Musée national du costume, Lisbonne, Portugal

Le Musée national du costume (Museu Nacional do Traje), créé en 1976, présente au public une collection de costumes historiques, de vêtements et d’accessoires, datant du XVIIIe siècle à nos jours, dans des expositions permanentes ou temporaires. La collection se trouve dans le palais Angeja-Palmela, qui abrite le parc botanique de Monteiro-Mor.

Le musée est situé dans une vaste propriété acquise par l’État portugais en 1975. Cette propriété – une ancienne ferme de loisirs du XVIIIe siècle – possède un vaste espace vert maintenant ouvert au public et connu sous le nom – Parc botanique de Monteiro-Mor, et le siège est installé dans un bâtiment du 18ème siècle – le palais Angeja-Palmela.

Son objectif est d’établir une stratégie pour la recherche, la conservation et l’exposition publique de costumes et textiles. En outre, il a pour politique de sauvegarder et de promouvoir le parc botanique de Monteiro-Mor et de soutenir ce patrimoine au sein de la communauté.

Préserver vert («Conservar Verde») est un concept qui intègre les valeurs de responsabilité et de durabilité, ainsi que la gestion du patrimoine culturel et naturel confié au Musée national du costume.

L’histoire
Le Palácio Angeja-Palmela a été érigé au XVIIIe siècle par D. Pedro José de Noronha, 3e marquis d’Angeja, près du lieu où se trouvait le palais de D. Afonso Sanches, fils naturel de Dinis I du Portugal (1279-1325). .

D’origine inconnue, le palais subit l’influence de l’architecture de Pombal et se développe sur deux façades, dont l’une se termine par la chapelle. Du palais primitif, il ne reste qu’une culée du XVIe siècle dans une résidence adjacente au palais et des structures architecturales du XVIIe siècle.

L’entrée principale du palais se développe comme une galilée et l’articulation entre les étages se fait par un escalier de quatre tronçons droits. Dans ses salles se détachent les plafonds de masseira, le stuc, les peintures ornementales et divers panneaux de carrelage setecentistas.

En 1840, le bien fut acquis par D. Pedro de Sousa Holstein, marquis de Palmela et plus tard 1er duc de Palmela, qui entreprit des travaux d’amélioration du palais, notamment la reconstruction du pavillon néo-gothique, aujourd’hui occupé par le restaurant du musée.

À partir de la Seconde Guerre mondiale (1939-1945), le palais devint un collège religieux pour les réfugiés belges. En 1975, l’État portugais acquit la Quinta do Monteiro-Mor, qui, outre le palais Angeja-Palmela, comprend le Monteiro. -Mor Palace, une demeure du XVIIIe siècle, le jardin botanique et un espace vert de onze hectares.

Le Musée national du costume est le résultat d’un projet né en 1969, présenté en 1973 et consolidé avec l’exposition O Traje Civil em Portugal présentée au Musée national d’art ancien en 1974. Le responsable de tout ce processus était Natália Correia Guedes, être le premier directeur du musée.

Le 23 décembre 1976 a été adopté un décret / loi instituant le Musée national du costume et le parc botanique de Monteiro-Mor.

Le 26 juillet 1977, le musée a été inauguré par le secrétaire d’État à la Culture de l’époque, David Mourão-Ferreira, directeur du musée Natália Correia Guedes, et la présence du premier ministre de l’époque, Mário Soares, à l’ouverture de cinq expositions: Histoire du costume civil et urbain (de l’Antiquité à 1925), complétée par l’exposition Trajo Popular (partenariat avec le Musée national d’ethnologie) et complétée par le costume d’opéra, collection de Tomás Alcaide. Des techniques de filage, de tissage et d’estampage ont également été explorées et des jouets des XVIIIe et XXe siècles ont été exposés.

La bibliothèque privée du muséologue Maria José de Mendonça est déposée ici.

Architecture
Le palais doit sa conception actuelle au 3ème marquis d’Angeja, D. Pedro de Noronha, qui a conçu ici ses collections d’histoire naturelle, complétées par un jardin botanique. En 1840, la propriété est acquise par le 2e duc de Palmela, D. Domingos de Sousa Holstein Beck.

