L’expressionnisme allemand consistait en un certain nombre de mouvements créatifs liés en Allemagne avant la Première Guerre mondiale qui a atteint un sommet à Berlin pendant les années 1920. Ces développements en Allemagne faisaient partie d’un mouvement expressionniste plus large dans la culture de l’Europe du nord et du centre dans des domaines tels que l’architecture, la danse, la peinture, la sculpture, ainsi que le cinéma. Cet article traite principalement de l’évolution du cinéma expressionniste allemand avant et immédiatement après la Première Guerre mondiale.
Histoire
Années 1910-1930
Parmi les premiers films expressionnistes, The Student of Prague (1913), The Cabinet of Dr. Caligari (1920), De Morn to Midnight (1920), Le Golem: comment il entra dans le monde (1920), Destiny (1922), Nosferatu (1922), Phantom (1922), Schatten (1923) et The Last Laugh (1924) étaient hautement symboliques et stylisés.
Le mouvement expressionniste allemand était initialement confiné à l’Allemagne en raison de l’isolement que le pays a connu pendant la Première Guerre mondiale. En 1916, le gouvernement avait interdit les films étrangers. La demande des théâtres pour produire des films a conduit à une augmentation de la production cinématographique nationale de 24 films en 1914 à 130 films en 1918. L’inflation augmentant également, les Allemands assistaient plus librement aux films parce qu’ils savaient que la valeur de leur argent diminuait constamment.
Outre la popularité des films en Allemagne, en 1922, le public international avait commencé à apprécier le cinéma allemand, en partie à cause de la diminution du sentiment anti-allemand après la fin de la Première Guerre mondiale. était devenu une partie de l’industrie cinématographique internationale.
Diverses cultures européennes des années 1920 ont adopté une éthique du changement et une volonté de regarder vers l’avenir en expérimentant des idées nouvelles et audacieuses et des styles artistiques. Les premiers films expressionnistes ont compensé le manque de budgets généreux en utilisant des décors avec des angles géométriquement absurdes et non réalistes, ainsi que des motifs peints sur les murs et les sols pour représenter les lumières, les ombres et les objets. Les intrigues et les histoires des films expressionnistes traitaient souvent de la folie, de la folie, de la trahison et d’autres sujets «intellectuels» déclenchés par les expériences de la Première Guerre mondiale (par opposition aux films d’action-aventure et romantiques). Metropolis (1927) et M (1931), tous deux dirigés par Fritz Lang, font partie des films récents classés dans la brève histoire de l’expressionnisme allemand. Cette tendance était une réaction directe contre le réalisme. Ses praticiens ont utilisé des distorsions extrêmes dans l’expression pour montrer une réalité émotionnelle intérieure plutôt que ce qui était en surface.
L’extrême anti-réalisme de l’expressionnisme fut de courte durée, s’évanouissant après seulement quelques années. Cependant, les thèmes de l’expressionnisme ont été intégrés dans les films plus tardifs des années 1920 et 1930, résultant en un contrôle artistique sur le placement du paysage, la lumière, etc. pour améliorer l’humeur d’un film. Cette école sombre et sombre de cinéma a été introduite aux États-Unis lorsque les nazis ont pris le pouvoir et qu’un certain nombre de cinéastes allemands ont émigré à Hollywood. Ces réalisateurs allemands ont trouvé des studios de cinéma américains prêts à les accueillir, et plusieurs réalisateurs et cameramen allemands y ont prospéré, produisant un répertoire de films hollywoodiens qui a eu un effet profond sur le cinéma dans son ensemble. Le théoricien du cinéma nazi Fritz Hippler, cependant, était un partisan de l’expressionnisme. Deux autres films produits dans l’Allemagne nazie en utilisant le style expressionniste étaient « Das Stahltier » (L’animal de l’acier) en 1935 par Willy Zielke et « Michel-Ange. Das Leben eines Titanen « (Michel-Ange, La Vie d’un Titan) en 1940 par Curt Oertel.
