Spätbarocke Musik

Das Barock in europäischer musikhistorischer Bedeutung war eine Zeit von etwa 1600 bis etwa 1750. Von früh an wandte sich die Musik im Barock von der Renaissance ab. Durch die Ersetzung der Polyphonie (mehrere Melodien gleichzeitig) im Lied der Homophonie (einer Hauptstimme), um den Text dominieren zu lassen und Opern, Oratorien, Kantaten und Monodien zu schaffen, entwickelte sich die Vokalmusik scharf. Früh im Barock wurden die modalen Tonleitern meist mit Kirchenmusik verbunden, die mit tonaler Musik ausgetauscht wurde. Dies machte große Unterschiede sowohl im Klang als auch in der Fähigkeit, fortgeschrittenere Stücke zu komponieren.

Die Musik der späten Bar (1700-1750)
Auch ist es nicht der gleiche Generationenwechsel beim Übergang vom mittleren zum späten Takt wie in manchen anderen Abschnitten, wie in der Romantik, gibt es gute musikalische Gründe, um die Unterscheidung zwischen den beiden Perioden bis 1700 zu treffen. Instrumentalmusik, die sich im Laufe des sechzehnten Jahrhunderts entwickelt hatte, war um die Jahrhundertwende so ausgefeilt, dass sie einen großen Einfluss auf die Zukunft der Musik hatte. Albinoni und Vivaldi entwickelten das Konzert, vor allem das Solokonzert, so kraftvoll, dass es als dominanter Musikstil auftrat. Um die Jahrhundertwende wurde die Sonate in den deutschsprachigen Ländern eingeführt. Zu dieser Zeit begann sich die deutsche Vokalkirchenmusik der Oper immer ähnlicher zu werden, so wie sie sich viele Jahre zuvor in Italien bewegt hatte.

Die Oper ging eher in Richtung ernster, oft tragischer Themen und mit weniger Tanz. Die Handlung kam im Zentrum der Oper. Während das englische Opernpublikum hauptsächlich von italienischen Opern lebte, beschäftigte sich die französische Oper immer noch am meisten mit Lully und einigen seiner Erben, vor allem denen, die seinen Stil kopierten. 1711 erhielt England seine erste Oper für die von Händel geschriebene englische Szene, die er auch in den folgenden 20 Jahren dominierte. Frankreich erhielt seinen nächsten großen Opernkomponisten in den 1730er Jahren mit Rameau.

Italien begann mit Konzerten und Sonaten, und Frankreich hatte lange in den Suiten dominiert, aber in dieser Zeit wurde deutsche Musik sowohl in Deutschland als auch in England in der meisten Instrumentalmusik dominant. Einer der Gründe, warum deutsche Musik die Spätbar dominierte, war, dass sie eine lange Tradition hatte, sich von ihren Nachbarländern inspirieren zu lassen und einen Stil zu entwickeln, der in Italien, England, Frankreich und den Niederlanden bekannt war. Darüber hinaus entwickelte sich die deutsche Musik auch durch die Schaffung eigener und neuer Versionen von niederländischer und britischer Schlüsselmusik, flämischer Polyphonie, italienischem Konzert, Oper und Madrigal sowie französischer Oper, Cembalomusik, Motette und Orchester. Die Komponisten, die die Musik im Nachbarland besonders beeinflussten und später beeinflussten, waren Georg Philipp Telemann, Georg Friedrich Händel und nicht zuletzt Johann Sebastian Bach.

Gleichzeitig war die vollendete Musik von Händel und Bach auch der Anfang vom Ende. Mit dem Aufkommen öffentlicher Konzerte und bürgerlicher Tonabnehmer wurde komplizierte Polyphonie durch einfache Homophonie ersetzt. Das Beste für die Anpassung an andere Kulturen und zeitgenössische Musikgeschmäcker war Georg Philipp Telemann, der einfachere Musik als Bach bevorzugte und zu den Komponisten gehörte, die den Übergang zum galanten Stil und zur Klassik mitbegründeten.

Instrumente
Die musikalische Entwicklung setzte sich in der späten Kneipe fort, insbesondere in der Drei-Gebläse-Familie. In der Periode gab es zwei neue Instrumente. Chalmeauen wurde durch die Klarinette ersetzt. Ein großer Vorteil der Klarinette waren die Möglichkeiten mit der Düse, die bei der Klang-, Präzisions- und Lautstärkeregelung half. Der Tenorobo (später “Englisch Horn”), der sich ständig verändert hatte, erhielt in den 1720er Jahren seine endgültige Form. Aber erst am Ende des Barock fand der Tenorobo im Orchester statt. Bei den bestehenden Instrumenten traten auch Änderungen auf. Die Oboe erhielt einen erweiterten Klang und Register, was dazu geführt haben könnte, dass sie während dieser Zeit häufiger als Soloinstrument verwendet wurde. Der Phagote hat zu Beginn dieses Zeitraums auch sein Register erweitert. Auch die Kreuzung hatte eine große Entwicklung von den 1660er bis in die 1720er Jahre.

