موسيقى الباروك المتأخرة

كان الباروك في الأهمية التاريخية للموسيقى الأوروبية فترة من حوالي عام 1600 إلى حوالي عام 1750. من وقت مبكر ، تحولت الموسيقى في الباروك بعيدا عن موسيقى عصر النهضة. من خلال استبدال تعدد الأصوات (متعددة الألحان في وقت واحد) في أغنية homophony (صوتي رئيسي) للسماح للسيطرة على النص ، وخلق الأوبرا ، والمذاهب ، cantats وأحادية اللون ، وضعت الموسيقى الصوتية بشكل حاد. في وقت مبكر من الباروك ، ارتبطت المقاييس النموذجية في الغالب بموسيقى الكنيسة المتبادلة بالموسيقى النغمية. هذا جعل اختلافات كبيرة في كل من الصوت والقدرة على إنشاء قطع أكثر تقدما.

موسيقى البار المتأخر (1700-1750)
حتى إنه ليس التغيير نفسه للأجيال في الانتقال من منتصف إلى شريط متأخر كما هو الحال في عدة أقسام أخرى ، كما هو الحال في الرومانسية ، هناك أسباب موسيقية جيدة لتحديد التمييز بين الفترتين حتى 1700. موسيقى موسيقية ، التي تطورت طوال القرن السادس عشر ، كانت متطورة للغاية حول مطلع القرن ، وكان لها تأثير كبير على مستقبل الموسيقى. قام ألبينوني وفيفالدي بتطوير الحفل ، وخاصة الحفل المنفرد ، الذي كان قوياً لدرجة أنه استحوذ على أسلوب موسيقي مهيمن. تم تقديم سوناتا إلى البلدان الناطقة بالألمانية حول مطلع القرن. في كل مرة تقريبا ، بدأت موسيقى الكنيسة الصوتية الألمانية تشبه بشكل متزايد الأوبرا ، لأنها كانت قد تحركت قبل عدة سنوات في إيطاليا.

ذهبت الأوبرا أكثر نحو مواضيع خطيرة ، في كثير من الأحيان المأساوية ، ومع أقل الرقص. جاء العمل في وسط الأوبرا. في حين عاش جمهور الأوبرا الانكليزية في الغالب على الأوبرا المكتوبة من قبل الإيطاليين ، كانت الأوبرا الفرنسية لا تزال مهتمة أكثر مع لولي وبعض ورثته ، ومعظمهم من نسخ أسلوبه. في 1711 اكتسبت إنجلترا أول أوبرا لمشهد اللغة الإنجليزية الذي كتبه هيندل ، واستمر في الهيمنة هناك على مدى العشرين سنة القادمة. تلقت فرنسا مؤلف الأوبرا الرئيسي التالي في الثلاثينيات من القرن الماضي مع رامو.

بدأت إيطاليا بحفلات موسيقية وسوناتات ، وكانت فرنسا تهيمن لفترة طويلة داخل الأجنحة ، ولكن خلال تلك الفترة أصبحت الموسيقى الألمانية ، في كل من ألمانيا وإنجلترا ، مهيمنة في معظم الآلات الموسيقية. أحد الأسباب التي دعت إلى أن الموسيقى الألمانية كانت تهيمن على شريط الراحل هو أنه كان لديه تقليد طويل من الحصول على الإلهام من البلدان المجاورة وتطوير نمط معروف في إيطاليا وإنجلترا وفرنسا وهولندا. بالإضافة إلى ذلك ، تم تطوير الموسيقى الألمانية أيضًا من خلال إنشاء إصدارات خاصة جديدة من الموسيقى الهولندية والبريطانية الرئيسية ، وتعدد الأصوات الفلمنكية ، والكونسيرتو الإيطالي ، والأوبرا ، والأوبرا الفرنسية والفرنسية ، والكومبوموزيك ، والحركية ، وأوركسترا الأوركسترا. الملحنون الذين أثروا بشكل خاص على الموسيقى في الدولة المجاورة وكانوا هم جورج فيليب تيلمان وجورج فريدريش هاندل وأقلهم يوهان سيباستيان باخ.

