देर बारोक संगीत

यूरोपीय संगीत ऐतिहासिक महत्व में बारोक लगभग 1600 से लेकर 1750 तक की अवधि थी। प्रारंभ से, बारोक में संगीत पुनर्जागरण संगीत से दूर हो गया। होमफोनी (एक मुख्य स्वर) के गीत में पॉलीफोनी (एक साथ कई मेलोडी) को प्रतिस्थापित करने के लिए पाठ को हावी होने, ओपेरा, ऑरेटरीज, कैंटट्स और मोनोडी बनाने के लिए, मुखर संगीत तेजी से विकसित हुआ। बारोक में शुरुआती, मोडल स्केल ज्यादातर चर्च संगीत के साथ जुड़े थे जो टोनल संगीत के साथ आदान-प्रदान करते थे। इससे ध्वनि और अधिक उन्नत टुकड़ों को लिखने की क्षमता में बहुत अंतर आया।

देर से बार का संगीत (1700-1750)
यहां तक ​​कि मध्य से लेकर देर तक बार में संक्रमण में पीढ़ियों का एक ही बदलाव नहीं है क्योंकि यह रोमांस में कई अन्य वर्गों में है, 1700 तक दो अवधि के बीच भेद स्थापित करने के अच्छे संगीत कारण हैं। वाद्य यंत्र, जो सोलहवीं शताब्दी में विकसित हुआ था, सदी के अंत में इतना परिष्कृत था कि संगीत के भविष्य पर इसका बड़ा प्रभाव पड़ा। अल्बिनोनी और विवाल्डी ने कॉन्सर्ट विकसित किया, विशेष रूप से एकल संगीत कार्यक्रम, इतना शक्तिशाली है कि इसे एक प्रमुख संगीत शैली के रूप में लिया गया। सोनाटा को शताब्दी के अंत में जर्मन भाषी देशों के साथ पेश किया गया था। उस समय, जर्मन मुखर चर्च संगीत तेजी से ओपेरा के समान बनने लगा, क्योंकि यह कई साल पहले इटली में चले गए थे।

ओपेरा गंभीर, अक्सर दुखद विषयों, और कम नृत्य के साथ अधिक चला गया। कार्रवाई ओपेरा के केंद्र में आई थी। जबकि अंग्रेजी ओपेरा दर्शकों ने ज्यादातर इटालियंस द्वारा लिखे गए ओपेरा पर रहते थे, फ्रांसीसी ओपेरा अभी भी लुली और उनके कुछ वारिस से अधिक चिंतित था, ज्यादातर लोग जिन्होंने अपनी शैली की प्रतिलिपि बनाई थी। 1711 में इंग्लैंड ने हंडेल द्वारा लिखे गए अंग्रेजी दृश्य के लिए अपना पहला ओपेरा प्राप्त किया, और अगले 20 वर्षों तक वह वहां पर हावी रहे। फ्रांस ने 1730 के दशक में रामेउ के साथ अपना अगला प्रमुख ओपेरा संगीतकार प्राप्त किया।

इटली कॉन्सर्ट और सोनाटास के साथ शुरू हुआ, और फ्रांस लंबे समय तक सुइट्स के अधीन था, लेकिन उस अवधि के दौरान जर्मनी और इंग्लैंड में जर्मन संगीत, अधिकांश वाद्य संगीत में प्रभावशाली हो गया। जर्मन संगीत ने देर से बार पर प्रभुत्व रखने के कारणों में से एक यह था कि इसकी पड़ोसी देशों से प्रेरणा प्राप्त करने और इटली, इंग्लैंड, फ्रांस और नीदरलैंड में जाने वाली शैली विकसित करने की लंबी परंपरा थी। इसके अलावा, जर्मन संगीत भी डच और ब्रिटिश कुंजी संगीत, फ्लेमिश पॉलीफोनी, इतालवी कॉन्सर्टो, ओपेरा और मैड्रिगल और फ्रेंच ओपेरा, सेम्बालोम्यूजिक, मोटे और ऑर्केस्ट्रा सूट के अपने नए संस्करणों के निर्माण के द्वारा विकसित किया गया। संगीतकार जो पड़ोसी देश में विशेष रूप से प्रभावित और बाद में संगीत को प्रभावित करते थे, वे जॉर्ज फिलिप टेलीमैन, जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडल और कम से कम जोहान सेबेस्टियन बाच थे।

उसी समय, हैंडल और बाच का पूरा संगीत भी अंत की शुरुआत थी। सार्वजनिक संगीत कार्यक्रमों और बुर्जुआ कारतूस के उद्भव के साथ, जटिल पॉलीफोनी को सरल homophony द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था। अन्य संस्कृतियों और समकालीन संगीत स्वादों को अनुकूलित करने के लिए सबसे अच्छा संभव था जॉर्ज फिलिप टेलीमैन, जिन्होंने बाच की तुलना में सरल संगीत पसंद किया था, और उन संगीतकारों में से एक थे जिन्होंने गैलेंट शैली और शास्त्रीयवाद में संक्रमण शुरू करने में मदद की थी।

उपकरण
देर से बार में संगीत विकास जारी रहा, खासकर तीन-ब्लोअर परिवार में। इस अवधि में दो नए यंत्र थे। Chalmeauen क्लेरनेट द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था। क्लेरनेट का अधिकांश लाभ नोजल के साथ संभावनाएं थीं, जो ध्वनि, सटीकता और मात्रा नियंत्रण में मदद करती थीं। टेनोरोबो (बाद में “अंग्रेजी सींग”), जो लगातार बदल रहा था, 1720 के दशक में इसका अंतिम रूप मिला। हालांकि, यह केवल बारोक के अंत में था कि ऑर्केस्ट्रा में टेनोरोबो हुआ था। मौजूदा उपकरणों में, परिवर्तन भी हुए। ओबो ने विस्तारित ध्वनि और पंजीकरण प्राप्त किया, जिसके परिणामस्वरूप इस अवधि के दौरान एकल उपकरण के रूप में इसका उपयोग अक्सर किया जा सकता है। इस अवधि की शुरुआत में फागोटे भी अपने रजिस्टर का विस्तार कर रहा था। इसके अलावा चौराहे का 1660 से 1720 तक एक बड़ा विकास हुआ।

महत्वपूर्ण उपकरणों में भी विकास हुआ था, और पियानो के लिए एक अग्रदूत 1700 के आसपास बनाया गया था, लेकिन यह उत्पादन में लगाए जाने के लिए बहुत महंगा और अधूरा था। सींग छेद और फ्लैप्स के बिना एक प्राकृतिक सींग था, लेकिन 1700 के दशक की शुरुआत में इसे और बीम के साथ विस्तारित किया गया था, इसलिए ध्वनि अलग-अलग थी। इसका मतलब यह भी था कि संगीत में सींग का अधिक इस्तेमाल होता था, जिसमें हैंडेल और बाच भी शामिल थे।

