L’espressionismo era un movimento modernista, inizialmente in poesia e pittura, originario della Germania all’inizio del XX secolo. Il suo tratto tipico è quello di presentare il mondo esclusivamente da una prospettiva soggettiva, distorcendolo radicalmente per effetto emotivo al fine di evocare umori o idee. Gli artisti espressionisti hanno cercato di esprimere il significato dell’esperienza emotiva piuttosto che la realtà fisica.

L’espressionismo è un movimento internazionale nell’arte e nell’architettura, che fiorì tra il 1905 e il 1920, specialmente in Germania. Si estese anche alla letteratura, alla musica, alla danza e al teatro. Il termine è stato inizialmente applicato più ampiamente a vari movimenti d’avanguardia: ad esempio è stato adottato come alternativa all’impiego del “post-impressionismo” di Roger Fry nelle mostre a Londra nel 1910 e nel 1912. È stato anche usato contemporaneamente in Scandinavia e la Germania, essendo gradualmente confinata ai gruppi specifici di artisti e architetti ai quali è ora applicato l’espressionismo nelle belle arti sviluppato dalle tendenze simboliste ed espressive dell’arte europea alla fine del 19 ° secolo. Il periodo dell ‘”espressionismo classico” iniziò nel 1905, con la fondazione del gruppo Die Brucke, e terminò nel 1920, sebbene in parte una reazione artistica sia all’arte accademica che all’impressionismo, il movimento dovrebbe essere inteso come una forma di “nuovo umanesimo” ‘, che cercava di comunicare la vita spirituale dell’uomo, rifletteva la profonda inquietudine intellettuale del 1900, riflessa nelle fonti letterarie contemporanee, sulla distruzione del tradizionale rapporto di fiducia tra l’uomo e il mondo.

L’espressionismo fu sviluppato come stile d’avanguardia prima della prima guerra mondiale. Rimase popolare durante la Repubblica di Weimar, in particolare a Berlino. Lo stile si estese ad una vasta gamma di arti, tra cui l’architettura espressionista, la pittura, la letteratura, il teatro, la danza, il cinema e la musica.

Il termine è a volte suggestivo di angoscia. In senso generale, pittori come Matthias Grünewald e El Greco sono a volte definiti espressionisti, sebbene il termine sia applicato principalmente alle opere del XX secolo. L’enfasi espressionista sulla prospettiva individuale è stata caratterizzata come una reazione al positivismo e ad altri stili artistici come il naturalismo e l’impressionismo.

Definizione
La transizione dal diciannovesimo al ventesimo secolo ha comportato numerosi cambiamenti politici, sociali e culturali: da un lato, il fallimento della Comune di Parigi ha significato il boom politico ed economico della borghesia, vissuta negli ultimi decenni del diciannovesimo secolo a momento di grande splendore, riflesso nel modernismo, movimento artistico messo al servizio del lusso e dell’ostentazione dispiegato dalla nuova classe dominante. Tuttavia, i processi rivoluzionari compiuti dopo la rivoluzione francese e il timore di essere ripetuti di nuovo hanno portato le classi politiche a fare una serie di concessioni, come le riforme del lavoro, l’assicurazione sociale e l’istruzione di base obbligatoria. Così, il declino dell’analfabetizzato ad un aumento dei mezzi di comunicazione e una maggiore diffusione dei fenomeni culturali, che raggiunsero maggiore portata e rapidità di diffusione, e la “cultura di massa” sorsero.

D’altra parte, i progressi tecnici, specialmente nel campo dell’arte, l’aspetto della fotografia e del cinema, hanno portato l’artista a considerare la funzione del loro lavoro, che non consisteva più nell’imitare la realtà, poiché le nuove tecniche l’hanno fatto in un più oggettivo, facile e riproducibile. Inoltre, nuove teorie scientifiche hanno portato gli artisti a mettere in discussione l’oggettività del mondo che percepiamo: la teoria della relatività di Einstein, la psicoanalisi di Freud e la soggettività del tempo di Bergson hanno provocato che l’artista si allontani superando la realtà. Così, la ricerca di nuovi linguaggi artistici e nuove forme espressive ha comportato l’emergere dei movimenti di “Vanguard”, che rappresentava una nuova relazione tra l’artista e lo spettatore: gli artisti d’avanguardia cercavano di integrare l’arte con la vita, con la società, rendere il loro lavoro un’espressione dell’inconscio collettivo della società che rappresenta allo stesso tempo, l’interazione con lo spettatore fa sì che questo sia coinvolto nella percezione e comprensione dell’opera, così come nella sua diffusione e mercificazione, fattore che porterà ad un aumento delle gallerie d’arte e dei musei.

