O Museu Nacional do Traje, criado em 1976, apresenta ao público uma coleção de trajes históricos, vestimentas e acessórios, que datam do século XVIII até os dias de hoje, seja em exposições permanentes ou temporárias. A colecção está alojada no Palácio Angeja-Palmela, no seu terreno, o Parque Botânico Monteiro-Mor.

O museu está localizado em uma vasta propriedade adquirida pelo Estado Português em 1975. Esta propriedade – uma antiga quinta de recreação do século XVIII – tem uma extensa área verde agora aberta ao público e conhecida como – Parque Botânico Monteiro-Mor, e sua sede da sede em um edifício do século XVIII – o Palácio Angeja-Palmela.

Sua finalidade é estabelecer uma estratégia para a pesquisa, conservação e exibição pública de trajes e tecidos. Além disso, possui uma política de salvaguardar e promover o Parque Botânico Monteiro-Mor e apoiar esse patrimônio entre a comunidade.

Preservar Verde (“Conservar Verde”) é um conceito que integra os valores de responsabilidade e sustentabilidade, assim como a gestão do patrimônio cultural e natural confiado ao Museu Nacional do Traje.

História
O Palácio Angeja-Palmela foi erigido no século XVIII por D. Pedro José de Noronha, 3º Marquês de Angeja, perto do local onde se encontrava o palácio de D. Afonso Sanches, filho natural de Dinis I de Portugal (1279-1325) .

Com uma autoria desconhecida, o palácio é influenciado pela arquitectura de Pombal, desenvolvendo-se em duas fachadas, uma das quais termina com a capela. Do palácio primitivo resta apenas um abutment do século XVI em uma residência ao lado do palácio e algumas estruturas arquitetônicas do século XVII.

A entrada principal do palácio se desenvolve como uma galiléia e a articulação entre os andares é feita por uma escada de quatro trechos retos. Em seus quartos destacam-se os tectos masseiras, o estuque, as pinturas ornamentais e os diversos painéis de azulejos setecentistas.

Em 1840, a propriedade foi adquirida por D. Pedro de Sousa Holstein, Marquês de Palmela e depois pelo 1º Duque de Palmela, que empreendeu obras para melhorar o palácio, incluindo a reconstrução do pavilhão neogótico, hoje ocupado pelo restaurante-museu.

Desde a Segunda Guerra Mundial (1939-1945), o palácio tornou-se um colégio religioso para refugiados belgas, até que, em 1975, o Estado Português adquiriu a Quinta do Monteiro-Mor, que, para além do Palácio Angeja-Palmela, compreende o Monteiro. -Mor Palace, uma residência do século XVIII, o Jardim Botânico e uma área verde de onze hectares.

O Museu do Traje Nacional resultou de um projecto nascido em 1969, apresentado em 1973 e consolidado com a exposição O Traje Civil em Portugal apresentada no Museu Nacional de Arte Antiga em 1974. A responsável por todo este processo foi Natália Correia Guedes, que veio para ser o primeiro diretor do Museu.

O 23 de dezembro de 1976 foi aprovado um Decreto / Lei que instituiu o Museu Nacional do Traje e o Parque Botânico de Monteiro-Mor.

Em 26 de julho de 1977, o museu foi inaugurado pelo então Secretário de Estado da Cultura, David Mourão-Ferreira, o diretor do museu Natália Correia Guedes, e a presença do então Primeiro Ministro, Mário Soares, com a abertura de cinco exposições: História do traje civil e urbano (desde a antiguidade até 1925), complementada pela exposição Trajo Popular (parceria com o Museu Nacional de Etnologia) e que também foi adicionado o traje de ópera, coleção de Tomás Alcaide. Técnicas de fiação, tecelagem e estamparia também foram exploradas e brinquedos dos séculos XVIII e XX foram expostos.

A biblioteca particular da museóloga Maria José de Mendonça é depositada aqui.

