Das 1976 gegründete Nationale Trachtenmuseum (Museu Nacional do Traje) präsentiert der Öffentlichkeit eine Sammlung historischer Trachten, Kleidungsstücke und Accessoires aus dem 18. Jahrhundert bis zur Gegenwart in Dauer- oder Wechselausstellungen. Die Sammlung befindet sich im Angeja-Palmela-Palast, auf dessen Gelände sich der Botanische Park Monteiro-Mor befindet.

Das Museum befindet sich auf einem weitläufigen Grundstück, das 1975 vom portugiesischen Staat erworben wurde. Dieses Anwesen – ein ehemaliges Bauernhaus aus dem 18. Jahrhundert – verfügt über eine weitläufige Grünfläche, die jetzt der Öffentlichkeit zugänglich ist und als Botanischer Monteiro-Mor-Park bekannt ist Das Hauptquartier befindet sich in einem Gebäude aus dem 18. Jahrhundert – dem Palace Angeja-Palmela.

Ziel ist es, eine Strategie für die Erforschung, Konservierung und öffentliche Ausstellung von Kostümen und Textilien festzulegen. Darüber hinaus verfolgt sie die Politik, den Botanischen Park Monteiro-Mor zu schützen und zu fördern und dieses Erbe in der Gemeinde zu fördern.

Preserving Green („Conservar Verde“) ist ein Konzept, das die Werte Verantwortung und Nachhaltigkeit sowie die Verwaltung des kulturellen und natürlichen Erbes, das dem National Museum of Costume anvertraut ist, integriert.

Geschichte
Der Palácio Angeja-Palmela wurde im 18. Jahrhundert von D. Pedro José de Noronha, dem 3. Marquess de Angeja, in der Nähe des Ortes errichtet, an dem sich der Palast von D. Afonso Sanches befand, dem natürlichen Sohn von Dinis I. von Portugal (1279-1325). .

Mit einer unbekannten Urheberschaft wird der Palast von der Architektur Pombals beeinflusst, die sich in zwei Fassaden entwickelt, von denen eine mit der Kapelle endet. Von dem primitiven Palast gibt es nur noch ein Widerlager aus dem 16. Jahrhundert in einer an den Palast angrenzenden Residenz sowie einige architektonische Strukturen aus dem 17. Jahrhundert.

Der Haupteingang des Palastes entwickelt sich wie ein Galiläa und die Gliederung zwischen den Stockwerken erfolgt über eine Treppe mit vier geraden Abschnitten. In seinen Räumen stechen die Masseira-Decken, der Stuck, die Ziergemälde und die vielfältigen Fliesenplatten setecentistas hervor.

1840 erwarb der Markgraf von Palmela, D. Pedro de Sousa Holstein, und der spätere 1. Herzog von Palmela das Anwesen, um den Palast zu verbessern, einschließlich des Umbaus des neugotischen Pavillons, in dem sich heute ein Museumsrestaurant befindet.

Vom Zweiten Weltkrieg (1939-1945) an wurde der Palast zu einer religiösen Hochschule für belgische Flüchtlinge, bis der portugiesische Staat 1975 die Quinta do Monteiro-Mor erwarb, die neben dem Angeja-Palmela-Palast den Monteiro umfasst -Mor Palace, eine Residenz aus dem 18. Jahrhundert, der Botanische Garten und eine Grünfläche von elf Hektar.

Das Nationale Trachtenmuseum entstand aus einem 1969 geborenen Projekt, das 1973 vorgestellt und mit der Ausstellung O Traje Civil em Portugal, die 1974 im Nationalen Museum für Antike Kunst gezeigt wurde, konsolidiert wurde. Die Leiterin dieses gesamten Prozesses war Natália Correia Guedes sei der erste Direktor des Museums.

Am 23. Dezember 1976 wurde ein Dekret / Gesetz verabschiedet, das das Nationale Kostümmuseum und den Botanischen Park von Monteiro-Mor einrichtete.

