mettre fin au syncrétisme de Lang et au naturalisme idéaliste de Kammerspielfilm. Parmi les principaux réalisateurs expressionnistes, soulignons Léopold Jessner, Robert Wiene, Paul Wegener, Friedrich Wilhelm Murnau, Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst, Paul Leni, Josef von Sternberg, Ernst Lubitsch, Lupu Pick, Robert Siodmak, Arthur Robison et Ewald André. Dupont.

Le cinéma expressionniste imposait à l’écran un style subjectif qui offrait en images une déformation expressive de la réalité, traduite en termes dramatiques par la distorsion des décors, le maquillage, etc., et la recréation conséquente d’atmosphères terroristes ou, au moins, dérangeantes. Le cinéma expressionniste se caractérise par sa récurrence au symbolisme des formes, délibérément déformé par le support de différents éléments plastiques. L’esthétique expressionniste a pris les thèmes des genres tels que la fantaisie et la terreur, un reflet moral du déséquilibre social et politique négatif qui a agité la République de Weimar pendant ces années. Avec une forte influence du romantisme, le cinéma expressionniste reflétait une vision de l’individu caractéristique de l’âme «faustienne» allemande: il montrait la double nature humaine, sa fascination pour le mal, la fatalité de la vie soumise au pouvoir du destin. comme le cinéma expressionniste vise à traduire symboliquement, à travers des lignes, des formes ou des volumes, la mentalité des personnages, leur humeur, leurs intentions, de telle sorte que la décoration apparaît comme la traduction plastique du drame Ce symbolisme a plus ou moins réactions psychiques conscientes qui ont guidé l’esprit du spectateur.

Littérature

Journaux
Der Sturm, publié par Herwarth Walden à partir de 1910, et Die Aktion, paru en 1911 sous la direction de Franz Pfemfert, sont deux des principales revues expressionnistes publiées à Berlin. Der Sturm a publié la poésie et la prose de contributeurs tels que Peter Altenberg, Max Brod, Richard Dehmel, Alfred Döblin, Anatole France, Knut Hamsun, Arno Holz, Karl Kraus, Selma Lagerlöf, Adolf Loos, Heinrich Mann, Paul Scheerbart et René Schickele, et des écrits, des dessins et des estampes d’artistes tels que Kokoschka, Kandinsky et des membres de Der blaue Reiter.

Drame
Meurtre, L’espérance des femmes, d’Oskar Kokoschka, en 1909, est souvent appelé le premier drame expressionniste. Dans celui-ci, un homme et une femme sans nom luttent pour la domination. L’homme marque la femme; elle poignarde et l’emprisonne. Il se libère et elle tombe morte à son contact. À la fin de la pièce, il abat tout autour de lui (comme le dit le texte) «comme des moustiques». L’extrême simplification des caractères aux types mythiques, aux effets choraux, au dialogue déclamatoire et à l’intensité accrue deviendrait tout à fait caractéristique des pièces expressionnistes ultérieures. Le compositeur allemand Paul Hindemith a créé une version lyrique de cette pièce, créée en 1921.

L’expressionnisme a eu une influence dominante sur le théâtre allemand du début du XXe siècle, dont Georg Kaiser et Ernst Toller étaient les dramaturges les plus célèbres. Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn et Arnolt Bronnen figurent parmi les autres dramaturges expressionnistes. Les précurseurs importants étaient le dramaturge suédois August Strindberg et l’acteur et dramaturge allemand Frank Wedekind. Au cours des années 1920, l’expressionnisme a connu une brève période de popularité dans le théâtre américain, y compris les pièces de Eugene O’Neill (The Hairy Ape, L’Empereur Jones et Le Grand Dieu Brown), Sophie Treadwell (Machinal) et Elmer Rice (The Adding Machine) .

Poésie
L’expressionniste lyrique s’est développé significativement dans les années précédant la Première Guerre mondiale, un sujet vaste et varié, centré principalement sur la réalité urbaine, mais renouvelant le respect de la poésie traditionnelle, assumant une esthétique laide, diabolique, déformée, grotesque, apocalyptique, désolée. nouvelle forme d’expression du langage expressionniste. Les nouveaux thèmes traités par les poètes allemands sont la vie dans la grande ville, la solitude et le manque de communication, la folie, l’aliénation, l’angoisse, le vide existentiel, la maladie et la mort, le sexe et la prémonition de la guerre. Plusieurs de ces auteurs, conscients du déclin de la société et de leur besoin de renouveau, utilisaient un langage prophétique, idéaliste, utopique, un certain messianisme qui prônait un nouveau sens à la vie, une régénération de l’être humain, une plus grande fraternité universelle.