Arquitetura
O Palácio deve o seu actual desenho ao 3º Marquês de Angeja, D. Pedro de Noronha, que ali concebeu as suas colecções de história natural, complementadas por um jardim botânico. Em 1840, a propriedade é adquirida pelo 2º Duque de Palmela, D. Domingos de Sousa Holstein Beck.

A fachada principal é voltada para o pátio ou para o pátio interior, delimitada por edifícios anexos: antigos estábulos (hoje – bilheteira / loja) e colecções (hoje – oficinas).

Na entrada do Palácio podemos ver as capas dos Marqueses do Faial e do 2º Duque de Palmela. Colocados no eixo principal, os dois casacos são encimados por uma coroa de marquês arrematada por uma cruz de Cristo, porque o Marquês do Faial foi premiado com uma recomendação desta ordem.

O piso térreo do palácio foi originalmente destinado a cozinha e outras dependências de serviços, bem como várias áreas para uso familiar. A principal ligação entre o piso térreo e o 1º andar é feita por uma escadaria de mármore e no teto, possui um medalhão central com uma águia segurando três raios nas pernas.
O primeiro andar, chamado de “nobre andar”, foi destinado à interação social, e aqui está o nobre salão, que destaca o teto abobadado e a profusa decoração rocaille de estuque com temas relacionados à história natural e, nas quatro músicas, alegorias às quatro estações. Pinturas ornamentais da sala oriental com suas chinoiseries, os afrescos da sala de música e do salão das bandeiras, bem como os vários azulejos da fábrica Rato são mencionados.

A antiga capela do palácio dedicada a Santa Rita é um exemplo interessante da dobradiça contemporânea de D. Maria I, uma vez que estabelece a transição entre os sabores “rocaille” e neoclássico.

O pavilhão de chá neogótico, construído pelo Marquês de Angeja para ser a Casa das Aves, integrado nos arredores do palácio é atualmente o restaurante Monteiro-Mor.

Parque Botânico de Monteiro-Mor
O Parque Botânico de Monteiro-Mor abrange uma área de cerca de 11ha onde se destaca o jardim, pela sua originalidade e riqueza botânica e paisagística. O jardim foi desenhado pelo italiano Domenico Vandelli, para ser o jardim botânico do 3º Marquês de Angeja. Este foi o terceiro jardim botânico a ser construído em Portugal, a partir dos anos 60 do século XVIII. A partir desta época, apenas a estrutura foi construída, degraus, escadas ou muros, lagos com design formal e alguns elementos decorativos interessantes, como a pedra curva e um conjunto de nichos para a estatuária. O parque iniciado pelo Marquês de Angeja, continuou no século XIX, já pertencente aos Duques de Palmela, que introduz novas espécies, como a Araucária heterophylla ou Araucária de Norfolk, a primeira plantada em Portugal. Uma cameleira, duas bananeiras monumentais, uma faia, um taxod, uma sequóia e duas seringueiras, todas com mais de 150 anos de existência, destacam-se no parque.

Em 1975, com a aquisição de propriedade pelo Estado Português, foi o engenheiro silvicultural Luís Filipe Sousa Lara quem liderou a sua recuperação e reconversão que se encontra sem manutenção desde os anos 60 do século XX. Além de outras obras, o jardim de rosas foi recuperado em um conjunto de caixas com sebes de buxo, com um desenho em estilo barroco do século XVIII, sob a orientação do arco. artista paisagista Edgar Fontes.

Encontramos no Parque Botânico Monteiro-Mor um exemplo genuíno das tradicionais quintas de recreio portuguesas, associadas à casa ou ao palácio (hoje Museu do Traje Nacional), um jardim com lagos e cascatas, pomares, pomares e bosques. O Parque é atravessado por uma linha de água de regime torrencial, que entra em conduto enterrado até chegar a um colecionador de camarões. As várias nascentes que fluem para o jardim tornam possível abastecer totalmente as necessidades de água dos lagos e regar durante o verão.