La façade principale fait face à la cour ou à la cour intérieure, délimitée par des bâtiments annexes: anciennes écuries (aujourd’hui – guichet / magasin) et collections (aujourd’hui – ateliers).

À l’entrée du palais, on peut voir les manteaux des marquis de Faial et du 2e duc de Palmela. Placés dans l’axe principal, les deux manteaux sont surmontés d’une couronne de marquis complétée par une croix du Christ, car le marquis de Faial avait été récompensé par une recommandation de cet ordre.

Le rez-de-chaussée du palais était à l’origine destiné à la cuisine et à d’autres dépendances, ainsi qu’à divers espaces à usage familial. La liaison principale entre le rez-de-chaussée et le 1er étage se fait par un escalier en marbre et au plafond, elle comporte un médaillon central avec un aigle tenant trois rayons dans les jambes.
Le premier étage, appelé “étage noble”, était destiné aux interactions sociales. Voici la salle noble qui met en valeur le plafond voûté et la profusion de rocailles en stuc sur des thèmes liés à l’histoire naturelle et, dans les quatre chansons, aux allégories. aux quatre saisons. Les peintures ornementales de la salle orientale avec ses chinoiseries, les fresques de la salle de musique et de la salle des drapeaux, ainsi que les divers carreaux de l’usine Rato sont mentionnés.

L’ancienne chapelle du palais dédiée à Santa Rita est un exemple intéressant de la charnière contemporaine de D. Maria I, puisqu’elle établit la transition entre les goûts «rocaille» et néoclassique.

Le pavillon de thé néo-gothique, construit par le marquis d’Angeja pour être la Maison des oiseaux, intégré aux alentours du palais est actuellement le restaurant Monteiro-Mor.

Parc Botanique de Monteiro-Mor
Le parc botanique de Monteiro-Mor couvre une superficie d’environ 11 ha où se distingue le jardin par son originalité, sa richesse botanique et paysagère. Le jardin a été conçu par l’italien Domenico Vandelli, pour être le jardin botanique du 3ème marquis d’Angeja. Ce fut le troisième jardin botanique à être construit au Portugal, à partir des années 60 du XVIII siècle. À partir de ce moment-là, seule la structure fut construite, des marches, des escaliers ou des murs, des lacs à la conception formelle et des éléments décoratifs intéressants, tels que la pierre incurvée et un ensemble de niches pour la statuaire. Le parc créé par le marquis d’Angeja au XIXe siècle, qui appartenait déjà aux ducs de Palmela, introduit de nouvelles espèces, telles que Araucaria heterophylla ou Araucaria de Norfolk, les premières plantes plantées au Portugal. Un caméléira, deux plantains monumentaux, un hêtre, un taxod, un séquoia et deux arbres à caoutchouc, tous ayant plus de 150 ans d’existence, se détachent dans le parc.

En 1975, avec l’acquisition de propriétés par l’État portugais, c’est l’ingénieur en sylviculture Luís Filipe Sousa Lara qui dirigea sa reconversion et sa reconversion sans entretien depuis les années 60 du XXe siècle. Outre d’autres travaux, la roseraie a été récupérée dans un ensemble de boîtes avec des haies de buis, avec un dessin de style baroque du XVIIIe siècle, sous la direction d’arch. artiste paysagiste Edgar Fontes.

Nous trouvons dans le parc botanique de Monteiro-Mor un véritable exemple de fermes de loisirs portugaises traditionnelles associées à la maison ou au palais (aujourd’hui le Musée du costume national), un jardin avec des lacs et des cascades, des vergers, des vergers et des bois. Le parc est traversé par une conduite d’eau de régime torrentiel, qui pénètre dans un conduit enfoui jusqu’à arriver à un collecteur camarador. Les différentes sources qui se jettent dans le jardin permettent de répondre pleinement aux besoins en eau des lacs et des arrosages en été.

Flore
Le parc botanique de Monteiro-Mor possède une collection variée de plus de 250 espèces botaniques représentées, avec un accent particulier sur les plantes ornementales et forestières, mais aussi sur les domaines où légumes, fruits, aromatiques et médicinaux sont développés.

