표현주의는 처음에는 20 세기 초 독일에서 시작된시와 회화의 모더니스트 운동이었다. 그것의 전형적 특성은 전적으로 주관적인 관점에서 세상을 제시하고 기분이나 생각을 불러 일으킬 수 있도록 감정적 인 효과를 극적으로 왜곡하는 것입니다. 표현주의 예술가들은 물리적 현실보다는 감정적 경험의 의미를 표현하려고 노력했다.

표현주의는 1905 년에서 1920 년 사이에 번성했던 예술과 건축 분야의 국제 운동으로 특히 독일에서 문학, 음악, 무용, 연극으로 확대되었습니다. 이 용어는 원래 다양한 전위 예술 운동에 더 광범위하게 적용되었습니다 : 예를 들어 1910 년과 1912 년 런던에서의 전시회에서 Roger Fry가 사용한 ‘포스트 인상주의’의 대안으로 채택되었습니다. 또한 스칸디나비아에서 동시에 사용되었습니다 19 세기 말에 상징주의 자 (Symbolist)가 개발 한 미술에서의 표현주의 (Expressionism)와 유럽 예술의 표현적인 경향에 적용되는 예술가와 건축가의 특정 그룹에 점차 국한되어왔다. ‘고전적 표현주의’의 시대는 1905 년 Die Brucke라는 그룹의 설립으로 시작되어 1920 년에 끝났습니다. 학술 예술과 인상파에 대한 예술적 반응의 일부분 이었지만 운동은 새로운 인본주의의 한 형태로 이해되어야합니다 ‘는 인간의 영적 삶을 전하기 위해 노력했다. 그것은 현대 문학적 근원에 반영된 1900 년의 깊은 불안으로 인해 인간과 세계 사이의 전통적인 신뢰 관계가 파괴되었음을 반영했다.

표현주의는 제 1 차 세계 대전 이전에 아방가르드 스타일로 개발되었습니다. 바이마르 공화국, 특히 베를린에서 인기를 유지했습니다. 스타일은 표현주의 건축, 회화, 문학, 연극, 무용, 영화 및 음악을 포함하여 다양한 예술 분야로 확대되었습니다.

이 용어는 때로는 불안감을 암시합니다. 일반적으로 Matthias Grünewald와 El Greco와 같은 화가는 종종 20 세기 작품에 적용 되기는하지만 표현주의 자라고 불린다. 표현주의의 개별 관점에 대한 강조는 실증주의와 자연주의 및 인상주의와 같은 다른 예술적 스타일에 대한 반응으로 특징 지어졌습니다.

정의
19 세기에서 20 세기로의 전환은 수많은 정치적, 사회적 및 문화적 변화를 수반했다 : 한편으로는 파리 코뮌의 실패는 19 세기의 마지막 몇 십 년 동안 살았던 부르주아지의 정치 경제적 붐을 의미했다. 모더니즘에 반영된 위대한 화려 함의 순간, 새로운 지배 계급에 의해 펼쳐지는 명품과 과시의 봉사에 대한 예술 운동. 그러나 프랑스 혁명 이후 혁명적 인 과정과 다시 반복되는 것에 대한 두려움 때문에 정치 계급은 노동 개혁, 사회 보험 및 의무 기본 교육과 같은 일련의 양보를 이끌었다. 따라서 언론의 증가에 대한 비 테라 실화 (illiteracyled)의 쇠퇴와 보급의 도달과 신속성을 얻은 문화 현상의 더 큰 확산과 “대중 문화 (mass culture)”가 나타났다.

다른 한편으로, 예술 분야의 기술 발전, 사진과 영화의 출현은 예술가가 자신의 작품의 기능을 고려하게 만들었는데, 새로운 기술로 인해 현실을 모방하는 것이 더 이상 이루어지지 않았다. 보다 객관적이고 쉽고 재현 할 수있는 방법. 또한 새로운 과학 이론은 예술가들이 아인슈타인의 상대성 이론, 프로이트의 정신 분석, 그리고 베르그송 시대의 주체성이 예술가가 현실을 극복하도록 도발하게 만든 세계의 객관성에 의문을 제기하게했다. 따라서 새로운 예술적 언어와 새로운 형태의 표현에 대한 탐색은 예술가와 관람자 사이에 새로운 관계를 나타내는 ‘뱅가드’의 움직임의 출현을 요구했다. 전위 예술가들은 삶과 예술을 사회와 통합시키고 자했다. 그들의 작품을 표현하는 사회의 집단적 무의식의 표현으로 만든다. 동시에 시청자와의 상호 작용은이 작품이 그것의 확산과 상업화뿐만 아니라 작품에 대한 인식과 이해에 관여하도록한다. 미술관과 박물관의 증가로 이어질 것입니다.

