유럽의 음악 역사적 의미에서 바로크 시대는 약 1600 년에서 약 1750 년 사이의시기였습니다. 초기부터 바로크 음악은 르네상스 음악에서 벗어났습니다. 동음 이의어 (주요 보컬)의 노래에서 폴리포니 (동시에 여러 멜로디)를 대체하여 텍스트를 지배하고 오페라, 오르토, 캔터, 모노 등을 만들어 보컬 음악이 크게 발전했습니다. 초기에 바로크 양식의 모달 스케일은 주로 음악과 교환되는 교회 음악과 관련이있었습니다. 이것은 소리와 더 발전된 부분을 구성하는 능력 모두에서 큰 차이를 만들었습니다.

늦은 바 (1700-1750)의 음악
로맨스와 같이 여러 다른 섹션에서와 같이 중간에서 늦은 바로 전환 할 때도 동일한 세대 변화가 아니라 1700 년까지 두 기간을 구별하는 좋은 음악적 이유가 있습니다. 기악, 16 세기에 걸쳐 발전해 온 음악은 세기의 무렵에 매우 정교하여 음악의 미래에 큰 영향을 미쳤습니다. 알 비노 니 (Albinoni)와 비발디 (Vivaldi)는 콘서트, 특히 독창적 인 콘서트를 개발하여 지배적 인 음악 스타일로 발전 시켰습니다. 소나타는 세기의 전환기에 독일어권 국가에 소개되었습니다. 당시 독일의 보컬 교회 음악은 이탈리아에서 수년 전에 움직 였기 때문에 오페라와 점차 유사 해지기 시작했습니다.

오페라는 진지하고, 종종 비극적 인 주제로 나아 갔고, 춤은 덜했습니다. 행동은 오페라의 중심에 왔습니다. 영어 오페라 관객은 주로 이탈리아 사람이 쓴 오페라에 살았지 만, 프랑스 오페라는 여전히 Lully와 그의 상속인 중 대부분이 주로 자신의 스타일을 복사 한 사람들에게 관심이있었습니다. 1711 년 잉글랜드는 Händel이 저술 한 영국 영화의 첫 번째 오페라를 얻었으며 앞으로도 20 년 동안 영국에서 계속 독주했다. 프랑스는 1730 년대에 Rameau와 함께 다음 주요 오페라 작곡가를 받았다.

이탈리아는 콘서트와 소나타로 시작했으며, 프랑스는 오랫동안 스위트 룸에서 지배적 이었지만, 그 기간 동안 독일과 영국의 독일 음악은 대부분의 기악에서 지배적이었습니다. 독일 음악이 후기 바를 지배 한 이유 중 하나는 이웃 국가에서 영감을 얻고 이탈리아, 영국, 프랑스 및 네덜란드에서 알려진 스타일을 개발하는 오랜 전통이 있었기 때문입니다. 또한 독일 음악은 네덜란드어 및 영국식 키 음악, 플랑드르 동시 발음, 이탈리아어 협주곡, 오페라 및 마드 리갈 및 프랑스 오페라, cembalomusic, motette 및 orchestra 모음의 자체 및 새 버전을 만들어 개발되었습니다. 특히 이웃 국가의 음악에 영향을 미치고 나중에 영향을받은 작곡가들은 Georg Philipp Telemann, Georg Friedrich Händel 그리고 적어도 Johann Sebastian Bach였다.

동시에, Händel과 Bach의 완성 된 음악 또한 마지막의 시작이었습니다. 공공 콘서트와 부르주아 카트리지의 출현으로 복잡한 동시 발음은 단순한 동성애로 대체되었다. 다른 문화와 현대 음악의 취향에 잘 적응할 수 있었던 것은 게오르그 필립 텔레만 (Georg Philipp Telemann)이었는데, 그는 바흐 (Bach)보다 단순한 음악을 선호했으며 갈란트 스타일과 고전주의로의 전환을 시작한 작곡가 중 한 사람이었습니다.

악기
음악 발전은 늦은 술집, 특히 3 중 송풍기 가족에서 계속되었습니다. 이 기간에는 두 가지 새로운 악기가 보였습니다. Chalmeauen은 클라리넷으로 대체되었습니다. 클라리넷의 장점 중 상당 부분은 소리, 정밀도 및 볼륨 조절에 도움이되는 노즐의 가능성이었습니다. 끊임없이 변화해온 테노 로보 (나중에 “영어 경적”)는 1720 년대에 더 많은 최종 형태를 가졌습니다. 그러나, 테 노로 보가 오케스트라에서 일어난 것은 바로크 시대의 마지막 때뿐이었습니다. 기존의 도구들에서도 변화가 일어났습니다. 오보에는 확장 된 사운드와 레지스터가 생겨서 그 기간 동안 솔로 악기로 자주 사용되었습니다. Phagote는 또한이 기간의 시작에 등록을 확대하고있었습니다. 또한 교차로는 1660 년대에서 1720 년대까지 커다란 발전을 이루었습니다.