Faune
La faune présente dans le parc se distingue avant tout des oiseaux et d’une colonie de chauves-souris dans les souterrains (grottes et galeries) du palais Angeja-Palmela. Pendant le printemps, le sous-sol du musée du costume peut abriter environ 200 nounours (Miniopterus schreibersii), une espèce au statut de “vulnérable” au Portugal.

Des sculptures
En 1995, le projet de jardin de sculptures a été inauguré dans le parc botanique, dont l’objectif principal était son enrichissement, ajoutant ainsi au patrimoine paysager un aspect muséologique. Des sculptures de Minoru Nizuma, Catarina Baleiras, João Cutileiro, José Lucas, Moreira Rato, Soares Franco et Leopoldo de Almeida sont dispersées dans le parc.

Des collections
Les collections de l’institution comprennent des collections de vêtements civils – femmes, hommes et enfants, nationaux et internationaux – et leurs accessoires, des fragments d’étoffes et de vêtements, des matériaux et des équipements qui témoignent des processus de production du textile, du costume et des accessoires.

Les premières offres de pièces datent de 1974 dans les registres du Musée national du costume, toutes composées de personnes. La collection publique qui a intégré sa collection provenait du Musée national de l’automobile qui, depuis 1904, rassemblait une importante collection de costumes de la Maison royale.

Costume du XVIIIe siècle (styles baroque et rocaille, de 1700 à 1789)
À l’époque baroque, le costume féminin était généralement composé de trois pièces principales: le corsage ajusté au buste, la jupe et la saillie. Les femmes s’habillaient somptueusement, avec la dentelle et des boucles sur leurs vêtements. Entre 1740 et 1770, au milieu de la période rocaille, apparut une robe plus douce, avec un corsage, une jupe et le célèbre “Plis Watteau”, composée de plis de tissu tombant dans le dos, suggérant un faux manteau. Vers le milieu du siècle, la robe «française» utilisée dans les grandes cérémonies avait de larges volumes latéraux, un corsage ceinturé et une saillie ouverte à l’avant, formant une ouverture triangulaire qui montrait la jupe.

La forme de base du costume masculin est apparue en France à la fin du siècle XVII, sous le règne de Louis XIV, se composant d’un manteau, d’un gilet et d’un short. Ce groupe est resté dans la période Rocaille bien que les vestes soient moins larges et richement brodées. Le short était serré et se terminait sous les genoux. Les broderies formaient des motifs floraux et végétaux et étaient faites dans les morceaux de tissu avant que les coupes ne soient faites soit des vestes soit des gilets.

Costume impérial (1796 à 1820)
Avec la Révolution française, qui a eu lieu en 1789, les idéaux révolutionnaires de “Liberté, Égalité et Fraternité” se sont combinés à un goût pour l’antiquité gréco-romaine qui a radicalement transformé le vêtement féminin. Dans les vêtements féminins, les femmes abandonnaient leurs corsets et leurs petits collants, ainsi que leurs tissus épais et riches, leurs robes étaient droites, à la taille et à manches courtes, accompagnées de hauts gants. Les jupes ont atteint les chevilles et les queues ont été portés seulement à la cour.

À la veille de la Révolution, il y avait un grand enthousiasme pour les parties masculines du costume anglais, à la fois pour la qualité de leur tenue et pour leur aspect fonctionnel. Mais la grande nouvelle cette fois, c’est l’introduction du pantalon dans la garde-robe masculine, du costume des hommes du peuple et des marins, le pantalon commence à être utilisé comme symbole de la révolution, car le short est synonyme du costume aristocratique.

Costume romantique (1825 à 1865)
Au XIXe siècle, à l’ère de l’industrialisation, de rapides progrès technologiques sont apparus dans plusieurs domaines de la production, auxquels l’industrie de la mode n’était pas étrangère. Dans les années 50, le costume féminin atteint son expression maximale avec l’introduction de la crinoline. Ce cadre intérieur donnait un grand volume symétrique aux jupes sans alourdir. Le corset a remodelé le buste féminin. Les tissus préférés étaient la mousseline de soie et le coton avec motifs, fleurs, rayures et rayures. Les couleurs étaient simples et discrètes, principalement bleues et vertes.

