Der Expressionismus war eine modernistische Bewegung, zunächst in der Poesie und Malerei, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Deutschland entstand. Sein typisches Merkmal ist es, die Welt ausschließlich aus einer subjektiven Perspektive zu präsentieren und sie radikal für emotionale Effekte zu verzerren, um Stimmungen oder Ideen hervorzurufen. Expressionistische Künstler versuchten, die Bedeutung emotionaler Erfahrung und nicht die physische Realität auszudrücken.

Der Expressionismus ist eine internationale Bewegung in Kunst und Architektur, die zwischen 1905 und 1920 vor allem in Deutschland florierte. Sie erstreckte sich auch auf Literatur, Musik, Tanz und Theater. Der Begriff wurde ursprünglich in verschiedenen Avantgarde-Bewegungen weit verbreitet: So wurde er 1910 und 1912 in Ausstellungen in London als Alternative zum „Post-Impressionismus“ von Roger Fry verwendet. Er wurde auch in Skandinavien zeitgleich verwendet und Deutschland, nach und nach auf die spezifischen Künstler- und Architektengruppen beschränkt, auf die es heute angewandt wird. Der Expressionismus in der bildenden Kunst entwickelte sich aus den symbolistischen und expressiven Tendenzen der europäischen Kunst am Ende des 19. Jahrhunderts. Die Periode des „klassischen Expressionismus“ begann 1905 mit der Gründung der Gruppe Die Brucke und endete um 1920. Obwohl sie zum Teil eine künstlerische Reaktion sowohl auf die akademische Kunst als auch auf den Impressionismus war, sollte die Bewegung als eine Form des „neuen Humanismus“ verstanden werden ‚, die das spirituelle Leben des Menschen zu vermitteln versuchte. Es reflektierte die tiefe buchstäbliche Unruhe 1900, reflektiert in zeitgenössischen literarischen Quellen, über die Zerstörung des traditionellen Vertrauensverhältnisses zwischen Mensch und Welt.

Der Expressionismus wurde vor dem Ersten Weltkrieg als avantgardistischer Stil entwickelt. Es blieb während der Weimarer Republik, besonders in Berlin populär. Der Stil erstreckte sich auf eine breite Palette der Künste, einschließlich expressionistischer Architektur, Malerei, Literatur, Theater, Tanz, Film und Musik.

Der Begriff weist manchmal auf Angst hin. In einem allgemeinen Sinn werden Maler wie Matthias Grünewald und El Greco manchmal als expressionistisch bezeichnet, obwohl der Begriff hauptsächlich auf Werke des 20. Jahrhunderts angewendet wird. Die expressionistische Betonung der individuellen Perspektive wurde als Reaktion auf den Positivismus und andere künstlerische Stile wie Naturalismus und Impressionismus charakterisiert.

Definition
Der Übergang vom 19. zum 20. Jahrhundert brachte zahlreiche politische, soziale und kulturelle Veränderungen mit sich: Auf der einen Seite bedeutete das Scheitern der Pariser Kommune den politischen und wirtschaftlichen Aufschwung der Bourgeoisie, die in den letzten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts lebte Englisch: www.db-artmag.de/2003/12/e/1/116-2.php Der Glanz der Moderne, die sich in der Moderne widerspiegelt, steht im Zeichen des Luxus und der Prachtentfaltung der neuen herrschenden Klasse. Die revolutionären Prozesse seit der Französischen Revolution und die Angst, wiederholt zu werden, führten jedoch dazu, dass die politischen Klassen eine Reihe von Zugeständnissen machten, wie Arbeitsreformen, Sozialversicherung und obligatorische Grundbildung. So entstand der Niedergang des Analphabeten zu einer Zunahme der Medien und eine größere Verbreitung kultureller Phänomene, die eine größere Reichweite und Schnelligkeit der Verbreitung erreichten, und die „Massenkultur“.

Auf der anderen Seite führten die technischen Fortschritte, insbesondere im Bereich der Kunst, das Auftauchen von Fotografie und Kino, dazu, dass die Künstlerin die Funktion ihrer Arbeit in Betracht zog, die nicht mehr darin bestand, die Realität zu imitieren, da die neuen Techniken dies in einer objektiver, einfacher und reproduzierbarer Weg. Auch neue wissenschaftliche Theorien führten die Künstler dazu, die Objektivität der von uns wahrgenommenen Welt in Frage zu stellen: Die Relativitätstheorie von Einstein, die Psychoanalyse von Freud und die Subjektivität der Zeit von Bergson provozierten, dass der Künstler sich von der Realität entfernt. So führte die Suche nach neuen künstlerischen Sprachen und neuen Ausdrucksformen zur Entstehung der Bewegungen von ‚Vanguard‘, die eine neue Beziehung zwischen dem Künstler und dem Betrachter repräsentierten: Avantgardistische Künstler versuchten, Kunst mit dem Leben, mit der Gesellschaft, zu verbinden ihre Arbeit zum Ausdruck des kollektiven Unbewussten der Gesellschaft machen, das sie repräsentiert. Gleichzeitig bewirkt die Interaktion mit dem Betrachter, dass diese an der Wahrnehmung und dem Verständnis des Werks sowie an seiner Diffusion und Merkantisierung beteiligt ist wird zu einer Zunahme der Galerien von Kunst und Museen führen.