स्ट्राइकर परिवार एक संक्रमण चरण में था, जहां खेल अपनी छत खोना शुरू कर दिया। जबकि गाम्बे और सेलो अभी भी एक ही समय में रहते थे, 1710 में सेलो को स्ट्रैडिवार्यियस द्वारा आकार में परिभाषित किया गया था, और कुछ ही समय बाद, अन्य उपकरण डिजाइनरों का पालन किया गया। इसके परिणामस्वरूप सेल लोकप्रियता प्राप्त कर रहा था। जीवित रहने वाले गैमफैमिली में एकमात्र साधन, डबल बास, सदी के अंत में ऑर्केस्ट्रा में हुआ था। वायलिन, इसके हिस्से में, केवल मामूली समायोजन था, खासकर गुर्नियेरी के वायलिन में, जो लगातार स्वरों पर अच्छा था।

ओपेरा
चूंकि पर्ससेल और लुली की मौत के बाद अंग्रेजी और फ्रेंच ओपेरा दोनों रुक गए, इतालवी ओपेरा फिर से प्रभुत्व में था। हालांकि, इतालवी ओपेरा लगातार विकसित हो रहा था, उदाहरण के लिए, पात्रों के बीच कार्रवाई, पात्रों और संघर्ष को अधिक हद तक ज़ोर दिया गया था, जिससे नाटकीय रूप से और अधिक जगह बन गई। 1700 के दशक में ओपेरा के विकास का एक और पहलू यह था कि उपकरणों ने तेजी से महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। जबकि उनके पास पहले रेसिटिवेटिव्स और एरी के बीच खेलने का काम था, लेकिन अब वे एकल कलाकारों की तरफ भी भाग लेते थे। कभी-कभी यह एक प्रतिस्पर्धा का कारण बनता है, क्योंकि यह कैस्ट्रेटर फेरनेली और एक तुरही virtuos के बीच गिर गया, दर्शकों ने एक प्रतियोगिता में फेंक दिया।

जर्मनी में भी इतालवी ओपेरा के आधार पर एक विकास हुआ था। विशेष रूप से, हैम्बर्ग और लीपजिग में संगीतकार ओपेरा बनाने में सक्रिय थे, और इनमें से अधिकतर शायद इतालवी ओपेरा से प्रेरित थे, उन्होंने शैली पर अपनी भावनाओं को जल्दी ही रखा था। कुछ, और विशेष रूप से टेलीमैन के लोगों के पास एक विनोदी अनुभव था, और उनमें से कई गायन खेल से प्रेरित जर्मन में गाए गए थे।

इतालवी ओपेरा
इतालवी ओपेरा न केवल इटली, बल्कि कई अन्य देशों में भी प्रभुत्व था। वियना और लंदन दोनों को विशेष रूप से नेपल्स से इतालवी ओपेरा द्वारा प्रेरित किया गया था।

नीपोलिटन स्कूल खत्म होने के बाद, नेपल्स ओपेरा के उत्पादन में प्रभावी तरीके से भी चल रहा था। शहर में स्पष्ट कक्षा-आधारित ओपेरा भी थे। कुलीनता के लिए, ओपेरा उत्सवों से जुड़ा था, जैसे कि नाम के दिन, शादियों या अन्य परिस्थितियों। ओपेरा अक्सर Venetian विनीटेटोस द्वारा उपयोग किया जाता था। लिब्रेटोस में अतीत में अक्सर रोमांस, नाटक और कॉमेडी का मिश्रण था, लेकिन सदी के अंत तक कॉमेडी भाग को हटा दिया गया और अधिक दुखद ओपेरा श्रृंखला के कृत्यों के बीच एक संख्या के रूप में रखा गया। नीपोलिटन ओपेरा श्रृंखला को अपोस्टोलो जेनो और पिट्रो मेटास्टेसियो (वियना देखें) द्वारा परिभाषित किया गया था, और नाटकीय कथाओं पर जोर अधिक महत्वपूर्ण हो गया। संगीतस्वरूप, अन्य चीजों के साथ, उपकरण में प्रमुख भिन्नताएं थीं, सामान्य बास को एंबेलट, लट्ट, डबल बास और गैंबे द्वारा सिंबेलो के अलावा खेला जा सकता था। कभी-कभी, तुरही, ओबो और सींग जैसे पवन यंत्र, आमतौर पर प्रत्येक में से दो, तारों के साथ मिलकर मिलते हैं। इसके अलावा, संगीत की शैली परंपरागत बारोक संगीत से भी अलग थी, छोटे उद्देश्यों को दोहराने के बजाय, नीपोलिटन संगीत उन्हें दोहराने पर उत्सुक था, बल्कि स्ट्रोब के लिए दोहराए गए उद्देश्यों को खींच रहा था। नाटकीय प्रभाव के रूप में ब्रेक का उपयोग करने से हल्का और अधिक चलती धुनें पैदा हुईं। इसके अलावा, अक्सर बहुत virtuoso मुखर भागों थे।

अधिक लोकप्रिय ओपेरा ने कॉमिक ओपेरा को कुलीनता पर संगीत को रोकने के लिए कम किया और उस पर ध्यान केंद्रित किया। नेपल्स में संगीत में विनोद के लिए एक लंबी परंपरा रही थी, और कई ओपेरा दोनों नीपोलिटन बोली और हास्य के साथ सूचीबद्ध थे। जहां गंभीर ओपेरा ने अलौकिक और जटिल दुनिया का चयन करना चुना, कॉमिक ओपेरा आमतौर पर रोजमर्रा की थीम और ऐतिहासिक रूप से संबंधित घटनाओं में जोड़ा जाता था, और गंभीर ओपेरा के खर्च पर मजाक कर रहा था। 1710 के दशक से, गंभीर संगीतकार कलात्मक आजादी के कारण आंशिक रूप से अच्छे कॉमिक ओपेरा देने पर अधिक उत्सुक थे। कॉमिक ओपेरा अधिकांश लोगों के साथ-साथ कुलीनता के लिए इंटरमेज़ो के लिए बनाया गया था। रोजमर्रा की थीम का उपयोग करने के अलावा, लैटिन कॉमेडीज को संबंधित अनुमानित आंकड़ों और विरोधाभासों के साथ कॉम्मेडिया डेलर्ट कॉमेडीज़ के साथ प्रतिस्थापित किया गया था: युवा से बूढ़े, नर से मादा, गरीबी के लिए धन और समलैंगिक को समझदार। लोकप्रियता में वृद्धि हुई, और 1733 में, जियोवानी बत्तीस्ता पेर्गोलेसिस ला सर्व पाद्रोन अंतरराष्ट्रीय ध्यान में पहुंचे।

