1976 년에 창설 된 국립 제복의 박물관 (Museu Nacional do Traje)은 18 세부터 100 세까지의 역사적인 의상, 의상 및 액세서리 컬렉션을 일반 또는 임시 전시회에서 일반인에게 선물합니다. 컬렉션은 Angeja-Palmela 궁전에 있으며, 그 근거로 Monteiro-Mor Botanic Park가 있습니다.
이 박물관은 1975 년 포르투갈 주에 의해 인수 된 광대 한 건물에 위치하고 있습니다.이 건물은 18 세기 레크리에이션의 예전 농가 였지만 지금은 일반인에게 공개되고 식물 Monteiro-Mor 공원으로 알려진 광범위한 녹지가 있으며 본부는 18 세기 건물 인 thePalace Angeja-Palmela에서 촉구된다.
그 목적은 복장과 직물의 연구, 보전 및 공공 전시회를위한 전략 수립에 있습니다. 또한 Monteiro-Mor 식물 공원을 보호하고 홍보하고 지역 사회에서이 유산을 지원하는 정책이 있습니다.
Green 보존 ( “Conservar Verde”)은 책임과 지속 가능성의 가치뿐만 아니라 국립 의복 박물관에 위탁 된 문화 유산 및 자연 유산의 관리를 통합하는 개념입니다.
역사
Palácio Angeja-Palmela는 D. 궁전이 있었던 곳 근처에 D. Pedro José de Noronha, Angeja의 제 3 후작에 의해 XVIII 세기에 세워졌습니다. Afonso Sanches, 포르투갈의 Dinis I의 자연 아들 (1279-1325) .
알려지지 않은 저자의 궁전은 Pombal의 건축 양식에 영향을 받아 2 개의 외관으로 이루어지며, 그 중 하나는 예배당으로 끝납니다. 원시 궁전 중 궁전과 인접한 거주지에는 단지 16 세기 지대치와 일부 17 세기 건축물 구조가 남아 있습니다.
궁전의 주요 입구는 갈릴리처럼 발전하고 바닥 사이의 조음은 4 개의 직선 뻗기의 계단에 의해 만들어집니다. 객실은 마세이라 천장, 치장 용 벽토, 장식용 그림 및 다양한 타일 패널 세트를 자랑합니다.
1840 년에이 건물은 Palmela의 Marquis, Palmela의 Du Pedro de Sousa Holstein에 의해 인수되었으며, 박물관의 레스토랑으로 점령 된 신 고딕 양식의 전시관을 포함한 궁전을 개선하기위한 작업을 수행했습니다.
제 2 차 세계 대전 (1939-1945)에서, 궁전은 1975 년에 포르투갈 국가가 Angeja-Palmela Palace 외에도 Quinta do Monteiro-Mor를 인수하여 Monteiro를 구성 할 때까지 난민 벨기에를위한 종교 대학이되었습니다. – 모어 팰리스, 18 세기 저택, 식물원과 11 헥타르의 녹지.
민족 의상 박물관은 1979 년에 태어난 프로젝트에서 태어 났으며 1973 년에 발표되었고 1974 년 국립 고대 미술 박물관 (National Museum of Ancient Art)에서 발표 된 O Traje Civil em 전시회와 통합되었습니다.이 모든 과정의 책임자는 Natália Correia Guedes였습니다. 박물관의 첫 번째 이사가 되라.
1976 년 12 월 23 일에는 국립 중앙 박물관 (National Museum of the Costume)과 몬테 이로 모 (Monteiro-Mor)의 식물 공원이 제정되었다.
1977 년 7 월 26 일, 박물관은 Natália Correia Guedes 박물관의 David Mourão-Ferreira 국장, Mário Soares 총재의 출석으로 5 명의 개국자로 출범했습니다. 전시회 : 민속과 도시 의상 (고대로부터 1925 년까지)의 역사, 전시회 Trajo Popular (국립 민족학 박물관과의 파트너십) 전시 및 Tomás Alcaide의 오페라 복장 컬렉션 추가. 방적, 직조 및 스탬핑 기술 또한 탐구되었으며 18 세기와 20 세기의 장난감이 전시되었습니다.
박물관 학자 Maria José de Mendonça의 사립 도서관이 이곳에 기탁됩니다.
건축물
궁전은 현재의 디자인을 Angeja, Pedro de Noronha의 제 3 후작에게 빚지고 있습니다. 그는 자연사 콜렉션을 설계하고 식물원으로 보완하였습니다. 1840 년에, 재산은 Palmela의 제 2 공작, D. Domingos de Sousa Holstein Beck에 의해 취득된다.
