Museo Nacional del Traje, Lisboa, Portugal

El Museo Nacional del Traje, creado en 1976, presenta al público una colección de trajes, prendas y accesorios históricos, que data del siglo XVIII hasta nuestros días, en exposiciones permanentes o temporales. La colección se encuentra en el palacio Angeja-Palmela con, en sus terrenos, el Parque Botánico Monteiro-Mor.

El museo está ubicado en una vasta propiedad adquirida por el Estado portugués en 1975. Esta propiedad, una antigua granja de recreación del siglo XVIII, cuenta con una extensa área verde abierta al público y conocida como el Parque Botánico Monteiro-Mor, y su La sede se insta en un edificio del siglo XVIII, el Palacio Angeja-Palmela.

Su propósito es establecer una estrategia para la investigación, conservación y exhibición pública de trajes y textiles. Además, tiene una política de salvaguardar y promover el Parque Botánico Monteiro-Mor y apoyar este patrimonio entre la comunidad.

Preserving Green (“Conservar Verde”) es un concepto que integra los valores de responsabilidad y sostenibilidad, así como la gestión del patrimonio cultural y natural confiado al Museo Nacional del Traje.

Historia
El Palácio Angeja-Palmela fue erigido en el siglo XVIII por D. Pedro José de Noronha, tercer marqués de Angeja, cerca del lugar donde estaba el palacio de D. Afonso Sanches, hijo natural de Dinis I de Portugal (1279-1325) .

Con una autoría desconocida, el palacio está influenciado por la arquitectura de Pombal, que se desarrolla en dos fachadas, una de las cuales termina con la capilla. Del palacio primitivo solo queda un contrafuerte del siglo XVI en una residencia contigua al palacio y algunas estructuras arquitectónicas del siglo XVII.

La entrada principal del palacio se desarrolla como una galilea y la articulación entre los pisos se realiza mediante una escalera de cuatro tramos rectos. En sus salas destacan los techos de masseira, el estuco, las pinturas ornamentales y diversos paneles de azulejos setecentistas.

En 1840, la propiedad fue adquirida por D. Pedro de Sousa Holstein, marqués de Palmela y más tarde el 1er Duque de Palmela, quien realizó obras para mejorar el palacio, incluida la reconstrucción del pabellón de estilo neogótico, que ahora ocupa el restaurante del museo.

Desde la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), el palacio se convirtió en un colegio religioso para los belgas refugiados, hasta que, en 1975, el Estado portugués adquirió la Quinta do Monteiro-Mor, que, además del Palacio Angeja-Palmela, comprende el Monteiro. -Mor Palace, una residencia del siglo XVIII, el Jardín Botánico y una zona verde de once hectáreas.

El National Costume Museum fue el resultado de un proyecto nacido en 1969, presentado en 1973 y consolidado con la exposición O Traje Civil em Portugal presentada en el Museo Nacional de Arte Antiguo en 1974. La responsable de todo este proceso fue Natália Correia Guedes, que acudió a Ser el primer director del museo.

El 23 de diciembre de 1976 se aprobó un Decreto / Ley que instituyó el Museo Nacional del Traje y el Parque Botánico de Monteiro-Mor.

El 26 de julio de 1977, el museo fue inaugurado por el entonces secretario de Estado de Cultura, David Mourão-Ferreira, el director del museo Natália Correia Guedes, y la presencia del entonces primer ministro, Mário Soares, con la apertura de cinco Exposiciones: Historia de la vestimenta civil y urbana (desde la antigüedad hasta 1925), complementada por la exposición Trajo Popular (en asociación con el Museo Nacional de Etnología) y que también se agregó vestuario de ópera, colección de Tomás Alcaide. También se exploraron las técnicas de hilado, tejido y estampado y se expusieron los juguetes de los siglos XVIII y XX.

La biblioteca privada de la museóloga María José de Mendonça está depositada aquí.

Arquitectura
El Palacio debe su diseño actual al 3er Marqués de Angeja, D. Pedro de Noronha, quien aquí diseñó sus colecciones de historia natural, complementadas por un jardín botánico. En 1840, la propiedad es adquirida por el segundo duque de Palmela, D. Domingos de Sousa Holstein Beck.