في الوقت نفسه ، كانت موسيقى Händel و Bach المكتملة بداية النهاية أيضًا. مع ظهور الحفلات العامة والخراطيش البرجوازية ، تم استبدال تعدد الأصوات المعقدة من قبل homophony بسيطة. أفضل ما يمكن أن يتكيف مع الثقافات الأخرى ونكهات الموسيقى المعاصرة هو جورج فيليب تيليمان ، الذي فضل الموسيقى الأبسط من باخ ، وكان أحد الملحنين الذين ساعدوا في بدء الانتقال إلى الأسلوب الجالسي والكلاسيكي.

الأدوات
استمر التطور الموسيقي في الحانة المتأخرة ، ولا سيما في عائلة الثلاث ريش. شهدت الفترة اثنين من الصكوك الجديدة. تم استبدال Chalmeauen من الكلارينت. وكان الكثير من المزايا من الكلارينيت الاحتمالات مع فوهة ، مما ساعد على التحكم في الصوت والدقة والحجم. حصلت تينوروبو (التي أصبحت فيما بعد “قرون اللغة الإنجليزية”) ، والتي كانت تتغير باستمرار ، على شكلها النهائي في العشرينيات من القرن الثامن عشر. ومع ذلك ، كان فقط في نهاية الباروك أن tenorobo وقعت في الأوركسترا. بين الصكوك القائمة ، حدثت تغييرات أيضا. اكتسب المزمار صوتًا وتسجيلًا موسعًا ، مما أدى إلى استخدامه على نحو أكثر تكرارًا كأداة منفردة خلال هذه الفترة. كان phagote أيضا توسيع سجلها في بداية هذه الفترة. كما شهدت مفترق الطرق تطوراً كبيراً من الستينات إلى العشرينيات.

كان هناك أيضا تطوير في الأدوات الرئيسية ، وتم إنشاء مقدمة للعزف على البيانو حوالي عام 1700 ، ولكن هذا كان مكلفا للغاية وغير مكتمل ليتم وضعها في الإنتاج. كان البوق قرنًا طبيعيًا بدون ثقوب ولوحات ، ولكن في أوائل القرن الثامن عشر ، تم توسيعه مع المزيد من الحزم لذا اختلف الصوت أكثر. وهذا يعني أيضًا أن البوق كان يستخدم في الغالب في الموسيقى ، بما في ذلك Händel و Bach.

كانت عائلة Stryker في مرحلة انتقالية ، حيث بدأت اللعبة تفقد سقفها. في حين لا يزال يعيش gambe و التشيلو في نفس الوقت ، تم تعريف التشيلو في 1710 في الحجم من قبل ستراديفاريوس ، وبعد فترة وجيزة ، اتبع مصممي الأدوات الأخرى. هذا أدى إلى زيادة شعبية الخلية. الأداة الوحيدة في عائلة gamfamily التي نجت ، الباص المزدوج ، وقعت في الأوركسترا في مطلع القرن. كان للكمان ، من جانبه ، تعديلات طفيفة فقط ، خاصة في كمان غوارنييري ، الذي كان جيدًا في النغمات المستمرة.

دار الأوبرا
كما توقفت كل من الأوبرا الإنجليزية والفرنسية بعد وفاة بورسيل ولولي ، هيمنت الأوبرا الإيطالية مرة أخرى. ومع ذلك ، كانت الأوبرا الإيطالية تتطور باستمرار ، على سبيل المثال ، تم التأكيد على العمل والشخصيات والصراع بين الشخصيات إلى حد كبير ، مما يجعلها مساحة أكبر بشكل كبير. كان جانب آخر من تطور الأوبرا في القرن الثامن عشر هو أن الأدوات لعبت دوراً متزايد الأهمية. في حين كان لديهم سابقًا دور اللعب بين المسابقات و arie ، فقد شاركوا الآن أيضًا في كليهما ، عادةً تجاه اللاعب المنفرد. وأدت في بعض الأحيان إلى منافسة ، حيث سقطت بين الراحل Farinelli والفيلم البوق ، وهي المنافسة التي ألقى الجمهور.

أيضا في ألمانيا كان هناك تطور قائم على الأوبرا الإيطالية. على وجه الخصوص ، كان المؤلفون الموسيقيون في هامبورغ ولايبزيغ ناشطين في صناعة الأوبرا ، وربما استلهمت أكثر من هذه الأوبرا الإيطالية ، فقد وضعوا مشاعرهم الخاصة في هذا النوع في وقت مبكر. بعض ، وخاصة تلك التيليمان ، كان له إحساس بالفكاهة ، والعديد منهم كانوا يغنون بالألمانية ، مستوحاة من لعبة الغناء.