L’espressionismo fa parte delle cosiddette avanguardie storiche, cioè quelle prodotte dai primi anni del XX secolo, nell’atmosfera prima della prima guerra mondiale e della fine della seconda guerra mondiale. Questa denominazione include anche Fauvismo, Cubismo, Futurismo, Costruttivismo, Neoclasticismo, Dadaismo, Surrealismo, ecc. L’avanguardia è intimamente legata al concetto di modernità, caratterizzato dalla fine del determinismo e dalla supremazia della religione, sostituita dalla ragione e dalla scienza, dall’oggettivismo e individualismo, fiducia nella tecnologia e nel progresso, nelle proprie capacità dell’essere umano. Così, gli artisti cercano di mettersi alla testa del progresso sociale, per esprimere attraverso il loro lavoro l’evoluzione dell’essere umano contemporaneo.

Il termine espressionismo fu usato per la prima volta dal pittore francese Julien-Auguste Hervé, che si riferiva all’espressionismo per designare una serie di dipinti presentati nella Sala degli Indipendenti di Parigi nel 1901, in contrapposizione all’Impressionismo. Il termine tedesco expressionismus fu adattato direttamente dal francese, come l’espressione in tedesco è ausdruck – e fu usato per la prima volta nel catalogo della XXII Esposizione della Secessione di Berlino nel 1911, che includeva entrambe le opere di artisti tedeschi e francesi. In letteratura, fu presentato per la prima volta nel 1911 dal critico Kurt Hiller. Più tardi, il termine espressionismo fu diffuso dalla scrittrice Herwarth Walden, editrice della rivista Der Sturm (The Storm), che divenne il principale centro di diffusione dell’espressionismo tedesco. Walden inizialmente applicò il termine a tutte le avanguardie nate tra il 1910 e il 1920. Invece, l’applicazione del termine espressionismo legato esclusivamente all’arte tedesca d’avanguardia fu l’idea di Paul Fechter nel suo libro Der Expressionismus (1914), che seguendo le teorie di WorringerRelate le nuove manifestazioni artistiche come espressione dell’anima collettiva tedesca.

L’espressionismo sorse come reazione all’impressionismo: così come gli impressionisti tracciarono sulla tela una “impressione” del mondo circostante, un semplice riflesso dei sensi, gli espressionisti intendevano riflettere il loro mondo interiore, una “espressione” dei propri sentimenti . Così, gli expresionisti usano la linea e il colore in modo temperamentale ed emotivo, con un forte contenuto simbolico. Questa reazione all’impressionismo significò una forte rottura con l’arte creata dalla generazione precedente e convertì l’espressionismo in un sinonimo di arte moderna all’inizio del XX secolo. L’espressionismo implicava un nuovo concetto di arte, inteso come un modo di catturare l’esistenza, di tradurre le immagini nel substrato che esiste sotto la realtà apparente, che riflette la natura immutabile ed eterna degli esseri umani e della natura. Quindi, l’espressionismo era il punto di partenza di un processo di trasmutazione della realtà che si cristallizzava nell’espressionismo astratto e nell’informalismo. Gli espressionisti usavano l’arte come un modo per riflettere i loro sentimenti, il loro umore, generalmente incline alla malinconia, l’evocazione, a un decadentismo neo-romantico. Quindi, l’arte era un’esperienza catara, che purificava i difetti spirituali, l’angoscia dell’artista.

Nella genesi dell’espressionismo, un fattore fondamentale era il rifiuto del positivismo, il progresso scientifico, la credenza nelle possibilità illimitate degli esseri umani basate sulla scienza e sulla tecnologia. Invece, un nuovo clima di pessimismo, scetticismo, dispiacere, critica, perdita di valori ha cominciato a essere generato. C’è stata una crisi nello sviluppo umano, che è stata effettivamente confermata dallo scoppio della prima guerra mondiale. Degno di nota anche in Germania respingendo il regime imperialista di Guglielmo II da parte di una minoranza intellettuale, annegato dal militarista pangermanista Kaiser. Questi fattori favorirono un brodo di cultura in cui l’espressionismo stava gradualmente crescendo, le cui prime manifestazioni furono prodotte nel campo della letteratura: Frank Wedekind denunciò la moralità borghese nelle sue opere, contro le quali si opponeva alla libertà appassionata degli istinti; Georg Trakl è stato portato via dalla realtà rifugiandosi in un mondo spirituale creato dall’artista; Heinrich Mann è stato colui che ha denunciato più direttamente la società Guillermin.