Der Expressionismus ist Teil der sogenannten historischen Avantgarde, also jener, die aus den ersten Jahren des 20. Jahrhunderts in der Atmosphäre vor dem Ersten Weltkrieg und dem Ende des Zweiten Weltkriegs hervorgegangen sind. Diese Bezeichnung umfasst auch Fauvismus, Kubismus, Futurismus, Konstruktivismus, Neoklastizismus, Dadaismus, Surrealismus usw. Die Avantgarde ist eng mit dem Konzept der Moderne verbunden, das durch das Ende des Determinismus und die Vorherrschaft der Religion gekennzeichnet ist, ersetzt durch Vernunft und Wissenschaft, Objektivismus und Individualismus, Vertrauen in Technologie und Fortschritt, in die eigenen Fähigkeiten des Menschen. So versuchen die Künstler, sich an die Spitze des sozialen Fortschritts zu stellen, um durch ihre Arbeit die Evolution des zeitgenössischen Menschen auszudrücken.

Der Ausdruck Expressionismus wurde zum ersten Mal von dem französischen Maler Julien-Auguste Hervé verwendet, der sich auf den Expressionismus bezog, um eine Reihe von Gemälden zu bezeichnen, die 1901 im Pariser Saal der Independents präsentiert wurden, im Gegensatz zum Impressionismus. Der deutsche Begriff Expressionismus wurde direkt aus dem Französischen übernommen, wie der Ausdruck auf Deutsch ausdrückt – und wurde 1911 erstmals im Katalog der XXII. Ausstellung der Secession von Berlin verwendet, der sowohl Werke deutscher als auch französischer Künstler umfasste. In der Literatur wurde er 1911 erstmals vom Kritiker Kurt Hiller angewandt. Später wurde der Begriff Expressionismus von der Schriftstellerin Herwarth Walden, Herausgeber der Zeitschrift Der Sturm, verbreitet, die zum wichtigsten Verbreitungszentrum des deutschen Expressionismus wurde. Walden verwendete den Begriff zunächst auf alle Avantgarden, die zwischen 1910 und 1920 entstanden waren. Die Verwendung des Ausdrucks Expressionismus, der ausschließlich mit der deutschen Avantgarde verbunden war, war die Idee von Paul Fechter in seinem Buch Der Expressionismus (1914) Nach den Theorien von WorringerRelate die neuen künstlerischen Manifestationen als Ausdruck der deutschen kollektiven Seele.

Der Expressionismus entstand als Reaktion auf den Impressionismus: Die Impressionisten planten auf der Leinwand einen „Eindruck“ der umgebenden Welt, eine einfache Reflexion der Sinne, die Expressionisten sollten ihre innere Welt widerspiegeln, ein „Ausdruck“ ihrer eigenen Gefühle . So benutzen die Expressionisten die Linie und die Farbe in einer temperamentvollen und emotionalen Art, mit starkem symbolischem Inhalt. Diese Reaktion auf den Impressionismus bedeutete einen starken Bruch mit der Kunst, die von der vorhergehenden Generation geschaffen wurde, und wandelte den Expressionismus im frühen zwanzigsten Jahrhundert in ein Synonym für moderne Kunst um. Der Expressionismus implizierte einen neuen Kunstbegriff, verstanden als eine Möglichkeit, die Existenz zu erfassen, Bilder in das Substrat zu übersetzen, das unter der scheinbaren Realität existiert und die unveränderliche und ewige Natur des Menschen und der Natur widerspiegelt. Der Expressionismus war also der Ausgangspunkt eines Prozesses der Transmutation der Wirklichkeit, der sich im abstrakten Expressionismus und Informalismus kristallisierte. Expressionisten nutzten die Kunst als eine Möglichkeit, ihre Gefühle, ihre Stimmung, die allgemein zu Melancholie, Beschwörung, zu einem neoromantischen Dekadenz neigt, zu reflektieren. So war die Kunst eine katharische Erfahrung, die die geistigen Mängel, die Angst des Künstlers, läuterte.

In der Genese des Expressionismus war die Ablehnung des Positivismus, des wissenschaftlichen Fortschritts, des Glaubens an die unbegrenzten Möglichkeiten des Menschen auf der Grundlage von Wissenschaft und Technologie ein fundamentaler Faktor. Stattdessen entstand ein neues Klima von Pessimismus, Skepsis, Unmut, Kritik, Verlust von Werten. Es gab eine Krise in der menschlichen Entwicklung, die durch den Ausbruch des Ersten Weltkriegs effektiv bestätigt wurde. Bemerkenswert ist auch, dass in Deutschland das imperialistische Regime Wilhelms II. Von einer intellektuellen Minderheit abgelehnt wurde, die vom Militarismus pangermanista Kaiser ertränkt wurde. Diese Faktoren begünstigten eine Kulturbrühe, in der der Expressionismus allmählich wuchs, deren erste Manifestationen auf dem Gebiet der Literatur hervorgebracht wurden: Frank Wedekind verurteilte die bürgerliche Moral in seinen Werken, gegen die er leidenschaftliche Instinktfreiheit ablehnte; Georg Trakl wurde von der Realität weggenommen und flüchtete sich in eine vom Künstler geschaffene geistige Welt; Heinrich Mann war derjenige, der am unmittelbarsten die Guillermin-Gesellschaft anprangerte.