الاوبرا الايطالية
سيطرت الأوبرا الإيطالية ليس فقط على إيطاليا ، ولكن أيضا في العديد من البلدان الأخرى. وقد استوحى كل من فيينا ولندن بقوة من الأوبرا الإيطالية ، وخاصة من نابولي.

بعد أن استلمت مدرسة نابولي ، كانت نابولي أيضاً في الطريق المهيمن في إنتاج الأوبرا. كما كانت المدينة تحتوي على أوبرا صريحة. بالنسبة للنبلاء ، ارتبطت الأوبرا بالاحتفالات ، مثل أيام الأسماء أو حفلات الزفاف أو غيرها من الظروف. غالبًا ما كانت الأوبرا تستخدم من قبل Venetian librettos. في الماضي كان لوبيريتو في الماضي مزيج من الرومانسية والدراما والكوميديا ​​، ولكن مع بداية القرن تم إزالة جزء الكوميديا ​​ووضعه كعدد بين أعمال سلسلة الأوبرا الأكثر مأساوية. تم تعريف سلسلة الأوبرا نابولي من قبل Apostolo Zeno و Pietro Metastasio (انظر فيينا) ، وأصبح التركيز على السرد الدرامي أكثر أهمية. من الناحية الموسيقية ، كانت هناك اختلافات رئيسية في الأجهزة ، من بين أمور أخرى ، يمكن أن يلعب الجهير العام بواسطة erkelutt ، lutt ، bass مزدوج و gambe بالإضافة إلى cembalo. في بعض الأحيان ، كانت آلات الريح مثل البوق ، والأوبو ، والبوق ، عادة اثنتان من كل منهما ، متحدة مع الأوتار. بالإضافة إلى ذلك ، كان الأسلوب الموسيقي مختلفًا أيضًا عن موسيقى الباروك التقليدية ، وبدلاً من تكرار الدوافع الصغيرة ، كانت موسيقى نابولي تحرص على عدم تكرارها ، بل تمدد الدوافع المتكررة للميكروبات. ساعد استخدام الفواصل كتأثير مثير في إنشاء ألحان أخف وأكثر تحركًا. بالإضافة إلى ذلك ، كانت هناك غالبًا أجزاء صوتية مبدعة للغاية.

أمسك الأوبرا الأكثر شعبية في الأوبرا الفكاهية لتقليص الموسيقى في طبقة النبلاء وركزت على ذلك. كان هناك تقليد طويل في نابولي من أجل الفكاهة في الموسيقى ، وأدرجت عدة أوبرات في كل من لهجة نابولي ومع الفكاهة. وحيث اختارت الأوبرا الجادة اختيار عوالم خارقة للطبيعة ومعقدة ، كانت عادة المسلسلات الكوميدية تضاف إلى الموضوعات اليومية والأحداث ذات الصلة التاريخية ، وتمزح على حساب الأوبرا الخطيرة. من عام 1710 ، كان الملحنون الجادين أكثر حرصًا على تقديم المسلسلات الكوميدية الجيدة ، وذلك جزئيًا بسبب الحرية الفنية. قدمت المسلسلات الهزلية لمعظم الناس وكذلك intermezzo للنبلاء. بالإضافة إلى استخدام المواضيع اليومية ، تم استبدال الكوميديا ​​اللاتينية بالكوميديا ​​dell’arte الكوميدية مع الأرقام والتوقعات التي يمكن التنبؤ بها: صغار إلى كبار السن ، من الذكور إلى الإناث ، الثروة إلى الفقر ومثلي الجنس إلى والدهاء. ازدادت الشعبية ، وفي عام 1733 ، وصل جيوفاني باتيستا بيرغوليسيس لا سيرفا بادرونا إلى الاهتمام الدولي.