주요 악기에도 발전이 있었고 1700 년경에 피아노의 선구자가 만들어졌지만 이것은 너무 비싸고 생산에 투입되기까지 미완성이었다. 경적은 홀과 플랩이없는 자연 경적 이었지만, 1700 년대 초에는 더 많은 빔으로 확장되어 소리가 더 다양 해졌습니다. 이것은 또한 뿔이 Händel과 Bach를 포함하여 더 자주 음악에 사용되었다는 것을 의미했습니다.

Stryker 패밀리는 게임이 지붕을 잃기 시작한 전환 단계에있었습니다. gambe와 첼로가 같은 시간에 살았던 반면, 1710 년에 첼로는 Stradivarius에 의해 크기가 정의되었고 얼마 지나지 않아 다른 악기 디자이너가 따라했습니다. 이로 인해 세포가 인기를 얻었습니다. 생존 한 게이머 맨의 유일한 악기 인 더블베이스는 20 세기로 들어서면서 오케스트라에서 열렸습니다. 바이올린은 특히 Guarnieri의 바이올린에서 약간의 조정이 있었으며 이는 지속적 음색이 좋았습니다.

오페라
Purcell과 Lully가 사망 한 후 영어와 프랑스어 오페라가 모두 멈 추면 이탈리아 오페라가 다시 지배를받습니다. 그러나 이탈리아 오페라는 끊임없이 진화하고있었습니다. 예를 들어 캐릭터 간의 행동, 캐릭터 및 갈등이 훨씬 강조되어 훨씬 더 많은 공간을 차지했습니다. 1700 년대의 오페라 발전의 또 다른 측면은 악기가 점점 더 중요한 역할을했다는 것입니다. 그들은 이전에 resitatives와 arie 사이에서 연주하는 기능을 가지고 있었지만, 이제는 둘 다, 보통 솔리스트로 향해서 참여했습니다. 때로는 경쟁자가되었습니다. 경쟁자 인 파리 넬리 (Farinelli)와 트럼펫 거장 (trumpet virtuos) 사이에 떨어지면서 경청자가 던진 경쟁입니다.

또한 독일에서는 이탈리아 오페라에 기반한 개발이있었습니다. 특히 함부르크와 라이프 치히의 작곡가들은 오페라 제작에 적극적이었으며, 이들 중 많은 작품이 이탈리아 오페라에서 영감을 얻은 것으로 보인다. 그들은 장르에 자신 만의 감정을 일찍 붙였다. Telemann의 일부, 특히 Telemann은 유머러스 한 느낌을 받았으며 그 중 몇 곡은 노래 게임에서 영감을 얻어 독일어로 불려졌습니다.

이탈리아 오페라
이탈리아 오페라는 이탈리아뿐만 아니라 더 많은 국가에서 다수를 차지했습니다. 비엔나와 런던은 나폴리 출신의 이탈리아 오페라의 영향을 강력하게 받았다.

나폴리 학교가 인계 받으면서 나폴리도 오페라 제작에있어 지배적이었습니다. 도시에는 또한 명확한 종류 근거한 오페라가 있었다. 귀족들에게 오페라는 명절, 결혼식 또는 다른 상황과 같은 축하와 관련이있었습니다. 오페라는 종종 베네치아 리 프리토에 의해 사용되었습니다. 과거에는 종종 로맨스, 드라마 및 코미디가 혼합 된 가사가 있었지만, 세기의 전환기에 코미디 부분은 제거되어 더 비극적 인 오페라 시리즈의 행위 사이에 번호가 매겨졌습니다. 나폴리의 오페라 시리즈는 Apostolo Zeno와 Pietro Metastasio (Vienna 참조)에 의해 정의되었으며, 극적인 서사에 대한 강조가 더욱 중요하게되었습니다. 음악적으로 악기의 주요 변형이 있었는데, 그 중에서도 일반베이스는 cembalo 외에도 erkelutt, lutt, double bass 및 gambe로 연주 할 수있었습니다. 때로는 트럼펫, 오보 (obo), 호른 (horn)과 같은 관악기가 끈으로 묶여 있습니다. 또한, 음악 스타일은 작은 동기를 반복하는 대신 전통적인 바로크 음악과도 다르므로 나폴리 음악은 반복하지 말고 날카로운 움직임을 반복하여 강조합니다. 극적인 효과로 나누기를 사용하면 더 가볍고 움직이는 멜로디를 만들 수있었습니다. 또한, 종종 매우 거장 성악 부분이있었습니다.

더 많은 인기를 얻은 오페라는 희극 오페라를 움켜 잡고 귀족들에게 음악을 멈추고 집중 시켰습니다. 나폴리에서 음악에 대한 유머를위한 오랜 전통이 있었고 몇몇 오페라는 나폴리탄의 방언과 유머에 모두 기록되었습니다. 진지한 오페라가 초자연적이고 복잡한 세상을 선택하기로 결정한 곳에서 만화 오페라는 보통 일상의 주제와 역사적 사건에 추가되고 심각한 오페라를 희생하면서 농담을합니다. 1710 년대부터 진지한 작곡가들은 예술적 자유로 인해 좋은 희극 오페라를 제공하는 데 더욱 열중했습니다. 만화 오페라는 대부분의 사람들에게뿐만 아니라 귀족을위한 인터 메조 (intermezzo)로 제작되었습니다. 일상 주제를 사용하는 것 외에도, 라틴 코미디는 관련 예측 가능한 수치와 모순 인 남성 코미디로 대체되었습니다. 남성과 여성, 빈곤에 부와 게이에 능숙합니다. 인기가 높아졌고 1733 년 Giovanni Battista Pergolesis La Serva Padrona가 국제적인 주목을 받았습니다.