L’emergere dell’espressionismo in un paese come la Germania non è stato un evento casuale, ma è stato spiegato dal profondo studio dedicato all’arte durante il XIX secolo da filosofi, artisti e teorici tedeschi, dal romanticismo e dai molteplici contributi nel campo dell’estetica dei personaggi come Wagner e Nietzsche, all’estetica culturale e all’opera di autori come Konrad Fiedler (Sulla valutazione delle opere d’arte visiva, 1876), Theodor Lipps (Estetica, 1903-1906) e Wilhelm Worringer (Abstraction and Empathy, 1908 ). Questa corrente teorica ha lasciato una forte spinta negli artisti tedeschi tra la fine del diciannovesimo e l’inizio del ventesimo secolo, concentrandosi principalmente sulla necessità di esprimersi dall’artista (Drang interiore o necessità interiore, un principio che in seguito ho assunto Kandinski), così come la scoperta di una rottura tra l’artista e il mondo esterno, l’ambiente che lo circonda, che lo rende un essere introverso e alienato della società. Ha anche influenzato il cambiamento prodotto nell’ambiente culturale del tempo, che si è allontanato dal gusto classico greco-romano per ammirare l’arte popolare, primitiva ed esotica – in particolare l’Africa, l’Oceania e l’Estremo Oriente – così come l’arte medievale e il lavoro di artisti come Grünewald, Brueghel e El Greco.

In Germania, l’espressionismo era più un concetto teorico, una proposta ideologica, che un programma artistico collettivo, anche se un segno stilistico comune a tutti i suoi membri è apprezzato. Di fronte all’accademismo prevalente nei centri artistici ufficiali, gli espressionisti raggruppavano attorno a diversi centri per la diffusione della nuova arte, specialmente in città come Berlino, Colonia, Monaco, Hannover e Dresda. Tuttavia, la sua diffusione attraverso pubblicazioni, gallerie e mostre ha contribuito a diffondere il nuovo stile in tutta la Germania e, successivamente, in tutta Europa. Era un movimento eterogeneo che, a parte la diversità delle sue manifestazioni, realizzate in vari linguaggi e media artistici, presentava numerose differenze e persino contraddizioni a sé stante, con una grande divergenza stilistica e tematica tra i vari gruppi emersi nel tempo, e anche tra gli stessi artisti che li hanno integrati. Anche i confini cronologici e geografici di questa corrente sono imprecisi: sebbene la prima generazione espressionista (Die Brücke, Der Blaue Reiter) fosse la più emblematica, la nuova oggettività e l’esportazione del movimento verso altri paesi presumevano la sua continuità nel tempo almeno fino al Seconda guerra mondiale; geograficamente, sebbene il centro nevralgico di questo stile fosse situato in Germania, si estese presto ad altri paesi europei e ai confini del continente americano.

Dopo la prima guerra mondiale, l’espressionismo passò alla Germania della pittura nel cinema e nel teatro, che usavano lo stile espressionista nello scenario, ma in un modo puramente estetico, privo del suo significato originale, lacerazione di pittori espressionisti, che, paradossalmente, sono diventati artisti malvagi. Con l’avvento del nazismo, l’espressionismo era considerato come “arte degenerata” (Entartete Kunst), collegandolo al comunismo e definendolo immorale e sovversivo, al tempo stesso considerando che la sua bruttezza e inferiorità artistica erano un segno del declino di arte Moderna. Nel 1937 venne organizzata una mostra all’Hofgarten di Monaco con il titolo appunto di Degenerate Art, per infamarlo e mostrare al pubblico la scarsa qualità dell’arte prodotta nella Repubblica di Weimar. A tal fine sono state confiscate 16.500 opere provenienti da vari musei, non solo artisti tedeschi, ma anche stranieri come Gauguin, Van Gogh, Munch, Matisse, Picasso, Braque, Chagall, ecc. La maggior parte di queste opere furono vendute successivamente a galleristi e mercanti, specialmente in occasione di una grande asta tenutasi a Lucerna nel 1939, anche se circa 5.000 di queste opere furono distrutte direttamente nel marzo 1939, il che significò un grave danno all’arte tedesca.