주된 외관은 안뜰이나 내부 안뜰을 향하고 있으며, 오래된 마구간 (오늘 – 티켓 오피스 \ 상점)과 컬렉션 (오늘 – 워크샵)과 같은 별관 인 건물로 구분됩니다.
궁전 입구에서 우리는 Faial Marquises와 Palmela의 두 번째 공작의 코트를 볼 수 있습니다. 주축에 배치 된 두 개의 외투는 그리스도의 십자가에 의해 끝난 후작의 왕관에 의해 극복되었다. 왜냐하면 후알 후계자는이 명령에 대한 표창을 받았기 때문이다.
궁전 1 층은 원래 부엌 및 기타 서비스 별채뿐만 아니라 가족을위한 다양한 영역을위한 것입니다. 1 층과 1 층 사이의 주요 연결 고리는 대리석 계단으로 이루어져 있으며 천장에는 다리에 3 개의 광선을 담고있는 독수리가있는 중앙 메달이 있습니다.
“고귀한 마루”라고 불리는 1 층은 사회적 상호 작용을 목적으로 한 곳으로 여기에는 아치형 천장과 자연사와 관련된 주제가 포함 된 치장 용 벽토의 장식 된 루시 필 장식이 강조 표시되는 고귀한 홀이 있으며 4 곡의 알레고리 사계절에 이르기까지. 그것의 chinoiseries를 가진 동양 방의 장식적인 그림, 음악 방 및 플래그 홀의 벽화, 및 Rato 공장의 각종 도와는 언급된다.
산타 리타 (Santa Rita)에 헌정 된 궁전의 옛 예배당은 D. 마리아 (Maria I)의 현대적 경첩에 대한 흥미로운 예이다. “마닐린 1″과 “신고전주의 풍”사이의 전환을 수립하기 때문이다.
궁전의 주변에 통합 된 새의 집이 Angeja의 후작에 의해 지어진 neogothic 차 관은 현재 Monteiro-Mor 레스토랑입니다.
Monteiro-Mor 식물원
몬테 이로 모 (Monteiro-Mor)의 식물 공원은 독창성과 식물성 및 경관 풍부함으로 인해 약 11ha의 면적을 자랑합니다. 이 정원은 이탈리아의 도메니코 반 델리 (Domenico Vandelli)가 안게 자 제 3 후작의 식물원으로 디자인되었습니다. 이것은 포르투갈에서 세 번째로 세워진 식물원으로 XVIII 세기의 60 년대입니다. 이 시간부터 건축물, 계단, 계단 또는 벽, 공식적인 디자인을 갖춘 호수 및 조각상과 돌과 같은 흥미로운 장식 요소 만 조각상을위한 틈새로 만들었습니다. 공원은 Angeja의 후작에 의해 시작되었다. 19 세기에 계속되었으며, 이미 Palmela의 Dukes가 소유하고있다. 포르투갈에서는 처음으로 Araucaria heterophylla 나 Araucaria de Norfolk와 같은 새로운 종을 도입한다. 커 멜라, 두 개의 기념비적 인 plantains, 너도밤 나무, taxod, sequoia 및 두 고무 나무, 150 년 이상 존재의 모든 공원에서 밖으로 서.
1975 년 포르투갈 국가에 의해 재산을 취득하자 20 세기의 60 년대 이래 유지 보수가 없었던 복구 및 재 전환을 주도한 것은 육식 기술자 Luís Filipe Sousa Lara였습니다. 다른 작품 이외에 장미 정원은 아치의지도하에 XVIII 세기의 바로크 스타일의 디자인과 회양목의 울타리가있는 상자 세트에서 회수되었습니다. 조경 예술가 Edgar Fontes.
우리는 Monteiro-Mor Botanical Park에서 집이나 궁전 (지금은 국립 의상 박물관), 호수와 폭포가있는 정원, 과수원, 과수원과 숲과 관련된 전통 포르투갈 레크리에이션 농장의 진정한 예를 찾습니다. 공원은 집중 호우의 수로로 가로 지르며, 이것은 도둑이 캠핑카 수집가에 도착할 때까지 묻혀 있습니다. 정원으로 흘러 들어가는 여러 가지 샘물은 여름 동안 호수의 물 수요와 물 공급을 완전히 가능하게합니다.
플로라
몬테 이로 모 (Monteiro-Mor)의 식물원 공원에는 250 종 이상의 식물 종으로 구성된 다양한 컬렉션이 있으며, 관상용 및 임업 용이면서 야채, 과일, 방향족 및 의약품이 개발되었습니다.