나폴리 이후, 아마도 비엔나는 이탈리아 오페라의 가장 큰 센터 중 하나 였을 것입니다. 많은 오페라는 예배당의 안토니오 칼다 라 (Antonio Caldara)와 피에트로 메타 스타시오 (Pietro Metastasio)의 대본으로 구성되어 있었지만 다른 사람들과 함께 사용하기도했습니다. 비엔나의 사서 인 메타 스타시오 (Metastasio)와 그의 전임자 인 아포 스톨로 제노 (Apostolo Zeno)는 오페라의 개혁을 담당하여 이야기, 음모 및 등장 인물이 더욱 날카롭게되었다. 따라서 드라마는 더 나은 효과를 얻었고, 아리아는 감정의 초점이되었고, 저항 세력은 행동을 말했습니다. 비엔나의 오페라의 또 다른 특징은 악기 음악, 특히 악기의 솔로가 전복, 발레 그리고 때로는 아리아에서 쓰여졌 음을 의미합니다. 이 모든 것들은 오페라에서 흔히 볼 수 있었고 특히 오스트리아 황제의 취향에 따라 멜로디 송의 대위법을 사용했으며 Händel의 영향을 강하게 받았다.

로마에서 오페라 전통은 앉아있는 파빌리온과 변덕의 전망의 결과로 비뚤어졌습니다. 또한 스페인 문화 유산 전쟁과 같은 갈등으로 인해 로마는 오페라에 제약을가함으로써 1698 년과 1711 년 사이에 오페라가 없었습니다. 차례로 알레산드로 스칼라티, 안토니오 칼다라와 안토니오 비발디의 오페라가 나왔습니다. 1726 년에 Metastasio의 도서관이 데뷔했습니다. Scarlatti가 사망하기 전의 해였습니다. 처음에는 Vinci가 1730 년에 죽을 때까지 Leonardo Vinci와 Metastasio가 협력했다는 의미였습니다. Vinci는 나폴리 출신이었고 나폴리 학교도 잘 받았습니다. 로마의 오페라 – 그것이 허용되었을 때. Venicethere에서는 그 기간 동안 지역 혁신이 덜했다. 처음에는 프란체스코 가스 파리 니 (Francesco Gasparini)와 카를로 프란 세스코 폴라 롤로 (Carlo Francesco Pollarolo)와 같은 오페라 작곡가가 설립되었으며, 나중에는 레오나르도 빈치 (Leonardo Vinci)와 같은 신 정치 작곡가가있었습니다. 이 규칙의 예외는 안토니오 비발디 (Antonio Vivaldi)가 여러 오페라와 오페라를 썼고, 아마 도시에서 가장 유명한 오페라 작곡가 였을 것입니다.

독일 오페라
오페라는 독일을 강타했고, 바로크 시대의 마지막 부분에서는 전국의 여러 오페라 하우스에서 오페라가 더 많이 공연되었습니다. 라이프 치히에는 이미 확립 된 오페라 하우스가 있었고 더 많은 기고가있었습니다. 독일어 오페라는 종종 코믹한 움직임을 보였습니다. Telemann이 20 개의 오페라를 썼다는 것을 제외하면 후손을 위해 알려진 작곡가는 하나도 없었다.

Hamurg에는 오페라도 있었는데 주로 황제가 작곡했습니다. 아름다운 멜로디를 쓰고 목소리와 능력을 이해하는 황제의 능력은 핸델의 직접적인 영감이었습니다. 당시 황제는 세기 초반의 주요 작곡가로도 간주되었습니다. Händel은 1704 년에 도시에 왔고, 잠시 동안 거기 머물러서 도시의 오페라 작곡에 대해 더 많은 것을 배웠습니다. 황제는 Telemann이 도시에 올 때 1721 년까지 지배했습니다. 그의 오페라는 여전히 희극적이고 진지했다. Telemann의 만화 오페라는 오페라 부파가 La Serva Padrona를 통해 명중되기 수년 전에 작성되었습니다.

프랑스 오페라
프랑스 오페라는 Lully의 그늘에서 벗어나는 데 어려움을 겪었습니다. 최초의 주요 후보자 인 파스칼 콜라스 (Pascal Collasse)는 Lullys에서 너무 많이 닮은 오페라를 썼으며, 불완전하고 종종 거부당한 작품을 쓸 때 가장 큰 성공을 거두었습니다. 룰리 (Lully) 가족이 그를 고소했으며, 그의 명성은 이미 세기초에 약 해졌다. Henri Desmarets는 역의 스캔들과 관련이 있었고, 그는 합창단 Nicolas Goupillet의 스타가 발표 한 일련의 모터를 썼다. 그런 다음 그는 젊은 여성과 함께 브뤼셀로 탈출하여 결석으로 사형을 선고 받았다. 그는 스페인에 갔지만 사형 선고가 해제되었을 때 돌아왔다. 그의 오페라는 겸손한 성공을 거두었습니다. 앙드레 카디날 데스티 우치 (André Cardinal Destouches)는 오페라에서 성공을 거두었지만, 아카데미 로얄 드 뮤지크 (Académie Royale de Musique)의 총감독으로 새로 선정되었습니다.