नेपल्स के बाद, शायद वियना इतालवी ओपेरा के सबसे बड़े केंद्रों में से एक था। कई ओपेरा चैपल मास्टर एंटोनियो कैल्डारा और पिट्रो मेटास्टेसियो द्वारा लिब्रेटो के साथ अन्य लोगों के साथ बनाये गये थे। वियना में, लाइब्रेरिस्ट मेटास्टेसियो और उनके पूर्ववर्ती अपोस्टोलो जेनो ओपेरा के सुधार के लिए ज़िम्मेदार थे ताकि कहानी, साजिश और पात्रों को और अधिक तेज कर दिया जा सके। इस प्रकार नाटक ने एक बेहतर प्रभाव प्राप्त किया, और इसके अलावा, एरिया भावनात्मक फोकस बन गया, जबकि निवासियों ने कार्रवाई को बताया। वियना के ओपेरा की एक और विशेषता वाद्य संगीत पर केंद्रित थी, और विशेष रूप से ध्वनि, जिसका मतलब था कि वाद्ययंत्र एकल दोनों ओवरटार्न, बैले और कभी-कभी एरिया में भी लिखे गए थे। ऑस्ट्रिया सम्राटों के स्वाद के अनुरूप, यह सब अकेले ओपेरा में आम था, विशेष रूप से सुन्दर गीत में काउंटरपॉइंट का उपयोग, और क्योंकि वे दृढ़ता से हैंडल से प्रेरित थे।

रोम में, बैठे मंडप और सनकी के विचारों के परिणामस्वरूप ओपेरा परंपरा को कुचला गया था। इसके अलावा, स्पैनिश विरासत युद्ध जैसे संघर्ष ओपेरा पर प्रतिबंध लगाते हैं ताकि रोम 16 9 8 और 1711 के बीच ओपेरा के बिना था। बदले में, एलेसेंड्रो स्कारलाट्टी, एंटोनियो कैल्डारा और एंटोनियो विवाल्डी के ओपेरा दूसरों के बीच आए। यह भी यहां था कि मेटास्टेसियो के पुस्तकालय 1724 में शुरू हुए थे। यह स्कारलाट्टी की मृत्यु से पहले एक साल पहले हुआ था, जिसका प्रारंभिक रूप से मतलब था कि लियोनार्डो विंसी ने 1730 में विंची की मृत्यु होने तक मेटास्टेसियो के साथ सहयोग किया था। विंची नेपल्स से मृत्यु थी, और नीपोलिटन स्कूल भी अच्छी तरह से प्राप्त हुआ था रोम में ओपेरा – जब इसकी अनुमति थी। अवधि के दौरान वेनिसेट में कम स्थानीय नवाचार था। सबसे पहले फ्रांसेस्को गैसपरिनी और कार्लो फ्रांसेस्को पोलारोलो जैसे ओपेरा संगीतकार स्थापित किए गए थे, और बाद में लियोनार्डो विंची जैसे नव-राजनीतिक संगीतकार थे। इस नियम का अपवाद एंटोनियो विवाल्डी था, जिन्होंने कई ओपेरा और ऑरेटरीज लिखे थे, और शायद शहर का सबसे लोकप्रिय ओपेरा संगीतकार था।

जर्मन ओपेरा
ओपेरा ने जर्मनी को मारा था, और बारोक के आखिरी हिस्से में, देश भर के विभिन्न ओपेरा घरों में अधिक ओपेरा प्रदर्शन किए गए थे। लीपजिग में पहले से ही एक स्थापित ओपेरा हाउस था, और वहां अधिक योगदान थे। जर्मन ओपेरा में कॉमिक चाल अक्सर होती थी, यहां तक ​​कि यहां भी। सिवाय इसके कि टेलीमैन ने 20 ओपेरा को एक साथ लिखा और भेज दिया था, कोई भी संगीतकार स्थापित नहीं हुआ था जो वंशावली के लिए जाना जाता है।

मुख्य रूप से सम्राट द्वारा रचित हममबर्ग में एक ओपेरा भी था। सम्राट की सुंदर सुन्दरता लिखने की क्षमता और आवाज और इसकी क्षमताओं को समझने की क्षमता हैडल के लिए सीधी प्रेरणा थी। अपने समय में, सदी की शुरुआत में सम्राट को अग्रणी संगीतकार भी माना जाता था। हैंडल 1704 में शहर आए, और यहां तक ​​कि वह थोड़ी देर के लिए वहां रहे, शहर में ओपेरा संरचना के बारे में और चीजें सीख रहे थे। 1721 तक सम्राट का प्रभुत्व था जब टेलीमैन शहर आए थे। उनका ओपेरा अभी भी हास्य और गंभीर था। इस प्रकार टेलीमा के हास्य ओपेरा को ला सर्व पाद्रोन के माध्यम से ओपेरा बफा मारा जाने से कई साल पहले लिखा गया था।

फ्रांसीसी ओपेरा
फ्रांसीसी ओपेरा को लुली की छाया से बाहर निकलने में परेशानी थी। पहले प्रमुख उम्मीदवार – पास्कल कोलासी – ने ओपेरा को लिखा जो कि लुलीस में बहुत अधिक था, और अपूर्ण, अक्सर खारिज किए गए कार्यों को लिखते समय सबसे बड़ी सफलता थी। लूली परिवार ने उसे मुकदमा दायर किया, और सदी के अंत में उनकी प्रतिष्ठा पहले ही कमजोर हो गई थी। हेनरी डेसमेट्स को रिवर्स स्कैंडल से जोड़ा गया था, उन्होंने गाना बजानेवालों निकोलस गौपिललेट के स्टार द्वारा जारी मोटरों की एक श्रृंखला लिखी थी। फिर वह ब्रुसेल्स के लिए एक जवान औरत से बच निकला और अनुपस्थिति में मौत की सजा सुनाई गई। फिर वह स्पेन गया लेकिन मृत्यु की सजा को हटा दिए जाने पर लौट आया। उनके ओपेरा में केवल मामूली सफलता थी। एंड्रे कार्डिनल डेस्टोच को ओपेरा के साथ कुछ सफलता मिली, लेकिन यह नए नामांकित खिताब के लिए जनरल इंस्पेक्टर फॉरएडेमी रॉयले डी म्यूसिक के रूप में प्राप्त होने के बाद बहुत मामूली हो गया।