표현주의는 소위 역사적 아방가르드의 일부로, 20 세기 초반, 1 차 세계 대전 이전의 대기 및 2 차 세계 대전의 끝에서 태어났다. 이 종파에는 또한 포비 즘, 큐비즘, 미래주의, 구성주의, 신기술, 다다이즘, 초현실주의 등이 포함됩니다. 선봉은 이성과 과학, 객관주의로 대체 된 결정론의 종말과 종교의 패권을 특징으로하는 근대성의 개념과 밀접하게 관련되어 있습니다 개인주의, 기술과 진보에 대한 신뢰, 인간의 능력에 대한 이해. 따라서 예술가들은 사회적 진보의 선두에 서서 현대 인간의 진화를 그들의 작업을 통해 표현하려고 노력한다.

표현주의라는 용어는 인상주의와는 달리 1901 년 파리의 독립 홀에서 발표 된 일련의 그림을 표현하기 위해 표현주의를 언급 한 프랑스 화가 Julien-Auguste Hervé에 의해 처음으로 사용되었습니다. 독일 용어 표현주의 (German term expressionismus)는 불어로부터 직접적으로 변형되었으며, 독일어로 표기된 표현은 1911 년 베를린 통치 분리전 (Class of Secession of 1911) 카탈로그에서 처음 사용되었습니다. 문학에서 그는 1911 년 쿠르트 힐러 (Kurt Hiller) 비평가가 처음으로 신청했습니다. 나중에, 표현주의라는 용어는 독일어 표현주의의 확산의 주된 중심이 된 잡지 인 Der Sturm (The Storm)의 편집자 인 Herwarth Walden에 의해 퍼져 나갔다. Walden은 처음에이 용어를 1910 년에서 1920 년 사이에 일어난 모든 아방가르드에 적용했다. 전위적인 독일 예술과 독점적으로 관련이있는 표현주의의 적용은 Paul Fechter의 저서 “Der Expressionismus”(1914)의 아이디어였다. Worringer의 이론에 따르면 독일의 집단적 영혼의 표현 인 새로운 예술적 표현을 연상시킨다.

표현주의는 인상주의에 대한 반응으로 나타났습니다. 인상파는 주변 세계의 “인상”, 감각의 단순한 반영, 내면을 반영하려는 표현주의, 자신의 감정 표현을 표현했습니다. . 따라서, expresionistas는 강한 상징적 인 내용과 함께 변덕스럽고 감정적 인 방식으로 선과 색을 사용합니다. 이 인상주의에 대한 반응은 이전 세대에 의해 창조 된 예술과의 강한 단절을 의미하고 20 세기 초반에 표현주의를 현대 미술의 동의어로 전환시켰다. 표현주의는 인간 존재와 자연의 불변하고 영원한 본질을 반영하면서 명백한 현실 아래에 존재하는 기저로 이미지를 번역하는 실재를 포착하는 방법으로 이해되는 새로운 예술 개념을 암시했다. 따라서, 표현주의는 추상 표현주의와 비공식적 인 것으로 결정화 된 현실의 변형의 과정의 출발점이었다. 표현주의자는 예술을 자신의 감정, 일반적으로 우울하고 기분을 상하게하는 기분을 신 낭만주의 퇴폐에 반영하는 한 방법으로 사용했습니다. 따라서 예술은 예술가의 분노 인 영적 결함을 정제 한 카타르시스의 경험이었다.

표현주의의 창시에서 근본적인 요인은 실증주의, 과학적 진보, 과학 기술에 바탕을 둔 인간의 무한한 가능성에 대한 믿음의 거부였다. 대신 비관론, 회의주의, 불만, 비판, 가치관 상실의 새로운 기후가 발생하기 시작했다. 제 1 차 세계 대전의 발발로 효과적으로 확인 된 인간 개발의 위기가있었습니다. 또한 독일에서 지적 소수파에 의한 빌헬름 2 세의 제국주의 정권을 거부하면서 군국주의에 휩싸인 파게 마니 스타 카이저가 익사했다. 이러한 요인들은 표현주의가 점차 커지고있는 문화재를 선호했다. 문명의 발현은 문학 분야에서 처음으로 나타났다 : Frank Wedekind는 자신의 작품에서 부르주아의 도덕성을 비난했다. Georg Trakl은 예술가가 창조 한 영적 세계에서 피난처가되는 현실에서 벗어났습니다. 하인리히 만 (Heinrich Mann)은 기 알민 (Guillermin) 사회를 직접 비난 한 사람입니다.