Die Entstehung des Expressionismus in einem Land wie Deutschland war kein zufälliges Ereignis, sondern wurde durch die tiefgründige Studie über die Kunst im 19. Jahrhundert durch deutsche Philosophen, Künstler und Theoretiker, durch die Romantik und zahlreiche Beiträge auf dem Gebiet der Ästhetik der Charaktere erklärt wie Wagner und Nietzsche, zur Kulturästhetik und zum Werk von Autoren wie Konrad Fiedler (Über die Wertschätzung von Werken der bildenden Kunst, 1876), Theodor Lipps (Ästhetik, 1903-1906) und Wilhelm Worringer (Abstraktion und Empathie, 1908) ). Diese theoretische Strömung hinterließ bei den deutschen Künstlern des späten neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhunderts einen starken Schub und konzentrierte sich hauptsächlich auf die Notwendigkeit, sich vom Künstler auszudrücken (innerer Drang oder innere Notwendigkeit, ein Prinzip, das ich später Kandinski annahm), sowie die Entdeckung eines Bruches zwischen dem Künstler und der Außenwelt, der ihn umgebenden Umwelt, die ihn zu einem introvertierten und entfremdeten Wesen der Gesellschaft macht. Es beeinflusste auch den Wandel, der im kulturellen Umfeld der Zeit entstanden ist, die sich vom griechisch-römischen klassischen Geschmack zu populären, primitiven und exotischen Kunstformen – vor allem Afrika, Ozeanien und Fernost – sowie Kunst medievals und der Kunst des Künstler wie Grünewald, Brueghel und El Greco.

In Deutschland war der Expressionismus eher ein theoretisches Konzept, ein ideologischer Vorschlag als ein kollektives künstlerisches Programm, obwohl ein stilistisches Siegel, das allen Mitgliedern gemeinsam ist, geschätzt wird. Angesichts des in den offiziellen Kunstzentren herrschenden Akademismus gruppierten sich die Expressionisten um mehrere Zentren zur Verbreitung der neuen Kunst, insbesondere in Städten wie Berlin, Köln, München, Hannover und Dresden. Seine Verbreitung durch Publikationen, Galerien und Ausstellungen trug jedoch dazu bei, den neuen Stil in ganz Deutschland und später in ganz Europa zu verbreiten. Es war eine heterogene Bewegung, die neben der Mannigfaltigkeit ihrer Manifestationen, die in verschiedenen Sprachen und künstlerischen Medien realisiert wurden, zahlreiche Unterschiede und sogar Widersprüche in sich trug, mit großer stilistischer und thematischer Divergenz zwischen den verschiedenen Gruppen, die während der Zeit entstanden waren. und sogar zwischen denselben Künstlern, die sie integriert haben. Selbst die chronologischen und geografischen Grenzen dieser Strömung sind ungenau: Obwohl die erste expressionistische Generation (Die Brücke, Der Blaue Reiter) die emblematischste war, vermutete die neue Objektivität und der Export der Bewegung in andere Länder ihre Kontinuität in der Zeit zumindest bis Zweiter Weltkrieg; geographisch, obwohl das Nervenzentrum dieses Stils in Deutschland lag, erstreckte es sich bald auf andere europäische Länder und Enden des amerikanischen Kontinents.

Nach dem Ersten Weltkrieg ging der Expressionismus in Deutschland an die Malerei im Kino und Theater über, die den expressionistischen Stil in der Szenerie verwendete, aber rein ästhetisch, ohne ihre ursprüngliche Bedeutung, das Reißen der expressionistischen Maler, die paradoxerweise wurden böswillige Künstler. Mit dem Aufkommen des Nationalsozialismus wurde der Expressionismus als „Entartete Kunst“ betrachtet, in Verbindung gebracht mit dem Kommunismus und als unmoralisch und subversiv bezeichnet, gleichzeitig aber auch, dass seine Hässlichkeit und künstlerische Minderwertigkeit ein Zeichen für den Niedergang der Kunst waren moderne Kunst. 1937 wurde am Hofgarten in München eine Ausstellung mit dem Titel „Entartete Kunst“ organisiert, um sie zu verraten und der Öffentlichkeit die geringe Qualität der in der Republik Weimar hergestellten Kunst zu zeigen. Zu diesem Zweck wurden rund 16.500 Werke aus verschiedenen Museen, darunter nicht nur deutsche Künstler, sondern auch Ausländer wie Gauguin, Van Gogh, Munch, Matisse, Picasso, Braque, Chagall etc. beschlagnahmt. Die meisten dieser Werke wurden später an Galeristen und Kaufleute verkauft, insbesondere bei einer großen Versteigerung in Luzern im Jahr 1939, obwohl im März 1939 etwa 5.000 dieser Werke direkt zerstört wurden, was der deutschen Kunst erheblichen Schaden zufügte.