프랑스 오페라의 위대한 혁명은 Jean-Philippe Rameau와 함께 바로크 시대의 끝 부분에 이르렀습니다. 매우 재능있는 오르간 연주자 임에도 불구하고 Rameau는 39 살 때 음악 이론가로 알려졌습니다. 음악에 대한 그의 아이디어는 음향 및 화음에 대한 역할을했으며, 고음과 중음을 선택하고 기본음을 도입했으며 불협화음에 관심이있었습니다 음악과 화음의 효과를 전파합니다. 토닉 (근본적인 색조), 지배적 색조 (색조와 코드 – 강장제의 5 중주) 및 부 지배제 (강장제 하에서의 5 중음과 5 중음)를 정의한 Rameau입니다.

작곡가로서 Rameau는 1730 년대 50 세 때 처음 발견되었습니다. 그의 첫 번째 오페라 인 Hippolyte et Aricie는 50 세 때인 1733 년에 녹음되었습니다. Rameau는 Lully의 Tragédies와 Opéra 발레단의 뮤직 오페라, 예를 들어 Les Indes galantes 사이를 옮겼습니다. 그런 다음 그는 더 전통적인 오페라로 옮겼고 Castor et Pollux와는 특별한 성공을 거두었습니다. Lully의 스타일에서 훨씬 더 자유 롭습니다. 그의 음악 이론에 기초한 Rameau의 새로운 음악 스타일은 Lully의 추종자들을 너무나도 자극하여 Lullis와 Ramis 사이의 파리 정보의 전투 형식이되었습니다. Rameau의 음악이 괴상하고 기계적이며 부자연스럽지 않은 투쟁과 고발에도 불구하고 Rameau는 인기를 얻었고 프랑스 오페라를 다시 받았습니다. 그는 오페라로 더 큰 성공을 거둔 최초의 프랑스 태생의 작곡가이기도합니다.

잉글랜드와 헨델
퍼셀이 죽은 후 자신의 오페라 작곡가가 부재 한 가운데 잉글랜드는 이탈리아 오페라에 가장 관심을 갖게되었다. 오페라는 이미 공개되었지만 1705 년 이탈리아의 영감을받은 오페라의 첫 번째 예가되었습니다. 키프로스의 여왕 아르 시노 (Arsinoe)는 오래된 이탈리아 작품을 업데이트 한 것입니다. Alessandro Scarlatti가 기꺼이 이탈리아 오페라를 빌려주고 영어로 번역하는 추세와 다양한 질적 인 오페라가 세워졌습니다. 그 당시에는 영국 관객을 위해 주동자가 출범했습니다. 청중이 오페라의 절반 만 이해하는 것에 지쳐 버렸을 때 영어로 된 부분과 이탈리아어로 된 부분으로 짧은 실험이 끝나고 대부분은 이탈리아어로 불린다. 특히, Hydaspes는 Fanccesco Mancini의 1710 년에 비교적 큰 성공을 거두었습니다.

Händel은 할레에서 음악 경력을 시작했지만 독일어, 이탈리아어 및 영어권 도시로 이주하여 다른 문화에서 많은 것을 얻었습니다. 그의 첫 번째 오페라, Almira, Königin von Castilien은 함부르크에 있었을 때 1705 년에 들어 와서 Reinhard Emperor에서 영감을 받았으며 프랑스어 매너로 춤을 선보이며 이탈리아와 독일의 대위법과 오케스트레이션을 거쳤습니다. 그의 여섯 번째, Agrippina는 1709 년부터 Alessandro Scarlatti에서 영감을 얻어 호흡 중단없이 멜로디의 리드미컬 한 변화와 함께 긴 파트로 우아한 멜로디를 가질 수있는 능력을 보여주었습니다. 런던에 상장 된 그의 첫 번째 오페라 인 리날도 (Rinaldo)는 큰 성공을 거두었으며 10 년 간 거의 모든 오페라단에 등재되었습니다.