Es gab auch Entwicklung in Schlüsselinstrumenten, und um 1700 wurde ein Vorläufer des Klaviers geschaffen, aber das war zu teuer und unfertig, um in Produktion zu gehen. Das Horn war ein natürliches Horn ohne Löcher und Klappen, aber in den frühen 1700er Jahren wurde es mit mehr Strahlen erweitert, so dass der Klang mehr variiert. Dies bedeutete auch, dass das Horn häufiger in der Musik verwendet wurde, unter anderem von Händel und Bach.

Die Stryker-Familie war in einer Übergangsphase, in der das Spiel begann, sein Dach zu verlieren. Während Gambe und Cello noch zur gleichen Zeit lebten, wurde das Cello im Jahr 1710 von Stradivarius in der Größe definiert, und kurz darauf folgten andere Instrumentendesigner. Dies führte dazu, dass die Zelle an Popularität gewann. Das einzige Instrument der Gamfamily, das überlebte, der Kontrabass, fand um die Jahrhundertwende im Orchester statt. Die Geige hatte nur geringfügige Anpassungen, besonders bei Guarnieris Geige, die gut auf beharrlichen Tönen war.

Oper
Als sowohl die englische als auch die französische Oper nach dem Tod von Purcell und Lully ins Stocken geriet, dominierte die italienische Oper erneut. Die italienische Oper entwickelte sich jedoch ständig weiter, zum Beispiel wurden die Handlung, die Charaktere und der Konflikt zwischen den Charakteren stärker betont, wodurch sie dramatisch mehr Platz einnahmen. Ein weiterer Aspekt der Entwicklung der Oper im 18. Jahrhundert war, dass die Instrumente eine immer wichtigere Rolle spielten. Während sie früher die Funktion hatten, zwischen den resitatives und arie zu spielen, beteiligten sie sich nun auch an beiden, meist dem Solisten. Manchmal führte es zu einem Wettbewerb, der zwischen dem Kastraten Farinelli und einem Trompetenvirtuosen stattfand, einem Wettbewerb, den das Publikum anbot.

Auch in Deutschland gab es eine Entwicklung basierend auf der italienischen Oper. Vor allem Komponisten aus Hamburg und Leipzig waren aktiv an der Entstehung von Opern beteiligt, und noch mehr davon waren vermutlich von der italienischen Oper inspiriert, sie hatten das Genre schon früh selbst geprägt. Einige, besonders die von Telemann, hatten ein humorvolles Gefühl, und einige von ihnen wurden auf Deutsch gesungen, inspiriert vom Gesangspiel.

Italienische Oper
Die italienische Oper beherrschte nicht nur Italien, sondern auch viele andere Länder. Sowohl Wien als auch London waren stark von der italienischen Oper, insbesondere von Neapel, inspiriert.

Nachdem die neapolitanische Schule übernommen hatte, war Neapel auch auf dem Weg in der Produktion von Opern dominant. Die Stadt hatte auch klare klassenbasierte Opern. Für den Adel war die Oper mit Feierlichkeiten wie Namenstagen, Hochzeiten oder anderen Umständen verbunden. Die Oper wurde oft von venezianischen Libretti verwendet. Die Librettos hatten in der Vergangenheit oft eine Mischung aus Romantik, Drama und Komik, aber um die Jahrhundertwende wurde der Komödienpart entfernt und als eine Zahl zwischen die Akte der tragischeren Opernserie gestellt. Die Napolitanische Opernreihe wurde von Apostolo Zeno und Pietro Metastasio (siehe Wien) definiert, und die Betonung der dramatischen Erzählung wurde wichtiger. Musikalisch gab es große Variationen in der Instrumentierung, unter anderem konnte der Generalbass neben Cembalo von Erkelutt, Lutt, Kontrabass und Gambe gespielt werden. Bisweilen kamen Blasinstrumente wie Trompete, Obo und Horn, meist zwei, mit Saiten zusammen. Darüber hinaus unterschied sich der musikalische Stil von traditioneller barocker Musik, anstatt neapolitanische Musik zu wiederholen, wollte die neapolitanische Musik sie nicht wiederholen, sondern wiederholte Motive für Stroboskope ausstrecken. Die Verwendung von Pausen als dramatischer Effekt half dabei, leichtere und bewegtere Melodien zu erzeugen. Außerdem gab es oft sehr virtuose Gesangsparts.