Nach dem Zweiten Weltkrieg verschwand der Expressionismus als Stil, obwohl er einen starken Einfluss auf viele künstlerische Strömungen in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts ausübte, wie den amerikanischen abstrakten Expressionismus (Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning), den Informalismus Fautrier, Jean Dubuffet), die CoBrA – Gruppe (Karel Appel, Asger Jorn, Corneille, Pierre Alechinsky) und NeoexpressionismusDeutsch – zu Recht von den Künstlern Die Brücke und Der Blaue Reiter übernommen, was in seinem Namen deutlich wird – und einzelne Künstler wie Francis Bacon, Antonio Saura, Bernard Büfett, Nicolas de Staël, Horst Antes usw.

Ursprünge und Einflüsse
Obwohl die in Deutschland zu Beginn des 20. Jahrhunderts entwickelte künstlerische Bewegung vor allem durch den Expressionismus bekannt ist, verwenden viele Historiker und Kunstkritiker diesen Begriff in einer allgemeineren Weise, um den Stil einer Vielzahl von Künstlern in der gesamten Geschichte zu beschreiben. Verstanden als die Deformation der Wirklichkeit auf der Suche nach einem emotionaleren und subjektiveren Ausdruck von Natur und Mensch, wird der Expressionismus zu jeder Zeit und jedem geographischen Raum extrapoliert. So wurde die Arbeit mehrerer Autoren wie Hieronymus Bosch, Matthias Grünewald, Quentin Metsys, Pieter Brueghel el Vell, oft als expressionistisch beschrieben, Francisco de Goya, Honoré Daumier, etc.

Die Wurzeln des Expressionismus liegen in Stilen wie Symbolismus und Post-Impressionismus, aber auch in Nabis und Künstlern wie Paul Cézanne, Paul Gauguin und Vincent Van Gogh. Sie haben jedoch Berührungspunkte mit Neo-Impressionismus und Fauvismus für ihre Experimente mit Farbe. Die Expressionisten erhielten zahlreiche Einflüsse: zuerst der mittelalterlichen Kunst, vor allem der Gotik. Von religiöser Bedeutung und transzendentalem Charakter betonte mittelalterliche Kunst den Ausdruck, nicht in den Formen: Die Figuren hatten wenig Körperlichkeit, verlorenes Interesse an der Wirklichkeit, Proportionen, Perspektive. Stattdessen betonte er den Ausdruck, besonders das Aussehen: Die Charaktere wurden mehr symbolisiert als dargestellt. So inspirierten die Expressionisten die Hauptkünstler der deutschen Gotik, die von zwei Grundschulen entwickelt wurden: dem internationalen Stil (Ende 14. – 1. Hälfte des 15. Jahrhunderts), vertreten durch Conrad Soest und Stefan Lochner; und der Flamenco-Stil (zweite Hälfte des 15. Jahrhunderts), entwickelt von Konrad Witz, Martin Schongauer und Hans Holbein el Vell. Sie inspirierten auch die deutsche gotische Skulptur, die für ihre große Ausdruckskraft bekannt war, mit Namen wie Veit Stoss und Tilman Riemenschneider. Ein weiterer Bezugspunkt war Matthias Grünewald, ein spätmittelalterlicher Maler, der sogar die Innovationen der Renaissance kannte, die in einer persönlichen Linie durch emotionale Intensität, eine expressive formale Verzerrung und eine intensive bunte Glühlampe, wie in seinem Meisterwerk, dem Altar von Issenheim.

Eine weitere Referenz der expressionistischen Kunst war die primitive Kunst, besonders die von Afrika und Ozeanien, die seit dem Ende des 19. Jahrhunderts von ethnographischen Museen verbreitet wurde. Die künstlerischen Avantgarden fanden in der primitiven Kunst eine größere Ausdrucksfreiheit, Originalität, neue Formen und Materialien, eine neue Auffassung von Volumen und Farbe, sowie eine größere Transzendenz des Objekts, da sie in diesen Kulturen keine einfachen Werke von Kunst, aber hatte einen religiösen, magischen, totemischen, Votiv-, Luxus-Zweck, etc. Sie sind Objekte, die eine direkte Kommunikation mit der Natur, sowie mit spirituellen Kräften, mit Kulten und Ritualen, ohne Vermittlung oder Interpretation ausdrücken.

Aber seine größte Inspiration kam vom Post-Impressionismus, besonders von der Arbeit dreier Künstler: Paul Cézanne, der einen Prozess der Defragmentierung der Realität in geometrischen Formen begann, der zum Kubismus führte, Formen zu Zylindern, Kegeln und Kugeln reduzierte und das Volumen auslöste die wichtigsten Punkte der Zusammensetzung. Layered Farbe, überlappende Farben mit anderen, ohne Linien zu verwenden, mit Flecken arbeiten. Er verwendete keine Perspektive, aber die Überlagerung von warmen und kalten Tönen gab ein Gefühl von Tiefe. Der zweite Paul Gauguin, der eine neue Auffassung zwischen der Bildfläche und der Tiefe des Gemäldes schuf, mit flachen und willkürlichen Farben, die einen symbolischen und dekorativen Wert haben, mit schwer einzustufenden Szenen zwischen Realität und einer traumhaften und magischen Welt. Sein Aufenthalt in Tahiti führte dazu, dass sein Werk zu einem gewissen Primitivismus führte, der von der Kunst des Ozeans beeinflusst war und die Innenwelt des Künstlers widerspiegelte, anstatt die Realität nachzuahmen. Zuletzt Vincent Van Gogh, der sein Werk nach Erhebungskriterien ausgearbeitet hat, charakterisiert durch den Mangel an Perspektive, die Instabilität von Objekten und Farben, die Willkürmissbrauch, ohne die Wirklichkeit nachzuahmen, sondern aus dem Inneren des „Künstler wegen ihr“ Englisch: www.mjfriendship.de/en/index.php?op…=view&id=167 Ihre zerbrechliche psychische Gesundheit spiegelt ihre Stimmung, Depressionen und Folterungen wider, die sich in sinuous Pinselstrichen und gewaltvollen Farben widerspiegeln.