Deux genres qui ont été particulièrement influencés par l’Expressionnisme sont le film d’horreur et le film noir. Carl Laemmle et Universal Studios se sont fait un nom en produisant de célèbres films d’horreur de l’ère du silence comme The Phantom of the Opera de Lon Chaney. Les cinéastes allemands tels que Karl Freund (le directeur de la photographie pour Dracula en 1931) ont donné le style et l’ambiance des films monstres universels des années 1930 avec leurs décors sombres et artistiquement dessinés, fournissant un modèle pour les générations futures de films d’horreur. Des réalisateurs tels que Fritz Lang, Billy Wilder, Otto Preminger, Alfred Hitchcock, Orson Welles, Carol Reed et Michael Curtiz ont introduit le style expressionniste dans les drames du crime des années 1940, développant l’influence de l’expressionnisme sur le cinéma moderne.
Influence et héritage
Le cinéma allemand silencieux était sans doute loin devant Hollywood pendant la même période. Le cinéma en dehors de l’Allemagne a bénéficié à la fois de l’émigration des cinéastes allemands et des développements expressionnistes allemands dans le style et la technique qui étaient apparents sur l’écran. Le nouveau look et les nouvelles techniques ont impressionné les autres cinéastes, artistes et cinéastes contemporains, et ils ont commencé à intégrer le nouveau style dans leur travail.
En 1924, Alfred Hitchcock a été envoyé par Gainsborough Pictures pour travailler comme assistant réalisateur et directeur artistique aux studios UFA Babelsberg à Berlin sur le film The Blackguard. L’effet immédiat de l’environnement de travail en Allemagne peut être vu dans ses scénographies expressionnistes pour ce film. Hitchcock a déclaré plus tard: «J’ai … acquis une forte influence allemande en travaillant aux studios UFA de Berlin».
L’expressionnisme allemand continuerait à influencer Hitchcock tout au long de sa carrière. Dans son troisième film, The Lodger, Hitchcock a présenté au public britannique des scénographies expressionnistes, des techniques d’éclairage et des techniques de tournage truquées, contre la volonté de son studio. Son expérimentation visuelle a inclus l’utilisation d’une image d’un homme marchant à travers un plancher de verre tiré d’en bas, un concept représentant quelqu’un marchant à l’étage. Cette influence a continué à travers le film très réussi Psycho en 1960, où l’image floue de Norman Bates, vue à travers un rideau de douche, rappelle celle de Nosferatu à travers son ombre. La production cinématographique de Hitchcock a influencé à son tour beaucoup d’autres cinéastes, et a été ainsi l’un des véhicules qui ont propulsé l’utilisation continue des techniques expressionnistes allemandes, quoique moins fréquemment.
Le film Nosferatu: Phantom der Nacht de Werner Herzog en 1979 était un hommage au film de 1922 de FW Murnau. Le film utilise des techniques expressionnistes d’action hautement symbolique et des événements symboliques pour raconter son histoire. Le film de 1998 Dark City a utilisé un contraste saisissant, des mouvements rigides et des éléments fantastiques.
Les éléments stylistiques empruntés à l’expressionnisme allemand sont courants aujourd’hui dans les films qui n’ont pas besoin de référence au réalisme contemporain, tels que les films de science-fiction (par exemple, Blade Runner de 1982 de Ridley Scott, lui-même influencé par Metropolis). Le film Shadows and Fog de Woody Allen en 1991 est un hommage aux cinéastes expressionnistes allemands Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst et FW Murnau.