Händel이 Faustina Bordoni와 같은 재능있는 가수를 찾기 위해 영구적 인 지위와 돈을 얻은 후, 그의 오페라는 더 영웅적이고 도전적이었습니다. 특히 Egitto (1724)의 Giulio Cesare는 물론 Tamerlano (같은 해)와 Rodelinda (1725)가 새로운 오페라의 좋은 예입니다. Händel은 예를 들어 프톨레마이오스의 배반을 강조하기 위해 살금 살금 살금 빠져 나가는 느낌을 창조 한 것과 같이 중요한 중요성을 이용했습니다. 이시기에는 대개 두 가지 주요 유형의 resitatives가있었습니다. “건식”과 거의 일반적인 저음과 대화 형 노래가 있었으며 훨씬 더 많은 악기로 “동반 된”resitatives가있었습니다. Händel은 후자를 이용했습니다. 또한 아리아는 Händel에게 특별했습니다. 그는 그것을 개별 가수들에게 썼다. 따라서 일부 양자리는 장식적이고 높이 올라갈 수 있었고 다른 사람들은 느리고 감정을 강조 할 수 있었다. 동시에, Händel은 이전에 그 행위에 전달 된 것보다 더 큰 정도의 아리아를 사용하기를 열망했기 때문에 나폴리 학교와 무언가를 어겼습니다. 명료 한 음악과 위엄있는 음악은 단순한 목가 찬 찬송으로 무게를 달 수 있습니다. Händel은 더 많은 오케스트라를 사용했으며, 동시대의 관악기보다 더 많은 관악기를 더 많이 사용했습니다.

종교 성악
루터교 성악 교회 음악은 세기의 무렵 오페라에 점점 더 가까워졌습니다. 이것의 일부는 오페라와 루터교 교회 음악을 합친 시인이자 신학자 인 Erdmann Neumeister에 기인합니다. 바흐는 영감을 받아 오케스트라와 같은 오페라에서 기술을 사용하기 시작했으며, 합창단, 산호 음악 및 오케스트라 반주도 사용하기 시작했습니다. 그가 교회 음악에 대한 관심을 잃기 전까지는 모든 교회를 음악적으로 책임지는 Thomaskantor에 임명 된 때부터 바흐는 교회 음악을 크게 발전 시켰습니다. 이것은 특히 그의 두 마디에서 주목 받았다. 바흐는 특히 주목할만한 성공을 거두지 않고 음악당 몇 가지 커피 하우스 드라마 외에 오페라 작곡가로서의 경험이 없었지만, Pontus Pilate와 성가대가 예수님을 십자가에 못 박어야한다고 주장하는 극적인 특징을 포함하여 Johannespacelike는 특히 오페라 다. 또한 바흐는 합창단을 그리스 드라마에서와 마찬가지로 연기에 대한 언급으로 사용했다. Matthew Path가 더 완벽하며 코드가 연주에서 더 큰 역할을합니다.

바흐는 1730 년경에 교회 음악에 대한 관심을 잃었지만 작년에는 교회 음악 발전의 선구자였던 H-Moll에서 멧세를 완성했다. 작품은 20 년이 넘었으며 과거 작품이나 불완전한 작품의 재사용 (패러디 라 부름)을 가정했습니다. 이 믹스로 인해 예전의 바에서부터 진행중인 갈라 누드에 이르기까지 다양합니다. 바흐는 오페라에서 빌린 것이지만 그들 사이에 큰 차이가있었습니다. 칸타타인들은 매튜처럼 반사적이며 완전했으며, 따라서 드라마가 발생하지 않고 목소리로 공연되었으며, 또한 음악적 설교로 이해 될 수있다. 칸타타 족은 또한 1730 년을 넘어 확산되었지만 급격히 감소했다.

바흐 주변에서 성악 교회 음악을 들었던 핸델 (Händel)은 정말로 그들을 돌보아주기 시작했습니다. 1730 년경 그는 또한 연설을 쓰기 시작했다. 그러나 그는 독일 합창단 음악과 영어 합창단 음악에서 영감을 얻어 큰 합창단에 들어감으로써 전통적인 이탈리아 오르간을 바꿨습니다. 그는 그리스어 드라마에서 영감을 얻은 이야기를하면서 이야기를 나누면서 다른 역할을 부여했습니다. 또한 독일 교황과 영어 가면극 (Masque)은 Händel의 새로운 기관에서 역할을 수행했습니다. 이것은 교회가 공통된 경험이었고 개인적인 것이 아니라는 것을지지했습니다. Händel은 운영 기법에 많이 활용되었으므로 오페라에서 암송 기법을 빌려 와서 따로 따를 수 있습니다. 아rie가 아니라 합창단을 따라갈 수 있습니다. 그럼에도 불구하고 아리아와 극적인 장면이 등장합니다. 또한 Händel은 기독교인이 아닌 그리스어 신화에 속한 Semele과 Hercules를 포함하는 oratories를 만들었습니다.

콘서트 및 스위트 룸
이 콘서트는 20 세기로 접어 들기 전까지 진정한 이탈리아의 사건이었으며 잠시 동안 계속되었습니다. Tomaso Albinoni는 이미 1700 년에 첫 번째 콘서트를 발표했습니다. Albinoni가 중재자이기 때문에 그는 후원자의 옹호자로부터 자유 롭습니다. 그는 자신의 협주곡을 신속하게 3 세트로 정의했으며 대위법에 부지런히 사용했습니다. 또한, 그는 천천히 두 번째 속도의 모양으로 실험했다. 그것은 또한 이탈리아 관객에게 솔로 악기로 오보를 소개 한 Albinoni이었다.