동물 상
공원에있는 동물상은 Angeja-Palmela 궁전의 모든 새들과 지하 (동굴과 갤러리)의 박쥐 식민지 위에 서 있습니다. 봄에는 옷 입히기 박물관 지하에는 포르투갈에서 약한 테디 박쥐 (Miniopterus schreibersii)가있다.
조각품
1995 년, 식물원 공원 (Botanical Park)에서 조각 프로젝트 가든 (Garden of Sculpture) 프로젝트가 시작되었는데,이 공원의 농축 목표는 풍경화 유산에 박물관적인 측면을 더했습니다. 공원에 흩어져있는 Nizuma Minoru, Catarina Baleiras, João Cutileiro, José Lucas, Moreira Rato, Soares Franco 및 Leopoldo de Almeida의 조각품이 있습니다.
컬렉션
기관의 컬렉션에는 여성, 남성 및 아동, 국내 및 국제 – 의류 및 직물 조각, 직물, 의상 및 액세서리 생산 과정에 증언하는 재료 및 장비의 액세서리가 포함됩니다.
조각품의 첫 번째 제공품은 1974 년 국립 의복 박물관 (National Museum of the Costume)의 등록 소에 있으며, 모두 개인의 것입니다. 컬렉션을 통합 한 공공 컬렉션은 1904 년 이래로 로열 하우스의 중요한 컬렉션을 수집 한 국립 자동차 박물관 (National Museum of Cars)에서 나왔습니다.
18 세기 의상 (바로크 양식과 로킬 스타일, 1700-1789)
바로크 시대 여성 의상은 일반적으로 세 가지 주요 부분으로 구성되었으며, 바스켓은 바스트, 스커트 및 돌출부에 장착되어 있습니다. 여성들은 그들의 옷에 레이스와 루프가 달려있어 호화로웠다. 1740 년과 1770 년 사이, Rocaille 시대의 중간에, 몸통, 치마, 그리고 유명한 “Plis Watteau”와 함께 부드러운 드레스가 나타났습니다. 뒤쪽에 느슨해 진 직물 주름으로 이루어져 틀린 맨틀을 암시합니다. 세기 중반까지, 웅대 한 의식에서 사용 된 “프랑스”복장에는 충분한 양 옆이 있고, girded bodice 및 정면에 열려있는 돌출은 치마를 보여준 삼각형 개구부를 형성 한.
루시 14 세의 통치 기간 중 17 세가 된 17 세의 끝에 프랑스에서 남성 복장의 기본 형태가 등장했다. 코트, 조끼 및 반바지로 구성되었다. 이 그룹은 재킷이 덜 넓고 자수가 많았지 만 로킬 러레 시대에 머물렀다. 반바지는 단단했고 무릎 아래에서 끝났다. 자수는 꽃 무늬와 식물상을 만들어 냈고 자켓이 자켓이나 조끼로 만들어지기 전에 천 조각으로 만들어졌습니다.
제국 의상 (1796 ~ 1820)
1789 년에 일어난 프랑스 혁명으로 인해 “자유, 평등, 여교”라는 혁명적 이상과 그레코 – 로마 시대의 유물에 대한 취향이 여성 의류를 근본적으로 변화 시켰습니다. 여성들의 옷차림에서 여성들은 코르셋과 작은 스타킹뿐만 아니라 무겁고 부유 한 옷감을 버렸고, 드레스는 직선, 허리 높이, 짧은 풍선 슬리브와 함께 높은 장갑을 착용했습니다. 스커트가 발목에 닿았 고 꼬리는 법정에서만 착용했습니다.
혁명 직전에는 복장의 품질과 기능상의 외관 모두 남성용 복장에 큰 열정이있었습니다. 그러나 이번에 큰 뉴스는 남자와 선원들의 의상에서 옷장 남성에게 바지를 입히는 것이 었는데, 반바지는 귀족의 의상과 동의어이기 때문에 혁명의 상징으로 사용되기 시작했습니다.
낭만적 인 의상 (1825-1865)
19 세기, 산업화 시대, 급속한 기술 발전은 패션 산업이 낯설지 않은 여러 생산 분야에서 나타났습니다. 50 년대에는 여성 의상이 크리 놀린의 도입으로 최대 표현에 도달했습니다. 이 내부 프레임은 무게를 추가하지 않고 스커트에 대칭 인 대용량을주었습니다. 코르셋은 여성 흉상을 개조했습니다. 선호되는 직물은 패턴 패턴, 꽃, 줄무늬 및 줄무늬가있는 실크 및면 모슬린이었다. 색상은 간단하고 신중하고 파란색과 녹색이 주를 이뤘습니다.