Des adaptations ambitieuses du style sont représentées dans toute la filmographie contemporaine du réalisateur Tim Burton. Son film de 1992 Batman Returns est souvent cité comme une tentative moderne de capturer l’essence de l’expressionnisme allemand. Les conceptions de bâtiments angulaires et les squares de Gotham City évoquent le métier à tisser et la menace présents dans la métropole de Lang. Les influences expressionnistes de Burton sont les plus apparentes dans le paysage suburbain de conte de fées d’Edward Scissorhands. L’apparition du titulaire Edward Scissorhands (pas accidentellement) reflète le serviteur somnambule de Caligari. Burton jette un malaise dans sa banlieue couleur bonbon, et la tension est visuellement démasquée à travers Edward et son château gothique, un dernier hold-up du passé à la fin d’une rue de banlieue. Burton subvertit le cauchemar de Caligari avec un récit inspiré, jetant Edward, l’étranger, comme le héros, et les villageois comme les méchants. De même, le Dr Caligari a été l’inspiration pour l’apparence grotesque, semblable à celle d’un oiseau, du Penguin dans le film Batman Returns de Burton en 1992. L’aspect familier du personnage principal de Caligari peut également être vu dans le film The Crow. Avec sa tenue noire et serrée, son maquillage blanc et ses yeux assombris, le personnage de Brandon Lee est un proche parent de Cesare et du film de Burton, Edward Scissorhands. Burton aurait également été influencé par les films muets et l’expressionnisme allemand pour son adaptation cinématographique de la comédie musicale Sweeney Todd: le barbier démon de Fleet Street, décrivant la comédie musicale comme un «film muet avec de la musique».
Cinéma et architecture
Beaucoup de critiques voient un lien direct entre le cinéma et l’architecture de l’époque, affirmant que les décors et les scènes des films expressionnistes révèlent souvent des angles vifs, de grandes hauteurs et des environnements encombrés, comme la tour de Babel de la métropole de Fritz Lang. .
Des éléments forts du monumentalisme et du modernisme apparaissent à travers le canon de l’expressionnisme allemand. Metropolis en est un excellent exemple, comme en témoigne la gigantesque centrale électrique et les aperçus de la ville «haute» massive et immaculée.
Les peintres expressionnistes allemands ont rejeté la représentation naturaliste de la réalité objective, décrivant souvent des figures, des bâtiments et des paysages déformés d’une manière désorientante qui ne tenait pas compte des conventions de la perspective et des proportions. Cette approche, combinée avec des formes stylisées irrégulières et des couleurs dures et non naturelles, a été utilisée pour transmettre des émotions subjectives.
Un certain nombre d’artistes et d’artisans travaillant dans le théâtre de Berlin ont apporté le style visuel expressionniste à la conception des décors. Ceci, à son tour, a eu une influence éventuelle sur des films traitant de la fantaisie et de l’horreur.
Le meilleur exemple est le film de rêve de Robert Wiene, The Cabinet of Dr. Caligari (1920), universellement reconnu comme l’un des premiers classiques du cinéma expressionniste. Hermann Warm, le directeur artistique du film, a travaillé avec les peintres et scénographes Walter Reimann et Walter Röhrig pour créer des ensembles fantastiques et cauchemardesques avec des structures tordues et des paysages aux formes pointues et aux lignes obliques et courbes. Certaines de ces conceptions étaient des constructions, d’autres étaient peintes directement sur des toiles.
Les films expressionnistes allemands produits dans la République de Weimar immédiatement après la Première Guerre mondiale non seulement résument les contextes sociopolitiques dans lesquels ils ont été créés, mais retravaillent également les problèmes intrinsèquement modernes de l’autoréflexivité, du spectacle et de l’identité.
Après les critiques estimées de Siegfried Kracauer et de Lotte Eisner, ces films sont maintenant considérés comme une sorte de conscience collective, si intrinsèquement liés à leur milieu social. Brièvement évoqué par JP Telotte dans son analyse du film allemand «Expressionnisme allemand: un problème cinématographique / culturel», l’expressionnisme se concentre sur le «pouvoir des spectacles» et offre au public «une sorte d’image métonymique de sa propre situation».