फ्रेंच ओपेरा में महान क्रांति केवल जीन-फिलिप रामेउ के साथ बारोक के अंत की ओर आई थी। एक बहुत ही प्रतिभाशाली अंग खिलाड़ी होने के बावजूद, रामाऊ संगीत सिद्धांतकार के रूप में जाना जाने लगा जब वह 39 वर्ष का था। संगीत के बारे में उनके विचारों ने ध्वनिक और तारों के बारे में अन्य चीजों के साथ अभिनय किया, जहां उन्होंने ट्रेबल और सेप्टिम chords पसंद किया, बेसस्टोन पेश किया और विसंगति से चिंतित था जो संगीत और तारों के प्रभावों का प्रचार करता है। यह रैमौ भी टॉनिक (मौलिक स्वर), प्रभावशाली (टोन और तार – टॉनिक्स का एक क्विंटेट) और सबडोमिनेंट (टोन और तार – टॉनिक्स के तहत एक क्विंटेट) परिभाषित करता है।

एक संगीतकार के रूप में, 1730 के दशक में रामेउ की पहली बार खोज की गई थी जब वह अर्धशतक में थे। उनका पहला ओपेरा, हिप्पोली एट अरसी, 1733 में दर्ज किया गया था जब वह 50 वर्ष का था। रामेउ लुली की ट्रागडेडीज़ के बीच ओपेरा बैले में एक संगीत ओपेरा के बीच चले गए, उदाहरण के लिए लेस इंडेस गैलेन्टिस, जो इस रूप में अधिक स्वतंत्र थे। फिर वह अधिक पारंपरिक ओपेरा में चले गए, और कास्टर एट पोलुक्स के साथ विशेष सफलता मिली, जो लुली की शैली से कहीं ज्यादा मुक्त थी। अपने संगीत सिद्धांत के आधार पर रमेउ की नई संगीत शैली ने लुली के अनुयायियों को इतना उत्तेजित कर दिया कि यह लुलिस और रामिस के बीच पेरिस की खुफिया जानकारी के भीतर युद्ध का एक रूप बन गया। संघर्ष और आरोप के बावजूद कि रामाऊ का संगीत मुश्किल, अजीब, यांत्रिक और अप्राकृतिक था, रामेउ लोकप्रिय हो गया और फिर फ्रांसीसी ओपेरा मिला। वह पहले फ्रांसीसी जन्मे संगीतकार भी थे जिन्होंने ओपेरा के साथ अधिक सफलता हासिल की थी।

इंग्लैंड और हैंडल
पर्सेल की मृत्यु के बाद अपने ओपेरा संगीतकारों की अनुपस्थिति में, इंग्लैंड इतालवी ओपेरा से सबसे ज्यादा चिंतित हो गया। ओपेरा काफी हद तक सार्वजनिक था, और पहले ही 1705 में, इतालवी-प्रेरित ओपेरा का पहला उदाहरण, हालांकि अंग्रेजी में। Arsinoe, साइप्रस की रानी, ​​एक पुराने इतालवी टुकड़े का एक अद्यतन था। इतालवी ओपेरा को उधार देने की प्रवृत्ति, खुशी से एलेसेंड्रो स्कारलाट्टी ने और अंग्रेजी में अनुवाद किया, मारा और विभिन्न गुणवत्ता के कई ओपेरा स्थापित किए गए। उस समय भी ब्रिटिश दर्शकों के लिए कलाकारों को लॉन्च किया गया था। अंग्रेजी में कुछ हिस्सों के साथ एक अल्पकालिक प्रयोग और इतालवी में कुछ हिस्सों को समाप्त कर दिया गया था जब दर्शकों को केवल आधा ओपेरा समझने से थक गया था, और अधिकांश को इतालवी में गाया गया था। विशेष रूप से, हाइडस्पस 1710 में अपेक्षाकृत बड़ी सफलता के लिए फ्रांसेस्को मैनसिनी बन गया।

1710 भी हैडल ने हेल में अपना संगीत कैरियर शुरू किया था, लेकिन जर्मन, इतालवी और अंग्रेजी बोलने वाले शहरों में चले गए और विभिन्न संस्कृतियों से बहुत कुछ उठाया। उनका पहला ओपेरा, अल्मिरा, कोनिगिन वॉन कास्टिलियन 1705 में आया था, जब वह हैम्बर्ग में था, और स्पष्ट रूप से रेनहार्ड सम्राट द्वारा प्रेरित था, और फ्रांसीसी शिष्टाचार के बाद नृत्य सुन्दरता के साथ, इतालवी और जर्मन काउंटरपॉइंट्स और ऑर्केस्ट्रेशन के बाद अरबी। 170 9 से उनका छठा, अग्रिप्पीना, एलेसेंड्रो स्कारलाट्टी से प्रेरित था, और बिना सांस लेने के ब्रेक के बिना और धुनों में लयबद्ध बदलाव के साथ लंबे हिस्सों के साथ सुरुचिपूर्ण धुनों की क्षमता दिखायी। लंदन, रिनल्डो में सूचीबद्ध उनका पहला ओपेरा एक बड़ी सफलता थी और वह उस दशक में लगभग हर ऑपरेशन को सूचीबद्ध किया गया था।

फंडिना बोर्डोनी जैसे प्रतिभाशाली गायक खोजने के लिए हैंडल को स्थायी स्थिति और पैसा मिलने के बाद, उनके ओपेरा अधिक वीर और अधिक चुनौतीपूर्ण बन गए। विशेष रूप से एगिट्टो (1724) में गिउलियो सेसर, लेकिन तामरलोनो (उसी वर्ष) और रोडेलिंडा (1725) नए ओपेरा के अच्छे उदाहरण हैं। हैंडेल ने स्थानांतरित महत्व का लाभ उठाया, उदाहरण के लिए, उन्होंने टॉलेमी की विश्वासघात पर जोर देने के लिए चुपके और शिकार की भावना पैदा की। इस समय, आम तौर पर दो मुख्य प्रकार के रेजीटिवेटिव थे, लगभग सूखे “लगभग” सामान्य बास और बातचीत गीत के साथ “शुष्क” और “अधिक” उपकरणों के साथ “साथ” resitatives। हैंडल ने बाद का फायदा उठाया। इसके अलावा एरिया हैंडल के लिए विशेष थे। उन्होंने उन्हें व्यक्तिगत गायकों को लिखा, और इसलिए कुछ मेष सजावटी हो सकती हैं और ऊंची हो सकती हैं जबकि अन्य धीमे हो सकते हैं और भावनाओं पर जोर दे सकते हैं। साथ ही, हैंडल पहले इस अधिनियम को सूचित करने की तुलना में एरिया का उपयोग करने के लिए उत्सुक थे, और इस प्रकार नीपोलिटन स्कूल के साथ कुछ तोड़ दिया। कंट्रास्ट प्वाइंट और राजसी संगीत को सरल पादरी भजनों के साथ तौला जा सकता है। हैंडेल ने ऑर्केस्ट्रा का अधिक उपयोग किया, और उन्होंने अपने समकालीन के मुकाबले पवन उपकरणों के अधिक सक्रिय रूप से भी उपयोग किया।