La fachada principal está orientada hacia el patio o patio interior, delimitado por edificios que son anexos: establos antiguos (hoy – taquilla / tienda) y colecciones (hoy – talleres).

A la entrada del palacio podemos ver los abrigos de los marqueses de Faial y los 2dos duques de Palmela. Colocados en el eje principal, los dos abrigos están coronados por una corona de marqués rematada por una cruz de Cristo, porque el marqués de Faial había sido galardonado con una recomendación de esta orden.

La planta baja del palacio originalmente estaba destinada a las dependencias de cocina y otros servicios, así como a diversas áreas para uso familiar. El enlace principal entre la planta baja y el primer piso se realiza mediante una escalera de mármol y en el techo, cuenta con un medallón central con un águila que sostiene tres rayos en las patas.
El primer piso, llamado “piso noble”, estaba destinado a la interacción social, y aquí está el salón noble, que destaca el techo abovedado y la profusa decoración de rocaille de estuco con temas relacionados con la historia natural y, en las cuatro canciones, alegorías. A las cuatro estaciones. Se mencionan las pinturas ornamentales de la sala oriental con sus obras chinas, los frescos de la sala de música y la sala de banderas, así como los diversos azulejos de la fábrica de Rato.

La antigua capilla del palacio dedicada a Santa Rita es un ejemplo interesante de la bisagra contemporánea de D. Maria I, ya que establece la transición entre los gustos neoclásicos y la “rocaille”.

El pabellón neogótico del té, construido por el marqués de Angeja para ser la Casa de las Aves, integrado en los alrededores del palacio, es actualmente el restaurante Monteiro-Mor.

Parque Botánico de Monteiro-Mor
El Parque Botánico de Monteiro-Mor cubre un área de aproximadamente 11 hectáreas donde destaca el jardín, por su originalidad y riqueza botánica y paisajística. El jardín fue diseñado por el italiano Domenico Vandelli, que será el jardín botánico del 3er Marqués de Angeja. Este fue el tercer jardín botánico que se construyó en Portugal, desde los años 60 del siglo XVIII. A partir de este momento solo se construyó la estructura, escalones, escaleras o paredes, lagos con diseño formal y algunos elementos decorativos interesantes, como la piedra curva y un conjunto de nichos para estatuas. El parque, iniciado por el marqués de Angeja, continuó en el siglo XIX, ya propiedad de los duques de Palmela, que introduce nuevas especies, como Araucaria heterophylla o Araucaria de Norfolk, la primera plantada en Portugal. Una cameleira, dos plátanos monumentales, una haya, un taxod, una secuoya y dos árboles de caucho, todos con más de 150 años de existencia, se destacan en el parque.

En 1975, con la adquisición de bienes por parte del Estado portugués, fue el ingeniero silvicultural Luís Filipe Sousa Lara quien dirigió su recuperación y reconversión que ha estado sin mantenimiento desde los años 60 del siglo XX. Además de otras obras, el jardín de rosas fue recuperado en un conjunto de cajas con setos de boj, con un diseño en el estilo barroco del siglo XVIII, bajo la guía de arco. El paisajista Edgar Fontes.

Encontramos en Monteiro-Mor Botanical Park un ejemplo genuino de las granjas recreativas portuguesas tradicionales, asociadas con la casa o el palacio (ahora el Museo Nacional del Traje), un jardín con lagos y cascadas, huertos, huertos y bosques. El parque está atravesado por una línea de agua de régimen torrencial, que entra en un conducto enterrado hasta que llega a un coleccionista camarador. Los diversos manantiales que fluyen hacia el jardín hacen posible satisfacer completamente las necesidades de agua de los lagos y el riego durante el verano.

Flora
El Parque Botánico de Monteiro-Mor tiene una colección variada con más de 250 especies botánicas representadas, con especial énfasis en ornamentales y forestales, pero también donde se desarrollan hortalizas, frutas, aromáticas y medicinales.