Populärere Oper hatte die komische Oper ergriffen, um Musik am Adel zu unterbrechen und sich darauf zu konzentrieren. Es hatte eine lange Tradition in Neapel für Humor in der Musik, und mehrere Opern wurden sowohl im neapolitanischen Dialekt als auch mit Humor aufgeführt. Während die seriöse Oper sich für übernatürliche und komplexe Welten entschied, wurden die komischen Opern gewöhnlich zu alltäglichen Themen und historisch bedingten Ereignissen hinzugefügt und scherzten auf Kosten der ernsten Oper. Ab den 1710er Jahren waren ernsthafte Komponisten mehr daran interessiert, gute komische Opern zu liefern, teilweise wegen künstlerischer Freiheit. Die komischen Opern wurden für die meisten Menschen gemacht, ebenso wie das Intermezzo für den Adel. Neben alltäglichen Themen wurden die lateinischen Komödien durch Komödien aus der Komödie mit den entsprechenden vorhersagbaren Figuren und Widersprüchen ersetzt: jung zu alt, männlich zu weiblich, Reichtum zu Armut und schwul bis versiert. Die Popularität nahm zu, und im Jahr 1733 erlangte Giovanni Battista Pergolesis La Serva Padrona internationale Aufmerksamkeit.

Nach Neapel war Wien wahrscheinlich eines der größten Zentren der italienischen Oper. Viele der Opern komponierten der Kapellmeister Antonio Caldara und das Libretto von Pietro Metastasio, wenn auch mit anderen. In Wien waren die Bibliothekare Metastasio und sein Vorgänger Apostolo Zeno für eine Reform der Oper verantwortlich, so dass die Geschichte, die Handlung und die Charaktere mehr geschärft wurden. So gewann das Drama eine bessere Wirkung, und zusätzlich wurden die Arien zum emotionalen Fokus, während die Resi- zenten die Handlung erklärten. Ein weiteres Merkmal der Wiener Oper war die Fokussierung auf die Instrumentalmusik und vor allem auf den Klang, der dazu führte, dass Instrumentalsoli sowohl in den Überschlägen als auch in den Balletten und gelegentlich auch in den Arien geschrieben wurden. All dies war sonst in Opern anderswo üblich, besonders im Kontrapunkt im Melodiesong, im Einklang mit dem Geschmack der österreichischen Kaiser, und weil sie stark von Händel inspiriert waren.

In Rom war die Operntradition wegen der Aussicht auf den Pavillon und die Laune des Pavillons schief. Konflikte wie der spanische Erbkrieg setzten der Oper zudem Grenzen, so dass Rom zwischen 1698 und 1711 ohne Oper war. Wiederum kamen Opern von Alessandro Scarlatti, Antonio Caldara und Antonio Vivaldi. Hier wurden 1724 die Bibliotheken von Metastasio eröffnet. Dies war das Jahr vor Scarlattis Tod, was zunächst bedeutete, dass Leonardo Vinci mit Metastasio zusammenarbeitete, bis Vinci 1730 starb. Vinci stammte aus Neapel, und auch die neapolitanische Schule wurde gut aufgenommen die Oper in Rom – wann es erlaubt war. In Venedig gab es in diesem Zeitraum weniger lokale Innovationen. Zuerst gab es etablierte Opernkomponisten wie Francesco Gasparini und Carlo Francesco Pollarolo, und später gab es neo-politische Komponisten wie Leonardo Vinci. Die Ausnahme von dieser Regel war Antonio Vivaldi, der mehrere Opern und Oratorien schrieb und wahrscheinlich der populärste Opernkomponist der Stadt war.

Deutsche Oper
Die Oper hatte Deutschland erreicht, und im letzten Teil des Barocks wurden mehr Opern in verschiedenen Opernhäusern im ganzen Land aufgeführt. In Leipzig gab es bereits ein etabliertes Opernhaus, und es gab mehr Beiträge. Die deutsche Oper hatte oft komische Züge, also auch hier. Abgesehen davon, dass Telemann 20 Opern geschrieben und gesendet hatte, wurde keiner der Komponisten gegründet, die für die Nachwelt bekannt wurden.

Es gab auch eine Oper in Hamurg, hauptsächlich von Kaiser komponiert. Die Fähigkeit des Kaisers, schöne Melodien zu schreiben und die Stimme und ihre Fähigkeiten zu verstehen, war eine direkte Inspiration für Händel. Zu seiner Zeit galt Kaiser zu Beginn des Jahrhunderts auch als der führende Komponist. Händel kam 1704 in die Stadt, und auch er blieb dort für kurze Zeit und lernte mehr über die Opernkomposition in der Stadt. Der Kaiser beherrschte bis 1721, als Telemann in die Stadt kam. Seine Oper war immer noch komisch und ernst. Telemanns komische Oper wurde also viele Jahre vor der Opera buffa durch La Serva Padrona geschrieben.