Flora
O Parque Botânico de Monteiro-Mor possui uma colecção variada com mais de 250 espécies botânicas representadas, com especial destaque para a ornamentação e para a silvicultura, mas também onde se desenvolvem vegetais, fruta, aromáticos e medicinais.

Fauna
A fauna presente no Parque destaca-se sobretudo das aves e de uma colónia de morcegos no subsolo (grutas e galerias) do palácio Angeja-Palmela. Durante a Primavera, o subsolo do Museu do Traje pode abrigar cerca de 200 morcegos de peluche (Miniopterus schreibersii), uma espécie com o estatuto de “vulnerável” em Portugal.

Esculturas
Em 1995, o projeto Jardim das Esculturas foi inaugurado no Parque Botânico, cujo principal objetivo foi o enriquecimento, agregando ao patrimônio paisagístico um aspecto museológico. Espalhados pelo parque, temos esculturas de Minoru Nizuma, Catarina Baleiras, João Cutileiro, José Lucas, Moreira Rato, Soares Franco e Leopoldo de Almeida.

Coleções
As coleções da instituição incluem coleções de roupas civis – mulheres, homens e crianças, nacionais e internacionais – e seus acessórios, fragmentos de tecidos e peças de bragal, materiais e equipamentos que atestam os processos de produção têxtil, de figurinos e acessórios.

As primeiras ofertas de peças datam de 1974 nos registros do Museu Nacional do Traje, todos eles de indivíduos. A coleção pública que integrou sua coleção veio do Museu Nacional dos Automóveis que, desde 1904, colecionou uma importante coleção de fantasias da Casa Real.

Traje do século XVIII (estilos barroco e rocaille, 1700 a 1789)
No período barroco, o traje feminino era geralmente composto de três peças principais, o corpete ajustado ao busto, a saia e a protuberância. As mulheres se vestiam suntuosamente, com as rendas e laços em suas roupas. Entre 1740 e 1770, no meio do período de Rocaille, apareceu um vestido mais suave, com um corpete, saia e o famoso “Plis Watteau”, composto de dobras de tecido que se soltavam nas costas, sugerindo um falso manto. Na metade do século, a vestimenta “francesa” usada nas grandes cerimônias tinha amplos volumes laterais, um corpete cingido e uma protuberância aberta na frente, formando uma abertura triangular que mostrava a saia.

A forma básica do traje masculino apareceu na França no final do século XVII, durante o reinado de Luís XIV, sendo composta por casaco, colete e calções. Este grupo permaneceu no período de Rocaille, embora as jaquetas fossem menos largas e apresentassem ricamente bordadas. Os shorts eram apertados e terminavam abaixo dos joelhos. Os bordados formavam padrões florais e vegetais e eram confeccionados nos pedaços de tecido antes de serem feitos os cortes dos coletes ou dos coletes.

Traje Imperial (1796 a 1820)
Com a Revolução Francesa, ocorrida em 1789, os ideais revolucionários de “Liberdade, Igualdade e Fraternidade” combinados com o gosto pela antiguidade greco-romana transformaram radicalmente as roupas das mulheres. Em trajes femininos, as mulheres abandonavam seus espartilhos e meias-calças, bem como seus tecidos pesados ​​e ricos, seus vestidos eram retos, na altura da cintura e mangas curtas de balão acompanhadas de luvas altas. As saias atingiam os tornozelos e as caudas eram usadas apenas na corte.

Na véspera da Revolução, havia um grande entusiasmo pelas partes masculinas do traje inglês, tanto pela qualidade de seus vestidos como por sua aparência funcional. Mas a grande novidade desta vez foi a introdução de calças no guarda-roupa masculino, a partir do traje dos homens do povo e marinheiros, as calças começam a ser usadas como símbolo da revolução, pois os shorts eram sinônimos da fantasia aristocrática.