Zu erwähnen ist schließlich der Einfluss zweier Künstler, den die Expressionisten als unmittelbare Präzedenzfälle ansahen: Der norwegische Edvard Munch, der zu Beginn von Impressionismus und Symbolismus beeinflusst wurde, führte bald zu einem persönlichen Stil, der sein besessenes und gequältes Inneres widerspiegelte. mit Szenen einer bedrückenden und rätselhaften Umgebung, die sich auf Sex, Krankheit und Tod konzentriert, gekennzeichnet durch die Windung der Komposition und eine starke und willkürliche Farbe. Die zornigen und verzweifelten Bilder von Munch-com The Cry (1893), Paradigma der Einsamkeit und der mangelnden Kommunikation, waren einer der Hauptpunkte des Beginns des Expressionismus. Ebenso einflussreich war das Werk des Belgiers James Ensor, der die große künstlerische Tradition seines Landes – insbesondere Brueghel – mit Vorliebe für volkstümliche Themen aufgriff und sie in rätselhafte und respektlose Szenen von absurder und burlesker Art umsetzte ein Sinn für Humor, sauer und ätzend, zentriert in Figuren von Wanderern, Trunkenbolde, Skelette, Masken und Karnevalszenen. So stellt der Eingang Christi nach Brüssel (1888) die Passion Jesu inmitten eines Karnevalsumzuges dar, ein Werk, das damals einen großen Skandal auslöste.

In anderen Künsten
Die expressionistische Bewegung umfasste andere Arten von Kultur, einschließlich Tanz, Skulptur, Kino und Theater.

Tanzen
Der Tanzexpressionist entstand im Kontext des neu eingeführten Innovations-Pioniergeistes und spiegelte sich als weitere künstlerische Manifestationen einer neuen Art des künstlerischen Ausdrucksverständnisses wider. Wie in den anderen künstlerischen Disziplinen bedeutete der expressionistische Tanz einen Bruch mit der Vergangenheit, in diesem Fall mit dem klassischen Ballett, auf der Suche nach neuen Ausdrucksformen, die auf der Freiheit der Körperhaltung beruhten, die von metrischen und rhythmischen Bändern befreit wurde -Ausdruck und die Beziehung zum Raum werden relevanter. Parallel zu der in der expressionistischen Kunst vor allem in der Brücke vorgebrachten FKK-Behauptung beanspruchte der expressionistische Tanz körperliche Freiheit, während Freuds neue psychologische Theorien gleichzeitig eine stärkere Selbstbeobachtung des Künstlers beeinflussten. Künstler, der in einen Versuch des Tanzes übersetzt wurde, das Innere auszudrücken, den Menschen von den Repressionen zu befreien.

Der expressionistische Tanz fiel mit dem Blauen Reiter in sein spirituelles Weltbild und versuchte, das Wesen der Wirklichkeit einzufangen und zu transzendieren. Sie lehnten den klassischen Schönheitsbegriff ab, und dies drückt sich in einer abrupteren und raueren Dynamik als im klassischen Tanz aus. Gleichzeitig akzeptierten sie den negativsten Aspekt des Menschen, der sich in sein Unbewusstes unterwarf, aber Teil seines Unauflösbaren war. Der expressionistische Tanz verhinderte nicht, den dunkelsten Ort des Individuums, seine Zerbrechlichkeit, sein Leiden, seinen Unglauben zu zeigen. Dies äußert sich in einer stärker kontrahierten Körperlichkeit, in einer Ausdruckskraft, die den ganzen Körper einschließt, oder sogar in der Vorliebe, barfuß zu tanzen, was ein größerer Kontakt mit der Realität, mit der Natur ist.

Der expressionistische Tanz wurde auch expressiver Tanz und abstrakter Tanz genannt, weil er eine Befreiung der Bewegung bedeutete, weit entfernt von der Metrik und dem Rhythmus, parallel zur Aufgabe der Figuration durch die Malerei, gleichzeitig mit dem Anspruch, sich durch Bewegungsideen auszudrücken oder Zustände des Geistes fielen mit dem Begriff spirituelle Arbeit abstrakt Kandinsky zusammen. Die unausweichliche Präsenz des menschlichen Körpers provozierte trotz allem einen gewissen Widerspruch in der Bezeichnung einer „abstrakten“ Strömung innerhalb des Tanzes.