Albinoni가 첫 번째 콘서트를 발표 한 지 2 년 후인 1702 년 Antonio Vivaldi는 협주곡으로 지정되었습니다. 그는 기독교 학교 고아, 뜨거운 아이들 및 Incredible Daughters에서 교사였으며 대성공으로 음악 게임을 가르쳤습니다. 소녀와 소녀 모두 베네치아의 매력이되기에 충분한 관심을 받았다. 생존 한 비발디의 협주곡 500 곡 중 350 곡은 약 3/4, 솔로 악기는 230 곡, 바이올린은 230 곡이었다. 바이올린은 비발디의 악기 일뿐만 아니라 대부분의 여학생들이 배웠던 악기이기도합니다. 또한, 그는 바순과 플루트, 오보, 블로 그래머, 비올라 다모아, 첼로, 만돌린으로 37 곡을 썼다.

비발디 콘서트 콘서트는 신선한 멜로디, 활발한 리듬, 능숙한 솔로 배려 및 형식 때문에 울려 퍼졌습니다. 또한, 비발디는 재능있는 음악가들을 학교에 데려 왔으며, 그는 연주회를 시험 할 기회를 얻었습니다. 유연한 기본 레시피를 가지고 있었기 때문에 그는 협주곡 개발에 큰 성공을 거두었습니다. 다른 한편으로 비발디는 몇몇 솔리스트들이 오케스트라와 연주하는 부분을 가지고 있었지만 코렐리의 협주곡과 달리 큰 오케스트라는 작곡을하지 않았고 솔로 콘서트처럼 연주했습니다. Vivaldi는 의도적으로 피자와 sordin을 효과를 위해 사용했습니다. Vivaldi는 Tomaso Albononi가 발표 한 형식으로 거의 일관된 3 가지 콘서트를 사용했습니다. 가장 유명한 것은 사계절입니다. 대부분의 다른 협주곡과 마찬가지로 비발디는 더 많은 게이 스타일, 즉 선행 멜로디 음색을 선택했으며 다른 목소리는이를 지원합니다.

그는 또한 거의 일관성있는 ritornello, 즉 refreng을 사용했고 자체 ritornello 형식을 디자인했습니다. 세련된 부분은 이미 음색 구조를 확인하기 위해 부분적으로 시작 부분에 있으며 음색이 사용됩니다. 솔로 악기 파트가 포함 된 전체 오케스트라가 포함되어 있습니다. 이것은 보통 반복되거나 변화하는 작은 부분들로 구성됩니다. 후렴을 반복하면 대개 부분적입니다. reengengene는 솔로 에피소드, 주로 거장과 특성으로 나뉩니다. 자제의 일부는 반복되고 다양하지만 비발디는 더 많은 스케일, 아르페지오 및 기타 음악 표현을 사용했습니다. 톤은 변조를 통해 교환 될 수 있습니다. 이것은 표준 ritornello에서 매우 다양한 ritornello 양식을 만들었습니다. 또한, 비발디는 느린 부분을 표현과 노래 할 수있는 멜로디 (듣기 예제)를 포함하여 가장 빠른만큼 중요한 부분으로 들어 올리는 데 결정적인 역할을했습니다. 또한 가상의 일부 장식품을 추가하고 싶습니다. 독창자에게 자신의 목소리와 자신의 개성을 부여하는 비발디의 능력은 콘서트에서 결정적인 요소가되었습니다.

바흐는 협주곡과 피아노 음악에서 비발디에게 영감을 받았습니다. 그는 주제와 고조파 계획을보다 명확하게 만들고 ritornello 효과에 기반한 공식 구조 작업을 통해 배웠습니다. 콘서트에서 바흐는 다른 모든 것들과 마찬가지로 다양하고 다른 음악의 영향을 받았다. 이것은 협주곡 그로소 (1, 2, 4)에서 콘서트 투어 (3, 6) 및 5에 이르기까지 광범위하게 변화하는 브란덴부르크 콘서트에서 볼 수 있습니다. 이는 쳄발로와 오케스트라를위한 단독 콘서트를 연상케합니다. 아마도 비발디의 영향을 받아 협주곡에서 여러 가지 솔로 악기를 가졌을 것입니다. 그는 또한 바이올린을위한 두 개의 순수 솔로 협주곡과 현재까지 약 1 ~ 4 개의 주요 악기 (주로 cembalo)를 총 13 곡 썼습니다. 바흐는 종종 협주곡에 관절을 배치했다. 핸델 (Händel)은 콘서트 투어도 썼다. 그는 14 개의 오르간 콘서트 외에도 오보 콘서트와 12 개의 콘서트 그로시를 썼다.

오케스트라 슈트는 1600 년대 중반부터 인기가 높아지고있었습니다. 그러나 1690 년부터 1740 년까지 독일의 수트 케이스는 전통적인 프랑스 식과는 달리 부분적으로 고정 주문이라는 아이디어를 깨기 때문에 작곡가에게 적합한 춤이 될 수있었습니다. Händel의 가장 유명한 두 작품 – 로열 불꽃 놀이를위한 수상 음악과 음악 -은 약 30 년의 간격으로 구성된 독일 오케스트라 복이었다. François Couperin은 또한 오케스트라 슈트를 썼다. 그는 royaux royaux라고 불렀지 만, 상대적으로 작은 앙상블이 연주하는 용해성 보세 댄스 컬렉션처럼 보였다. 그의 소송은 이탈리아 음악에 큰 영향을 받았다.