بعد نابولي ، ربما كانت فيينا واحدة من أكبر مراكز الأوبرا الإيطالية. تم تأليف العديد من الأوبرا من قبل المعلم الرئيسي أنطونيو كالدارا ومع libretto من قبل بيترو Metastasio ، وإن كان مع الآخرين. في فيينا ، كان المسؤولون عن المكتبات Metastasio وسلفه Apostolo Zeno مسؤولين عن إصلاح الأوبرا حتى أصبحت القصة ، والمؤامرة ، والشخصيات أكثر حدة. وهكذا ، اكتسبت الدراما تأثيراً أفضل ، وبالإضافة إلى ذلك ، أصبحت الآفة التركيز العاطفي ، بينما قال المحققون للحركة. ومن السمات الأخرى لأوبرا فيينا التركيز على موسيقى الآلات ، وبالأخص الصوت ، مما يعني أن المعزوفات المنفردة المفيدة كانت مكتوبة في كل من الانقلابات ، والباليه ، وأحيانًا أيضًا في الأروقة. كل هذا وحده كان شائعًا في الأوبرا في أي مكان آخر ، وخاصة استخدام نقطة التقابل في أغنية النغم ، بما يتماشى مع طعم الأباطرة النمساويين ، ولأنهم استلهموا بشدة من Händel.

في روما ، كان تقليد الأوبرا ملتوية نتيجة لوجهات نظر جناح الجلوس والنزوة. بالإضافة إلى ذلك ، فإن الصراعات مثل الحرب التراثية الإسبانية تضع قيودا على الأوبرا حتى لا تكون روما بدون أوبرا ما بين 1698 و 1711. في المقابل ، كانت أوبرات من أليساندرو سكارلاتي وأنطونيو كالدارا وأنطونيو فيفالدي من بين آخرين. كان هنا أيضا أن مكتبات Metastasio ظهرت لأول مرة في عام 1724. وكان هذا العام قبل وفاة Scarlatti ، مما يعني في البداية أن ليوناردو فينشي تعاون مع Metastasio حتى توفي فينشي في عام 1730. وكان فينشي من نابولي ، ومدرسة نابولي أيضا استقبالا حسنا في الأوبرا في روما – عندما سمح لها. في Venetethere كان الابتكار المحلي أقل خلال الفترة. أولاً ، كان هناك مؤلفون أوبرا مؤسسون مثل فرانشيسكو جاسباريني وكارلو فرانشيسكو بولارولو ، وفي وقت لاحق كان هناك مؤلفون سياسيون جدد مثل ليوناردو فينشي. وكان الاستثناء من هذه القاعدة هو أنطونيو فيفالدي ، الذي كتب العديد من الأوبرا والأعراف ، وربما كان أكثر ملحن الأوبرا شعبية في المدينة.

الأوبرا الألمانية
كانت أوبرا قد ضربت ألمانيا ، وفي الجزء الأخير من الباروك ، تم إجراء المزيد من الأوبرا في مختلف دور الأوبرا في جميع أنحاء البلاد. في لايبزيغ ، كان هناك دار أوبرا راسخة ، وكان هناك المزيد من المساهمات. غالبًا ما كانت الأوبرا الألمانية تحركًا كوميديًا ، لذلك هنا أيضًا. باستثناء أن Telemann قد كتب وأرسلت 20 أوبرات ، لم يتم إنشاء أي من الملحنين الذين أصبحوا معروفين للأجيال القادمة.

كان هناك أيضا أوبرا في Hamurg ، يتألف أساسا من قبل الإمبراطور. كانت قدرة الإمبراطور على كتابة الألحان الجميلة وفهم الصوت وقدراته مصدر إلهام مباشر لهانديل. في عهده ، كان يعتبر الإمبراطور أيضا الملحن الرئيسي في بداية القرن. جاء هانديل إلى المدينة في عام 1704 ، وحتى مكث هناك لفترة قصيرة ، وتعلم المزيد من الأشياء حول تكوين الأوبرا في المدينة. سيطر الإمبراطور حتى عام 1721 عندما جاء تيليمان إلى المدينة. كانت أوبراه لا تزال كوميديا ​​وخطيرة. وهكذا ، كتبت أوبرا تيليمان الفكاهية قبل عدة سنوات من صراع الأوبرا الذي ضرب “لا سيرفا بادرونا”.