Rudolf von Laban war ein Theoretiker der Bewegung, der ein System schuf, das Körper und Seele zu integrieren suchte, die Energie, die von den Körpern ausging, betonte und die Bewegung und ihre Beziehung zum Raum analysierte. Die Beiträge von Laban erlaubten den Tänzern eine neue Multidirektionalität in Bezug auf den umgebenden Raum, während sich die Bewegung aus dem Rhythmus befreite und der Stille die gleiche Bedeutung einräumte wie der Musik. Laban versuchte auch, der Schwerkraft zu entkommen, indem er bewusst den Verlust des Gleichgewichts suchte. Er versuchte jedoch, sich vom starren Aspekt des klassischen Balletts zu entfernen, indem er die dynamische und natürliche Bewegung des Tänzers förderte.

Skulptur
Der skulpturale Expressionist hatte keinen gemeinsamen stilistischen Stempel und war das Produkt mehrerer einzelner Künstler, die über ihre Arbeit oder thematische oder formale Verzerrung, die für den Expressionismus charakteristisch ist, reflektieren. Insbesondere gibt es drei Namen:

Ernst Barlach: Inspiriert von der russischen Volkskunst – nach einem Ausflug in das slawische Land 1906 – und der deutschen mittelalterlichen Skulptur, sowie Brueghel und Bosch, haben seine Arbeiten eine gewisse Karikatur, arbeiten sehr an der Lautstärke, der Tiefe und der Tiefe Artikulation der Bewegung. Er entwickelte zwei Hauptthemen: das Volk (Alltagssitten, Bauernszenen) und vor allem nach dem Krieg Angst, Angst und Schrecken. Er imitierte die Realität nicht, sondern schuf eine neue Realität, die mit gebrochenen Linien und Winkeln spielt, mit Anatomien, die vom Naturalismus distanziert sind und zur Geometrie neigen. Er arbeitete vorzugsweise in Holz und Gips, der manchmal später zur Bronze überging. Zu seinen Werken zählen: El Fugitivo (1920-1925), El Venjador (1922), La muerte en la vida (1926), El flautista (1928), El Bebedor (1933), Vella fredolica (1939) usw.
Wilhelm Lehmbruck: In Paris ausgebildet, hat seine Arbeit einen ausgeprägten klassizistischen Charakter, wenngleich deformiert und stilisiert, mit einer starken introspektiven und emotionalen Belastung. Während seiner Ausbildung in Düsseldorf entwickelte er sich von einem Naturalismus sentimentaler Wurzeln, über einen barocken Dramatismus mit Einfluss von Rodin bis hin zu einem von Meunier beeinflussten Realismus. 1910 ließ er sich in Paris nieder, wo er Maillols Einfluss beschuldigte. Schließlich, nach einer Italienreise 1912, begann eine größere Geometrie und Stilisierung der Anatomie, mit mittelalterlichem Einfluss in der Ausdehnung der Figuren (Kniende Frau, 1911; Junger Mann im Stehen, 1913).
Käthe Kollwitz: Die Ehefrau eines Arztes aus einer armen Berliner Nachbarschaft kannte das menschliche Elend, das sie tief geprägt hat. Englisch: www.db-artmag.de/2003/11/e/2/99-2.php Seine Arbeit ist sozialdemokratisch und feministisch und hat eine ausgeprägte soziale Komponente: Skulpturen, Lithographien und Radierungen, die sich durch seine Grausamkeit auszeichnen: Der Aufstand der Weber (1907-1908), Der Krieg der Bauern (1902-1908), Huldigung an Karl Liebknecht (1919-1920).

Kino
Der Expressionismus erreichte das Kino erst im Ersten Weltkrieg, als er als künstlerische Strömung praktisch verschwunden war und durch die Neue Sachlichkeit ersetzt wurde. Die emotionale Expressivität und formale Verzerrung des Expressionismus hatte jedoch eine perfekte Übersetzung der kinematographischen Sprache, insbesondere dank des Beitrags des expressionistischen Theaters, dessen Bühneninnovationen mit großem Erfolg dem Kino angepasst wurden. Das expressionistische Kino durchlief mehrere Stadien: Vom reinen Expressionismus – manchmal auch Kaustizismus genannt – ging er zu einer gewissen Neoromantik (Murnau) und von diesem zum kritischen Realismus (Pabst, Siodmak, Lupu Pick), um Langs Synkretismus und den idealistischen Naturalismus zu beenden von Kammerspielfilm. Zu den wichtigsten expressionistischen Regisseuren zählen Leopold Jessner, Robert Wiene, Paul Wegener, Friedrich Wilhelm Murnau, Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst, Paul Leni, Josef von Sternberg, Ernst Lubitsch, Lupu Pick, Robert Siodmak, Arthur Robison und Ewald André Dupont.