Ce mouvement de film a mis en parallèle la peinture expressionniste et le théâtre en rejetant le réalisme. Les créateurs de la période de Weimar ont cherché à transmettre une expérience intérieure et subjective par des moyens externes et objectifs. Leurs films étaient caractérisés par des décors et des jeux très stylisés; ils utilisaient un nouveau style visuel qui incarnait un contraste élevé et un montage simple. Les films ont été tournés dans des studios où ils pouvaient utiliser délibérément des lumières et des angles de caméra délibérément exagérés et dramatiques pour accentuer un effet particulier – peur, horreur, douleur. Des aspects des techniques expressionnistes ont ensuite été adaptés par des réalisateurs comme Alfred Hitchcock et Orson Welles et ont été incorporés dans de nombreux films de gangsters et d’horreurs américains. FW Murnau, Erich Pommer et Fritz Lang figurent parmi les grands cinéastes de l’époque. Le mouvement a pris fin après la stabilisation de la monnaie, ce qui rend moins cher l’achat de films à l’étranger. L’UFA s’est effondrée financièrement et les studios allemands ont commencé à traiter avec des studios italiens qui ont mené à leur influence dans le style d’horreur et les films noirs. L’influence américaine sur l’industrie cinématographique conduira également certains cinéastes à poursuivre leur carrière aux États-Unis. Le dernier film de l’UFA était Der Blaue Engel (1930), considéré comme un chef-d’œuvre de l’expressionnisme allemand.
Interprétation
Deux œuvres sur l’époque sont The Haunted Screen de Lotte Eisner et From Caligari to Hitler de Sigfried Kracauer. Kracauer examine le cinéma allemand de l’ère du Silence et de l’Or et conclut finalement que les films allemands réalisés avant la prise de pouvoir d’Hitler et l’avènement du Troisième Reich font tous allusion à l’inévitabilité de l’Allemagne nazie. Pour Eisner, le cinéma expressionniste allemand est une manifestation visuelle des idéaux romantiques. Elle examine de près la mise en scène, la cinématographie, le théâtre, les scénarios et d’autres éléments cinématographiques dans les films de Pabst, Lubitsch, Lang (son favori évident), Riefenstahl, Harbou et Murnau. Des chercheurs expressionnistes allemands plus récents examinent des éléments historiques de l’expressionnisme allemand, tels que l’inflation / l’économie, l’UFA, Erich Pommer, Nordisk et Hollywood.
Film d’expressionnisme
Le film expressionniste a été principalement écrit en Allemagne, en particulier dans sa «capitale du cinéma» à Berlin, dans l’ère silencieuse de la première moitié des années 1920. C’est pourquoi les gens parlent souvent de l’expressionnisme allemand. Mais même dans les années qui ont précédé l’apparition des premiers éléments expressionnistes dans les productions autrichiennes – les films dits «pré-expressionnistes», développés à partir des populaires adaptations cinématographiques populaires.
Le cinéma expressionniste allemand est le nom donné à un groupe de productions cinématographiques avec certains aspects en commun. Ce style de cinéma a sa correspondance avec l’expressionniste actuel, nommé en contraste avec l’impressionniste actuel du XIXe siècle en peinture, c’est-à-dire, avec ce genre de peinture dans lequel prime « expression subjective » sur la représentation de l’objectivité. Cette peinture a eu recours à des couleurs blessantes et à des rythmes linéaires très forts. Il a pris racine en Allemagne, où est né le mouvement Die Brücke (le pont), fondé en 1905 par des étudiants en architecture.
C’est sur le budget de la critique et de l’opposition au positivisme que de nombreuses lignes de force des expressionnistes sont projetées. Pour ceux-ci, la réalité était quelque chose qui devait être expérimenté de l’intériorité la plus profonde, et donc fait appel au corps et aux expériences émotionnelles du monde plutôt qu’à sa capture par l’œil. L’artiste expressionniste a tenté de représenter l’expérience émotionnelle sous sa forme la plus complète, sans se soucier de la réalité extérieure mais de sa nature interne.
Le cinéma arrive, tardivement et en partie, à la suite des mesures d’organisation adoptées par les autorités allemandes. L’origine de ces mesures peut être attribuée à deux observations: d’abord, le peuple allemand prend conscience de l’influence exercée par les films anti-allemands dans les pays étrangers. Deuxièmement, ils reconnaissent l’insuffisance de la production locale et pour satisfaire cette demande, les productions de qualité inférieure, par rapport aux pays étrangers, inondent le marché.
Conscientes de cette situation dangereuse, les autorités allemandes sont intervenues directement dans la production cinématographique. En 1916, le gouvernement, avec le soutien d’associations qui promeuvent des objectifs culturels, politiques et économiques, fonde la Deulig (Deutsche Liehtspiel Gesellsehaft), une compagnie cinématographique qui, à travers des films documentaires appropriés, se consacrera à la publicité du pays. à l’étranger comme en Allemagne même.