Am 26. Juli 1977 wurde das Museum von dem damaligen Kulturstaatssekretär David Mourão-Ferreira, der Direktorin des Museums Natália Correia Guedes, und der damaligen Premierministerin Mário Soares mit der Eröffnung von fünf eröffnet ausstellungen: Geschichte der bürgerlichen und städtischen Tracht (von der Antike bis 1925), ergänzt durch die Ausstellung Trajo Popular (eine Partnerschaft mit dem Nationalen Museum für Ethnologie) und ergänzt durch Opernkostüm, Sammlung von Tomás Alcaide. Spinn-, Web- und Stempeltechniken wurden ebenfalls erforscht und Spielzeuge aus dem 18. und 20. Jahrhundert ausgestellt.

Hier ist die Privatbibliothek der Museologin Maria José de Mendonça hinterlegt.

Die Architektur
Der Palast verdankt sein heutiges Design dem 3. Marquis von Angeja, D. Pedro de Noronha, der hier seine naturkundlichen Sammlungen entwarf, ergänzt durch einen botanischen Garten. Im Jahr 1840 wird das Anwesen vom 2. Herzog von Palmela, D. Domingos de Sousa Holstein Beck, erworben.

Die Hauptfassade ist zum Innenhof oder Innenhof ausgerichtet und wird von Nebengebäuden begrenzt: alten Ställen (heute – Kasse / Laden) und Sammlungen (heute – Werkstätten).

Am Eingang des Palastes können wir die Mäntel der Marquises of Faial und 2. Herzöge von Palmela sehen. In der Hauptachse platziert, werden die beiden Mäntel von einer Markgrafenkrone überragt, die von einem Kreuz Christi abgeschlossen wurde, da der Markgraf von Faial mit einer Belobigung dieses Ordens ausgezeichnet worden war.

Das Erdgeschoss des Palastes war ursprünglich für Küchen- und andere Wirtschaftsgebäude sowie verschiedene Bereiche zur Familiennutzung vorgesehen. Die Hauptverbindung zwischen dem Erdgeschoss und dem 1. Stock besteht aus einer Marmortreppe und in der Decke befindet sich ein zentrales Medaillon mit einem Adler, der drei Strahlen in den Beinen hält.
Der erste Stock, der als „edler Stock“ bezeichnet wird, war für die soziale Interaktion gedacht. Hier befindet sich der edle Saal, der die Gewölbedecke und die üppige Rocaillendekoration des Stucks mit naturgeschichtlichen Themen und in den vier Liedern Allegorien hervorhebt zu den vier Jahreszeiten. Erwähnt sind Ziermalereien des orientalischen Saals mit seiner Chinoiserie, die Fresken des Musiksaals und der Fahnenhalle sowie die verschiedenen Kacheln der Rato-Fabrik.

Die alte Kapelle des Palastes, die Santa Rita gewidmet ist, ist ein interessantes Beispiel für das zeitgenössische Scharnier von D. Maria I., da sie den Übergang zwischen „Rocaille“ und neoklassischem Geschmack herstellt.

Der neugotische Teepavillon, der vom Marquis von Angeja als Haus der Vögel erbaut wurde und sich in die Umgebung des Palastes einfügt, ist derzeit das Restaurant Monteiro-Mor.

Botanischer Park von Monteiro-Mor
Der Botanische Park von Monteiro-Mor erstreckt sich über eine Fläche von ca. 11 ha und zeichnet sich durch seine Ursprünglichkeit sowie seinen botanischen und landschaftlichen Reichtum aus. Der Garten wurde vom Italiener Domenico Vandelli als botanischer Garten des 3. Marquis von Angeja angelegt. Dies war der dritte botanische Garten in Portugal, der in den 60er Jahren des 18. Jahrhunderts angelegt wurde. Ab dieser Zeit wurden nur noch Bauwerke gebaut, Stufen, Treppen oder Mauern, Seen mit formalem Design und einige interessante dekorative Elemente, wie der gebogene Stein und eine Reihe von Nischen für Statuen. Der vom Markgrafen von Angeja angelegte Park wurde im 19. Jahrhundert fortgesetzt und befand sich bereits im Besitz der Herzöge von Palmela. Hier wurden neue Arten wie Araucaria heterophylla oder Araucaria de Norfolk, die ersten in Portugal gepflanzten, eingeführt. Eine Kameleira, zwei monumentale Kochbananen, eine Buche, ein Taxod, ein Mammutbaum und zwei Gummibäume, die alle mehr als 150 Jahre alt sind, zeichnen den Park aus.