피아노 음악 및 소나타
피아노 음악, 주로 오르간 또는 cembalomusic, 주로 스위트, toccata 또는 fows 또는 sonates preludes로 구성되어 있습니다. 후속 전투기가있는 Toccata 또는 Preludium이 여러 작곡가에 의해 사용되었지만 Johann Sebastian Bach가이 카테고리를 지배했습니다. 소나타에서 솔로 악기의 주요 역할 또는 일반베이스 악기로서의 철회 된 역할 중 하나가 키보드에서 이루어졌습니다. 특히 바이올린 소나타를 특징으로하는 Corelli의 스타일을 따랐던 사람들은 피아노 음악을 대부분 일반베이스 악기로 사용했으며, 특히 Johann Sebastian Bach는 키보드를 훨씬 더 많이 사용했습니다.

오케스트라 슈트 외에도 소나타와 함께 배치 될 겸손한 승무원을위한 스위트 룸을 쓴 몇몇 작곡가도있었습니다. 이 중 특히 캄 바라가 인기가있었습니다. 프랑수와 쿠 페린 (François Couperin)은 선생님이었던 귀족을위한 특별한 켐벨 루이 츠 (cembalosuites)를 썼다. 이들은 건설중인 프랑스 인이었고, 따라서 그들은 전통적인 노래 부문을 더 많이 개최했습니다. 바흐의 cembalosuiter뿐만 아니라 이탈리아어에 의해 영감을뿐만 아니라 프랑스어와 독일 음악. 바흐는 allemande, courante, sarabande 및 gigue의 전통과 cembalo에 이탈리아 앙상블 오케스트라를 주선 한 서곡과 함께하기로 결심했다. Händel은 차례 차례로 그의 cembalosuites에 직접적인 이탈리아 영향의 사용을 만들었다.

더 느슨한 피아노 조각은 일반적으로 전형적인 preluder 또는 twoccata 다음 관절합니다. 이것은 특히 바흐의 지역이었습니다. 바흐의 변형의 예로는 두 고양이가 시작하고 끝나고 나타나서 나타나는 Toccata & Fuge d-Moll BWV 565가 있습니다. Hans Preludium과 Fuge in A-mole BWV 543은 비발디의 협주곡 아이디어를 연상케하는 다양한 음악 스타일, 시퀀스, 지배적 인 진행, 선명한 음색 구조 및 형태의 리토 넬로를 가지고 있습니다. 둘 다 예를 들자 그들은 거장이며 페이스가 협주곡의 가장 빠른 부분 – 즉 첫 번째 또는 세 번째 배팅이기 때문에 전형적입니다. 바흐의 가장 유명한 컬렉션 중 하나는 Das Wohltemperierte Klavier로, 어린이나 초보자를위한 모든 음색의 전주곡과 관절 모음집입니다. 목적 중 하나는 새로운 노트 (크고 작은 것)와 오래된 모달 스케일을 모두 연주하는 것과 관련하여 cembalo의 범위를 표시하는 것이 었습니다. 첫 번째 물량은 1724 년에, 나머지 20 년 후에 나왔습니다.

이탈리아의 소나타는 오랫동안 코렐리의 특징을 가지고있었습니다. Corelli의 스타일에서 탈출 한 첫 번째 작곡가는 Tomaso Albinoni였습니다. Tomaso Albinoni는 나폴리에서 영감을 얻어 여행 할 수있을 정도로 부자였습니다. 나폴리는 반음계와 훌륭한 점프와 매우 장식적인 스타일을 사용했습니다. 보다 진보적 인 알비노니의 콘서트 투어와 달리 코렐리의 부패에도 불구하고 그의 소나트는 보수적이었다. 비발디는 73 개의 소나타를 썼다. 그 중 3/4은 솔로 존 테이트 (solosonates)이고, 나머지는 트리오 노네이트 (triosonates)이고, 나머지 한 쌍은 너무 많은 목소리이다. Vivaldi는 Corelli와 Albinoni의 바이올린과 현에 초점을 맞추었고, 예를 들어 피리와 다른 관악기에 대해서도 썼다. Albinoni가 더 전통적이었던 곳에, Vivaldi는 리드미컬 한 드라이브와 형태의 단결을 포함하여 그의 협약이었던 좋은 멜로디와 함께 협주곡에서와 같이 소나기에서 많은 것을 실험했다. 비발디는 알레산드로의 아들 인 도메니코 스 칼라 티 (Domenico Scarlatti)와 비슷한 생각을 갖고있었습니다. Scallatti sonates는 대부분 Cembalo를 위해 거의 비슷해 “전형적인”Scarlatti sonate에 나타날 수 있습니다. 그는 종아리 변화, 다양한 아르페지오, 반음계 스케일링, 어려운 손 움직임, 싱크, 불협화음과 다양한 다양한 톤 힌지로 연주했습니다. 그러나, Scarlatti는 마드리드에서 주로이고 바로크의 끝 후에 크게 발견되었다.