Au début de 1917, la Fondation Bufa (Bild- und Filmamt) continua; Fondé comme une simple agence gouvernementale, il fournissait aux troupes, sur les fronts de bataille, des salles de projection et était également chargé de fournir des documentaires sur les activités militaires.
Le nombre d’entreprises est passé de seulement 28 en 1913 à 245 en 1919, quelques années où une industrie puissante a été consolidée.
C’était quelque chose, mais pas assez. Après l’entrée des États-Unis à la guerre, les films de ce pays se sont étendus partout dans le monde, inculquant avec une force incompatible la haine à l’Allemagne, tant aux neutres qu’aux ennemis. Les dirigeants allemands sont arrivés à la conclusion que seule une énorme organisation pouvait contre-attaquer cette campagne. Le Gerenal Ludendorff a pris l’initiative, en recommandant l’union des principales compagnies cinématographiques afin que leurs énergies, préalablement disséminées, puissent être canalisées dans l’intérêt national. Ses suggestions étaient des ordres. Grâce à une résolution du Haut Commandement allemand de novembre 1917, en contact étroit avec des financiers, des industriels et des armateurs éminents, le film Mestter Film, l’Union of Davidson et les sociétés contrôlées par Nordisk – avec le soutien d’un groupe de banques – fusionnent nouvelle société: Ufa (Universum Film AG).
La tâche officielle de l’Ufa était de faire de la propagande en faveur de l’Allemagne, conformément aux directives gouvernementales. Cette organisation a servi de tremplin pour le succès sur le sol allemand de cinéastes allemands tels que Ernst Lubitsch, Fritz Lang, Robert Wiene, Friedrich Murnau, parmi d’autres, dont certains faisaient partie du mouvement expressionniste qui avait une grande relation dans l’esthétique et le thème avec le travail graphique et pictural proposé par ses fondateurs avant et après la guerre, un événement qui a laissé l’Allemagne en faillite, et qui a influencé les expressionnistes, qui ont externalisé leurs émotions et psychologie, en plus de déformer la réalité et de montrer le symbolisme Les films.
Tendances contemporaines
Dans les années 1920, le mouvement dada provoqua une révolution dans le monde artistique, et les différentes cultures européennes prônèrent un changement et le désir de considérer l’avenir en expérimentant des idées et des styles nouveaux et révolutionnaires. L’expressionnisme est aussi contemporain du surréalisme en France.
Influence de l’expressionnisme cinématographique
Deux genres ont été particulièrement influencés par l’expressionnisme: le film noir et le film d’horreur. Carl Laemmle et Universal Studios se sont fait un nom en produisant des films d’horreur célèbres pendant l’ère muette, tels que Le Fantôme de l’Opéra (Lon Chaney, 1925). Les émigrants allemands ont inspiré le style et l’atmosphère des films monstres d’Universal Studios dans les années 1930, avec des milieux artistiques très sombres, et sont ainsi devenus une référence pour les générations suivantes de films d’horreur.
Après Fritz Lang (Fury) dans les années 1930, d’autres réalisateurs d’origine germanique comme Otto Preminger (Laura), Robert Siodmak (The Killers) ou Billy Wilder (Insurance on Death) introduisent le style expressionniste dans les films de police des années 1940 et influencent générations de cinéastes, faisant ainsi l’expressionisme survivre.
« Le cinéma d’après-guerre a voulu accentuer son caractère énigmatique, macabre, sinistre, morbide, reflétant le processus de retraite » au plus profond de l’âme « mené par la population durant cette période d’incertitude », explique Sigfried Kracauer, spécialiste. dans la période allemande.
Les origines de ce mouvement cinématographique, qui a connu son meilleur moment dans la décennie des années 20, remontent au début du XXe siècle, lorsque l’expressionnisme est apparu comme un reflet de la réalité. Certains réalisateurs ont assimilé les théories et les propositions de ce phénomène artistique. L’un des films pionniers a été le Cabinet du Docteur Caligari, un film inspiré par une série de crimes qui ont eu lieu à Hambourg, en Allemagne. Il a raconté les crimes choquants commis par Cesare, sous les ordres hypnotiques du Dr. Caligari, qui a visité les foires des villes allemandes exposant son somnambule. L’idée des écrivains était de dénoncer la performance de l’Etat allemand pendant la guerre.