1975, mit dem Erwerb des Eigentums durch den portugiesischen Staat, war es der Forstingenieur Luís Filipe Sousa Lara, der seine seit den 60er Jahren des 20. Jahrhunderts wartungsfreie Wiederherstellung und Umgestaltung leitete. Neben anderen Arbeiten wurde der Rosengarten in einer Reihe von Kisten mit Hecken aus Buchsbaum mit einem Entwurf im Barockstil des 18. Jahrhunderts unter der Anleitung von arch geborgen. Landschaftskünstler Edgar Fontes.

Im Botanischen Park von Monteiro-Mor finden wir ein echtes Beispiel für traditionelle portugiesische Erholungsfarmen, die mit dem Haus oder dem Palast (heute Nationales Trachtenmuseum) verbunden sind, einen Garten mit Seen und Wasserfällen, Obstgärten, Obstgärten und Wäldern. Der Park wird von einer reißenden Wasserlinie durchquert, die in einer Leitung vergraben eintritt, bis sie bei einem Camarador-Sammler ankommt. Die verschiedenen Quellen, die in den Garten münden, ermöglichen es, den Wasserbedarf der Seen und die Bewässerung im Sommer vollständig zu decken.

Flora
Der Botanische Park von Monteiro-Mor verfügt über eine abwechslungsreiche Sammlung mit mehr als 250 vertretenen botanischen Arten, mit besonderem Schwerpunkt auf Zierpflanzen und für die Forstwirtschaft, aber auch dort, wo Gemüse, Obst, Aromen und Arzneimittel entwickelt werden.

Fauna
Die im Park vorhandene Fauna sticht vor allem durch die Vögel und eine Fledermauskolonie im Untergrund (Höhlen und Galerien) des Palastes Angeja-Palmela hervor. Im Frühjahr können im Untergrund des Kostümmuseums etwa 200 Teddybären (Miniopterus schreibersii) untergebracht werden, eine Art, die in Portugal den Status „gefährdet“ hat.

Skulpturen
1995 wurde das Projekt „Garten der Skulpturen“ im Botanischen Park eingeweiht, dessen Hauptziel die Bereicherung war, wodurch dem landschaftlichen Erbe ein museologischer Aspekt hinzugefügt wurde. Im Park sind Skulpturen von Minoru Nizuma, Catarina Baleiras, José Lucas, João Cutileiro, Moreira Rato, Soares Franco und Leopoldo de Almeida zu sehen.

Sammlungen
Die Sammlungen der Institution umfassen Sammlungen ziviler Kleidung – Damen, Herren und Kinder, national und international – und deren Accessoires, Fragmente von Stoffen und prahlerischen Stücken, Materialien und Ausrüstungen, die die Produktionsprozesse von Textilien, Kostümen und Accessoires belegen.

Die ersten Opfergaben stammen aus dem Jahr 1974 in den Registern des Nationalen Kostümmuseums, alle von Einzelpersonen. Die öffentliche Sammlung, in die die Sammlung integriert war, stammte aus dem Nationalmuseum der Autos, das seit 1904 eine wichtige Sammlung von Kostümen des Königshauses sammelte.

Kostüm des 18. Jahrhunderts (Barock- und Rocaille-Stil, 1700 bis 1789)
In der Barockzeit bestand die Frauentracht im Allgemeinen aus drei Hauptteilen: dem Mieder an der Brust, dem Rock und dem Überstand. Die Frauen zogen sich üppig an, mit Spitze und Schlaufen an der Kleidung. Zwischen 1740 und 1770, in der Mitte der Rocaille-Zeit, erschien ein sanfteres Kleid mit einem Oberteil, einem Rock und dem berühmten „Plis Watteau“, das aus Stofffalten bestand, die sich auf dem Rücken lösten und auf einen falschen Mantel hindeuteten. Bis zur Mitte des Jahrhunderts hatte das bei den großen Zeremonien verwendete „französische“ Kleid große Seitenvolumina, ein umgürtetes Oberteil und einen nach vorne offenen Vorsprung, der eine dreieckige Öffnung bildete, die den Rock zeigte.