Fauna
La fauna presente en el Parque destaca por encima de todas las aves y una colonia de murciélagos en el subterráneo (cuevas y galerías) del palacio Angeja-Palmela. Durante la primavera, el metro del Museo del Traje puede albergar alrededor de 200 teddy bates (Miniopterus schreibersii), una especie con el estatus de “vulnerable” en Portugal.

Esculturas
En 1995, se inauguró el proyecto Jardín de Esculturas en el Parque Botánico, cuyo principal objetivo era su enriquecimiento, añadiendo así al patrimonio paisajístico un aspecto museológico. Dispersos en el parque tenemos esculturas de Minoru Nizuma, Catarina Baleiras, João Cutileiro, José Lucas, Moreira Rato, Soares Franco y Leopoldo de Almeida.

Colecciones
Las colecciones de la institución incluyen colecciones de ropa civil (mujeres, hombres y niños, nacionales e internacionales) y sus accesorios, fragmentos de telas y piezas de bragal, materiales y equipos que atestiguan los procesos de producción textil, de vestuario y accesorios.

Las primeras ofertas de piezas datan de 1974 en los registros del Museo Nacional del Traje, todos ellos de particulares. La colección pública que integró su colección provino del Museo Nacional de los Coches que, desde 1904, reunió una importante colección de trajes de la Casa Real.

Traje del siglo XVIII (estilos barroco y de roca, 1700 a 1789).
En el período barroco, el traje femenino estaba generalmente compuesto por tres piezas principales, el corpiño ajustado al busto, la falda y la protuberancia. Las mujeres se vistieron suntuosamente, con el encaje y los bucles en su ropa. Entre 1740 y 1770, en medio del período de Rocaille, apareció un vestido más suave, con un corpiño, una falda y el famoso “Plis Watteau”, formado por pliegues de tela que se soltaban en la parte posterior, sugiriendo un falso manto. A mediados de siglo, el vestido “francés” utilizado en las grandes ceremonias tenía amplios volúmenes laterales, un corpiño ceñido y una protuberancia abierta en la parte delantera, formando una abertura triangular que mostraba la falda.

La forma básica del traje masculino apareció en Francia a finales del siglo XVII, durante el reinado de Luis XIV, y estaba compuesta por abrigo, chaleco y pantalones cortos. Este grupo permaneció en el período de Rocaille, aunque las chaquetas eran menos anchas y se presentaban ricamente bordadas. Los pantalones cortos eran ajustados y terminaban debajo de las rodillas. Los bordados formaron patrones florales y vegetales y se hicieron en las piezas de tela antes de que se hicieran los cortes de las chaquetas o de los chalecos.

Traje imperial (1796 a 1820)
Con la Revolución Francesa, que tuvo lugar en 1789, los ideales revolucionarios de “Libertad, Igualdad y Fraternidad” combinados con el gusto por la antigüedad grecorromana transformaron radicalmente la ropa de las mujeres. En el atuendo de las mujeres, las mujeres abandonaron sus corsés y medias pequeñas, así como sus telas pesadas y ricas, sus vestidos eran rectos, hasta la cintura, y mangas cortas de globos acompañadas de guantes altos. Las faldas alcanzaron los tobillos y las colas se usaron sólo en la corte.

En la víspera de la Revolución, hubo un gran entusiasmo por las partes masculinas del traje inglés, tanto por la calidad de su vestido como por su aspecto funcional. Pero la gran noticia en esta ocasión fue la introducción de pantalones en el vestuario masculino, del traje de los hombres de la gente y de los marineros, los pantalones comienzan a usarse como un símbolo de la revolución, ya que los pantalones cortos son sinónimo del traje aristocrático.

Traje romántico (1825 a 1865)
En el siglo XIX, en la era de la industrialización, surgieron rápidos avances tecnológicos en varias áreas de producción, en las que la industria de la moda no era ajena. En los años 50 el traje femenino alcanzó su máxima expresión con la introducción de la crinolina. Este marco interior daba un gran volumen simétrico a las faldas sin añadir peso. El corsé remodela el busto femenino. Las telas preferidas eran seda y muselina de algodón con patrones, flores, rayas y rayas. Los colores eran simples y discretos, predominantemente azules y verdes.