독일어권 국가들 중에서는 Johann Joseph Fux가 최초로 세기의 전환기에 소나타를 도입 한 후 비엔나에 소개했습니다. Stephansdom의 예배당장이었던 Fux는 Sonates를 포함한 다양한 장르에서 활동했습니다. 그러나 그의 sonates는 전형적인 이탈리아 sonates보다 더 다성적 이었지만, 보답으로, fuge 양식 잘 표현했다. 또한 다른 몇몇 독일 작곡가가 sonate 형식을 취했습니다. 그러나, Sonatians는 Händel 또는 Bach를위한 작곡의 큰 선택을 대표하지 않았다. Corelli의 시간에서 바흐와 Händel이 소나타를 작곡하기 시작했을 때, 피아노 소나타는 솔로와 트리 오소 네이트 외에도 세 번째 sonate 형태로 등장했습니다. 이것은 또한 바이올린이 더 이상 소나타에서 동일한 지배력을 갖지 못했음을 나타냅니다.

Albinoni와 마찬가지로, 바흐의 아들은 주로 교회 아들이었고 Albinoni처럼 바흐는 음악 발전에있어 상대적으로 보수적이었다. 그는 피아노 나 바이올린을위한 수중 음원 외에도 3 명의 플루트 아들과 3 명의 겜보 네이트 만 사용할 수있는 것을 준비했다. 그러나 이벤트의 소나타는 다양하고 독창적이어서 종종 주문과 내용을 실험하는 것을 포함하여보다 전통적인 소네트 개발과는 거리가 멀다. 게오르그 필립 텔레만 (Georg Philipp Telemann)은 또한 다수의 소나타와 여러 악기를 썼다. 그의 작업은 바흐와 코렐리에 더 가깝다.이 사건의 이름을 바꾸지 않고서는, 주로 sonate의 규칙을 따르지만, 멜로디를 작곡하고, 독창적 인 작품은 아니더라도, 잘 작곡 한 Telemann의 기술은 특히 소나타에서 분명하다.

갈란트 스타일로 전환
그 자체가 르네상스 음악을 비교적 빨리 대체 했으므로 바로크는 갑자기 새로운 스타일로 대체되지 않았습니다. 음악 스타일과 음악 풍미에 대한 오랜 토론으로 18 세기를 볼 수 있습니다.

갈란트 스타일과 후기의 고전주의가 바로크를 점령 한 근본적으로 두 가지 이유가있었습니다. 첫째, 관객과 건물이 모두 바뀌 었습니다. 1720 년대 초 런던과 파리에서 공공 콘서트 장이 점점 더 많이 만들어졌으며 1700 년대에 유럽 전역에 퍼졌습니다. 따라서 음악은 부르주아에게 점점 더 쉽게 접근 할 수있게되었다. 이것은 이미 오페라에 일어 났으며 1700 년대 초반에 크게 발전했습니다. 특히 그것은 오페라 시리즈의 다리를 찢어 버리는 만화와 종종 풍자적 인 오페라였다. Henderson과 London의 경우, 특히 Beer Opera는 세련된 오페라에 대한 공격이었고 Händel을 오라토리오로 데려 오는 데 도움이되었습니다.

불행하게도 그와 바흐 교회 음악을 많이 쓴 바흐에게는 18 세기 중반에 신흥 중산층이 지배적이되었습니다. 깨달음을 특징으로하는 그들의 비전은 교회의 정치적, 문화적 권력에 도전했다. 이것은 “음악을 더 잘”만드는 데 도움이되었습니다. 교회 음악은이 맥락에서 보수적이고 뒤떨어졌습니다. 동시에, 인간의 지성이 모든 도전을 지배 할 수 있다면 낙관주의는 위대합니다.

또 다른 문제는 18 세기 중반에 많은 수의 작곡가들이 사망했다는 것입니다. Couperin은 1733 년에 Pergolesi, 1741 년에는 Vivaldi와 Fux, 1750 년에는 Bach, 1751 년 Albinoni, 1757 년 Domenico Scarlatti와 1759 년 Händel에서 사망했습니다.이 중에서 Scarlatti, Couperin 및 Pergolesi는 음악을 엄격하게 바로크 멀리 옮겼습니다. 바흐는 인생의 끝을 향한 주변 인물로 남아 있었지만 Telemann은 전환을 더 잘 관리했습니다. 그는 대위법과 폴리 포닉 스타일을 상대적으로 일찍 떠났고, 점점 더 동음 이의어로 변해 갔다. Classism is often regarded as a correspondence to the heavier and more complex baroque music, which simplified music expressions took over. New composers clearly distinguished between the baroque polyphonic style with counterpoints and the galant more singable homophonic style. The general bass was replaced by other solutions, such as the alberti bass .

Even the galant style was preferable to the upcoming composers, the art of writing fuge was far from forgotten, which becomes clear in both Haydns, Mozart’s and Beethoven’s later compositions.