Dopo la seconda guerra mondiale, l’espressionismo scomparve come stile, sebbene esercitò una potente influenza su molte correnti artistiche nella seconda metà del secolo, come l’espressionismo astratto americano (Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning), l’informalismo (Jean Fautrier, Jean Dubuffet), il gruppo CoBrA (Karel Appel, Asger Jorn, Corneille, Pierre Alechinsky) e il neo-espressionismo tedesco – giustamente ereditato dagli artisti di Die Brücke e Der Blaue Reiter, che è evidente nel suo nome -, e singoli artisti come Francis Bacon, Antonio Saura, Bernard Buffet, Nicolas de Staël, Horst Antes, ecc.

Origini e influenze
Sebbene il movimento artistico sviluppato in Germania all’inizio del XX secolo sia conosciuto principalmente dall’espressionismo, molti storici e critici d’arte usano questo termine anche in un modo più generico per descrivere lo stile di un’ampia varietà di artisti in tutta la storia. Intesa come la deformazione della realtà alla ricerca di un’espressione più emotiva e soggettiva della natura e degli esseri umani, l’espressionismo viene quindi estrapolato in qualsiasi momento e spazio geografico. Così, il lavoro di diversi autori come Hieronymus Bosch, Matthias Grünewald, Quentin Metsys, Pieter Brueghel el Vell, è stato spesso descritto come espressionista, Francisco de Goya, Honoré Daumier, ecc.

Le radici dell’espressionismo si trovano in stili come simbolismo e post-impressionismo, così come in nabis e artisti come Paul Cézanne, Paul Gauguin e Vincent Van Gogh. Tuttavia, hanno punti di contatto con il neoimpressionismo e il fauvismo per la loro sperimentazione con il colore. Gli espressionisti ricevettero numerose influenze: la prima dell’arte medievale, in particolare il GothicGerman di significato religioso e carattere trascendentale, l’arte medievale enfatizzava l’espressione, non nelle forme: le figure avevano poca corporeità, perdendo interesse per la realtà, proporzioni, prospettiva. Invece, ha sottolineato l’espressione, in particolare l’aspetto: i personaggi sono stati simbolizzati più che rappresentati. Così, gli espressionisti hanno ispirato i principali artisti del gotico tedesco, sviluppati da due scuole fondamentali: lo stile internazionale (tardo quattordicesimo – prima metà del XV), rappresentato da Conrad Soest e Stefan Lochner; e lo stile flamenco (seconda metà del XV secolo), sviluppato da Konrad Witz, Martin Schongauer e Hans Holbein el Vell. Hanno anche ispirato la scultura gotica tedesca, che è stato notato per la sua grande espressività, con nomi come Veit Stoss e Tilman Riemenschneider. Un altro punto di riferimento è stato Matthias Grünewald, un pittore di origini tardo-medievali che conosceva anche le innovazioni del Rinascimento seguite in una linea personale, caratterizzata dall’intensità emotiva, una distorsione formale espressiva e un’intensa incandescenza colorata, come nel suo capolavoro, la pala d’altare di Issenheim.

Un altro dei riferimenti dell’arte espressionista era l’arte primitiva, specialmente quella dell’Africa e dell’Oceania, che è stata diffusa dalla fine del XIX secolo da musei etnografici. Le avanguardie artistiche hanno trovato nell’arte primitiva una maggiore libertà di espressione, originalità, nuove forme e materiali, una nuova concezione del volume e del colore, nonché una maggiore trascendenza dell’oggetto, poiché in queste culture non erano semplici opere di arte, ma aveva uno scopo religioso, magico, totemico, votivo, sontuoso, ecc. Sono oggetti che esprimono una comunicazione diretta con la natura, così come con le forze spirituali, con culti e rituali, senza alcuna mediazione o interpretazione.