Traje Romântico (1825 a 1865)
No século XIX, na era da industrialização, surgiram rápidos avanços tecnológicos em diversas áreas de produção, às quais a indústria da moda não era estranha. Nos anos 50, o traje feminino atingiu sua máxima expressão com a introdução da crinolina. Esta armação interna deu um grande volume simétrico às saias sem adicionar peso. O espartilho reformulou o busto feminino. Os tecidos preferidos eram seda e musselina de algodão com padrões, flores, listras e listras. As cores eram simples e discretas, predominantemente azuis e verdes.

A moda masculina de 1850 manteve as tendências das décadas anteriores. Os casacos de cor preta ou de tons sóbrios eram também usados ​​com calças nas praças. Durante a noite, ele usava um casaco preto com calças e um colete do mesmo tecido, uma camisa com um babador engomado e um arco.

Traje Belle Époque (1870 a 1914)
As senhoras usavam vestidos de duas peças, compostas de corpo e saia, que eram feitas com tecidos pesados ​​e o espartilho permaneceu em voga. A saia foi usada por muito tempo, acumulando cortinas, enfeites, bugigangas, fitas, laços, pompons e franjas. No entanto, a silhueta característica deste período foi dada por um interior volumoso, chamado de “tournure”, aplicado na parte de trás da saia.

Em 1890, as mulheres viram o surgimento dos chamados “saudáveis” espartilhos que produziam um rolamento em forma de S ondulado. Deste modo erigiu-se o busto da mulher e destacou-se assim que se denominou “baú de rolos”. As longas saias em forma de sino geralmente tinham uma pequena cauda. Os vestidos de dia tinham um cós de cintura e um babador ou tule de renda. À noite os vestidos tinham decotes largos e os braços eram protegidos com luvas compridas.

Na fantasia masculina, os casacos e fraque continuaram a ser usados ​​na maioria das situações cerimônia com cartola. Para a vida cotidiana, os conjuntos de três peças – jaqueta, colete e calças – eram usados ​​com um chapéu-coco.

Traje do século 20
A República implantada em Portugal no dia 5 de outubro de 1910 põe fim à monarquia e transforma a dinâmica social da vida portuguesa. Muitos formalismos e restrições sociais desapareceram e as artes, assim como a moda, foram palco de várias mudanças. Esportes e atividades ao ar livre promoviam um novo estilo de vida, e as senhoras preferiam ternos de homem, como o tailleur. De origem inglesa, o tailleur formado por saia e jaqueta se adaptou bem aos passeios e foi especialmente apreciado pelos jovens que cada vez mais integraram o mercado de trabalho.

1910-1918
As mulheres portuguesas juntaram-se rapidamente a uma nova silhueta fina proposta em Paris por Paul Poiret. Inspirado pelo traje do período napoleônico, este estilista propôs o uso de vestidos para substituir os ternos femininos de duas peças usados. Seus vestidos mostravam linhas retas e cintura alta, o que permitia à mulher se libertar do espartilho. Em Paris, os Ballets Russes de Diaghilev inspiraram a moda, trazendo influências orientalizantes para o vestuário através de novas formas, cores brilhantes e tecidos luxuosos.

O traje masculino manteve as formas do final do século passado. Em ocasiões solenes, o casaco e o casaco eram usados, no dia a dia o sobrecapa começou a ser substituído pelo casaco curto com colete e calças.

1920-1930
O vestuário feminino deu a esta década o passo definitivo para a funcionalidade, seguindo o estilo Art Deco, caracterizado por uma geometria decorativa e elegante. Os vestidos retos com uma cintura frouxa mostravam as pernas de seus joelhos. Os vestidos para dançar eram curtos, com decotes redondos ou quadrados, geralmente com uma saia e às vezes cobertos com miçangas, lantejoulas e miçangas. As meias e os sapatos tornaram-se peças de relevo, preenchendo-se de cores. As cores eram vivas, embora o preto também fosse escolhido.

Na fantasia masculina da década de 1920, generalizou-se o uso de casacos de tweed, casacos de xadrez ou de xadrez de tons sóbrios, acompanhados de calças largas com pregas e dobras na extremidade inferior, em tecido simples ou fantasia nas cidades. O smoking tornou-se definitivamente o traje masculino preferido para eventos semi-informais, como jantares públicos ou privados, danças e festas. De cor preta com lapelas de cetim de seda, acompanhava-se de uma gravata do mesmo tom.