Die Grundform des maskulinen Kostüms erschien in Frankreich Ende des 17. Jahrhunderts unter Ludwig XIV. Und bestand aus Mantel, Weste und Shorts. Diese Gruppe blieb in der Rocaille-Zeit, obwohl die Jacken weniger breit und reich bestickt präsentiert wurden. Die Shorts waren eng und endeten unterhalb der Knie. Die Stickereien bildeten Blumen- und Pflanzenmuster und wurden in den Stoffstücken hergestellt, bevor die Schnitte entweder von den Jacken oder von den Westen gemacht wurden.

Kaiserliche Tracht (1796 bis 1820)
Mit der Französischen Revolution, die 1789 stattfand, veränderten die revolutionären Ideale von „Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit“ in Verbindung mit der Vorliebe für die griechisch-römische Antike die Frauenkleidung radikal. In Frauenkleidung gaben Frauen ihre Korsetts und kleinen Strumpfhosen sowie ihre schweren, üppigen Stoffe auf, ihre Kleider waren gerade, hüfthoch und kurze Ballonärmel, begleitet von hohen Handschuhen. Die Röcke erreichten die Knöchel und die Schwänze wurden nur am Hof ​​getragen.

Am Vorabend der Revolution gab es eine große Begeisterung für die männlichen Teile des englischen Kostüms, sowohl für die Qualität ihres Kleides als auch für ihre funktionale Erscheinung. Aber die große Neuigkeit dieses Mal war die Einführung von Hosen in der Garderobe männlich, aus der Tracht der Männer des Volkes und der Seeleute, beginnen Hosen als Symbol der Revolution verwendet zu werden, da die Shorts ein Synonym für die aristokratische Tracht waren.

Romantisches Kostüm (1825 bis 1865)
Im 19. Jahrhundert, der Ära der Industrialisierung, gab es in mehreren Produktionsbereichen rasche technologische Fortschritte, denen die Modebranche nicht fremd war. In den 50er Jahren erreichte die weibliche Tracht mit der Einführung der Krinoline ihren maximalen Ausdruck. Dieser innere Rahmen verleiht den Röcken ein großes Volumen ohne zusätzliches Gewicht. Das Korsett formte die weibliche Büste um. Die bevorzugten Stoffe waren Seiden- und Baumwoll-Musselin mit Mustermustern, Blumen, Streifen und Streifen. Die Farben waren schlicht und dezent, überwiegend blau und grün.

Die Herrenmode von 1850 hielt die Trends der vergangenen Jahrzehnte aufrecht. Die Mäntel der schwarzen Farbe oder der nüchternen Töne wurden auch mit Hosen zu den Quadraten benutzt. Für die Nacht trug er einen schwarzen Mantel mit Hosen und eine Weste aus dem gleichen Stoff, ein Hemd mit einem gestärkten Lätzchen und einer Schleife.

Kostüm Belle Époque (1870 bis 1914)
Die Damen trugen zweiteilige Kleider, bestehend aus Body und Rock, die aus schweren Stoffen gefertigt waren und das Korsett in Mode blieb. Der Rock wurde lang getragen und sammelte Vorhänge, Besätze, Schmuckstücke, Bänder, Schleifen, Pompons und Fransen. Die charakteristische Silhouette dieser Zeit wurde jedoch durch ein voluminöses Interieur namens Tournure auf der Rückseite des Rocks gegeben.

1890 tauchten bei den Frauen die sogenannten „gesunden“ Korsetts auf, die ein welliges S-förmiges Lager erzeugten. Auf diese Weise wurde die Büste der Frau aufgestellt und so hervorgehoben, dass sie als „Brötchenkiste“ bezeichnet wurde. Die langen, glockenförmigen Röcke hatten normalerweise einen kleinen Schwanz. Die Tageskleider hatten einen hüfthohen Bund und einen Spitzenlatz oder Tüll. Nachts hatten die Kleider weite Ausschnitte und die Arme waren mit langen Handschuhen geschützt.