Mais Robert Wiene, qui le dirigera, ajoutera au scénario deux nouvelles scènes, l’une au début et l’autre à la fin, ce qui changera tout le sens de l’histoire, car il devient l’histoire imaginaire d’un fou qui croit qu’il voit le directeur de l’hôpital psychiatrique dans lequel se trouve le terrible docteur Caligari.
L’attraction principale du film réside dans son anomalie scénographique, avec des cheminées obliques, des réminiscences cubistes et des fenêtres en forme de flèche, toutes avec une fonction purement dramatique et psychologique, et non comme quelque chose de décoratif. Il est vrai que le hasard contribuera à rehausser ce drame, car, en raison de l’éclairage limité dans le studio où il a été tourné, il a été décidé de peindre les décors avec des lumières et des ombres.
Une autre caractéristique à souligner sera la composition des acteurs et leur interprétation. Le cabinet du docteur Caligari obtiendra un grand succès. Ce sera, à côté du personnage de Charlot, le premier grand mythe de l’histoire du cinéma. Les critiques français ont inventé le mot caligarismo pour désigner les films allemands de la nouvelle esthétique. Wiene dirigera plusieurs autres œuvres au cours des années successives, mais il n’atteindra jamais le succès ou la qualité artistique de Caligari. Avec l’arrivée au pouvoir des nazis, il décide de s’exiler et meurt à Paris en 1938.
L’expressionnisme évoluera avec un nouveau courant remplaçant les tissus peints par les ensembles, laissant la place à un éclairage plus complexe en tant que moyen expressif. Cela donne origine à un nouveau courant que se connaîtra comme Kammerspielfilm ou Camera Theater, que possède son origine dans les expériences réalistes du théâtre de caméra de Max Reinhardt, célèbre metteur en scène de théâtre de l’époque.
Cette proposition était en grande partie due au travail du scénariste Carl Mayer, dont les pièces étaient parfois simplistes et quelque peu théâtrales. Les directeurs importants ont été attirés par ce courant, dans lequel ils ont contribué au cinéma allemand certaines de leurs plus grandes œuvres cinématographiques.
Stylistique
Les toiles de fond grotesquement déformées, fortement influencées par la peinture expressionniste et l’éclairage contrasté, sont encore plus caractéristiques, elles-mêmes rehaussées par des ombres peintes. Une mise en scène surréaliste et symbolique crée des ambiances fortes et des niveaux de signification plus profonds.
De plus, c’est surtout le style gestuel exagéré des acteurs qui caractérise l’expressionniste de ce film. Il est emprunté au précurseur artistique, à l’expressionnisme de scène.
L’esthétique du Kammerspielfilm abandonne les thèmes fantastiques et les sets expressionnistes, pour tenter une approche du drame quotidien des personnages simples, extraits de la vie réelle, immergés dans un petit espace, la modeste demeure, qui, sans autres attributs, acquiert ici un caractère claustrophobe. Il repose sur un respect, bien que non total, des unités de temps, de lieu et d’action, dans une grande linéarité et une simplicité argumentative, ce qui rend inutile l’insertion d’étiquettes explicatives, et dans la sobriété interprétative. La simplicité dramatique et le respect des unités permettent de créer des atmosphères fermées et oppressantes, dans lesquelles les protagonistes vont se déplacer. La trajectoire de ce courant semble dominée principalement par trois cinéastes:
Friedrich Wilhelm Murnau
Friedrich Wilhelm Murnau a fondé sa propre société de production en 1919, en commençant à diriger des films dans lesquels il tentera d’exprimer sa subjectivité dans le plus grand respect des formes réelles du monde. Nosferatu (1922) en est un exemple, un film qui raconte le mythe du vampire et qui sera l’un de ses chefs-d’œuvre. Pour le tourner, il aura recours à des scénarios naturels, face à la préférence expressionniste de filmer les scènes en studio. Avec l’introduction d’éléments réels dans une histoire fantastique, il parvient à renforcer sa véracité. Il utilisera également l’accéléré et le ralenti, et l’utilisation de film négatif pour marquer le passage du monde réel à l’ultraréal.