1930-1946
Na década de 1930, o vestido das mulheres retornou a linhas mais curvilíneas, o comprimento da saia desceu e a cintura voltou à sua posição natural. Os vestidos de noite eram longos, com as costas nuas. Os tecidos mais apreciados eram crepes e cetins. As atrizes de cinema, com seu glamour, inspiraram mulheres e se tornaram modelos. Madeleine Vionnet criou o corte no viés, técnica que deu às peças uma elasticidade e fluidez muito apreciadas, moldando os corpos femininos de forma sensual.

A Segunda Guerra Mundial (1939-1945) causou enormes restrições materiais. O racionamento impunha peças justas e curtas. As mulheres usavam tailleurs com uma cintura apertada, uma saia reta, ombros puxados e bolsos largos que davam à silhueta uma postura masculina, quase de inspiração militar.

1947 a 1950
Com o fim da Segunda Guerra Mundial, Christian Dior respondeu aos anseios das mulheres criando uma silhueta feminina e luxuosa. O estilo proposto pelo costureiro francês foi chamado New-Look, como surgiu como uma reação à moda funcional dos anos 1940. Apresentado em Paris em 1947, ele pretendia restaurar às mulheres o aspecto sensual. Esta nova imagem foi caracterizada pelo uso de saias retas ou largas, cintura muito redonda e arqueada, estreita e delicada, ombros pequenos e redondos, e corpo corseted com peito bem definido.

Ao mesmo tempo em que a aparência do Novo Olhar estava em vigor, uma geração inquieta de classe média emergiu, rejeitando o materialismo em vigor. Nos Estados Unidos, as camisetas foram transformadas em partes externas, especialmente depois que Marlon Brando apareceu com uma camiseta branca no filme “Na beira-mar”, em 1954. A calça jeans, conhecida como jeans, começou a ser adotada por jovens. pessoas como uma expressão de sua rebelião.

1960 a 1970
Os anos sessenta representaram uma nova mudança no traje. A juventude tornou-se um modelo a seguir, transmitindo uma atitude de inconformidade e contestação à política e mentalidade em vigor. Os movimentos da moda deixaram a rua e começaram a influenciar a alta costura. Os fabricantes de vestuário viram jovens potenciais clientes e começaram a criar peças especialmente para eles. Na base da moda feminina desta década a minissaia, apresentada por André Courrèges, em 1965, e popularizada por Mary Quant.

No final desta década apareceu em San Francisco, Califórnia, o movimento hippie que foi antes de um movimento de mentalidades e se espalhou através da música pop. Suas roupas eram inspiradas nos vestidos étnicos internacionais: os meninos usavam roupas de algodão cru e jeans, tinham cabelos compridos e barbas; as meninas usavam longas túnicas, usavam os cabelos soltos com flores e os rostos sem maquiagem.

1980 a 2000
As marcas de pronto-a-vestir começaram a ganhar importância com o surgimento de designers que, juntamente com a Haute Couture, ajudaram a equilibrar a massificação da indústria da moda. A relativa estabilidade e prosperidade dos anos 80 favoreceram, mais uma vez, o renascimento dos valores e gostos tradicionais. No entanto, os anos 90 foram internacionais, dando uma parcela justa à aldeia global. A televisão, as revistas de moda, o turismo e a internet desfizeram as fronteiras, possibilitando a disseminação de criações não só francesas mas italianas, inglesas, japonesas e americanas.

As marcas de pronto-a-vestir desenvolveram-se a um ritmo cada vez maior para responder àqueles que desejam transmitir uma aparência contestada. Por outro lado, os designers de moda emergem e o que veio a ser chamado de “autor de moda”, que atribui a criação de uma alternativa de qualidade e estilo à massificação que o desenvolvimento da indústria têxtil e de confecção estava operando.