Im Männerkostüm wurden die Gehröcke und Frack weiterhin in den meisten Zeremoniensituationen mit Zylinder verwendet. Für den Alltag wurden die dreiteiligen Sets – Jacke, Weste und Hose – mit einer Melone getragen.

Kostüm des 20. Jahrhunderts
Die am 5. Oktober 1910 in Portugal implantierte Republik beendet die Monarchie und verändert die soziale Dynamik des portugiesischen Lebens. Viele Formalismen und soziale Zwänge sind verschwunden und sowohl die Kunst als auch die Mode waren Schauplatz mehrerer Veränderungen. Sport und Outdoor-Aktivitäten förderten einen neuen Lebensstil, und Damen bevorzugten Herrenanzüge wie den Tailleur. Aus England stammend, passte sich der aus Rock und Jacke gebildete Tailleur gut den Spaziergängen an und wurde besonders von den jungen Menschen geschätzt, die den Arbeitsmarkt zunehmend integrierten.

1910-1918
Portugiesische Frauen traten schnell einer neuen schlanken Silhouette bei, die Paul Poiret in Paris vorgeschlagen hatte. Inspiriert von der Tracht der Napoleonischen Zeit schlug die Couturierin die Verwendung von Kleidern vor, um die aufgebrauchten zweiteiligen Damenanzüge zu ersetzen. Ihre Kleider zeigten gerade Linien und eine hohe Taille, die es der Frau ermöglichte, sich aus dem Korsett zu befreien. In Paris inspirierten die Ballets Russes de Diaghilev die Mode und brachten orientalisierende Einflüsse für die Kleidung durch neue Formen, leuchtende Farben und luxuriöse Stoffe.

Das männliche Kostüm hat die Formen des ausgehenden Jahrhunderts beibehalten. Zu feierlichen Anlässen wurden Mantel und Mantel getragen, im Alltag begann der Gehrock durch den Kurzmantel mit Weste und Hose ersetzt zu werden.

1920-1930
Die Damenbekleidung hat diesem Jahrzehnt den entscheidenden Schritt in Richtung Funktionalität gegeben, indem sie dem Art-Deco-Stil folgt, der sich durch eine dekorative und elegante Geometrie auszeichnet. Die geradlinigen Kleider mit schlaffer Taille zeigten ihre Beine von den Knien. Die Kleider zum Tanzen waren kurz mit runden oder eckigen Ausschnitten, normalerweise mit einem Rock und manchmal bedeckt mit Perlen, Pailletten und Perlen. Die Strümpfe und Schuhe wurden zu Reliefstücken, die sich mit Farben füllten. Die Farben waren lebendig, obwohl auch Schwarz gewählt wurde.

In der Männertracht der zwanziger Jahre wurde in den Städten die Verwendung von Tweed-, Dorn- oder Schachfliesenmänteln in nüchternen Tönen, begleitet von weiten Hosen mit Falten und Knicken am unteren Ende aus einfarbigem oder schickem Stoff verallgemeinert. Der Smoking ist definitiv das bevorzugte männliche Kostüm für semi-informelle Veranstaltungen wie öffentliche oder private Abendessen, Tänze und Partys geworden. Schwarz mit Seidensatin-Revers, dazu eine Krawatte mit dem gleichen Farbton.

1930-1946
In den 1930er Jahren kehrte das Frauenkleid zu kurvenreicheren Linien zurück, die Länge des Rocks sank und die Taille kehrte in ihre natürliche Position zurück. Die Abendkleider waren lang und hatten einen nackten Rücken. Die beliebtesten Stoffe waren Crêpes und Satin. Die Filmschauspielerinnen begeisterten mit ihrem Glamour Frauen und wurden zu Vorbildern. Madeleine Vionnet kreierte den Cut in Bias, eine Technik, die den Stücken eine sehr geschätzte Elastizität und Fließfähigkeit verlieh und die weiblichen Körper auf sinnliche Weise formte.