Ma la sua più grande ispirazione è stata il post-impressionismo, in particolare il lavoro di tre artisti: Paul Cézanne, che ha iniziato un processo di deframmentazione della realtà in forme geometriche che ha portato al cubismo, riducendo le forme a cilindri, coni e sfere e Dissolvendo il volume da i punti più essenziali della composizione. Colore a strati, sovrapposizione di colori con gli altri, senza bisogno di linee, lavorando con le macchie. Non ha usato la prospettiva, ma la sovrapposizione di toni caldi e freddi ha dato una sensazione di profondità. Secondo Paul Gauguin, che ha fornito una nuova concezione tra il piano pittorico e la profondità del dipinto, con colori piatti e arbitrari, che hanno un valore simbolico e decorativo, con scene di difficile classificazione, situate tra la realtà e un mondo onirico e magico. La sua permanenza a Tahiti spinse il suo lavoro a condurre a un certo primitivismo, influenzato dall’arte oceanica, riflettendo il mondo interiore dell’artista invece di imitare la realtà. Infine, Vincent Van Gogh, che ha elaborato il suo lavoro secondo criteri di esaltazione, caratterizzato dalla mancanza di prospettiva, dall’instabilità di oggetti e colori, da quell’arbitrarietà insignificante, senza imitare la realtà, ma proveniente dall’interno dell’artista “A causa sua” fragile salute mentale, le sue opere sono un riflesso del suo umore, depressione e tortura, che si riflette in opere di pennellate sinuose e colori violenti.

In definitiva, vale la pena menzionare l’influenza di due artisti che gli espressionisti consideravano come immediati precedenti: il norvegese Edvard Munch, influenzato all’inizio da Impressionismo e Simbolismo, presto portò a uno stile personale che sarebbe stato un vero riflesso del suo interno ossessivo e torturato, con scene di un ambiente opprimente ed enigmatico, incentrate sul sesso, la malattia e la morte, caratterizzate dalla sinuosità della composizione e da un colore forte e arbitrario. Le immagini arrabbiate e disperate di Munch -com The Cry (1893), paradigma della solitudine e della mancanza di comunicazione, erano uno dei principali punti di partenza dell’espressionismo. Altrettanto influente è stato il lavoro del belga James Ensor, che ha raccolto la grande tradizione artistica del suo paese – in particolare, Brueghel -, con preferenza per temi popolari, traducendolo in scene enigmatiche e irriverenti, di un carattere assurdo e burlesco, con un senso dell’umorismo, acido e corrosivo, centrato in figure di vagabondi, ubriaconi, scheletri, maschere e scene di carnevale. Così, l’ingresso di Cristo a Bruxelles (1888) rappresenta la passione di Gesù nel mezzo di una sfilata di carnevale, un’opera che causò un grande scandalo a quel tempo.

In altre arti
Il movimento espressionista includeva altri tipi di cultura, tra cui la danza, la scultura, il cinema e il teatro.

Danza
L’espressionista di danza (tedesco, Ausdruckstanz) è nato nel contesto del nuovo spirito pionieristico dell’innovazione portato all’arte, e si è riflesso come altre manifestazioni artistiche di un nuovo modo di intendere l’espressione artistica. Come nel resto delle discipline artistiche, la danza espressionista significava una rottura con il passato, in questo caso il balletto classico, alla ricerca di nuove forme di espressione basate sulla libertà del gesto del corpo, liberate dai legamenti metrici e ritmici, in cui il corpo stesso -espressione e la relazione con lo spazio diventano più rilevanti. Parallelamente alla rivendicazione naturista che si è verificata nell’arte espressionista, in particolare in Die Brücke, la danza espressionista rivendica la libertà fisica, mentre le nuove teorie psicologiche di Freud hanno influenzato una maggiore introspezione nella mente dell’artista. artista, che è stato tradotto in un tentativo della danza di esprimere l’interno, per liberare l’essere umano dalle repressioni.

La danza espressionista coincide con Der Blaue Reiter nel suo concetto spirituale del mondo, cercando di catturare l’essenza della realtà e trascenderla. Hanno respinto il concetto classico di bellezza, e questo si esprime in un dinamismo più brusco e approssimativo di quello della danza classica. Allo stesso tempo, accettavano l’aspetto più negativo dell’essere umano, che soggiogava nel suo inconscio ma che è parte del suo indissolubile. La danza espressionista non si è impedita di mostrare il posto più oscuro dell’individuo, la sua fragilità, la sua sofferenza, la sua incredulità. Questo si traduce in una corporalità più contratta, in un’espressività che include tutto il corpo, o anche nella preferenza di ballare a piedi nudi, che è un maggiore contatto con la realtà, con la natura.

La danza espressionista era anche chiamata danza espressiva e danza astratta, in quanto implicava una liberazione del movimento, lontana dalla metrica e dal ritmo, parallela all’abbandono della figurazione con la pittura, allo stesso tempo della sua pretesa di esprimere attraverso idee di movimento o stati d’animo coincidenti con il termine lavoro spirituale astratto Kandinsky. Nonostante tutto, la presenza ineludibile del corpo umano ha provocato una certa contraddizione nella denominazione di una corrente “astratta” all’interno della danza.