1850 년의 남성 패션은 지난 수십 년간의 경향을 유지했습니다. 검은 색 또는 맑은 색조의 외투는 또한 사각형에 바지와 함께 사용되었습니다. 밤에는 바지와 같은 천의 조끼가 달린 검은 색 코트와 턱받이가 달린 셔츠와 활을 입었다.
의상 Belle Époque (1870 ~ 1914)
여자들은 무거운 천으로 만들어졌고 코르셋은 유행에 남아있는 몸과 치마로 구성된 투피스 드레스를 입고있었습니다. 스커트는 길게 닳아서 커튼, 트리밍, 장신구, 리본, 활, 퐁퐁 및 변두리를 쌓았다. 그러나,이 기간의 특징적인 실루엣은 스커트의 뒤쪽에 적용된 토우 너 (tournure)라고 불리는 방대한 내부 공간에 의해 주어졌습니다.
1890 년에 여성들은 물결 모양의 S 자형 베어링을 생산하는 이른바 “건강한”코르셋의 등장을 보았습니다. 이 방법으로 여성의 흉상이 세워져 강조 표시되어 “가슴 뭉치”라고 불 렸습니다. 긴 종 모양의 치마에는 대개 작은 꼬리가 있습니다. 그 날 드레스에는 허리 높이의 허리띠와 레이스 턱받이 또는 얇은 명주 그물이있었습니다. 밤에는 드레스가 넓은 목선을 가졌고 팔은 긴 장갑으로 보호되었습니다.
남성 복장에서는 frock coat과 tailcoats가 대부분의 상황에서 모자를 쓰고 계속 사용되었습니다. 일상 생활을 위해 자켓, 양복 조끼 및 바지의 3 피스 세트가 중산모 모자와 함께 착용되었습니다.
20 세기의 의상
1910 년 10 월 5 일 포르투갈에 이식 된 공화국은 군주국을 종식시키고 포르투갈의 삶의 사회적 역학을 변화시킵니다. 많은 형식주의와 사회적 제약이 사라졌고 패션뿐만 아니라 예술도 몇 가지 변화의 현장이었습니다. 스포츠와 야외 활동은 새로운 라이프 스타일을 촉진 시켰고 숙녀들은 테일 리어와 같은 남성 컷 아웃 슈트를 선호했습니다. 영어 기원의 경우, 스커트와 자켓으로 형성된 테일 루어는 걷기에 잘 적응했으며 특히 노동 시장을 점차 통합하는 젊은 사람들이 높이 평가했습니다.
1910-1918
포르투갈 여성들은 Paul Poiret가 파리에서 제안한 새로운 슬림 한 실루엣에 빠르게 합류했습니다. 나폴레옹 시대의 의상에서 영감을 얻은이 여성 의류는 사용 된 두 벌의 여성복을 대체 할 드레스 사용을 제안했습니다. 그녀의 드레스는 직선과 높은 허리를 보여 주었고, 여성은 코르셋에서 벗어날 수있었습니다. 파리에서 발레 뤼 데스 디아길레프 (Romiers de Diaghilev)는 패션에 영감을 불어 넣었으며 새로운 형태, 밝은 색상과 고급스러운 옷감을 통해 의류에 동양적인 영향을줍니다.
남성 의상은 지난 세기말의 형태를 유지했습니다. 엄숙한 경우 코트와 코트가 착용되었고, 일상에서 코트 코트는 조끼와 바지가 달린 짧은 코트로 대체되기 시작했습니다.
1920-1930
여성 의류는 장식적이고 우아한 기하학을 특징으로하는 아르 데코 스타일을 따르는 기능성에 대한 결정적인 단계를 지난 10 년간 제공했습니다. 슬림 허리를 가진 직선형 드레스는 무릎에서 다리를 보여주었습니다. 춤을 추는 드레스는 둥글거나 스퀘어의 네크 라인이 짧으며, 보통 스커트가 달려 있고 때로는 비즈, 스팽글 및 구슬로 덮여 있습니다. 스타킹과 신발은 색으로 채우는 구호품이되었습니다. 검정은 또한 선택 되었더라도, 색깔은 생생했다.
1920 년대의 남자 복장에서, 트위드 코트, 바지 또는 주름 장식이 달린 넓은 바지와 함께 평범하고 멋진 옷감을 사용하여 차분한 색조의 바지 또는 바지를 입은 옷을 도시에서 일반화했습니다. 턱시도는 공공연히 또는 비공식적 인 저녁 식사, 춤 및 파티와 같은 세미 – 비공식적 인 행사를 위해 선호되는 남성 의상이되었습니다. 실크 새틴 옷깃이 달린 검은 색으로 같은 색의 넥타이가 수반되었습니다.