Französische Oper
Die französische Oper hatte Schwierigkeiten, aus dem Schatten von Lully zu kommen. Der erste Hauptkandidat – Pascal Collasse – schrieb Opern, die Lullys zu sehr ähnelten, und hatte den größten Erfolg, wenn er unvollständige, oft abgelehnte Werke schrieb. Die Familie Lully verklagte ihn und sein Ruf wurde bereits um die Jahrhundertwende geschwächt. Henri Desmarets war mit einem umgekehrten Skandal verbunden, er schrieb eine Reihe von Motoren, die vom Star des Chors Nicolas Goupillet veröffentlicht wurden. Dann entkam er mit einer jungen Frau nach Brüssel und wurde in Abwesenheit zum Tode verurteilt. Er ging dann nach Spanien, kehrte aber zurück, als das Todesurteil aufgehoben wurde. Seine Opern hatten nur bescheidenen Erfolg. André Kardinal Destouches hatte Erfolg mit der Oper, wurde aber zu bescheiden, nachdem er den neuen Titel als Generalinspektor für die Akademie Royale de Musique erhalten hatte.

Die große Revolution in der französischen Oper kam erst gegen Ende des Barocks mit Jean-Philippe Rameau. Obwohl er ein sehr talentierter Organist war, wurde Rameau im Alter von 39 Jahren als Musiktheoretiker bekannt. Seine Ideen über Musik betrafen unter anderem Akustik und Akkorde, wobei er Höhen- und Septimakkorde bevorzugte, die Grundsteine ​​einführte und sich mit Dissonanzen beschäftigte das propagiert von Musik und von Effekten von Akkorden. Es war auch Rameau, wie die Begriffe Tonic (Grundton), Dominant (der Ton und der Akkord – ein Quintett von Tonics) und die Subdominante (der Ton und der Akkord – ein Quintett unter Tonics) definiert.

Als Komponist wurde Rameau erstmals in den 1730er Jahren entdeckt, als er in den fünfziger Jahren war. Seine erste Oper Hippolyte et Aricie wurde 1733 im Alter von 50 Jahren aufgenommen. Rameau wechselte zwischen Lullys Tragédien eine Musique-Oper zum Opéra-Ballett, zum Beispiel Les Indes galantes, der in der Form freier war. Dann zog er in traditionellere Opern und hatte besonderen Erfolg mit Castor et Pollux, der weit mehr frei von Lullys Stil war. Rameaus neuer Musikstil, der auf seiner Musiktheorie beruhte, provozierte die Anhänger von Lully so sehr, dass er zu einer Form des Kampfes innerhalb der Pariser Intelligenz zwischen den Lullis und den Ramis wurde. Ungeachtet des Kampfes und der Anschuldigung, dass Rameaus Musik schwierig, grotesk, mechanisch und unnatürlich sei, wurde Rameau populär und bekam wieder französische Oper. Er war auch der erste in Frankreich geborene Komponist, der größere Erfolge mit der Oper hatte.

England und Händel
In Abwesenheit seiner eigenen Opernkomponisten nach dem Tod von Purcell wurde England am meisten mit der italienischen Oper beschäftigt. Die Oper war weitgehend öffentlich und bereits 1705 das erste Beispiel italienisch inspirierter Oper, wenn auch in englischer Sprache. Arsinoe, Königin von Zypern, war ein Update eines älteren italienischen Stücks. Gerade die Tendenz, die italienische Oper, gerne von Alessandro Scarlatti, zu übersetzen und ins Englische zu übersetzen, schlug zu und es entstanden mehrere Opern von unterschiedlicher Qualität. In dieser Zeit wurden auch Kastratoren für ein britisches Publikum ins Leben gerufen. Ein kurzlebiges Experiment mit Teilen auf Englisch und Teilen auf Italienisch wurde beendet, als das Publikum müde wurde, nur die Hälfte der Oper zu verstehen, und die meisten wurden dann auf Italienisch gesungen. Insbesondere wurde Hydaspes von Francesco Mancini im Jahr 1710 ein relativ großer Erfolg.

1710 war auch die Zeit, in der Händel seine musikalische Karriere in Halle begann, sich aber in deutschen, italienischen und englischsprachigen Städten bewegte und viel von den verschiedenen Kulturen aufnahm. Seine erste Oper, Almira, Königin von Castilien kam 1705, als er in Hamburg war, und war eindeutig von Reinhard Kaiser inspiriert, und mit Tanzmelodien nach französischen Manieren, Arier nach italienischen und deutschen Kontrapunkten und Orchestrierung. Seine sechste, Agrippina, aus dem Jahr 1709, wurde von Alessandro Scarlatti inspiriert und zeigte die Fähigkeit, elegante Melodien mit langen Teilen ohne Pause und mit rhythmischen Variationen in Melodien zu haben. Seine erste in London aufgeführte Oper, Rinaldo, war ein großer Erfolg und er wurde fast jedes Opernsong dieses Jahrzehnts aufgeführt.