धार्मिक स्वर संगीत
शताब्दी के अंत में, लूथरन मुखर चर्च संगीत ओपेरा की तरह अधिक से अधिक हो गया। इसका एक हिस्सा एर्डमैन न्यूमस्टर, एक कवि और धर्मविज्ञानी के कारण था जो ओपेरा और लूथरन चर्च संगीत को मिलाते थे। उनके द्वारा प्रेरित, बाच ने ओपेरा, जैसे कि रीजेटिव और अरियन, लेकिन गाना बजानेवालों, मूंगा संगीत और ऑर्केस्ट्रा संगत से तकनीक का उपयोग करना शुरू किया। थॉमस्कैंटोर की नियुक्ति से, चर्चों के संगीत में रुचि खोने तक, सभी चर्चों के लिए कम या ज्यादा संगीत रूप से जिम्मेदार, बाच ने चर्च संगीत को काफी विकसित किया। यह विशेष रूप से उनके दो पदों में उल्लेख किया गया था। बाच को कुछ कॉफ़ी हाउस नाटक प्रति संगीत के अलावा किसी भी सफल सफलता के बिना ओपेरा संगीतकार के रूप में कोई अनुभव नहीं था, लेकिन विशेष रूप से जोहान्सपेसिलिक ओपेरा, जिसमें पोंटस पिलातुस और गाना बजानेवालों के बीच नाटकीय विशेषताएं शामिल थीं, जिसमें जोर दिया गया कि यीशु को क्रूस पर चढ़ाया जाना चाहिए। इसके अलावा, बाच ने ग्रीक नाटक के रूप में इस काम पर टिप्पणी के रूप में गाना बजानेवालों का भी इस्तेमाल किया। मैथ्यू पथ अधिक पूर्ण है, और प्रदर्शन प्रदर्शन में एक बड़ी भूमिका निभाते हैं।

बाच ने 1730 के आसपास चर्च संगीत में रुचि खो दी, लेकिन अपने पिछले वर्ष के दौरान उन्होंने एच-मॉल में मेस्सी को पूरा किया, जो चर्च संगीत के विकास की पौराणिक कथाओं थी। काम 20 साल से अधिक पुराना हो गया और पिछले कार्यों या अपूर्ण कार्यों के पुन: उपयोग (पैरोडी कहा जाता है) माना जाता है। मिश्रण मेले को पुरानी बार से प्रगति में गैलेंट में बदल देता है। बाख ने ओपेरा से उधार लिया था, लेकिन उनके बीच भी एक बड़ा बदलाव था। कैंटटा मैथ्यू, परावर्तक और पूर्ण के रूप में थे, और इसलिए किसी भी नाटक की घटना के बिना आवाजों के साथ प्रदर्शन किया, और इसे संगीत उपदेश के रूप में भी समझा जा सकता है। कैनटाटा भी 1730 से आगे फैल गया, लेकिन तेजी से कमी आई।

बाच के आसपास मुखर चर्च संगीत छोड़ दिया, हैन्डल वास्तव में उनकी देखभाल करना शुरू कर दिया। लगभग 1730 में उन्होंने ऑरेटरीज लिखना शुरू कर दिया। हालांकि, उन्होंने जर्मन और अंग्रेजी गाना बजानेवालों संगीत से प्रेरित बड़े choirs में प्रवेश करके पारंपरिक इतालवी oratories बदल दिया। उन्होंने उन्हें अलग-अलग भूमिकाएं दीं, कहानी पर टिप्पणी करने से, ग्रीक नाटक से प्रेरित भी। इसके अलावा जर्मन पोप और अंग्रेजी मास्क ने हैंडल के नए ऑरेटरीज में एक भूमिका निभाई। इसने समर्थन किया कि चर्च एक आम अनुभव था और व्यक्तिगत व्यक्ति नहीं था। हैंडल का ऑपरेटिंग तकनीक द्वारा अत्यधिक उपयोग किया जाता था, और इसलिए ओपेरा से रीति-रिवाजिव तकनीकें उधार ले सकती थीं और उन्हें एरी द्वारा नहीं बल्कि एक गाना बजानेवालों द्वारा पीछा किया जा सकता था। फिर भी, ऑरेटरीज में एरिया और नाटकीय दृश्य भी दिखाई देते हैं। इसके अलावा, हैंडल ने ऑरेटरीज भी बनाए जो कि ईसाई नहीं थे, लेकिन ग्रीक पौराणिक कथाओं से संबंधित थे, जिनमें सेमेले और हरक्यूलिस शामिल थे।

कॉन्सर्टोस और स्वीट्स
संगीत कार्यक्रम सदी के अंत से पहले एक वास्तविक इतालवी संबंध था, और यह थोड़ी देर तक जारी रहा। टॉमसो अल्बिनोनी ने पहले ही 1700 में अपने पहले संगीत कार्यक्रम जारी किए थे। जैसे ही अल्बिनोनी मध्यस्थ थे, वह लाभकारी से समर्थकों से मुक्त थे। उन्होंने जल्दी ही अपने कंसर्टो को तीन सेट के रूप में परिभाषित किया, और उन्होंने काउंटरपॉइंट के लिए परिश्रमपूर्वक उपयोग किया। इसके अलावा, उन्होंने धीमी दूसरी दर के आकार के साथ प्रयोग किया। यह अल्बिनोनी भी था जिसने ओबो को इतालवी दर्शकों के लिए एकल उपकरण के रूप में पेश किया।