독일과 같은 나라에서의 표현주의의 출현은 무작위적인 사건이 아니었지만 19 세기의 독일 철학자, 예술가 및 이론가들에 의한 낭만주의와 다중 공헌으로부터의 예술에 대한 깊은 연구에 의해 설명되었다. 인물의 미학 분야 Wagner와 Nietzsche와 같은 문화 미학과 Konrad Fiedler (시각 예술 저작물에 대한 가치 평가, 1876), Theodor Lipps (Aesthetics, 1903- 1906), Wilhelm Worringer (Abstraction and Empathy, 1908 ). 이 이론적 흐름은 주로 19 세기 후반과 20 세기 초반의 독일 예술가들에 대한 깊은 관심을 불러 일으켰습니다. 주로 예술가 (내면의 Drang이나 내면의 필요성, 나중에 Kandinski를 추측 한 원리)로부터 스스로를 표현할 필요성에 중점을 두었습니다. 예술가와 외부 세계 사이의 파열, 그를 둘러싸고있는 환경, 이는 그를 사회의 내면적이고 소외감있게 만든다. 그것은 또한 당시의 문화 환경에서 변화를 일으켰는데, 이는 그레코 – 로마 고전적 취향에서 벗어나 인기있는 원시적 이국적인 예술 – 특히 아프리카, 오세아니아 및 극동 -과 예술 중세와 예술 작품을 존경했다. Grünewald, Brueghel 및 El Greco와 같은 예술가.

독일에서 표현주의는 모든 구성원에게 공통된 문체 인장이 인정되었지만 집단 예술 프로그램보다는 이론적 개념, 이데올로기 적 제안이었다. 공식 예술 센터에서 널리 퍼진 학문주의에 직면 한 표현주의자는 베를린, 쾰른, 뮌헨, 하노버, 드레스덴과 같은 도시에서 새로운 예술 보급을 위해 여러 센터를 중심으로 그룹을 구성했습니다. 그러나 출판물, 화랑 및 전시회를 통한 그의 보급 작업은 독일 전역에 걸쳐, 그리고 나중에는 유럽 전역에 새로운 스타일을 전파하는 데 도움이되었습니다. 그 표현의 다양성을 제외하고 다양한 언어와 예술적 매체로 실현 된 이질적 운동이었고 시간이 지남에 따라 등장한 다양한 그룹들 사이의 커다란 문체와 주제의 차이점을 가지고 수많은 차이와 심지어는 모순을 나타 냈습니다. 심지어 그들을 통합 한 동일한 아티스트 사이에서도 마찬가지입니다. 이 흐름의 연대기와 지리적 경계조차도 정확하지 않다. 비록 최초의 표현주의 세대 (Die Brücke, Der Blaue Reiter)가 가장 상징적 이었지만, 새로운 객관성과 다른 나라로의 수출의 수출은 적어도 그시기의 연속성을 상상했다. 제 2 차 세계 대전; 지리적으로이 스타일의 신경 센터는 독일에 있었지만 다른 유럽 국가와 미국 대륙 끝까지 확장되었습니다.

제 1 차 세계 대전 후, 표현주의는 풍경 속에서 표현주의 스타일을 사용하는 영화와 연극에서 회화의 독일을 넘어 섰지 만 순수한 미적 방법으로 원래 의미가없고 표현주의 화가의 눈물을 흘렸다. 역설적으로, 악의적 인 예술가가되었습니다. 나치즘의 출현과 함께 표현주의는 공산주의와 관련하여 부조리하고 파괴적인 것으로 명명 된 “퇴보 예술”(Entartete Kunst)로 간주되었다. 동시에 우울함과 예술적 열등감이 쇠퇴의 징조라고 생각했다. 현대 미술. 1937 년, 뮌헨의 호프 가르 텐 (Hofgarten)에서 Degenerate Art라는 제목으로 전시회가 열렸습니다.이 전시는 독일 바이마르 공화국에서 생산 된 예술의 질을 낮추고 대중에게 보여주기위한 것입니다. 이를 위해 독일 미술가뿐만 아니라 고갱, 반 고흐, 뭉크, 마티스, 피카소, 브라크, 샤갈 등의 여러 박물관에서 약 16,500 점의 작품을 압수했다. 1939 년 루체른 (Lucerne)에서 개최 된 대규모 경매에서 갤러리의 소유자와 상인에게 팔렸고, 약 5 천 작품이 1939 년 3 월에 직접 파괴되었는데 이는 독일 미술에 심각한 피해를 입혔습니다.