Nachdem Händel eine feste Anstellung und Geld für talentierte Sänger wie Faustina Bordoni bekam, wurden seine Opern heroischer und herausfordernder. Besonders Giulio Cesare in Egitto (1724), aber auch Tamerlano (dasselbe Jahr) und Rodelinda (1725) sind gute Beispiele für die neue Oper. Händel nutzte die übertragene Wichtigkeit, zum Beispiel, dass er das Gefühl des Schleichens und Jagens schuf, um den Verrat von Ptolemy zu betonen. Zu dieser Zeit gab es in der Regel zwei Haupttypen von Resitativen, die “trockene” mit fast nur Generalbass und Konversationslied, und “begleitete” Resitative mit weit mehr Instrumenten. Händel nutzte Letzteres. Auch die Arien waren speziell für Händel. Er schrieb sie an die einzelnen Sänger, und deshalb könnten einige Widder dekorativ sein und hoch gehen, während andere langsam sein und Gefühle betonen könnten. Gleichzeitig war Händel bestrebt, die Arien stärker zu nutzen als bisher dem Akt mitgeteilt und brach damit etwas mit der neapolitanischen Schule. Kontraste und majestätische Musik könnten mit einfachen Hirtenliedern abgewogen werden. Händel verwendete mehr Orchester, und er benutzte auch mehr Blasinstrumente als mehr seiner Zeitgenossen.

Religiöse Vokalmusik
Um die Jahrhundertwende wurde die lutherische Gesangskirchenmusik mehr und mehr zur Oper. Ein Teil davon war Erdmann Neumeister, einem Dichter und Theologen, der Oper und lutherische Kirchenmusik verband. Inspiriert von ihm begann Bach auch Techniken aus der Oper zu verwenden, wie Resitative und Arische, aber auch Chor, Korallenmusik und Orchesterbegleitung. Von seiner Ernennung zu Thomaskantor, mehr oder weniger musikalisch verantwortlich für alle Kirchen, bis er das Interesse an Kirchenmusik verlor, entwickelte Bach die Kirchenmusik stark. Dies wurde besonders in seinen zwei Fällen bemerkt. Bach hatte keine Erfahrung als Opernkomponist neben einigen Kaffeehäusern Drama per Musica ohne nennenswerten Erfolg, vor allem aber die Johannespacelike der Oper, einschließlich der dramatischen Merkmale zwischen Pontus Pilatus und dem Chor bestand darauf, dass Jesus gekreuzigt werden sollte. Darüber hinaus verwendete Bach den Chor als Kommentar zum Akt wie im griechischen Drama. Matthew Path ist vollständiger, und die Akkorde spielen eine größere Rolle in der Performance.

Bach verlor das Interesse an Kirchenmusik um 1730, aber während seines letzten Jahres absolvierte er Messe in H-Moll, die eine Anthologie der Entwicklung der Kirchenmusik war. Die Arbeit wurde mehr als 20 Jahre alt und nahm die Wiederverwendung (Parodien) früherer Arbeiten oder unvollständiger Arbeiten an. Die Mischung macht die Messe von alten Bar zu Galant im Gange variiert. Bach hatte Anleihen bei der Oper gemacht, aber es gab auch große Unterschiede zwischen ihnen. Die Kantaten waren, wie Matthew, reflektierend und vollständig, und daher mit Stimmen aufgeführt, ohne dass irgendein Drama auftrat, und können auch als musikalische Predigt verstanden werden. Die Kantaten breiteten sich auch nach 1730 aus, gingen aber stark zurück.

Um Bach verließ die Kirchenmusik, Händel begann sich wirklich um sie zu kümmern. Um 1730 begann er auch Oratorien zu schreiben. Er wechselte jedoch die traditionellen italienischen Oratorien, indem er große Chöre einführte, inspiriert von deutscher und englischer Chormusik. Er gab ihnen verschiedene Rollen, von der Erzählung der Geschichte, um sie zu kommentieren, auch inspiriert vom griechischen Drama. Auch der deutsche Papst und die englische Maske spielten eine Rolle in Händels neuen Oratorien. Dies unterstützte, dass die Kirche eine gemeinsame Erfahrung und keine individuelle war. Händel wurde von der Operationstechnik stark genutzt und konnte daher Rezitativtechniken aus der Oper ausleihen und sie nicht von einer Arie, sondern von einem Chor nachverfolgen. Dennoch erscheinen auch Arien und dramatische Szenen in den Oratorien. Darüber hinaus schuf Händel Oratorien, die keine Christen waren, sondern zur griechischen Mythologie gehörten, darunter Semele und Herkules.

Konzerte und Suiten
Das Konzert war eine echte italienische Angelegenheit vor der Jahrhundertwende, und es dauerte eine Weile. Bereits im Jahr 1700 veröffentlichte Tomaso Albinoni seine ersten Konzerte. Da Albinoni Vermittler war, war er frei von Befürwortern von Wohltätern. Er definierte seine Konzerte schnell als drei Sätze, und er verwendete fleißig Kontrapunkte. Außerdem experimentierte er mit der Form der langsamen zweiten Rate. Es war auch Albinoni, der einem italienischen Publikum Obo als Soloinstrument vorstellte.