Das expressionistische Kino hat dem Bildschirm einen subjektiven Stil aufgezwungen, der in den Bildern eine expressive Deformation der Wirklichkeit, dramatisch übersetzt durch die Verzerrung der Szenerie, des Makeups usw., und die daraus folgende Wiederbelebung terroristischer Atmosphären oder zumindest beunruhigend darstellt. Das expressionistische Kino zeichnet sich dadurch aus, dass es zur Symbolik der Formen zurückkehrt, die mit der Unterstützung verschiedener plastischer Elemente bewusst verzerrt werden. Die expressionistische Ästhetik nahm Themen wie Fantasy und Terror auf, eine moralische Widerspiegelung des negativen sozialen und politischen Ungleichgewichts, das die Weimarer Republik über diese Jahre bewegte. Mit starkem Einfluss der Romantik spiegelte das expressionistische Kino eine Vision der individuellen Charakteristik der Seele „faustischer“ Deutscher wider: Er zeigte die doppelte menschliche Natur, seine Faszination für das Böse, die Todesfolge der Schicksalsmacht, auf die hingewiesen werden kann Als expressionistisches Kino zielt es darauf ab, durch Linien, Formen oder Volumen die Mentalität der Charaktere, ihre Stimmung, ihre Absichten symbolisch so zu übersetzen, dass die Dekoration als plastische Übersetzung seines Dramas erscheint. Diese Symbolik erhebt sich mehr oder weniger bewusste psychische Reaktionen, die den Geist des Betrachters leiten.

Literatur

Zeitschriften
Zwei führende expressionistische Zeitschriften, die in Berlin erschienen, waren Der Sturm, herausgegeben von Herwarth Walden ab 1910, und Die Aktion, die erstmals 1911 erschien und von Franz Pfemfert herausgegeben wurde. Der Sturm veröffentlichte Gedichte und Prosa von Autoren wie Peter Altenberg, Max Brod, Richard Dehmel, Alfred Döblin, Anatole France, Knut Hamsun, Arno Holz, Karl Kraus, Selma Lagerlöf, Adolf Loos, Heinrich Mann, Paul Scheerbart und René Schickele, und Schriften, Zeichnungen und Drucke von Künstlern wie Kokoschka, Kandinsky und Mitgliedern des Blauen Reiter.

Theater
Oskar Kokoschkas Theaterstück „Mörder, die Hoffnung der Frau“ von 1909 wird oft als das erste expressionistische Drama bezeichnet. Darin kämpfen ein namenloser Mann und eine unbekannte Frau um die Vorherrschaft. Der Mann brandmarkt die Frau; sie sticht und inhaftiert ihn. Er befreit sich und sie fällt tot bei seiner Berührung. Als das Stück endet, schlachtet er um ihn herum (in den Worten des Textes) „wie Moskitos“. Die extreme Vereinfachung der Charaktere zu mythischen Typen, Chöreffekte, deklamatorischer Dialog und erhöhte Intensität wurden alle für spätere Expressionistenspiele charakteristisch. Der deutsche Komponist Paul Hindemith schuf eine Opernversion dieses Stücks, das 1921 uraufgeführt wurde.

Der Expressionismus prägte das deutsche Theater des frühen 20. Jahrhunderts, von dem Georg Kaiser und Ernst Toller die berühmtesten Dramatiker waren. Weitere bemerkenswerte expressionistische Dramatiker waren Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn und Arnolt Bronnen. Wichtige Vorläufer waren der schwedische Dramatiker August Strindberg und der deutsche Schauspieler und Dramatiker Frank Wedekind. In den 1920er Jahren genoss der Expressionismus eine kurze Periode der Popularität im amerikanischen Theater, einschließlich Theaterstücken von Eugene O’Neill (Der behaarte Affe, Der Kaiser Jones und Der Große Gott Brown), Sophie Treadwell (Machinal) und Elmer Rice (The Adding Machine) .

Poesie
Der lyrische Expressionist entwickelte in den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg ein weites und vielfältiges Thema, das sich hauptsächlich auf die urbane Realität konzentrierte, aber auch den Respekt vor der traditionellen Poesie, die Ästhetik der hässlichen, bösen, deformierten, grotesken, apokalyptischen, desolaten neue Ausdrucksform der expressionistischen Sprache. Die neuen Themen, die deutsche Dichter behandeln, sind das Leben in der Großstadt, Einsamkeit und fehlende Kommunikation, Wahnsinn, Entfremdung, Angst, existenzielle Leere, Krankheit und Tod, Sex und die Vorahnung eines Krieges. Einige dieser Autoren, die sich des Niedergangs der Gesellschaft und ihres Erneuerungsbedürfnisses bewusst waren, benutzten eine prophetische, idealistische, utopische Sprache, einen gewissen Messianismus, der sich für eine neue Bedeutung des Lebens, eine Erneuerung des Menschen, eine größere universale Brüderlichkeit einsetzte.

Stilistisch ist die expressionistische Poesiesprache prägnant, durchdringend, nackt, mit einem pathetischen und trostlosen Ton und setzt kommunikative Ausdruckskraft ohne linguistische oder syntaktische Regeln. Sie suchten das Wesentliche der Sprache, befreiten das Wort, akzentuierten die rhythmische Stärke der Sprache durch sprachliche Deformation, die Substantivierung von Verben und Adjektiven und die Einführung von Neologismen. Sie behalten jedoch die traditionelle Metrik und den Reim, und das Sonett ist eines ihrer Hauptmittel der Komposition, obwohl sie auch auf freien Rhythmus und stanzapolymmetrische zurückgreifen. Ein weiterer Effekt der dynamischen expressionistischen Sprache war die Gleichzeitigkeit, die Wahrnehmung von Raum und Zeit als etwas Subjektives. heterogen, atomisiert, unverbunden, eine gleichzeitige Darstellung von Bildern und Ereignissen. Die wichtigsten expressionistischen Dichter waren Franz Werfel, Georg Trakl, Gottfried Benn, Georg Heym, Johannes R. Becher, Else Lasker-Schüler, Ernst Stadler, Jakob van Hoddis und August Stramm. Der Expressionismus übte jedoch einen großen Einfluss auf das Werk von Rainer Maria Rilke aus.