2 차 세계 대전 후, 표현주의는 미국의 추상 표현주의 (Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning), 비공식 성 (Jean Fiorier, Jean Dubuffet), CoBrA 그룹 (Karel Appel, Asger Jorn, Corneille, Pierre Alechinsky)과 신 표현주의 독일인 – Die Brücke와 Der Blaue Reiter의 예술가가 자신의 이름으로 명백히 계승 한 – 및 개인 예술가 Francis Bacon, Antonio Saura, Bernard Buffet, Nicolas de Staël, Horst Antes 등

기원과 영향
20 세기 초 독일에서 개발 된 예술 운동은 주로 표현주의로 알려져 있지만, 많은 역사가들과 미술 평론가들은이 용어를보다 일반적인 방식으로 사용하여 역사 전체에 걸쳐 다양한 예술가의 스타일을 묘사합니다. 자연과 인간의 감정적이고 주관적인 표현을 찾아 현실의 변형으로 이해하면 표현주의는 언제 어디서나 외삽 법으로 추정됩니다. 따라서 Hieronymus Bosch, Matthias Grünewald, Quentin Metsys, Pieter Brueghel el Vell과 같은 여러 저자의 작업은 종종 표현주의자인 Francisco de Goya, Honoré Daumier 등으로 묘사되어왔다.

표현주의의 뿌리는 상징주의와 포스트 인상파 같은 스타일뿐만 아니라 폴 세잔느, 폴 고갱, 빈센트 반 고흐와 같은 예술가와 나비스에서도 볼 수 있습니다. 그러나, 그들은 색깔에 대한 실험을 위해 신 인상주의와 Fauvism과의 접촉점을 가지고있다. 표현 주의자들은 중세 예술의 첫 번째 작품, 특히 고딕 게르만 (GothicGerman)의 첫 번째 작품으로 종교적 중요성과 초월 적 성격을 지닌 중세 미술은 형식이 아닌 표현을 강조했다. 그 인물은 현실, 비율, 관점에 관심을 잃지 않았다. 대신, 그는 표정, 특히 외모를 강조했다. 그리하여 표현 주의자들은 독일 고딕 양식의 주요 예술가들에게 영감을 불어 넣었으며 두 가지 근본적인 학교, 즉 Conrad Soest와 Stefan Lochner가 대표하는 국제 작풍 (열 다섯 번째의 후반 -15 분의 1); 콘 라트 위츠, 마틴 숄가 우어, 한스 홀 베인 엘 벨이 개발 한 플라멩코 스타일 (15 세기 후반). 그들은 또한 Veit Stoss와 Tilman Riemenschneider와 같은 이름으로 그 뛰어난 표현력으로 유명한 독일 고딕 양식의 조각품에 영감을 불어 넣었습니다. 또 다른 참고 문헌은 Matthias Grünewald였습니다. 중세 후기 화가 인 르네상스 시대의 화가는 감정적 인 강렬함, 표현적인 형식적 왜곡, 강렬한 화려한 백열을 특징으로하는 르네상스의 혁신을 알고있었습니다. Issenheim.

표현주의 예술에 대한 또 다른 언급은 아프리카와 오세아니아의 원시적 예술이었으며 19 세기 말부터 민족지 박물관에 보급되었다. 예술적 아방가르드는 원시 예술에서 표현, 독창성, 새로운 형식과 재료의 더 큰 자유, 물체의 더 큰 초월성뿐만 아니라 양과 색에 대한 새로운 개념을 발견했다. 왜냐하면이 문화권에서는 단순한 작품이 아니기 때문이다. 종교적, 마법적, 토템 적, 봉헌 적, 의복 적 목적 등을 가졌다. 그들은 자연과의 직접적인 의사 소통을뿐만 아니라 중재 나 해석없이 종교와 의식을 가진 영적 세력과 함께 표현하는 대상이다.

그러나 그의 가장 큰 영감은 포스트 인상주의, 특히 3 명의 예술가의 작품에서 나온 것입니다. 큐비즘으로 이어진 기하학적 인 형태의 현실을 조각하기 시작한 모습을 시작한 Paul Cézanne은 모양을 원통, 원뿔 및 구체로 줄이고 볼륨을 작곡의 가장 핵심적인 부분. 줄이 보이지 않고 얼룩이 묻지 않고 계층화 된 색상, 다른 사람들과 겹치는 색상. 그는 원근법을 사용하지 않았지만 따뜻하고 차가운 색조의 오버레이는 깊이 감각을주었습니다. 그림과 평면 사이에 새로운 개념을 제공하는 두 번째 폴 고갱은 상징적이며 장식적인 가치를 지닌 평평하고 임의의 색으로, 현실과 꿈 같은 마법 세계 사이에 위치하는 어려운 분류의 장면을 제공한다. 타히티에서의 그의 체류는 현실을 모방하지 않고 예술가의 내부 세계를 반영하는 해양 예술의 영향을받은 특정 원시주의로 이끄는 그의 작업을 자극했다. 마지막으로, 빈센트 반 고흐 (Vincent Van Gogh)는 관점의 부족, 사물과 색의 불안정성, 현실을 모방하지 않고 임의적 인 쓰레기를 특징으로하는 “승영의 기준에 따라 그의 작업을 정교하게 만들었지 만, 깨지기 쉬운 정신 건강, 그녀의 작품은 그녀의 기분, 우울증과 고문의 반영이며, 이는 끈적 거리는 붓질과 격렬한 색채의 작품에 반영됩니다.