Im Jahr 1702, zwei Jahre nachdem Albinoni sein erstes Konzert veröffentlicht hatte, wurde Antonio Vivaldi zum definierten Konzert. Er war Lehrer an der Christlichen Schule für Waisen, Heiße Kinder und Unglaubliche Töchter und lehrte sie mit großem Erfolg zu Musikspielen. Sowohl seine als auch die Spiele der Mädchen erhielten genug Aufmerksamkeit, um eine Attraktion in Venedig zu werden. Von den 500 erhaltenen Vivaldi-Konzerten waren 350, etwa drei Viertel, für Solo-Instrumente und 230 von ihnen für Violine. Die Violine war nicht nur Vivaldis Instrument, sondern auch das Instrument, das die meisten Schülerinnen lernten. Darüber hinaus schrieb er 37 für Fagott und für Flöte, Obo, Blockwriter, Viola d’amore, Cello und Mandoline.

Vivaldi Konzertkonzerte erklangen durch frische Melodien, einen lebhaften Rhythmus, gekonnte Einzelpflege und Formalität. Außerdem hatte Vivaldi talentierte Musiker in den Schulkindern, und er hatte die Möglichkeit, mit dem Konzert zu experimentieren. Nur weil er ein einfaches Grundrezept hatte, mit dem er flexibel sein konnte, hatte er großen Erfolg bei der Entwicklung des Konzerts. Unter anderem hatte Vivaldi Stücke, in denen mehrere Solisten gegen den Rest des Orchesters spielten, aber im Gegensatz zu Corellis Concerto grosso, kopierte das große Orchester das Kleine nicht, sondern spielte gegen sie wie in einem Solokonzert. Vivaldi verwendete auch bewusst sowohl Pizza als auch Sordin für den Effekt. Vivaldi verwendete fast durchgängiges Drei-Frequenz-Konzert in der Form schnell-langsam-eingeführt von Tomaso Albononi. Zu den bekanntesten gehören vier Jahreszeiten. Hier wählte Vivaldi, wie die meisten anderen Konzerte, einen schwuleren Stil, dh mit einer führenden Melodiestimme, während die anderen Stimmen dies unterstützen.

Er verwendete auch fast durchgängiges Ritornell, also Refreng, und entwarf auch seine eigene Ritornello-Form. Raffiniert kommt schon am Anfang, um zum Teil die Tonstruktur zu bestätigen, welcher Ton verwendet wird. Das ganze Orchester ist enthalten, mit Stimmen für das Soloinstrument. Dies besteht normalerweise aus kleinen Teilen, die wiederholt oder variiert werden. Wenn der Refrain wiederholt wird, ist es normalerweise nur teilweise. Die reengengene wird durch Solo-Episoden geteilt, meist virtuos und charakteristisch. Teile des Refrains können wiederholt und variiert werden, aber Vivaldi verwendete mehr Tonleitern, Arpeggien und andere musikalische Ausdrücke. Die Töne könnten über Modulation ausgetauscht werden. Dies schuf eine Ritornellform, die vom Standard-Ritornell sehr verschieden war. Darüber hinaus war Vivaldi entscheidend dafür, den langsamen Teil so wichtig wie den schnellsten zu machen, auch durch ausdrucksstarke und singbare Melodien (Hörbeispiel). Außerdem möchte die Virtuose noch ein paar zusätzliche Ornamente hinzufügen. Vivaldis Fähigkeit, dem Solisten seine eigene Stimme und seine eigene Persönlichkeit zu geben, wurde für das Konzert entscheidend.

Bach wurde von Vivaldi sowohl im Konzert als auch in der Klaviermusik inspiriert. Er lernte, die Themen und den harmonischen Plan klarer zu machen und formale Strukturen basierend auf dem Ritornello-Effekt zu erarbeiten. Im Konzert wurde Bach, wie alles andere auch, von anderer Musik beeinflusst und beeinflusst. Dies zeigt sich in den brandenburgischen Konzerten, die sehr unterschiedlich sind, vom Concerto grosso (1, 2, 4) bis zu Konzerttourneen (3, 6) und 5, die meisten erinnern an ein Solokonzert für Cembalo und Orchester. Möglicherweise inspiriert von Vivaldi, hatte er mehrere Soloinstrumente im Konzert. Er schrieb auch zwei reine Solokonzerte für Violine und insgesamt 13 für ein und bis zu vier Schlüsselinstrumente – meist Cembalo in der Gegenwart. Bach legte häufig Gelenke in die Konzerte. Händel schrieb auch Konzerttourneen, aber viel weniger. Neben 14 Orgelkonzerten schrieb er Obo-Konzerte und zwölf Konzerte grossi.

Orchesteranzüge erfreuten sich seit Mitte des 17. Jahrhunderts wachsender Beliebtheit. Von 1690 bis 1740 waren die Koffer in Deutschland jedoch anders als im traditionellen Französisch, teilweise weil sie die Idee einer festen Ordnung auflösten, so dass die Tänze kommen konnten, wenn es dem Komponisten passte. Händels zwei berühmtesten Stücke – Wassermusik und Musik für das Royal Fireworks – waren beide deutsche Orchesteranzüge, in einem Abstand von etwa 30 Jahren. François Couperin schrieb auch Orchesteranzüge – er nannte die royaux royaux, aber es scheint eher eine Sammlung von löslichen gebundenen Tänzen zu sein, die von einem relativ kleinen Ensemble gespielt werden. Sein Anzug war auch stark von italienischer Musik inspiriert.