La mode masculine de 1850 a conservé les tendances des décennies précédentes. Les manteaux de couleur noire ou de tons sobres étaient également utilisés avec un pantalon aux carrés. Pour la nuit, il portait un manteau noir avec un pantalon et une veste du même tissu, une chemise avec un bavoir empesé et un nœud.

Costume Belle Époque (1870 à 1914)
Les dames portaient des robes en deux parties, composées d’un corps et d’une jupe, faites de tissus épais et le corset restait en vogue. La jupe était longue, accumulant draperies, garnitures, bibelots, rubans, noeuds, pompons et franges. Cependant, la silhouette caractéristique de cette période était donnée par un intérieur volumineux, appelé tournure, appliqué à l’arrière de la jupe.

En 1890, les femmes ont vu émerger les corsets dits “sains” qui produisaient un roulement ondulé en forme de S. De cette façon, le buste de la femme a été érigé et mis en évidence de sorte qu’il s’appelle “la poitrine des rouleaux”. Les longues jupes en forme de cloche avaient généralement une petite queue. Les robes de jour avaient une ceinture à la taille et un bavoir ou un tulle en dentelle. La nuit, les robes avaient de larges décolletés et les bras étaient protégés par de longs gants.

Dans le costume masculin, les redingotes et les tuniques continuent à être utilisés dans la plupart des situations lors de cérémonies avec chapeau haut de forme. Pour la vie quotidienne, les ensembles en trois pièces – veste, gilet et pantalon – étaient portés avec un chapeau melon.

Costume du 20ème siècle
La République implantée au Portugal le 5 octobre 1910 met fin à la monarchie et transforme la dynamique sociale de la vie portugaise. De nombreux formalismes et contraintes sociales ont disparu et les arts, ainsi que la mode, ont été le théâtre de plusieurs changements. Les sports et les activités de plein air favorisaient un nouveau style de vie et les femmes préféraient les costumes pour hommes, comme le tailleur. D’origine anglaise, le tailleur formé d’une jupe et d’une veste s’adaptait bien aux promenades et était particulièrement apprécié des jeunes qui s’intégraient de plus en plus sur le marché du travail.

1910-1918
Les femmes portugaises ont rapidement rejoint une nouvelle silhouette mince proposée à Paris par Paul Poiret. Inspiré du costume d’époque napoléonienne, ce couturier a proposé l’utilisation de robes pour remplacer les costumes deux pièces pour femmes usés. Ses robes avaient des lignes droites et une taille haute, ce qui permettait à la femme de se libérer du corset. À Paris, les Ballets Russes de Diaghilev ont inspiré la mode, apportant des influences orientalisantes pour le vêtement à travers de nouvelles formes, des couleurs vives et des tissus luxueux.

Le costume masculin a gardé les formes de la fin du siècle dernier. Lors des occasions solennelles, le manteau et le manteau étaient usés, dans la vie quotidienne, la redingote commençait à être remplacée par le manteau court avec gilet et pantalon.

1920-1930
Les vêtements pour femmes ont donné à cette décennie le pas décisif vers la fonctionnalité, suivant le style Art Déco, caractérisé par une géométrie décorative et élégante. Les robes droites à la taille lâche montraient ses jambes depuis ses genoux. Les robes de danse étaient courtes et avaient un décolleté rond ou carré, généralement avec une jupe et parfois recouvertes de perles, de paillettes et de perles. Les bas et les chaussures sont devenus des morceaux de relief, remplis de couleurs. Les couleurs étaient vives, bien que le noir ait également été choisi.

Dans le costume masculin des années 1920, l’utilisation de manteaux de tons sobres en tweed, à épines ou en tuiles d’échecs, accompagnée d’un pantalon large à plis et plis à la base, en tissu uni ou fantaisie, était généralisée dans les villes. Le smoking est définitivement devenu le costume masculin préféré pour des événements semi-informels tels que des dîners publics ou privés, des soirées dansantes et des soirées. De couleur noire avec des revers en satin de soie, il était accompagné d’une cravate du même ton.