الأوبرا الفرنسية
واجهت الأوبرا الفرنسية مشكلة في الخروج من ظل Lully. كتب المرشح الرئيسي الأول – باسكال كولاس – أوبرات تشبه كثيرا في Lullys ، وحقق أكبر نجاح عند كتابة أعمال غير مكتملة ، ورفضت في كثير من الأحيان. رفعت عائلة لولي دعوى قضائية ضده ، وأصبحت سمعته ضعيفة بالفعل حول بداية القرن. كان هنري ديسماريتس مرتبطًا بفضيحة عكسية ، وكتب سلسلة من المحركات التي أطلقها نجم الجوقة نيكولاس غوبليه. ثم هرب مع امرأة شابة إلى بروكسل وحكم عليه بالإعدام غيابيا. ثم ذهب إلى إسبانيا لكنه عاد عندما رُفعت عقوبة الإعدام. كانت أوبراته ناجحة فقط. حقق André Cardinal Destouches بعض النجاح مع الأوبرا ، لكنه أصبح متواضعًا جدًا بعد أن حصل على لقب جديد تم تعيينه كمفتش عام لـAcadémie Royale de Musique.

جاءت الثورة العظيمة في الأوبرا الفرنسية فقط قرب نهاية الباروك ، مع جان فيليب رامو. على الرغم من كونه لاعبًا موهوبًا جدًا في الجهاز ، أصبح رامو معروفًا بمشاهد الموسيقى عندما كان عمره 39 عامًا. كانت أفكاره عن الموسيقى تتصرف ، من بين أمور أخرى ، حول الصوتيات والحبال ، حيث فضل الحبال الثلاثية والثلاثية ، وقدمت الأساسيات وكانت مهتمة بالتنافر أن تنتشر من الموسيقى وتأثير الحبال. وكان أيضا Rameau كما عرف المصطلحات منشط (النغمة الأساسية) ، المهيمنة (النغمة والوتر – خماسي من المقويات) و subdominant (لهجة والوتر – خماسية تحت المقويات).

كمؤلف ، تم اكتشاف رامو لأول مرة في ثلاثينيات القرن التاسع عشر عندما كان في الخمسينات. تم تسجيل أول أوبرا له ، Hippolyte et Aricie ، في عام 1733 عندما كان عمره 50 عامًا. انتقل Rameau بين lully’s tragédies a musique opera to the Opéra ballet ، على سبيل المثال Les Indes galantes ، الذي كان أكثر حرية في الشكل. ثم انتقل إلى أعمال أوبرا تقليدية ، وحقق نجاحًا خاصًا مع Castor et Pollux ، الذي كان أكثر حرية من أسلوب Lully. أسلوب موسيقى رامو الجديد ، استناداً إلى نظريته الموسيقية ، أثار أتباع Lully لدرجة أنه أصبح شكلاً من أشكال المعركة داخل الاستخبارات الفرنسية بين Lullis و Ramis. بغض النظر عن النضال والاتهام بأن موسيقى رامو كانت صعبة ، ومثيرة للحيوية ، والميكانيكية وغير الطبيعية ، أصبح رامو شائعًا وحصل على الأوبرا الفرنسية مرة أخرى. كما كان أول ملحن فرنسي المولد حقق نجاحًا أكبر مع الأوبرا.

انكلترا وهانديل
في غياب موسيقيه الأوبرا الخاصة به بعد وفاة بورسيل ، أصبحت إنجلترا أكثر اهتماماً بالأوبرا الإيطالية. كانت الأوبرا عامة إلى حد كبير ، وبالفعل عام 1705 ، المثال الأول للأوبرا المستوحاة من إيطاليا ، وإن كان باللغة الإنجليزية. كانت Arsinoe ، ملكة قبرص ، تحديثًا لقطعة إيطالية قديمة. فقط الميل لإقناع الأوبرا الإيطالية ، بسرور من قبل أليساندرو سكارلاتي ، وترجمة إلى اللغة الإنجليزية ، ضربت وعملت عدة أوبرات من نوعية مختلفة. كما تم في هذا الوقت إطلاق القائمين لجمهور بريطاني. تم إنهاء تجربة قصيرة الأجل مع أجزاء باللغة الإنجليزية وأجزاء باللغة الإيطالية عندما أصبح الجمهور متعبًا من فهم نصف الأوبرا فقط ، ثم غنى معظمهم باللغة الإيطالية. على وجه الخصوص ، أصبح Hydaspes ofFrancesco Mancini نجاحًا كبيرًا نسبيًا في عام 1710.