궁극적으로, 표현 주의자들이 즉각적인 전례로 간주 한 두 명의 예술가의 영향을 언급 할 가치가 있습니다. 인상주의와 상징주의에 의해 처음부터 영향을받은 노르웨이어 에드바르 드 뭉크는 곧 그의 강박적이고 고문 된 실내의 진정한 반영 일 개인 스타일을 이끌었습니다. 섹스, 병 및 죽음에 중점을 둔 억압적이고 수수한 환경의 장면과 함께 조성의 강렬함과 강하고 임의적 인 색이 특징입니다. 뭉크 -com The Cry (1893)의 외로움과 의사 소통의 패러다임에 대한 화가 났으며 절박한 이미지는 표현주의의 시작점 중 하나였습니다. 벨기에 제임스 엔 서 (Belgian James Ensor)는 벨기에의 위대한 예술적 전통, 특히 브루 겔 (Brueghel)의 작품을 대중적인 테마로 선호하여 수수께끼 같고 경솔한 장면과 어색하고 형편없는 성격으로 번역했습니다. 유머 감각, 산성 및 부식성, 방랑자, 술주정 뱅이, 해골, 가면 및 카니발 장면의 인물 중심. 따라서, 브뤼셀 (1888)에 그리스도의 입구는 카니발 퍼레이드의 한 가운데에서 예수의 열정을 나타냅니다. 그 사건은 당시 큰 스캔들을 일으켰습니다.

다른 예술 분야
표현주의 운동에는 무용, 조각, 영화, 연극 등 다른 유형의 문화가 포함되었습니다.

댄스
댄스 표현주의 자 (German, Ausdruckstanz)는 예술에 대한 새로운 개척 정신을 바탕으로 예술적 표현을 이해하는 새로운 방식의 다른 예술적 표현으로 반영되었습니다. 나머지 예술 분야와 마찬가지로 표현주의 춤은 과거와의 단절을 의미했습니다.이 경우 클래식 발레는 신체 제스처의 자유를 기반으로 한 새로운 형태의 표현을 찾고 메트릭스 및 리듬 인대에서 방출되어 신체의 자기 표현과 공간과의 관계가보다 적절해진다. 표현 주의적 예술, 특히 Die Brücke에서 일어난 자연주의 주장에 비추어 볼 때 표현주의 춤은 신체 자유를 요구했고, 동시에 Freud의 새로운 심리학 이론은 예술가의 정신에 대한 더 큰 내성에 영향을 주었다. 예술가는 실내를 표현하기 위해 춤을 추기위한 시도로 번역되어 인간의 억압을 해방시켰다.

표현주의 춤은 세계의 영적 개념에서 Der Blaue Reiter와 동시에 현실의 본질을 포착하고 그것을 초월하려고 노력했습니다. 그들은 고전적인 아름다움의 개념을 거부했고, 이것은 고전적인 춤보다 더 갑작스럽고 거친 역 동성으로 표현됩니다. 동시에, 그들은 인간의 가장 부정적 측면을 받아 들였는데, 그것은 자신의 무의식에 종속되었지만 그의 불용성의 일부분이다. 표현주의 춤은 개인의 가장 어두운 장소, 그의 허약함, 고통, 불신앙을 보여주지 못했습니다. 이것은 전신을 포함하는 표현력, 심지어는 자연과의 더 큰 접촉 인 맨발로 춤을 추는 환경에서보다 계약 된 민요로 해석됩니다.

표현주의 춤은 표현의 무용과 추상 춤으로도 불려지는데, 이는 운동 아이디어를 통해 표현하려는 주장과 동시에 그림에 의한 형상의 포기와 병행하여 미터법과 리듬에서 멀리 떨어진 운동의 해방을 암시했기 때문입니다 정신 상태는 영적 작업 추상 칸딘스키 (Kandinsky)라는 용어와 일치했다. 모든 것에도 불구하고, 피할 수없는 인체의 존재는 춤의 “추상적 인”흐름의 교파에서 어떤 모순을 불러 일으켰다.

루돌프 폰 라반 (Rudolf von Laban)은 육체와 영혼을 통합하고 체내에서 나오는 에너지를 강조하며 운동과 공간과의 관계를 분석하는 시스템을 만든 운동 이론가였습니다. 라반의 공헌은 무용수가 주변 공간과 관련하여 새로운 다 방향성을 허용하는 반면, 움직임은 음악보다는 침묵에 동등한 중요성을 부여하면서 리듬에서 벗어났다. 라반은 중력으로부터 의도적으로 균형 감퇴를 피하려고도 노력했다. 그러나 그는 무용수의 역동적이고 자연스런 움직임을 촉진시켜 고전 발레의 강경 한면에서 벗어나려고 노력했다.