1702 में, अल्बिनोनी ने अपना पहला संगीत कार्यक्रम जारी करने के दो साल बाद, एंटोनियो विवाल्डी परिभाषित कॉन्सर्टो बन गए। वह क्रिश्चियन स्कूल ऑफ़ अनाथ, हॉट चिल्ड्रेन और इनक्रेडिबल डॉटर्स में शिक्षक थे, और उन्हें बड़ी सफलता के साथ संगीत गेम में पढ़ाया। वेनिस में एक आकर्षण बनने के लिए उनके और लड़कियों के दोनों खेलों को पर्याप्त ध्यान मिला। 500 जीवित विवाल्डी के संगीत कार्यक्रमों में से 350, लगभग तीन तिमाहियों, एकल उपकरणों के लिए, और उनमें से 230 वायलिन के लिए थे। वायलिन न केवल विवाल्डी के साधन थे, बल्कि अधिकांश महिला छात्रों ने भी यह उपकरण सीखा। इसके अलावा, उन्होंने बेसून के लिए 37, और बांसुरी, ओबो, ब्लॉकराइटर, व्हायोला डी एमोर, सेलो और मंडोलिन के लिए लिखा था।

विवाल्डी कॉन्सर्ट कॉन्सर्ट ताजा धुनों, एक जीवंत लय, कुशल एकल देखभाल और औपचारिकता के कारण फिर से उभरा। इसके अलावा, विवाल्डी के पास स्कूली शिक्षा में प्रतिभाशाली संगीतकार थे, और उन्हें संगीत कार्यक्रम के साथ प्रयोग करने का अवसर दिया गया था। सिर्फ इसलिए कि उनके पास एक साधारण मूल नुस्खा था कि वह लचीला हो सकता था, उसे कॉन्सर्टो के विकास के साथ बड़ी सफलता मिली। अन्य चीजों के अलावा, विवाल्डी के टुकड़े थे जहां कई एकल कलाकार ऑर्केस्ट्रा के बाकी हिस्सों के खिलाफ खेले, लेकिन कोरली के कॉन्सर्टो ग्रोसो के विपरीत, बड़े ऑर्केस्ट्रा ने छोटे की प्रतिलिपि नहीं बनाई, लेकिन उनके खिलाफ एक एकल संगीत कार्यक्रम की तरह खेला। विवाल्डी ने जानबूझकर पिज्जा और सार्डिन दोनों को प्रभाव के लिए इस्तेमाल किया। विवाल्डी ने टॉमसो अल्बोनोनी द्वारा तेजी से धीमे-प्रपत्र के रूप में लगभग लगातार तीन-दर संगीत कार्यक्रम का उपयोग किया। सबसे प्रसिद्ध में आप चार मौसम हैं। यहां, अधिकांश अन्य संगीत कार्यक्रमों की तरह, विवाल्डी ने एक और समलैंगिक शैली का चयन किया, यानी एक प्रमुख संगीत आवाज के साथ, जबकि अन्य आवाज़ें इसका समर्थन करती हैं।

उन्होंने लगभग लगातार ritornello भी इस्तेमाल किया, जो एक ताज़ा है, और अपने खुद के ritornello रूप भी डिजाइन किया। परिष्कृत पहले से ही शुरू होता है, कुछ हद तक टोन संरचना की पुष्टि करने के लिए, जो स्वर का उपयोग किया जाता है। पूरे ऑर्केस्ट्रा को एकल उपकरण के हिस्सों के साथ शामिल किया गया है। इसमें आम तौर पर छोटे हिस्से होते हैं जिन्हें बार-बार या विविध किया जाता है। जब बचना दोहराया जाता है, तो यह आमतौर पर केवल आंशिक होता है। Reengengene एकल एपिसोड, ज्यादातर virtuoso और विशेषता द्वारा विभाजित है। बचना के हिस्सों को दोहराया जा सकता है और इसके साथ भिन्न हो सकता है, लेकिन विवाल्डी ने अधिक तराजू, आर्पेगीओ और अन्य संगीत अभिव्यक्तियों का उपयोग किया। मॉड्यूलेशन के माध्यम से टन का आदान-प्रदान किया जा सकता है। इसने एक ritornello रूप बनाया जो मानक ritornello से बहुत अलग था। इसके अलावा, धीमी गति को अभिव्यक्तिपूर्ण और गायन योग्य सुन्दरता (उदाहरण सुनना) सहित धीमे हिस्से को उतना ही महत्वपूर्ण बनाने में महत्वपूर्ण था। इसके अलावा, पुण्य कुछ अतिरिक्त गहने जोड़ना चाहेंगे। विद्वान की एकल कलाकार को अपनी आवाज और अपना व्यक्तित्व देने की क्षमता संगीत कार्यक्रम के लिए महत्वपूर्ण हो गई।

बाच विवाल्डी द्वारा कॉन्सर्टो और पियानो संगीत दोनों में प्रेरित थे। उन्होंने विषयों और हार्मोनिक योजना को स्पष्ट बनाने और ritornello प्रभाव के आधार पर औपचारिक संरचनाओं पर काम करने से सीखा। संगीत कार्यक्रम में, बैच, बाकी सब कुछ की तरह, विभिन्न संगीत से भिन्न और प्रभावित था। यह ब्रांडेनबर्ग संगीत कार्यक्रमों में देखा जाता है, जो कॉन्सर्टो ग्रोसो (1, 2, 4) से कॉन्सर्ट टूर (3, 6) और 5 तक व्यापक रूप से भिन्न होता है, जो सेम्बोलो और ऑर्केस्ट्रा के लिए एक एकल संगीत कार्यक्रम की याद दिलाता है। संभवतः विवाल्डी द्वारा प्रेरित, उनके पास कॉन्सर्टो में कई एकल उपकरण थे। उन्होंने वायलिन के लिए दो शुद्ध एकल कंसर्टो और एक के लिए कुल 13 और चार प्रमुख उपकरणों के लिए भी लिखा – वर्तमान समय में ज्यादातर सेम्बोलो। बैच अक्सर कॉन्सर्टो में जोड़ लगाते हैं। हैंडल ने कॉन्सर्ट टूर भी लिखे, लेकिन बहुत कम। उन्होंने 14 अंग संगीत कार्यक्रमों के अलावा ओबो संगीत कार्यक्रम और बारह संगीत कार्यक्रम ग्रोसी लिखा।

ऑर्केस्ट्रा सूट 1600 के दशक के मध्य से लोकप्रियता में वृद्धि कर रहा था। 16 9 0 से 1740 तक, हालांकि, जर्मनी में सूटकेस पारंपरिक फ्रांसीसी से अलग थे, आंशिक रूप से क्योंकि उन्होंने एक निश्चित आदेश के विचार को तोड़ दिया, इस प्रकार संगीतकार उपयुक्त होने पर नृत्य आ सकता है। हैंडल के दो सबसे मशहूर टुकड़े – रॉयल आतिशबाजी के लिए जल संगीत और संगीत – जर्मन ऑर्केस्ट्रा सूट दोनों थे, जो लगभग 30 वर्षों से अलग थे। फ्रैंकोइस कूपरिन ने ऑर्केस्ट्रा सूट भी लिखे – उन्होंने रॉयॉक्स रॉयॉक्स को बुलाया, लेकिन यह अपेक्षाकृत छोटे पहने हुए द्वारा घुलनशील घनत्व वाले नृत्यों के संग्रह की तरह दिखता है। उनके सूट इतालवी संगीत से भी काफी प्रेरित थे।