Prosa
In der Prosa sind die frühen Geschichten und Romane von Alfred Döblin vom Expressionismus beeinflusst, Franz Kafka wird manchmal als Expressionist bezeichnet. Einige weitere Autoren und Werke, die als Expressionisten bezeichnet wurden, sind:

Musik
Der Ausdruck Expressionismus „wurde wahrscheinlich zuerst 1918 auf Musik angewandt, besonders auf Schönberg“, weil er wie der Maler Kandinsky „traditionelle Formen der Schönheit“ vermied, um starke Gefühle in seiner Musik zu vermitteln. Arnold Schönberg, Anton Webern und Alban Berg, die Mitglieder der Zweiten Wiener Schule, sind wichtige Expressionisten (Schönberg war auch ein expressionistischer Maler). Weitere Komponisten, die mit dem Expressionismus in Verbindung gebracht wurden, sind Krenek (die Zweite Symphonie), Paul Hindemith (Die junge Jungfrau), Igor Strawinsky (Japanische Lieder), Alexander Scriabin (Klaviersonaten) (Adorno 2009, 275). Ein weiterer bedeutender Expressionist war Béla Bartók in frühen Werken, die im zweiten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts geschrieben wurden, wie Blaubarts Schloss (1911), Der hölzerne Prinz (1917) und Der wunderbare Mandarin (1919). Wichtige Vorläufer des Expressionismus sind Richard Wagner (1813-83), Gustav Mahler (1860-1911) und Richard Strauss (1864-1949).

Theodor Adorno beschreibt den Expressionismus als Auseinandersetzung mit dem Unbewussten und stellt fest, dass „die Schilderung der Angst im Zentrum steht“ expressionistischer Musik, wobei Dissonanz vorherrscht, so dass das „harmonische, affirmative Element der Kunst verbannt“ wird (Adorno 2009, 275- 76). „Erwartung und die glückliche Hand“ von Schönberg und Wozzeck, eine Oper von Alban Berg (nach dem Stück Woyzeck von Georg Büchner), sind Beispiele expressionistischer Werke. Wenn man eine Analogie aus Gemälden zieht, kann man die expressionistische Maltechnik als die Verzerrung der Realität (meist Farben und Formen) beschreiben, um für das jeweilige Gemälde insgesamt einen alptraumhaften Effekt zu erzeugen. Die expressionistische Musik macht ungefähr dasselbe, wo die dramatisch erhöhte Dissonanz eine albtraumhafte Atmosphäre schafft.

Die Architektur
In der Architektur werden zwei spezifische Gebäude als Expressionisten identifiziert: Bruno Tauts Glaspavillon der Kölner Werkbundausstellung (1914) und Erich Mendelsohns Einsteinturm in Potsdam, Deutschland, vollendet im Jahr 1921. Das Innere von Hans Poelzigs Berliner Theater (Großes Schauspielhaus), entworfen für den Regisseur Max Reinhardt, wird auch manchmal zitiert. Der einflussreiche Architekturkritiker und Historiker Sigfried Giedion hat in seinem Buch Space, Time and Architecture (1941) die expressionistische Architektur als Teil der Entwicklung des Funktionalismus abgetan. 1953 veröffentlichte der deutsche Emigrant Mathias Goeritz in Mexiko das Manifest „Arquitectura Emocional“ („Emotionale Architektur“), mit dem er erklärte, dass „die Hauptfunktion der Architektur Emotion ist“.Der moderne mexikanische Architekt Luis Barragán übernahm den Begriff, der seine Arbeit beeinflusste. Die beiden arbeiteten in dem Projekt Torres de Satélite (1957-58) zusammen, das von Goeritz ‚Prinzipien der Arquitectura Emocional geleitet wurde. Erst in den 1970er Jahren wurde der Expressionismus in der Architektur positiver bewertet.

Fotografie
Der Fotoexpressionist entwickelte sich hauptsächlich während der Weimarer Republik und war einer der Schwerpunkte der europäischen Avantgarde-Fotografie. Die neue deutsche Nachkriegsgesellschaft, die nach den Kriegskatastrophen quasi-utopisch den Wiederaufbau des Landes anstrebte, griff auf eine relativ neue Technik wie die Fotografie zurück, um mit der bürgerlichen Tradition zu brechen und ein neues soziales Modell auf der Grundlage der kolossalen Arbeit zwischen beiden aufzubauen soziale Klassen. Die Fotografie der 1920er Jahre war die Erbin der Antikriegs-Fotomontagen, die die Dadaisten während des Krieges schufen, und nutzten auch die Erfahrungen von Fotografen aus Osteuropa, die nach dem Krieg nach Deutschland kamen, was zur Ausarbeitung eines a Art der Fotografie von großer Qualität, sowohl technisch als auch künstlerisch.