Klaviermusik und Sonate
Die Klaviermusik, damals meist Orgel oder Cembalomusik, bestand hauptsächlich aus Suiten, Toccata oder Präludien mit Füssen oder Sonaten. Toccata oder Preludium mit nachfolgenden Kämpfern wurden von mehreren Komponisten verwendet, aber Johann Sebastian Bach dominierte die Kategorie. In der Sonate spielte das Keyboard entweder die Hauptrolle als Soloinstrument oder eine zurückgezogene Rolle als Generalbassinstrument. Diejenigen, die dem Corelli-Stil folgten, der besonders durch die Violinsonate gekennzeichnet war, verwendeten die Klaviermusik hauptsächlich als allgemeine Bassinstrumente, während diejenigen, die sich selbst ablösten – und insbesondere Johann Sebastian Bach – die Tastatur in eine viel dominantere Rolle brachten.

Neben Orchesteranzügen gab es auch einige Komponisten, die Suiten für eine bescheidenere Crew schrieben, die dann zusammen mit den Sonaten platziert wurden. Von diesen waren besonders die Cembalos beliebt. François Couperin schrieb spezielle Cembalosuiten für den Adel, für die er Lehrer war. Diese waren französisch im Aufbau, und so hielten sie mehr an der traditionellen Einteilung der Lieder fest. Bachs Cembalosuiter wurde nicht nur von italienischer, sondern auch von französischer und deutscher Musik inspiriert. Bach folgte der Tradition von Allemande, Courante, Sarabande und Gigue und eröffnete mit einem Auftakt ein italienisches Ensemble-Orchester nach Cembalo. Händel wiederum nutzte einen direkteren italienischen Einfluss auf seine Cembalosuiten.

Mehr lose Klavierstücke waren in der Regel typische Präludien oder Twoccata gefolgt von Fugen. Dies war besonders Bachs Bereich. Ein Beispiel für Bachs Variation ist Toccata & Fuge d-Moll BWV 565, wo die beiden Katzen beginnen und enden und enden und erscheinen. Hans Preludium und Fuge in A-Mole BWV 543 haben eine große Vielfalt an Musikstilen, Sequenzen, dominanten Progressionen, einer klaren Tonstruktur und einer Form des Ritornells, die alle an Vivaldis Konzertideen erinnern. Beide Beispiele sind auch typisch, weil sie virtuos sind und dass das Tempo dem schnellsten Teil eines Konzerts entspricht – also der ersten oder dritten Wette. Eine der berühmtesten Sammlungen Bachs war das Wohltemperierte Klavier, eine Sammlung von Präludien und Fugen aller Töne für Kinder oder Keyboarder. Eines der Ziele war es, die Bandbreite von Cembalo in Bezug auf das Spielen sowohl der neuen Noten – das heißt, groß und klein – als auch der alten modalen Skala zu zeigen. Der erste Band kam 1724, der andere 20 Jahre später.

Die Sonate in Italien wurde lange von Corelli geprägt. Der erste Komponist, der aus Corellis Stil ausbrach, war Tomaso Albinoni, der selbst reich genug war, um herumzureisen, inspiriert unter anderem von Neapel, mit der chromatischen Tonleiter und den großen Sprüngen, sowie einem sehr ornamentalen Stil. Im Gegensatz zu Albinonis Konzertreisen, die progressiver waren, waren seine Sonaten konservativer, trotz Korruption mit Corelli. Vivaldi schrieb 73 Sonaten, von denen fast drei Viertel Solosonate waren, die meisten anderen sind Triosonate und ein Paar sind zu viele Stimmen. Vivaldi löste sich von Corellis und Albinonis Fokus auf Violine und Streicher und schrieb zum Beispiel für Flöten und andere Blasinstrumente. Wo Albinoni traditioneller war, experimentierte Vivaldi sowohl in Sonas als auch in den Konzerten, einschließlich in rhythmischem Antrieb und Einheit in der Form, zusätzlich zu den guten Melodien, die sein Markenzeichen waren. Vivaldi hatte eine ähnliche Meinung in seinem Landsmann Domenico Scarlatti, Sohn von Alessandro. Scarlatti-Sonaten, meist für Cembalo, waren selten so ähnlich, dass sie einer “typischen” Scarlatti-Sonate überhaupt erscheinen konnten. Er spielte mit Tonscharnieren, mit Variationen in der Kadenz, einer Vielzahl von Arpeggien, chromatischer Skalierung, schwierigen Handbewegungen, Synchronisation, Dissonanz und einer großen Vielfalt von mehr. Scarlatti war jedoch größtenteils in Madrid und wurde weitgehend nach dem Ende des Barocks entdeckt.