Rudolf von Laban era un teorico del movimento che creò un sistema che cercava di integrare corpo e anima, enfatizzando l’energia che emanava dai corpi e analizzando il movimento e la sua relazione con lo spazio. I contributi di Laban hanno permesso ai danzatori una nuova multidirezionalità rispetto allo spazio circostante, mentre il movimento si è liberato dal ritmo, dando uguale importanza al silenzio che alla musica. Laban cercò anche di sfuggire alla gravità cercando deliberatamente la perdita di equilibrio. Tuttavia, ha cercato di allontanarsi dall’aspetto rigido del balletto classico promuovendo il movimento dinamico e naturale del ballerino.

Scultura
L’espressionista scultoreo non aveva un timbro stilistico comune ed era il prodotto di diversi singoli artisti che riflettevano sul loro lavoro o distorsioni tematiche o formali tipiche dell’espressionismo. In particolare, ci sono tre nomi:

Ernst Barlach: ispirato dall’arte popolare russa – dopo un viaggio nel paese slavo nel 1906 – e la scultura medievale tedesca, così come Brueghel e Bosch, le sue opere hanno una certa aria caricaturesc, lavorando molto sul volume, la profondità e articolazione del movimento. Ha sviluppato due temi principali: il popolare (abitudini quotidiane, scene contadine) e, soprattutto dopo la guerra, la paura, l’angoscia, il terrore. Non ha imitato la realtà, ma ha creato una nuova realtà, giocando con linee e angoli spezzati, con anatomie distanti dal naturalismo, tendenti alla geometria. Lavorò preferibilmente in legno e gesso, che a volte passò più tardi al bronzo. Tra i suoi lavori ricordiamo: El fugitivo (1920-1925), El venjador (1922), La muerte en la vida (1926), El flautista (1928), El bebedor (1933), Vella fredolica (1939), ecc.
Wilhelm Lehmbruck: educato a Parigi, il suo lavoro ha un marcato carattere classicista, anche se deformato e stilizzato, e con un forte carico introspettivo ed emotivo. Durante la sua formazione a Düsseldorf, si è evoluto da un naturalismo di radici sentimentali, attraverso un drammatismo barocco con influenza di Rodin, a un realismo influenzato da Meunier. Nel 1910 si stabilì a Parigi, dove accusò l’influenza di Maillol. Infine, dopo un viaggio in Italia nel 1912, iniziò una maggiore geometria e stilizzazione dell’anatomia, con qualche influenza medievale nell’estensione delle figure (Donna inginocchiata, 1911, Giovane in piedi, 1913).
Käthe Kollwitz: la moglie di un medico di un quartiere povero di Berlino, sapeva della miseria umana, che la caratterizzava profondamente. Socialista e femminista, il suo lavoro ha una marcata componente della domanda sociale, con sculture, litografie e incisioni che si distinguono per la sua crudeltà: La rivolta dei Weavers (1907-1908), La guerra dei contadini (1902-1908), Omaggio a Karl Liebknecht (1919-1920).

Cinema
L’espressionismo non raggiunse il cinema fino alla prima guerra mondiale, quando era praticamente scomparso come corrente artistica, e fu sostituito da Nuova oggettività. Tuttavia, l’espressività emotiva e la distorsione formale dell’espressionismo hanno avuto una traduzione perfetta del linguaggio cinematografico, soprattutto grazie al contributo del teatro espressionista, le cui innovazioni teatrali sono state adattate con grande successo al cinema. Il cinema espressionista attraversò diverse fasi: dal puro espressionismo – a volte chiamato causticismo – Andò a un certo neo-romanticismo (Murnau), e da questo al realismo critico (Pabst, Siodmak, Lupu Pick), per porre fine al sincretismo di Lang e al naturalismo idealista di Kammerspielfilm. Tra i principali registi espressionisti, dovremmo sottolineare Leopold Jessner, Robert Wiene, Paul Wegener, Friedrich Wilhelm Murnau, Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst, Paul Leni, Josef von Sternberg, Ernst Lubitsch, Lupu Pick, Robert Siodmak, Arthur Robison e Ewald André Dupont.