पियानो संगीत और सोनाटा
पियानो संगीत, फिर ज्यादातर अंग या cembalomusic, मुख्य रूप से सुइट्स, टोकटा या फव्वारे या sonates के साथ preludes शामिल थे। बाद के सेनानियों के साथ टोकाटा या प्रीलुडियम का इस्तेमाल कई संगीतकारों द्वारा किया जाता था, लेकिन जोहान सेबेस्टियन बाच ने इस श्रेणी पर हावी थी। सोनाटा में कीबोर्ड ने या तो एकल उपकरण के रूप में मुख्य भूमिका निभाई या सामान्य बास उपकरण के रूप में अधिक पीछे हटने वाली भूमिका निभाई। जो लोग कोरली की शैली का पालन करते थे, विशेष रूप से वायलिन सोनाटा द्वारा विशेषता, पियानो संगीत का इस्तेमाल आम तौर पर सामान्य बास यंत्रों के रूप में करते थे, जबकि जो खुद को अलग करते थे – और विशेष रूप से जोहान सेबेस्टियन बाच – ने कीबोर्ड को एक और अधिक प्रमुख भूमिका में रखा।

ऑर्केस्ट्रा सूट के अलावा, कई संगीतकार भी थे जिन्होंने अधिक मामूली चालक दल के लिए सुइट्स लिखे थे, जिन्हें सोनाटास के साथ रखा जाएगा। इनमें से, विशेष रूप से कंबल लोकप्रिय थे। François Couperin विशेष सभ्यता के लिए विशेष cembalosuites लिखा था वह शिक्षक था। ये निर्माण में फ्रांसीसी थे, और इस प्रकार वे गाने के पारंपरिक विभाजन पर अधिक थे। बाच का सेम्बोलाइटर न केवल इतालवी द्वारा बल्कि फ्रेंच और जर्मन संगीत से भी प्रेरित था। बाख ने एल्मांडे, कूर्टे, सरबंदे और ग्रिग की परंपरा का पालन करना चुना, और एक प्रस्ताव के साथ जहां उन्होंने एक इतालवी कलाकार आर्केस्ट्रा को सेम्बोलो की व्यवस्था की। बदले में, हैंडल ने अपने सेम्बोलोसाइट्स पर अधिक प्रत्यक्ष इतालवी प्रभाव का उपयोग किया।

अधिक ढीले पियानो के टुकड़े आम तौर पर जोड़ों के बाद सामान्य प्रील्यूडर या ट्विकोटा होते थे। यह विशेष रूप से बाख का क्षेत्र था। बाख की भिन्नता का एक उदाहरण टोकाटा और फ्यूज डी-मॉल बीडब्ल्यूवी 565 है, जहां दो बिल्लियों की शुरुआत होती है और समाप्त होती है और समाप्त होती है और दिखाई देती है। ए-मोल में हंस प्रील्यूडियम और फ्यूज बीडब्लूवी 543 में संगीत शैलियों, अनुक्रमों, प्रमुख प्रगति, एक स्पष्ट स्वर संरचना और रिटोरेलो का एक रूप है, जो विवाल्डी के कॉन्सर्टो विचारों की याद दिलाता है। दोनों उदाहरण भी सामान्य हैं क्योंकि वे virtuoso हैं और गति एक concerto के सबसे तेज़ हिस्से के बारे में है – यानी पहली या तीसरी शर्त। बाख के सबसे मशहूर संग्रहों में से एक दास वोहल्टेम्पेरिएटे क्लेवियर था, जो बच्चों या बच्चों के लिए शुरुआती सभी टोनों के प्रस्तावों और जोड़ों का संग्रह था। उद्देश्यों में से एक था नए नोट्स – यानी, बड़े और छोटे – और पुराने मोडल स्केल दोनों के खेलने के संबंध में सेम्बोलो की सीमा को दिखाने के लिए। पहली मात्रा 1724 में आई, अन्य 20 साल बाद।

इटली में सोनाटा को कोरली द्वारा लंबे समय से चिह्नित किया गया था। कोरोली की शैली से बाहर निकलने वाला पहला संगीतकार टॉमसो अल्बिनोनी था, जो खुद को नेपल्स द्वारा क्रोमेटिक स्केल और महान कूदों, साथ ही बहुत सजावटी शैली का उपयोग करके, अन्य चीजों के साथ, प्रेरित, प्रेरित करने के लिए पर्याप्त समृद्ध था। अल्बिनोनी के कॉन्सर्ट टूर के विपरीत, जो अधिक प्रगतिशील थे, कोरली के साथ भ्रष्टाचार के बावजूद उनके बेटे अधिक रूढ़िवादी थे। विवाल्डी ने 73 सोनाटास लिखे, जिनमें से लगभग तीन क्वार्टर एकजुट थे, ज्यादातर अन्य त्रिकोणीय होते हैं और एक जोड़े बहुत अधिक आवाजें होती हैं। विवाल्डी को कोरली और अल्बिनोनी के वायलिन और तारों पर ध्यान केंद्रित कर दिया गया, और, उदाहरण के लिए, बांसुरी और अन्य वायु वाद्ययंत्रों के लिए भी लिखा गया। जहां अल्बिनोनी अधिक पारंपरिक थे, विवाल्डी ने अपने ट्रेडमार्क की अच्छी धुनों के अलावा, तालबद्ध ड्राइव और एकता में एकता सहित समेकन में सोना में उतना ही प्रयोग किया था। एल्सेन्द्रो के बेटे, उनके देशवासियों डोमेनिको स्कारलाट्टी में विवाल्डी का एक समान मन था। स्कारलाट्टी बेटे, ज्यादातर सेम्बोलो के लिए, शायद ही कभी समान थे कि यह एक “ठेठ” स्कारलाट्टी सोनेट में दिखाई दे सकता था। उन्होंने टोन टिकाऊ के साथ खेला, ताल में भिन्नता, आर्पेगीओ के विभिन्न प्रकार, रंगीन स्केलिंग, मुश्किल हाथ आंदोलनों, सिंक, विसंगति और अधिक समृद्ध विविधता के साथ खेला। हालांकि, स्कारलाट्टी ज्यादातर मैड्रिड में था और बारोक के अंत के बाद काफी हद तक खोजा गया था।