La moda masculina de 1850 mantuvo las tendencias de las décadas anteriores. Los abrigos de color negro o de tonos sobrios también se usaron con pantalones a los cuadrados. Para la noche llevaba un abrigo negro con pantalones y un chaleco de la misma tela, una camisa con un babero almidonado y un arco.

Traje Belle Époque (1870 a 1914)
Las damas llevaban vestidos de dos piezas, compuestos de cuerpo y falda, que estaban hechos con telas pesadas y el corsé se mantuvo en boga. La falda era larga, acumulando cortinas, adornos, baratijas, lazos, arcos, pompones y flecos. Sin embargo, la silueta característica de este período fue dada por un interior voluminoso, llamado torneo, aplicado en la parte posterior de la falda.

En 1890, las mujeres vieron la aparición de los llamados corsés “sanos” que produjeron un rodamiento en forma de S ondulado. De esta manera se erigió el busto de la mujer y se destacó que se denominó “cofre de rollos”. Las largas faldas acampanadas usualmente tenían una pequeña cola. Los vestidos de día tenían una cintura alta y un babero o tul de encaje. Por la noche los vestidos tenían escotes anchos y los brazos estaban protegidos con guantes largos.

En el vestuario masculino, las levitas y los abrigos seguían siendo utilizados en la mayoría de las situaciones ceremonia con sombrero de copa. Para la vida cotidiana, los conjuntos de tres piezas (chaqueta, chaleco y pantalón) se usaron con un bombín.

Traje del siglo XX.
La República implantada en Portugal el 5 de octubre de 1910 pone fin a la monarquía y transforma la dinámica social de la vida portuguesa. Muchos formalismos y limitaciones sociales han desaparecido y las artes, así como la moda, han sido escenario de varios cambios. Los deportes y las actividades al aire libre promovieron un nuevo estilo de vida, y las mujeres preferían los trajes de recorte de los hombres, como el tailleur. De origen inglés, el tailleur formado por falda y chaqueta se adaptó bien a los paseos y fue especialmente apreciado por los jóvenes que cada vez más integraban el mercado laboral.

1910-1918
Las mujeres portuguesas se unieron rápidamente a una nueva silueta delgada propuesta en París por Paul Poiret. Inspirado en el vestuario del período napoleónico, este modisto propuso el uso de vestidos para reemplazar los trajes de dos piezas para mujer usados. Sus vestidos mostraban líneas rectas y cintura alta, lo que permitía a la mujer liberarse del corsé. En París, los ballets Russes de Diaghilev inspiraron la moda, aportando influencias orientales a la ropa a través de nuevas formas, colores brillantes y telas lujosas.

El traje masculino mantuvo las formas de finales del siglo pasado. En ocasiones solemnes, el abrigo y el abrigo se usaron, en la vida cotidiana, la levita comenzó a ser reemplazada por el abrigo corto con un chaleco y pantalones.

1920-1930
La ropa femenina ha dado a esta década el paso definitivo a la funcionalidad, siguiendo el estilo Art Deco, caracterizado por una geometría decorativa y elegante. Los vestidos de línea recta con una cintura floja mostraban sus piernas desde las rodillas. Los vestidos para bailar eran cortos con escotes redondos o cuadrados, generalmente con una falda y a veces cubiertos con cuentas, lentejuelas y cuentas. Las medias y los zapatos se convirtieron en piezas de relieve, llenándose de colores. Los colores eran vivos, aunque también se eligió el negro.

En la vestimenta masculina de la década de 1920, se generalizaron en las ciudades el uso de abrigos de tweed, abrigos espinados o de ajedrez con tejas de tonos sobrios, acompañados de pantalones anchos con pliegues y pliegues en el extremo inferior, en telas lisas o elegantes. El esmoquin definitivamente se ha convertido en el disfraz masculino preferido para eventos semi-informales como cenas públicas o privadas, bailes y fiestas. De color negro con solapas de satén de seda, iba acompañado de una corbata del mismo tono.