Il cinema espressionista impose sullo schermo uno stile soggettivo che offriva nelle immagini una deformazione espressiva della realtà, tradotta in termini drammatici attraverso la distorsione del paesaggio, del trucco, ecc., E la conseguente ricreazione di atmosfere terroristiche o, almeno, inquietanti. Il cinema espressionista è caratterizzato dal suo ricorrere al simbolismo delle forme, deliberatamente distorto con il supporto di diversi elementi plastici. L’estetica espressionista prendeva i temi di generi come la fantasia e il terrore, un riflesso morale dello sfavorevole squilibrio sociale e politico che ha suscitato la Repubblica di Weimar in quegli anni. Con una forte influenza del Romanticismo, il cinema espressionista rifletteva una visione della caratteristica individuale dell’anima “Faustiana” tedesca: mostrava la duplice natura umana, la sua fascinazione per il male, la fatalità della vita soggetta al potere del destino. come il cinema espressionista mira a tradurre simbolicamente, attraverso linee, forme o volumi, la mentalità dei personaggi, il loro umore, le loro intenzioni, in modo tale che la decorazione appaia come la traduzione plastica del suo dramma. Questo simbolismo ha sollevato più o meno reazioni psichiche coscienti che hanno guidato lo spirito dello spettatore.

Letteratura

riviste
Due importanti riviste espressioniste pubblicate a Berlino furono Der Sturm, pubblicato da Herwarth Walden a partire dal 1910, e Die Aktion, che apparve per la prima volta nel 1911 e curato da Franz Pfemfert. Der Sturm ha pubblicato poesie e prose di collaboratori come Peter Altenberg, Max Brod, Richard Dehmel, Alfred Döblin, Anatole France, Knut Hamsun, Arno Holz, Karl Kraus, Selma Lagerlöf, Adolf Loos, Heinrich Mann, Paul Scheerbart e René Schickele, e scritti, disegni e stampe di artisti come Kokoschka, Kandinsky e membri di Der blaue Reiter.

Dramma
L’omicidio di Oskar Kokoschka del 1909, Assassino, La speranza delle donne è spesso definito il primo dramma espressionista. In esso, un uomo e una donna senza nome lottano per il dominio. L’uomo marca la donna; lei lo trafigge e lo imprigiona. Si libera e lei cade morta al suo tocco. Mentre il gioco finisce, massacra tutto intorno a lui (nelle parole del testo) “come zanzare”. L’estrema semplificazione dei personaggi ai tipi mitici, gli effetti corali, il dialogo declamatorio e l’intensificarsi dell’intensità diventerebbero tutti caratteristici dei successivi giochi espressionisti. Il compositore tedesco Paul Hindemith ha creato una versione operistica di questo spettacolo, che è stato presentato per la prima volta nel 1921.

L’espressionismo fu un’influenza dominante sul teatro tedesco dei primi anni del XX secolo, di cui Georg Kaiser ed Ernst Toller furono i più famosi drammaturghi. Altri illustri drammaturghi espressionisti inclusi Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn e Arnolt Bronnen. Importanti precursori erano il drammaturgo svedese August Strindberg e l’attore e drammaturgo tedesco Frank Wedekind. Durante gli anni ’20, l’espressionismo ha goduto di un breve periodo di popolarità nel teatro americano, tra cui opere di Eugene O’Neill (The Hairy Ape, The Emperor Jones e The Great God Brown), Sophie Treadwell (Machinal) e Elmer Rice (The Adding Machine) .

Poesia
L’espressionista lirico si sviluppò significativamente negli anni prima della prima guerra mondiale, un argomento ampio e variegato, incentrato principalmente sulla realtà urbana, ma rinnovato rispetto per la poesia tradizionale, assumendo l’estetica del brutto, del male, deformata, grottesca, apocalittica, desolata, come nuova forma di espressione del linguaggio espressionista. I nuovi temi trattati dai poeti tedeschi sono la vita nella grande città, la solitudine e la mancanza di comunicazione, la follia, l’alienazione, l’angoscia, il vuoto esistenziale, la malattia e la morte, il sesso e la premonizione della guerra. Molti di questi autori, consapevoli del declino della società e del loro bisogno di rinnovamento, usavano un linguaggio profetico, idealistico, utopico, un certo messianismo che sosteneva di dare un nuovo significato alla vita, una rigenerazione dell’essere umano, una maggiore fraternità universale.