Unter den deutschsprachigen Ländern war es Johann Joseph Fux, der um die Jahrhundertwende Sonaten einführte, dann nach Wien. Als Kapellmeister des Stephansdoms war Fux in einer Vielzahl von Genres tätig, darunter auch Sonaten. Seine Sonaten waren jedoch polyphoner als die typischen italienischen Sonaten, dafür war die Fugenform gut vertreten. Es gab auch einige andere deutsche Komponisten, die die Sonatenform nahmen. Die Sonaten repräsentierten jedoch weder für Händel noch für Bach eine große Auswahl an Kompositionen. Von Corellis Zeit bis Bach und Händel begannen, Sonate zu schreiben, kam die Klaviersonate als dritte Sonatenform neben dem Solo- und Triosonaten hinzu. Dies deutet auch darauf hin, dass die Geige in den Sonaten nicht mehr die gleiche Dominanz hatte.

Genau wie Albinoni waren Bachs Sonaten hauptsächlich Kirchensöhne, und Bach war wie Albinoni relativ konservativ in der Musikentwicklung innerhalb dieser Zahlen. Er arrangierte, was verfügbar ist, nur drei Flötensöhne und drei Gambesonate zusätzlich zu Sonar für Klavier oder Violine, letzterer von sehr hoher Schwierigkeit. Die Sonaten von Event sind jedoch so vielfältig und erfinderisch, dass sie sich oft von der traditionellen Sonatenentwicklung entfernten, einschließlich des Experimentierens mit der Reihenfolge und dem Inhalt. Georg Philipp Telemann schrieb auch eine Reihe von Sonaten und für eine Reihe von Instrumenten. Sein Werk ist Bach und Corelli insofern näher, als er weitgehend den Regeln der Sonate folgte, ohne dieses Ereignis zu benennen, aber Telemanns Fähigkeit, eingängige Melodien zu komponieren und gut geschriebene, wenn nicht sogar originale Werke zu spielen, war in der Sonate besonders deutlich.

Übergang zum galanten Stil
Der Barock wurde nicht plötzlich durch einen neuen Stil ersetzt, da er die Renaissance-Musik relativ schnell ersetzt hatte. Man kann das 18. Jahrhundert als eine lange Debatte über Musikstil und Musikgeschmack sehen.

Es gab im Wesentlichen zwei Gründe, warum der galante Stil und später der Klassizismus das Barock übernahmen. Erstens wurden sowohl das Publikum als auch die Räumlichkeiten verändert. Bereits in den 1720er Jahren wurden öffentliche Konzerthäuser in London und Paris gebaut und im 18. Jahrhundert in ganz Europa verbreitet. So wurde die Musik der Bourgeoisie zunehmend zugänglich. Das war der Oper bereits passiert, und sie hatte sich in den frühen 1700ern sehr entwickelt. Vor allem die komische und oft satirische Oper riss die Opernserie auf. Im Fall von Henderson und London war vor allem die Beer Opera ein Angriff auf die raffinierte Oper und trug dazu bei, Händel zu Oratorien zu bringen.

Unglücklicherweise für ihn und für Bach, der auch viel Kirchenmusik schrieb, wurde die aufstrebende Mittelklasse Mitte des 18. Jahrhunderts dominant. Ihre von Aufklärung geprägte Vision forderte die politische und kulturelle Machtposition der Kirche heraus. Dies trug dazu bei, dass die Musik in größerem Maße “erfunden” wurde. Kirchenmusik wurde in diesem Zusammenhang konservativ und rückständig. Gleichzeitig war der Optimismus groß, da der menschliche Intellekt alle Herausforderungen bewältigen konnte.

Ein anderes Problem war, dass eine Reihe von etablierten Komponisten in der Mitte des 18. Jahrhunderts starben. Couperin starb 1733, Pergolesi 1736, Vivaldi und Fux 1741, Bach 1750, Albinoni 1751, Domenico Scarlatti 1757 und Händel 1759. Von diesen hatten Scarlatti, Couperin und Pergolesi die Musik bereits streng barockiert. Und während Bach gegen Ende seines Lebens eine Randfigur blieb, schaffte Telemann den Übergang besser. Er verließ den Kontrapunkt und den polyphonen Stil relativ früh und wurde zunehmend homophon und galant. Klassizismus wird oft als eine Korrespondenz zu der schwereren und komplexeren Barockmusik angesehen, die vereinfachte Musikausdrücke übernahmen.New Components unterstützt den polyphonen Stil mit Kontrapunkten und dem galanten singbararen homophonischen Stil. Der Generalbass wurde durch andere Lösungen wie den Albert-Bass ersetzt.

Die Kunst des Schreibens von Füge war weit weg, in Wirklichkeit, war in Haydns, Mozarts und Beethovens späte Kompositionen gezeigt.