1930-1946
Dans les années 1930, la robe des femmes est revenue à des lignes plus arrondies, la longueur de la jupe a été réduite et la taille a retrouvé sa position naturelle. Les robes du soir étaient longues, avec le dos nu. Les tissus les plus appréciés étaient les crêpes et les satins. Les actrices de cinéma, avec leur glamour, inspirent les femmes et deviennent des modèles. Madeleine Vionnet a créé la coupe en biais, une technique qui donnait aux pièces une élasticité et une fluidité très appréciées, moulant les corps féminins de manière sensuelle.

La Seconde Guerre mondiale (1939-1945) a engendré d’énormes contraintes matérielles. Le rationnement imposait des vêtements serrés et courts. Les femmes portaient des tailleurs à taille serrée, une jupe droite, des épaules pincées et de larges poches qui donnaient à leur silhouette une allure masculine, presque militaire.

1947 à 1950
À la fin de la Seconde Guerre mondiale, Christian Dior a répondu aux aspirations des femmes en créant une silhouette féminine et luxueuse. Le style proposé par le couturier français s’appelle New-Look, c’est-à-dire une réaction à la mode fonctionnelle des années 1940. Présenté à Paris en 1947, il avait pour objectif de redonner à la femme l’aspect sensuel. Cette nouvelle image se caractérisait par l’utilisation de jupes droites ou larges, très rondes et cintrées, d’une taille étroite et délicate, de petites épaules et de rondes, et d’un corps corseté avec une poitrine bien définie.

Au moment même où l’apparence de New Look était en place, une génération inquiète de la classe moyenne a émergé, rejetant le matérialisme en vigueur. Aux États-Unis, les t-shirts ont été transformés en parties extérieures, en particulier après l’apparition de Marlon Brando avec un t-shirt White dans le film “On the Waterfront” en 1954. Le jean, appelé jean, a commencé à être adopté les gens comme une expression de leur rébellion.

1960 à 1970
Les années soixante représentent un nouveau changement de costume. La jeunesse est devenue un modèle à suivre, traduisant une attitude de non-conformité et de contestation vis-à-vis de la politique et de la mentalité en vigueur. Les mouvements de mode ont quitté la rue et ont commencé à influencer la Haute Couture. Les fabricants de vêtements ont rencontré de jeunes clients potentiels et ont commencé à créer des pièces spécialement pour eux. À la base de la mode féminine de cette décennie, la minijupe, présentée par André Courrèges, en 1965, et popularisée par Mary Quant.

À la fin de cette décennie, apparut à San Francisco en Californie, le mouvement hippie qui était avant un mouvement des mentalités et se répandit dans la musique pop. Leurs vêtements ont été inspirés par les robes ethniques internationales: les garçons portaient des robes de coton brut et des jeans, ils avaient les cheveux longs et la barbe; les filles portaient de longues robes, leurs cheveux lâches de fleurs et leur visage sans maquillage.

1980 à 2000
Les marques de prêt-à-porter ont commencé à prendre de l’importance avec l’émergence de créateurs qui, avec la Haute Couture, ont contribué à équilibrer la massification de l’industrie de la mode. La relative stabilité et la prospérité des années 1980 ont favorisé, une fois encore, la renaissance des valeurs et des goûts traditionnels. Cependant, les années 90 ont été internationales, donnant une juste part au village mondial. La télévision, les magazines de mode, le tourisme et Internet ont défait les frontières, permettant la diffusion de créations non seulement en français mais aussi en italien, anglais, japonais et américain.

Les marques de prêt-à-porter se sont développées à un rythme de plus en plus rapide pour répondre à ceux qui souhaitent donner une apparence contestée. D’autre part, les créateurs de mode font leur apparition et forment ce qu’il est convenu d’appeler «auteur de la mode», ce qui permet de créer une alternative de qualité et de style à la massification opérée par le développement de l’industrie textile et de la confection.