1710 كان أيضًا الوقت الذي بدأ فيه Händel مسيرته الموسيقية في Halle ، ولكنه انتقل إلى المدن الألمانية والإيطالية والإنجليزية وتلقى الكثير من الثقافات المختلفة. أوبراه الأولى ، ألميرا ، كونيغين فون كاستيليان جاء في 1705 ، عندما كان في هامبورغ ، وكان مستوحى بشكل واضح من قبل راينهارد إمبراطور ، وله رقصات الألحان بعد الأدب الفرنسي ، آريوس بعد المواقف الإيطالية والألمانية والتنسيق. استلهم سادس أغريبينا ، من 1709 ، من أليساندرو سكارلاتي ، وأظهر القدرة على الحصول على ألحان أنيقة مع أجزاء طويلة دون استراحة تنفّس وتغيّر إيقاعي في الألحان. كانت أول أعماله في أوبرا في لندن ، رينالدو ، نجاحًا كبيرًا وتم إدراجه في كل الأوبرا في هذا العقد.

بعد أن حصلت Händel على مركز دائم ومال لإيجاد مطربين موهوبين مثل Faustina Bordoni ، أصبحت أعمال الأوبرا أكثر بطولية وأكثر تحديًا. لا سيما جيوليو سيزار في Egitto (1724) ، ولكن أيضا Tamerlano (في نفس العام) وروديليندا (1725) هي أمثلة جيدة على الأوبرا الجديدة. استفاد هانديل من الأهمية المحولة ، على سبيل المثال ، أنه خلق الشعور بالتسلل والصيد للتأكيد على خيانة بطليموس. في هذا الوقت ، كان هناك عادة نوعان رئيسيان من الاستطلاعات ، “الجاف” مع ما يقرب من الباص العام فقط والأغنية المحادثية ، و “المصحوبين” resitatives مع أدوات أكثر بكثير. استفاد هاندل من الأخير. أيضا كانت الآلهة خاصة لهانديل. كتبها إلى المطربين الفرديين ، ومن ثم يمكن أن تكون بعض الحمّام زخرفية وأن تكون مرتفعة بينما البعض الآخر يمكن أن يكون بطيئًا ويؤكد المشاعر. في الوقت نفسه ، حرّك <هيندل> على استخدام الآلهة بدرجة أكبر من التواصل السابق مع الفعل ، وبالتالي كسر شيء ما في مدرسة نابولي. نقطة التباين والموسيقى المهيبة يمكن موازنتها مع ترانيم رعوية بسيطة. استخدم <هانديل> المزيد من الأوركسترا ، كما استخدم بشكل أكثر فاعلية أدوات الريح أكثر مما استخدمها في عصره المعاصر.

الموسيقى الصوتية الدينية
حول مطلع القرن ، أصبحت موسيقى الكنيسة اللوثرية الصوتية أكثر وأكثر مثل الأوبرا. جزء من هذا كان بسبب إردمان نيوميستر ، الشاعر واللاهوتي الذي جمع بين الموسيقى الأوكرانية والله الكنيسة اللوثرية. واستلهما منه ، بدأ باخ أيضًا في استخدام تقنيات من الأوبرا ، مثل الاستعارة والأريانية ، وكذلك الجوقة والموسيقى المرجانية ومرافقة الأوركسترا. من تعيينه إلى Thomaskantor ، أكثر أو أقل مسؤولية موسيقية لجميع الكنائس ، حتى فقد الاهتمام بموسيقى الكنيسة ، طور Bach موسيقى الكنيسة بشكل كبير. وقد لوحظ هذا بشكل خاص في اثنين من الكاتيونات. لم يكن باخ لديه خبرة كمؤلف أوبرا بالإضافة إلى عدد قليل من المقاهي الدرامية لكل موسيقى دون أي نجاح ملحوظ ، ولكن خصوصا يوهانيسباسيليك الأوبرا ، بما في ذلك السمات الدرامية بين بونتوس بيلاطس والجوقة التي تصر على أن يسوع يجب أن يصلب. بالإضافة إلى ذلك ، استخدم باخ أيضا الجوقة كتعليقات على الفعل كما في الدراما اليونانية. ماثيو مسار أكثر اكتمالا ، وتلعب الحبال دورا أكبر في الأداء.