Stilisticamente, il linguaggio poetico espressionista è conciso, penetrante, nudo, con un tono patetico e desolato, che mette l’espressività della comunicazione, senza regole linguistiche o sintattiche. Cercavano l’essenziale del linguaggio, liberano la parola, accentuando la forza ritmica del linguaggio attraverso la deformazione linguistica, la sostantivizzazione dei verbi e degli aggettivi e l’introduzione dei neologismi. Tuttavia, mantengono la metrica tradizionale e la rima, e il sonetto è uno dei loro principali mezzi di composizione, sebbene ricorra anche al ritmo libero e allo strofolimetrico. Un altro effetto del linguaggio espressionista dinamico è la simultaneità, la percezione dello spazio e del tempo come qualcosa di soggettivo, eterogeneo, atomizzato, non connesso, una presentazione simultanea di immagini ed eventi. I principali poeti espressionisti furono Franz Werfel, Georg Trakl, Gottfried Benn, Georg Heym, Johannes R. Becher, Else Lasker-Schüler, Ernst Stadler, Jakob van Hoddis e August Stramm. Tuttavia, l’espressionismo esercitò una grande influenza sul lavoro di Rainer Maria Rilke.

Prosa
In prosa, le prime storie e romanzi di Alfred Döblin sono stati influenzati dall’espressionismo, e Franz Kafka è talvolta etichettato come espressionista. Alcuni altri scrittori e opere che sono stati chiamati espressionisti includono:

Musica
Il termine espressionismo “fu probabilmente applicato per la prima volta alla musica nel 1918, in particolare a Schoenberg”, perché come il pittore Kandinsky evitò “forme tradizionali di bellezza” per trasmettere sentimenti potenti nella sua musica. Arnold Schoenberg, Anton Webern e Alban Berg, membri della Seconda scuola viennese, sono importanti espressionisti (Schoenberg era anche un pittore espressionista). Altri compositori che sono stati associati con espressionismo sono Krenek (la seconda sinfonia), Paul Hindemith (La giovane fanciulla), Igor Stravinsky (canzoni giapponesi), Alexander Scriabin (sonate di pianoforte tardo) (Adorno 2009, 275). Un altro importante espressionista fu Béla Bartók nelle sue prime opere, scritto nel secondo decennio del XX secolo, come il Castello di Barbablù (1911), Il principe di legno (1917) e Il mandarino miracoloso (1919). Importanti precursori dell’espressionismo sono Richard Wagner (1813-1883), Gustav Mahler (1860-1911) e Richard Strauss (1864-1949).

Theodor Adorno describes expressionism as concerned with the unconscious, and states that “the depiction of fear lies at the centre” of expressionist music, with dissonance predominating, so that the “harmonious, affirmative element of art is banished” (Adorno 2009, 275–76). Erwartung and Die Glückliche Hand, by Schoenberg, and Wozzeck, an opera by Alban Berg (based on the play Woyzeck by Georg Büchner), are examples of Expressionist works. If one were to draw an analogy from paintings, one may describe the expressionist painting technique as the distortion of reality (mostly colors and shapes) to create a nightmarish effect for the particular painting as a whole. Expressionist music roughly does the same thing, where the dramatically increased dissonance creates, aurally, a nightmarish atmosphere.

Architettura
In architecture, two specific buildings are identified as Expressionist: Bruno Taut’s Glass Pavilion of the Cologne Werkbund Exhibition (1914), and Erich Mendelsohn’s Einstein Tower in Potsdam, Germany completed in 1921. The interior of Hans Poelzig’s Berlin theatre (the Grosse Schauspielhaus), designed for the director Max Reinhardt, is also cited sometimes. The influential architectural critic and historian Sigfried Giedion, in his book Space, Time and Architecture (1941), dismissed Expressionist architecture as a part of the development of functionalism. In Mexico, in 1953, German émigré Mathias Goeritz, published the Arquitectura Emocional (“Emotional Architecture”) manifesto with which he declared that “architecture’s principal function is emotion”. Modern Mexican architect Luis Barragán adopted the term that influenced his work. The two of them collaborated in the project Torres de Satélite (1957–58) guided by Goeritz’s principles of Arquitectura Emocional. It was only during the 1970s that Expressionism in architecture came to be re-evaluated more positively.

fotografia
The photograph expressionist developed mainly during the Weimar Republic, and was one of the main focuses of avant-garde European photography. The new German postwar society, for its quasi-utopian eagerness to regenerate the country after the disasters of war, resorted to a relatively new technique such as photography to break with the bourgeois tradition and build a new social model based on the colossal, laboration between social classes. The photography of the 1920s was the heiress of the anti-war photomontages created by the Dadaists during the war, and also took advantage of the experience of photographers from Eastern Europe who came to Germany after the war, which would lead to the elaboration Of a type of photography of great quality, both technical and artistic.