1930-1946
En la década de 1930, el vestido de las mujeres volvió a líneas más curvilíneas, la longitud de la falda bajó y la cintura volvió a su posición natural. Los vestidos de noche eran largos, con la espalda descubierta. Los tejidos más apreciados fueron los crepes y los satenes. Las actrices de cine, con su glamour, inspiraron a las mujeres y se convirtieron en modelos a imitar. Madeleine Vionnet creó el corte en sesgo, una técnica que dio a las piezas una elasticidad y fluidez muy apreciadas, moldeando los cuerpos femeninos de una manera sensual.

La Segunda Guerra Mundial (1939-1945) causó enormes limitaciones materiales. El racionamiento impuso prendas ajustadas y cortas. Las mujeres vestían tailleurs con una cintura ajustada, una falda en línea recta, hombros caídos y amplios bolsillos que daban a su silueta una postura masculina, casi de inspiración militar.

1947 a 1950
Con el final de la Segunda Guerra Mundial, Christian Dior respondió a los anhelos de las mujeres creando una silueta femenina y lujosa. El estilo propuesto por el modisto francés se llamó New-Look, ya que surgió como una reacción a la moda funcional de los años cuarenta. Presentado en París en 1947, tenía la intención de devolver a las mujeres el aspecto sensual. Esta nueva imagen se caracterizó por el uso de faldas rectas o anchas, muy redondeadas y arqueadas, cintura estrecha y delicada, hombros pequeños y redondos, y cuerpo con corsé bien definido.

Al mismo tiempo que se implementó la aparición de New Look, surgió una generación inquieta de clase media que rechazó el materialismo vigente. En los Estados Unidos, las camisetas se transformaron en partes exteriores, especialmente después de que Marlon Brando apareciera con una camiseta blanca en la película “En el muelle” en 1954. Los vaqueros, conocidos como vaqueros, comenzaron a ser adoptados por los jóvenes. El pueblo como expresión de su rebelión.

1960 a 1970
Los años sesenta representaron un nuevo cambio de vestuario. La juventud se convirtió en un modelo a seguir, transmitiendo una actitud de no conformidad y oposición a la política y mentalidad en vigor. Los movimientos de la moda dejaron la calle y comenzaron a influir en la Alta Costura. Los fabricantes de ropa vieron a clientes potenciales jóvenes y comenzaron a crear piezas especialmente para ellos. En la base de la moda femenina de esta década, la minifalda, presentada por André Courrèges, en 1965, y popularizada por Mary Quant.

A fines de esta década apareció en San Francisco, California, el movimiento hippie que se produjo antes de un movimiento de mentalidades y se difundió a través de la música pop. Su vestimenta estaba inspirada en los vestidos étnicos internacionales: los niños vestían túnicas de algodón crudo y pantalones vaqueros, tenían el pelo largo y barba; las chicas llevaban túnicas largas, tenían el cabello suelto con flores y las caras sin maquillaje.

1980 a 2000
Las marcas listas para usar comenzaron a ganar importancia con la aparición de diseñadores que, junto con Haute Couture, ayudaron a equilibrar la masificación de la industria de la moda. La relativa estabilidad y la prosperidad de los años ochenta favorecieron, una vez más, el resurgimiento de los valores y gustos tradicionales. Sin embargo, los años 90 fueron internacionales, dando una participación justa a la aldea global. La televisión, las revistas de moda, el turismo y la internet han desviado las fronteras, permitiendo la difusión de creaciones que tienen no solo el francés, sino también el italiano, el inglés, el japonés y el estadounidense.

Las marcas listas para usar se han desarrollado a un ritmo cada vez mayor para responder a aquellos que desean transmitir una apariencia impugnada. Por otro lado, surgen los diseñadores de moda y lo que se llamó “autor de la moda”, que se atribuye a crear una alternativa de calidad y estilo a la masificación que operaba el desarrollo de la industria textil y de confección.