조각
조각 표현주의자는 공통적 인 문체 우표를 가지지 않았고, 표현주의의 특징이나 주제 또는 형식적 왜곡을 반영하는 여러 개인 작가들의 산물이었습니다. 특히 세 가지 이름이 있습니다.

에른스트 바를 라크 (Ernst Barlach) : 1906 년 슬라브 지방을 여행 한 후 러시아의 민속 예술에서 영감을 얻은 독일의 중세 조각과 브루 겔 (Brueghel), 보쉬 (Bosch) 등의 작품은 그 풍성함, 깊이, 운동의 조음. 그는 대중 (매일의 관습, 농민 장면)과 특히 전쟁 후 공포, 괴로움, 공포의 두 가지 주제를 개발했습니다. 그는 현실을 모방하지는 않았지만, 자연주의와 거리가 먼 구조와 기하학을 지향하는 파선과 각을 가지고 놀면서 새로운 현실을 창조했습니다. 그는 때때로 나무와 석고에서 일했으며, 때때로 나중에 청동에 전달되었습니다. 그의 작품 중에는 엘 후지 티보 (1920-1925), 엘 벤자 도르 (1922), 라 뮤엘 테라 비다 (1926), 엘 플루 티스 타 (1928), 엘 비 베르 (1933), 벨라 프레들 리카 (1939) 등이있다.
Wilhelm Lehmbruck : 파리에서 교육을 받았다. 그의 작품은 변형되고 양식화되어 있고 강렬한 내면적이며 정서적 인 짐을 지녔지 만 고전적인 성격을 지니고있다. 뒤셀도르프에서의 훈련 과정에서 그는 감정적 인 뿌리의 자연주의에서 로댕의 영향을받은 바로크 극작과 Meunier의 영향을받은 사실주의로 진화했다. 1910 년 파리에 정착하여 마이 올의 영향력을 비난했다. 마지막으로, 1912 년 이탈리아로 여행 한 후 인물의 확장에 중세적인 영향을 미치는 해부학 적 구조와 양식이 시작되었습니다 (1911 년 무릎 꿇는 여성, 1913 년 젊은 남성이 일어 서기).
케테 콜 비츠 (Käthe Kollwitz) : 베를린의 한 가난한 한 가정에서 온 한 의사의 아내는 깊이 비명을 지르는 인간의 불행을 알고있었습니다. 사회주의와 페미니스트 인 그의 작품은 잔인 함을 드러내는 조각, 석판화 및 에칭과 같은 사회 수요의 현저한 구성 요소를 가지고있다 : The Weaver ‘s Revolt (1907-1908), 농민 전쟁 (1902-1908), Karl Liebknecht (1919-1920).

영화
표현주의는 1 차 세계 대전이 예술적 흐름으로 사라지거나 새로운 객관성으로 대체 될 때까지 영화에 도달하지 못했습니다. 그러나 표현주의의 정서적 표현력과 형식적 왜곡은 특히 무대 기술 혁신이 영화에 커다란 성공을 가져온 표현주의 극장의 기여 덕분에 영화 언어의 완벽한 번역을 가져 왔습니다. 표현주의 시네마는 여러 단계를 거쳤다. 순수한 표현주의 – 때로는 부식 작용이라고 불리기도한다. 그는 랑의 혼합주의와 이상 주의적 자연주의를 끝내기 위해 어떤 신 네 낭만주의 (Murnau)에 이르기까지 이것을 비판적 사실주의 (Pabst, Siodmak, Lupu Pick) Kammerspielfilm. 주된 표현주의 감독들 중에는 레오폴드 제시 너, 로버트 위네, 폴 베게너, 프리드리히 빌헬름 무뉘, 프리츠 랭, 게오르그 빌헬름 파브스트, 폴 레니, 조셉 폰 스턴 버그, 에른스트 루비찬, 루푸 픽, 로버트 시돈 막, 아서 로빈슨, 에드워드 로렌드 등이있다. 듀퐁.