जर्मन भाषी देशों में, यह पहला जोहान जोसेफ फक्स था, जिसने सदी के अंत में, फिर वियना के लिए सोनाटास पेश किया था। स्टेफहंसडम के चैपल मास्टर के रूप में, फॉक्स सोनेट्स सहित विभिन्न शैलियों में सक्रिय था। हालांकि, उनके बेटे, विशिष्ट इतालवी बेटों की तुलना में अधिक पॉलीफोनिक थे, लेकिन बदले में, फ्यूज फॉर्म का अच्छी तरह से प्रतिनिधित्व किया गया था। कई अन्य जर्मन संगीतकार भी थे जिन्होंने सोनेट फॉर्म लिया था। हालांकि, सोनाटियन या तो हैंडल या बाच के लिए रचनाओं के बड़े चयन का प्रतिनिधित्व नहीं करते थे। कोरली के समय से बाच और हैंडल ने सोनाटा लिखना शुरू किया, पियानो सोनाटा एकल और त्रिकोणीय के अलावा तीसरे बेटे के रूप में आया। इससे यह भी संकेत मिलता है कि सोनाटास में वायलिन का वही प्रभुत्व नहीं था।

अल्बिनोनी की तरह, बाच के बेटे मुख्य रूप से चर्च के बेटे थे, और, अल्बिनोनी की तरह, बाच इन संख्याओं के भीतर संगीत विकास में अपेक्षाकृत रूढ़िवादी थे। उन्होंने व्यवस्थित किया कि, क्या उपलब्ध है, पियानो या वायलिन के लिए सोनार के अलावा केवल तीन बांसुरी बेटे और तीन गैंबसोनेट्स, बहुत अधिक कठिनाई के बाद। घटना के बेटे, हालांकि, इतने विविध और आविष्कारशील हैं कि वे अक्सर अधिक पारंपरिक सोनेट विकास से दूर चले गए, जिसमें आदेश और सामग्री के साथ प्रयोग शामिल है। जॉर्ज फिलिप टेलीमैन ने कई सोनाटास और कई उपकरणों के लिए भी लिखा था। उनका काम बाच और कोरली के बहुत करीब है, जिसमें उन्होंने बड़े पैमाने पर इस कार्यक्रम का नाम बदलने के बिना बेटे के नियमों का पालन किया, लेकिन वास्तविक कामों को समझने में टेलीमैन के कौशल और अच्छी तरह से लिखित प्रदर्शन, विशेष रूप से सोनाटा में स्पष्ट नहीं थे।

गैलेंट शैली में संक्रमण
बारोक को अचानक एक नई शैली से प्रतिस्थापित नहीं किया गया था, क्योंकि यह स्वयं पुनर्जागरण संगीत को अपेक्षाकृत तेज़ी से बदल चुका था। 18 वीं शताब्दी में संगीत शैली और संगीत स्वाद के बारे में एक लंबी बहस के रूप में देख सकते हैं।

अनिवार्य रूप से दो कारण थे कि गैलन शैली और बाद में शास्त्रीयवाद ने बारोक पर कब्जा क्यों किया। सबसे पहले, दर्शकों और परिसर दोनों बदल गए थे। 1720 के दशक के आरंभ में, लंदन और पेरिस में सार्वजनिक संगीत कार्यक्रमों का निर्माण तेजी से किया जा रहा था, और पूरे यूरोप में 1700 के दशक में फैल गया था। इस प्रकार, संगीत बुर्जुआ के लिए तेजी से सुलभ हो गया। यह ओपेरा से पहले ही हुआ था, और यह 1700 के दशक के शुरुआती दिनों में बहुत अच्छा विकास कर रहा था। विशेष रूप से, यह हास्य, और अक्सर व्यंग्यात्मक, ओपेरा था जो ओपेरा श्रृंखला पर पैर तोड़ता था। हेंडरसन और लंदन के मामले में, विशेष रूप से बीयर ओपेरा परिष्कृत ओपेरा पर हमला था, और हैंडल को ऑरेटरीज में लाने में मदद मिली।

दुर्भाग्य से उनके लिए और बाच के लिए, जिन्होंने बहुत सारे चर्च संगीत भी लिखे थे, उभरती हुई मध्यम वर्ग 18 वीं शताब्दी के मध्य में प्रभावी हो गई। उनकी दृष्टि, ज्ञान के द्वारा विशेषता, चर्च की राजनीतिक और सांस्कृतिक शक्ति स्थिति को चुनौती दी। इससे काफी हद तक “संगीत बनाने” में मदद मिली। इस संदर्भ में चर्च संगीत रूढ़िवादी और पिछड़ा हो गया। साथ ही, आशावाद बहुत अच्छा था कि मानव बुद्धि सभी चुनौतियों को निपुण कर सकती है।

एक और समस्या यह थी कि 18 वीं शताब्दी के मध्य में कई स्थापित संगीतकारों की मृत्यु हो गई। 1733 में कुपरिन की मृत्यु हो गई, 1736 में पेर्गोली, 1741 में विवाल्डी और फक्स, 1750 में बाच, 1751 में अल्बिनोनी, 1757 में डोमेनिको स्कारलाट्टी और 17 9 5 में हैंडल। इनमें से, स्कारलाट्टी, कूपरिन और पेर्गोली पहले से ही संगीत को सख्ती से दूर ले गए थे। और जब बाख अपने जीवन के अंत में एक परिधीय व्यक्ति बने रहे, तो टेलीमैन ने संक्रमण को बेहतर तरीके से प्रबंधित किया। उन्होंने अपेक्षाकृत जल्दी काउंटरपॉइंट और पॉलीफोनिक शैली छोड़ी, और तेजी से homophonic और galant बन गया। क्लासिज्म को अक्सर भारी और अधिक जटिल बारोक संगीत के पत्राचार के रूप में माना जाता है, जो सरलीकृत संगीत अभिव्यक्तियों को पूरा करता है।नए संगीतकार स्पष्ट रूप से बारोक पॉलीफोनिक शैली के बीच काउंटरपॉइंट्स और गैलेंट अधिक गायक homophonic शैली के बीच प्रतिष्ठित। सामान्य बास को अन्य समाधानों द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था, जैसे अल्बर्टी बास।

यहां तक ​​कि गैलेन्ट स्टाइल आने वाले संगीतकारों के लिए भी बेहतर था, फ्यूज लिखने की कला भूल गई थी, जो हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन की बाद की रचनाओं दोनों में स्पष्ट हो गई।