Der Zweite Weltkrieg (1939-1945) verursachte enorme materielle Einschränkungen. Die Rationierung erlegte enge und kurze Kleidungsstücke auf. Die Frauen trugen Tailleurs mit enger Taille, einem geraden Rock, gezupften Schultern und breiten Taschen, die ihrer Silhouette eine maskuline, fast militärisch inspirierte Haltung gaben.

1947 bis 1950
Mit dem Ende des Zweiten Weltkriegs reagierte Christian Dior auf die Sehnsüchte der Frauen und schuf eine weibliche und luxuriöse Silhouette. Der vom französischen Couturier vorgeschlagene Stil wurde als New-Look bezeichnet, da er als Reaktion auf die funktionale Mode der 1940er Jahre entstand. Er wurde 1947 in Paris vorgestellt und wollte den Frauen den sinnlichen Aspekt zurückgeben. Dieses neue Bild wurde durch die Verwendung von geraden oder breiten Röcken, sehr runden und gewölbten, schmalen und zarten Taillen, kleinen Schultern und runden Körpern gekennzeichnet, die mit einer gut definierten Brust korsiert waren.

Zur gleichen Zeit, als der New-Look-Auftritt stattfand, entstand eine unruhige, bürgerliche Generation, die den in Kraft befindlichen Materialismus ablehnte. In den USA wurden die T-Shirts in Außenteile verwandelt, insbesondere nachdem Marlon Brando 1954 im Film „On the Waterfront“ mit einem weißen T-Shirt auftrat. Die als Jeans bekannte Jeans wurde von jungen Leuten adoptiert Menschen als Ausdruck ihrer Rebellion.

1960 bis 1970
Die Sechzigerjahre stellten eine neue Änderung im Kostüm dar. Die Jugend wurde zu einem Vorbild, das der geltenden Politik und Mentalität eine Haltung der Nichtübereinstimmung und des Widerspruchs vermittelte. Die Modebewegung verließ die Straße und begann die Haute Couture zu beeinflussen. Die Bekleidungshersteller sahen junge potenzielle Kunden und begannen, Teile speziell für sie herzustellen. Der Minirock, der 1965 von André Courrèges präsentiert und von Mary Quant populär gemacht wurde, bildet die Grundlage der weiblichen Mode dieses Jahrzehnts.

Am Ende dieses Jahrzehnts tauchte in San Francisco, Kalifornien, die Hippiebewegung auf, die sich vor einer Mentalitätsbewegung durchgesetzt und durch Popmusik verbreitet hatte. Ihre Kleidung war von den internationalen ethnischen Kleidern inspiriert: Die Jungen trugen Roben aus roher Baumwolle und Jeans, sie hatten lange Haare und Bärte; Die Mädchen trugen lange Gewänder, hatten lockere Blumenhaare und ungeschminkte Gesichter.

1980 bis 2000
Konfektionsmarken gewannen mit dem Aufkommen von Designern an Bedeutung, die zusammen mit Haute Couture dazu beitrugen, die Masse der Modebranche auszugleichen. Die relative Stabilität und der Wohlstand der 1980er Jahre begünstigten erneut die Wiederbelebung traditioneller Werte und Geschmäcker. Die neunziger Jahre waren jedoch international und gaben dem globalen Dorf einen fairen Anteil. Das Fernsehen, Modemagazine, der Tourismus und das Internet haben die Grenzen geöffnet und die Verbreitung von Kreationen ermöglicht, die nicht nur französisch, sondern auch italienisch, englisch, japanisch und amerikanisch sind.

Konfektionsmarken haben sich immer schneller entwickelt, um auf diejenigen zu reagieren, die einen umkämpften Auftritt vermitteln möchten. Auf der anderen Seite entstehen Modedesigner und sogenannte „Modeautoren“, die eine Alternative von Qualität und Stil zu der Masse schaffen, die die Entwicklung der Textil- und Süßwarenindustrie betrieb.