표현주의 시네마는 화면에 장면에 표정을 부과했다. 주관적인 스타일은 풍경, 화장 등의 왜곡과 테러리스트 분위기의 재현, 적어도 방해를 통해 극적인 의미로 번역 된 현실의 표현 변형을 이미지에 제공했다. 표현주의 시네마 (Expressionist cinema)는 형식의 상징주의에 대한 재발로 특징 지어지며, 다른 플라스틱 요소를지지하여 의도적으로 왜곡되어있다. 표현 주의적 미학은 판타지와 테러와 같은 장르의 주제를 취했다. 그 와중에 바이마르 공화국을 휘젓는 불리한 사회적 정치적 불균형을 도덕적으로 반영했다. 낭만주의의 강한 영향으로 표현주의 영화는 영혼 “Faustian»German의 개인적 특성에 대한 비전을 반영했다 : 그는 이중 인간 본성, 악에 대한 그의 매력, 운명의 지배를받는 생명의 치명상을 보여 주었다. 표현주의 시네마는 라인, 형식 또는 볼륨을 통해 상징적으로 캐릭터의 성격, 분위기, 의도를 번역하여 드라마의 플라스틱 번역으로 표시하는 것을 목표로합니다.이 상징주의는 다소 많든 적든간에 관객의 정신을 이끌어내는 의식적인 심령 반응.

문학

저널
베를린에서 발간 된 2 개의 표현주의 저널은 1910 년부터 Herwarth Walden이 출판 한 Der Sturm과 1911 년에 처음 등장한 Franz Pfemfert가 편집 한 Die Aktion입니다. Der Sturm은 Peter Altenberg, Max Brod, Richard Dehmel, Alfred Döblin, Anatole France, Knut Hamsun, Arno Holz, Karl Kraus, Selma Lagerlöf, Adolf Loos, Heinrich Mann, Paul Scheerbart 및 René Schickele과 같은 공헌자의시와 산문을 출간했습니다. 코코 쉬카 (Kokoschka), 칸딘스키 (Kandinsky), 라이터 (Der blaue Reiter)와 같은 작가들의 글, 드로잉 및 지문.

드라마
오스카 코 코쉬 카 (Oskar Kokoschka)의 1909 년 작품 ‘살인자 (Murderer), 여성의 희망 (Hope of Women)’은 흔히 최초의 표현주의 연극으로 불린다. 그것 안에, 익명의 남자와 여자는 지배를 위해 투쟁한다. 남자는 여자를 상표로 삼는다. 그녀는 그를 찌르고 투옥한다. 그는 자신을 자유롭게하고 그녀는 그의 손길에서 죽었다. 연극이 끝나면 그는 모기와 같이 그를 둘러싼 모든 것을 학대한다. 신화 적 유형, 합창 효과, 독창적 인 대사 및 강렬한 강도에 이르기까지 문자의 극단적 인 단순화는 모두 후기 표현주의 희곡의 특징이됩니다. 독일 작곡가 폴 힌데 미스 (Paul Hindemith)는 1921 년 초연 된 오페라 판을 만들었습니다.

표현주의는 게오르크 카이저 (Georg Kaiser)와 에른스트 톨러 (Ernst Toller)가 가장 유명한 극작가였던 20 세기 초의 독일 극장에 지배적 인 영향을 미쳤다. 다른 주목할만한 표현주의 극작가로는 라인 하르트 쇼지 (Reinhard Sorge), 월터 하 센클 버버 (Harter Hasenclever), 한스 헨니 야한 (Hans Henny Jahnn), 아르노트 브론 넨 (Arnolt Bronnen)이있다. 중요한 선구자는 스웨덴의 극작가 인 August Strindberg와 독일 배우이자 극작가 Frank Wedekind였다. 1920 년대에 Expressionism은 Eugene O’Neill (The Hairy Ape, The Emperor Jones, The Great God Brown), Sophie Treadwell (Machinal) 및 Elmer Rice (The Adding Machine)의 희곡을 포함하여 미국 극장에서 잠깐 동안 인기를 얻었습니다. .

시
서정적 표현주의자는 제 1 차 세계 대전이 시작되기 수년 전에 크게 발전했습니다. 주제는 다양하고 다양한 주제로 주로 도시 현실에 초점을 맞추었지만 추악하고, 악하고, 변형되고, 기괴하고, 묵시록적이고, 황량하고, 황량한 미학을 가정하여 전통시에 대한 존중을 새롭게했습니다. 표현주의 언어의 표현의 새로운 형태. 독일 시인들이 다루는 새로운 테마는 대도시의 삶, 외로움과 소통 부족, 광기, 소외, 괴로움, 실존 적 무효, 질병과 죽음, 성관계 및 전쟁의 예고입니다. 사회의 쇠퇴와 갱신의 필요성을 인식 한이 저자 중 몇몇은 예언적이고 이상 주의적이며 유토피아적인 언어, 삶에 새로운 의미를 부여하고 인간의 중생과보다 보편적 인 형제애를 부여하는 것을 주장하는 어떤 메시아 니즘을 사용했다.