Après Nosferatu, il dirigera El último (Der letze Mann), l’histoire du portier d’un hôtel de luxe transféré d’un emploi en raison de son âge. L’homme n’est pas satisfait de la perte de son uniforme et le vole tous les jours pour revenir avec lui chez lui, jusqu’à ce qu’il soit découvert. Ce travail représente la transition claire de l’expressionnisme au réalisme social, bien qu’il soit raconté dans un langage plastique plein de prototypes expressionnistes. Pour donner de l’agilité à l’histoire, Murnau et son opérateur, Karl Freund, utiliseront une caméra très dynamique, attachée à la poitrine de ce dernier, pour rendre les travellings subjectifs circulaires, et imiter les mouvements d’une grue, plaçant la caméra à la fin d’une issue de secours.
Murnau fera encore plusieurs travaux, toujours avec une haute qualité technique, dans les années successives, telles que les adaptations de Faust et Moliere Tartufo, pour finir d’accepter un contrat tentant à Hollywood, où il va gagner un Oscar et mourir dans un accident de la route 1931
Fritz Lang
Avec Murnau, l’Autrichien Fritz Lang est un autre enseignant de l’école expressionniste. Le plus vieux film de sa longue carrière est Die Spinnen de 1919, mais il obtient le succès et la reconnaissance avec Der müde Tod (La Mort Fatiguée ou Les Trois Lumières), en 1921, qui raconte la lutte entre l’amour et la mort. Ce travail aura un impact très important, et ce sera celui qui décidera de la vocation du réalisateur espagnol Luis Buñuel. Dans son prochain travail, Los nibelungos, vous aurez l’occasion de démontrer toute votre maturité. Cette exaltation aryenne, où les Huns sont présentés comme des êtres de race inférieure, semble prémonitoire pour les temps à venir.
Metropolis, 1927, sera son travail définitif. Dans ce jeu, jouez avec les espaces, les volumes et le clair-obscur. Dans Metropolis Lang, il y aura des images qui vont tomber dans l’histoire du cinéma et que le spectateur ne pourra pas oublier: son monde souterrain oppressant, le déplacement des travailleurs, l’inondation, la panique dans la ville, etc. Metropolis représentent l’apogée de l’expressionnisme de l’ordre architectural, comme Caligari était dans le pictural.
En 1933, Lang fera le testament du Dr. Mabuse, un film qui a été interdit en Allemagne à l’époque. Un peu plus tard, il s’enfuira aux États-Unis où il poursuivra son travail et mourra en 1976.
Georg Wilhelm Pabst
Le dernier grand producteur de l’esthétique expressionniste allemande était Georg Wilhelm Pabst. Après avoir débuté comme acteur de théâtre, il a fondé sa propre société de production de films, dans laquelle il a fait son premier film en 1923, une œuvre mineure appelée Der Schat. Il est devenu connu jusqu’à deux ans plus tard avec le film Under the Mask of Pleasure, un drame de misère, joué par Greta Garbo, situé dans un moment historique et réel. D’un style purement réaliste, cette œuvre a été entièrement tournée en studio, ce qui lui fait perdre une partie de sa force due à la fausseté de ses décors, mais son mérite est de présenter pour la première fois la situation de la bourgeoisie allemande après la guerre, ruiné et en crise.
Pabst fut le premier cinéaste à incorporer la psychanalyse dans l’un de ses films, assisté de deux disciples de Sigmund Freud, qui menèrent une étude sur l’impuissance en 1926. Ses travaux traitèrent les problèmes de la psychologie féminine dans une trilogie: Abwege, La caja de Pandora et Trois pages d’un journal, où à travers la vie de ses protagonistes féminins a fait une critique amère de l’Allemagne de son temps. Ce sont les deux moteurs qui ont déplacé le travail de Pabst: les sentiments et la réalité sociale de son pays.