Stylistiquement, le langage de la poésie expressionniste est concis, pénétrant, nu, avec un ton pathétique et désolé, mettant l’expressivité de la communication, sans règles linguistiques ou syntaxiques. Ils recherchent l’essentiel du langage, libèrent le mot, accentuent la force rythmique du langage à travers la déformation linguistique, la substantivation des verbes et des adjectifs et l’introduction des néologismes. Cependant, ils maintiennent la métrique traditionnelle et la rime, et le sonnet est l’un de leurs principaux moyens de composition, bien qu’ils aient aussi recours au rythme libre et stanzapolymétrique. Un autre effet du langage expressionniste dynamique était la simultanéité, la perception de l’espace et du temps comme quelque chose de subjectif. hétérogène, atomisé, non connecté, une présentation simultanée d’images et d’événements. Les principaux poètes expressionnistes étaient Franz Werfel, Georg Trakl, Gottfried Benn, Georg Heym, Johannes R. Becher, Else Lasker-Schüler, Ernst Stadler, Jakob van Hoddis et August Stramm. Cependant, l’expressionnisme a exercé une grande influence sur le travail de Rainer Maria Rilke.

Prose
En prose, les premiers récits et romans d’Alfred Döblin ont été influencés par l’expressionnisme, et Franz Kafka est parfois qualifié d’expressionniste. Certains autres écrivains et œuvres qui ont été appelés Expressionniste comprennent:

La musique
Le terme expressionnisme “a probablement été appliqué pour la première fois à la musique en 1918, en particulier à Schoenberg”, parce que, comme le peintre Kandinsky, il évitait “les formes traditionnelles de la beauté” pour transmettre de puissants sentiments dans sa musique. Arnold Schoenberg, Anton Webern et Alban Berg, membres de la Seconde Ecole viennoise, sont des expressionnistes importants (Schoenberg était aussi un peintre expressionniste). D’autres compositeurs associés à l’expressionnisme sont Krenek (la deuxième symphonie), Paul Hindemith (la jeune fille), Igor Stravinsky (les chants japonais), Alexander Scriabin (les sonates pour piano en retard) (Adorno 2009, 275). Un autre expressionniste significatif était Béla Bartók dans les premiers travaux, écrits dans la deuxième décennie du 20ème siècle, tels que le château de Barbe-Bleue (1911), le prince en bois (1917), et le mandarin miraculeux (1919). Richard Wagner (1813-1883), Gustav Mahler (1860-1911) et Richard Strauss (1864-1949) sont d’importants précurseurs de l’expressionnisme.

Theodor Adorno décrit l’expressionnisme comme relevant de l’inconscient et affirme que «la représentation de la peur est au centre» de la musique expressionniste, avec prédominance de dissonance, de sorte que «l’élément harmonieux et affirmatif de l’art est banni» (Adorno 2009, 275- 76). Erwartung et Die Glückliche Hand, de Schoenberg, et Wozzeck, un opéra d’Alban Berg (basé sur la pièce Woyzeck de Georg Büchner), sont des exemples d’œuvres expressionnistes. Si l’on devait faire une analogie avec les peintures, on pourrait décrire la technique de peinture expressionniste comme la déformation de la réalité (principalement des couleurs et des formes) pour créer un effet cauchemardesque pour l’ensemble de la peinture. La musique expressionniste fait à peu près la même chose, où la dissonance dramatiquement accrue crée, aurale, une atmosphère cauchemardesque.

Architecture
En architecture, deux bâtiments spécifiques sont identifiés comme expressionnistes: le pavillon de verre Bruno Taut de l’exposition Werkbund de Cologne (1914) et la tour Einstein d’Erich Mendelsohn à Potsdam en Allemagne achevée en 1921. L’intérieur du théâtre berlinois de Hans Poelzig (Grosse Schauspielhaus), conçu pour le réalisateur Max Reinhardt, est également parfois cité. L’influent critique d’architecture et historien Sigfried Giedion, dans son livre Space, Time and Architecture (1941), a rejeté l’architecture expressionniste comme une partie du développement du fonctionnalisme. Au Mexique, en 1953, l’émigré allemand Mathias Goeritz publie le manifeste Arquitectura Emocional («Architecture émotionnelle») avec lequel il déclare que «la principale fonction de l’architecture est l’émotion».L’architecte mexicain moderne Luis Barragán a adopté le terme qui a influencé son travail. Tous deux ont collaboré au projet Torres de Satélite (1957-58), guidés par les principes de Goeritz d’Arquitectura Emocional. Ce n’est qu’au cours des années 1970 que l’expressionnisme en architecture a été réévalué plus positivement.

La photographie
La photographie expressionniste développée principalement pendant la République de Weimar, et était l’un des principaux centres de la photographie européenne d’avant-garde. La nouvelle société allemande d’après-guerre, pour son désir quasi utopique de régénérer le pays après les désastres de la guerre, recourt à une technique relativement nouvelle comme la photographie pour rompre avec la tradition bourgeoise et construire un nouveau modèle social basé sur classes sociales. La photographie des années 1920 fut l’héritière des photomontages anti-guerre créés par les dadaïstes pendant la guerre, et profita également de l’expérience des photographes d’Europe de l’Est venus en Allemagne après la guerre, ce qui conduisit à l’élaboration d’un type de photographie de grande qualité, à la fois technique et artistique.