문체 적으로, 표현주의시의 언어는 언어 적 또는 구문 론적 규칙없이 의사 소통 표현력을 넣는 간결하고 침투적이고 누드입니다. 그들은 언어의 본질을 추구하고 언어학의 변형, 동사와 형용사의 확증 및 신학의 도입을 통해 언어의 리드미컬 한 힘을 강조하면서이 단어를 자유롭게 해줍니다. 그러나 그들은 자유로운 리듬과 스탠포 플 옴므 메트릭에 의존하고 있지만 전통적인 메트릭과 운율을 유지하고 소네트는 주된 구성 수단 중 하나이다. 역동적 인 표현주의 언어의 또 다른 효과는 동시성, 공간과 시간의 주관적 인식, 이기종, 원자화, 연결되지 않은, 이미지와 이벤트의 동시 프리젠 테이션. 주요 표현주의 시인은 Franz Werfel, Georg Trakl, Gottfried Benn, Georg Heym, Johannes R. Becher, Else Lasker-Schüler, Ernst Stadler, Jakob van Hoddis 및 August Stramm이었다. 그러나 표현주의는 Rainer Maria Rilke의 작업에 큰 영향을 미쳤다.

산문
산문에서 Alfred Döblin의 초기 이야기와 소설은 표현주의의 영향을 받았으며 Franz Kafka는 때때로 표현주의 자라고 불린다. Expressionist라고 불리는 작가와 작품은 다음과 같습니다 :

음악
표현주의라는 용어는 아마도 화가 Kandinsky와 마찬가지로 그의 음악에서 강력한 감정을 전달하기 위해 “전통적인 형태의 아름다움”을 피했기 때문에 1918 년, 특히 ​​Schoenberg에 음악에 처음 적용되었을 것입니다. 제 2 비엔나 학교의 구성원 인 아놀드 oen 베르크 (Arnold Schoenberg), 안톤 베버 른 (Anton Webern)과 알반 버그 (Alban Berg)는 중요한 표현주의 자입니다. (Schoenberg는 표현주의 화가였습니다). 표현주의와 관련된 다른 작곡가들은 Krenek (두 번째 교향곡), Paul Hindemith (어린 소녀), Igor Stravinsky (일본 노래), Alexander Scriabin (늦은 피아노 소나타) (Adorno 2009, 275) 등이 있습니다. 또 다른 중요한 표현주의자는 블루 비어드 캐슬 (1911), 목조 왕자 (1917), 기적 만다린 (1919)과 같은 20 세기 후반에 작성된 초기 작품의 베라 바르 토크 (Béla Bartok)였다. 중요한 표현주의의 선구자는 Richard Wagner (1813 ~ 83), Gustav Mahler (1860-1911), Richard Strauss (1864-1949)이다.

Theodor Adorno describes expressionism as concerned with the unconscious, and states that “the depiction of fear lies at the centre” of expressionist music, with dissonance predominating, so that the “harmonious, affirmative element of art is banished” (Adorno 2009, 275–76). Erwartung and Die Glückliche Hand, by Schoenberg, and Wozzeck, an opera by Alban Berg (based on the play Woyzeck by Georg Büchner), are examples of Expressionist works. If one were to draw an analogy from paintings, one may describe the expressionist painting technique as the distortion of reality (mostly colors and shapes) to create a nightmarish effect for the particular painting as a whole. Expressionist music roughly does the same thing, where the dramatically increased dissonance creates, aurally, a nightmarish atmosphere.

건축물
In architecture, two specific buildings are identified as Expressionist: Bruno Taut’s Glass Pavilion of the Cologne Werkbund Exhibition (1914), and Erich Mendelsohn’s Einstein Tower in Potsdam, Germany completed in 1921. The interior of Hans Poelzig’s Berlin theatre (the Grosse Schauspielhaus), designed for the director Max Reinhardt, is also cited sometimes. The influential architectural critic and historian Sigfried Giedion, in his book Space, Time and Architecture (1941), dismissed Expressionist architecture as a part of the development of functionalism. In Mexico, in 1953, German émigré Mathias Goeritz, published the Arquitectura Emocional (“Emotional Architecture”) manifesto with which he declared that “architecture’s principal function is emotion”. Modern Mexican architect Luis Barragán adopted the term that influenced his work. The two of them collaborated in the project Torres de Satélite (1957–58) guided by Goeritz’s principles of Arquitectura Emocional. It was only during the 1970s that Expressionism in architecture came to be re-evaluated more positively.

사진술
The photograph expressionist developed mainly during the Weimar Republic, and was one of the main focuses of avant-garde European photography. The new German postwar society, for its quasi-utopian eagerness to regenerate the country after the disasters of war, resorted to a relatively new technique such as photography to break with the bourgeois tradition and build a new social model based on the colossal, laboration between social classes. The photography of the 1920s was the heiress of the anti-war photomontages created by the Dadaists during the war, and also took advantage of the experience of photographers from Eastern Europe who came to Germany after the war, which would lead to the elaboration Of a type of photography of great quality, both technical and artistic.