Pabst met le cinéma allemand sur le chemin du réalisme social, et la trilogie féminine suit des films plus engagés socialement et politiquement, interdits en 1933 après la montée au pouvoir du national-socialisme. Il s’est enfui en France, où il a poursuivi son travail, pour retourner dans son pays, où il a filmé dans la décennie des années 50 une allégation contre le nazisme. Il est mort à Vienne en 1967.
Films importants
L’étudiant de Prague (1913, directeur: Stellan Rye)
Le serpent de la passion (1918, réalisé par Jakob et Luise Fleck)
Opium (1919, réalisé par Robert Reinert)
Nerfs (1919, réalisé par Robert Reinert)
Le cabinet du Dr. Ing. Caligari (1920, réalisateur: Robert Wiene)
Du matin au soir (1920, réalisateur: Karlheinz Martin)
Authentique (1920, Réalisateur: Robert Wiene)
Algol (1920, directeur: Hans Werckmeister)
Le Golem, comment il est entré dans le monde (1920, directeur: Paul Wegener)
The Tired Death (1921, réalisé par Fritz Lang)
The Mountain Cat (1921, Réalisateur: Ernst Lubitsch – Expressionnisme parodique)
Dr. Mabuse, le joueur (1922, directeur: Fritz Lang)
Nosferatu, une symphonie d’horreur (1922, réalisateur: Friedrich Wilhelm Murnau)
Vanina (1922, réalisateur: Arthur von Gerlach)
Phantom (1922, réalisateur: Friedrich Wilhelm Murnau)
Shadow (1923, Réalisateur: Arthur Robison)
Raskolnikov (1923, directeur: Robert Wiene)
The Street (1923, réalisé par Karl Grune)
Aelita (1924, réalisateur: Yakov Protasanov)
Les mains d’Orlac (1924, directeur: Robert Wiene)
La ville sans Juifs (1924, réalisateur: Hans Karl Breslauer)
Le musée de cire (1924, directeur: Paul Leni)
Le dernier homme (1924, directeur: Friedrich Wilhelm Murnau)
Sur la Chronique de Grieshuus (1925, réalisé par Arthur von Gerlach)
Faust – une légende populaire allemande (1926, réalisateur: Friedrich Wilhelm Murnau)
The Coat (1926, réalisé par Grigori Kosinzew et Leonid Trauberg)
Metropolis (1927, réalisateur: Fritz Lang)
M (1931, réalisateur: Fritz Lang)
Vie après la mort
La courte époque du film expressionniste était déjà terminée au milieu des années 1920. Quand, après la prise du pouvoir par les nazis en 1933, beaucoup d’anciens protagonistes quittèrent l’Allemagne pour Hollywood, seuls des séquelles se firent sentir là-bas. Deux genres en particulier ont été influencés par celui-ci et peuvent être considérés comme les «héritiers» de l’expressionnisme cinématographique: le film d’horreur et le film noir.
Aujourd’hui, l’œuvre de David Lynch semble s’inspirer de l’expressionniste (Fritz Lang: M) ainsi que du film surréaliste (Luis Buñuel, Salvador Dalí: Un chien andalou). Werner Herzog a tourné en 1979 en hommage à un remake de Nosferatu avec Klaus Kinski dans le rôle principal. De même qu’un remake avec le son d’un célèbre film muet expressionniste, le réalisateur américain David Lee Fisher a tourné en 2006 avec le cliché en noir et blanc The Cabinet of Dr. Caligari, où les acteurs d’aujourd’hui agissent sur le bluescreen devant les scènes du film original.
Tim Burton construit souvent des scènes bizarres dans ses films. Par exemple, les toiles de fond dans le monde des esprits à Beetlejuice, ou «Halloweentown» dans Nightmare Before Christmas, et les scènes du film Corpse Bride – Mariage avec un corps mort sont très influencées par les modèles expressionnistes. Lemony Snicket – Les événements énigmatiques, le tournage de Lemony Snickets Une série d’événements tristes, fortement basés sur ces films Burton et est donc aussi fortement basé sur le style expressionniste.