1930-1946
1930 년대에는 여성의 의상이 더 곡선으로 돌아 왔고, 스커트의 길이는 내려 가고 허리는 자연스러운 위치로 돌아 왔습니다. 이브닝 드레스는 맨손으로 길었습니다. 가장 높이 평가 된 직물은 크레페와 새틴입니다. 영화 배우들은 그들의 매력과 함께 여성에게 영감을 불어 넣어 역할 모델이되었습니다. 매들린 비온 넷 (Madeleine Vionnet)은 바이어스 컷 (bias in cut)을 만들었습니다.이 기법은 여성들의 몸을 관능적 인 방법으로 성형하여 탄력성과 유동성을 높이는 기법이었습니다.
제 2 차 세계 대전 (1939-1945)은 엄청난 물질적 제약을 초래했습니다. 배급은 단단하고 짧은 드레스 조각을 부과했다. 여성들은 단단한 허리 라인, 직선형 치마, 뽑아 내린 어깨, 그리고 실루엣을 남자 다운, 거의 군대에서 영감을 준 넓은 주머니로 여는 테일리어를 착용했습니다.
1947 ~ 1950
2 차 세계 대전이 끝나고 크리스챤 디올은 여성적이고 호화로운 실루엣을 만들어 여성의 갈망에 응했습니다. 1940 년대의 기능적인 패션에 대한 반응으로 등장한 프랑스 스타일의 스타일은 New-Look이라고 불 렸습니다. 1947 년 파리에서 발표 된 그는 관능적 인 면모를 여성들에게 되돌려 주려했다. 이 새로운 이미지는 직선 또는 넓은 스커트, 매우 둥글고 아치형이며 좁고 섬세한 허리, 작은 어깨와 둥근 몸통, 잘 정의 된 가슴으로 코르셋을 입은 몸매를 특징으로합니다.
뉴 룩 (New Look) 외관이 자리 잡은 것과 동시에, 불안한 중산층 세대가 출현하여 유물론을 거부했다. 미국에서는 티셔츠가 바깥 부분으로 바뀌 었습니다. 특히 Marlon Brando가 1954 년 영화 “On the Waterfront”에서 티셔츠 White와 함께 등장한 이후입니다. 청바지 (청바지)는 젊은이들에게 채택되기 시작했습니다. 사람들은 그들의 반란의 표정으로
1960 ~ 1970
60 년대는 의상에 새로운 변화를 나타냈다. 젊음은 정치 및 정신력에 부적합과 논쟁의 태도를 전달하는 따라야 할 모델이되었습니다. 유행은 거리를 떠났고 오트 꾸뛰르에 영향을주기 시작했습니다. 의류 제조업체는 젊은 잠재 고객을 만나 특히 고객을 위해 부품을 만들기 시작했습니다. 1965 년 André Courrèges가 발표하고 Mary Quant이 대중화 한 미니 스커트는이 10 년 동안의 여성 패션의 바탕에 있습니다.
이 10 년의 끝에, 샌프란시스코, 캘리포니아, 히피 운동은 정신의 운동 이전이었고 팝 음악을 통해 퍼졌습니다. 그들의 옷은 국제 민족 드레스에서 영감을 얻었습니다. 소년들은 날 면사와 청바지를 입고 긴 머리와 수염을 가지고있었습니다. 소녀들은 긴 겉옷을 입고 꽃이없는 머리카락과 화장하지 않은 얼굴을 썼다.
1980 년에서 2000 년
기성복 브랜드는 Haute Couture와 함께 패션 산업의 대중화를 도운 디자이너의 출현으로 중요성이 커졌습니다. 1980 년대의 상대적 안정과 번영은 다시 한번 전통적인 가치와 맛의 회복을 선호했습니다. 그러나 1990 년대는 국제적으로 이루어 졌기 때문에 지구촌에 공평한 분배를 제공했습니다. 텔레비전, 패션 잡지, 관광 및 인터넷은 국경을 벗어나 프랑스, 이탈리아, 영국, 일본 및 미국뿐 아니라 창조물 보급을 가능하게합니다.
기성복을 전하고자하는 사람들에 반응하기 위해 기성복 브랜드가 꾸준히 늘어나고 있습니다. 반면에 패션 디자이너가 등장하고 “패션 작가”라고 불려지는데, 이는 섬유 및 제과 업계의 발전이 대중화 될 수있는 품질 및 스타일의 대안을 창출하는 것입니다.