خسر باخ الاهتمام بموسيقى الكنيسة في حوالي عام 1730 ، ولكن خلال عامه الأخير أكمل ميسي في H-Moll ، التي كانت مختارات من تطور موسيقى الكنيسة. أصبح العمل أكثر من 20 عامًا وتولى إعادة استخدام (المحاكاة الساخرة) للأعمال السابقة أو الأعمال غير المكتملة. المزيج يجعل المعرض يختلف من شريط قديم إلى galant في التقدم. اقترض باخ من الأوبرا ، ولكن كان هناك أيضا اختلاف كبير بينهما. كانت الكانتاتاس ، كما كان ماثيو ، عاكسة وكاملة ، وبالتالي كانت تؤديها بأصوات دون وقوع أي دراما ، ويمكن أيضا أن تفهم على أنها عظة موسيقية. كما انتشر الكانتاتاس إلى ما بعد عام 1730 ، لكنه انخفض بشكل حاد.

حول Bach ترك موسيقى الكنيسة الصوتية ، بدأت Händel حقا لرعاية لهم. حوالي 1730 بدأ أيضا في كتابة oratories. ومع ذلك ، قام بتغيير المعتقدات الإيطالية التقليدية عن طريق دخول جوقات كبيرة ، مستوحاة من موسيقى الجوقة الألمانية والإنجليزية. أعطاهم أدوارًا مختلفة ، من سرد القصة للتعليق عليها ، مستوحاة أيضًا من الدراما اليونانية. كما لعب البابا الألماني ومسدس اللغة الإنجليزية دوراً في معاهد هيندل الجديدة. هذا يؤيد أن الكنيسة كانت تجربة مشتركة وليست فردية. استفاد Händel بشكل كبير من تقنية التشغيل ، ومن ثم يمكنه استعارة تقنيات تأملية من الأوبرا ومتابعتها ، وليس بواسطة arie ، بل بواسطة جوقة. ومع ذلك ، تظهر أيضا الهالات والمشاهد الدرامية في المختبرات. بالإضافة إلى ذلك ، جعلت هيندل أيضًا معملًا لم يكن مسيحيًا ، بل كانت تنتمي إلى الميثولوجيا الإغريقية ، بما في ذلك سيميلي وهيرقل.

كونسيرتو وأجنحة
كان الحفل حدثًا إيطاليًا حقيقيًا قبل نهاية القرن ، واستمر لفترة قصيرة. أصدر توماسو ألبينوني أول حفلاته الموسيقية في العام 1700. وبما أن ألبينوني كان وسيطاً ، فقد كان محرماً من المدافعين عن المحسنين. وسرعان ما عرَّف كونشيرتو له بثلاث مجموعات ، واستخدم بجد لنقطة التقاء. بالإضافة إلى ذلك ، جرب شكل الشكل الثاني البطيء. كما كان ألبنوني هو الذي أدخل الأوتو المنفرد إلى جمهور إيطالي.

في عام 1702 ، بعد عامين من إطلاق ألبينيوني لحفلته الأولى ، أصبح أنطونيو فيفالدي كونشيرتو محدد. كان مدرسًا في المدرسة المسيحية للأيتام والأطفال الحاملين والبنات المدهشة ، وعلّمهم على ألعاب الموسيقى بنجاح كبير. تلقى كل من ألعابه وفتياته اهتمامًا كافيًا ليصبحن نقطة جذب في البندقية. من بين 500 فيفالدي كونفيرتو التي نجت كانت 350 ، حوالي ثلاثة أرباع ، للأدوات المنفرده ، و 230 منهم للكمان. لم يكن الكمان صكًا فيفالدي فقط ، بل أيضًا الأداة التي تعلمها معظم الطالبات. بالإضافة إلى ذلك ، كتب 37 لـ bassonon ، و flute و obo و blockwriter و viola d’amore و cello و mandolin.

أحيت الحفلات الموسيقية لفيفالدي بسبب الأنغام العذبة ، والإيقاع النابض بالحياة ، والرعاية السارية الماهرة والشكولية. بالإضافة إلى ذلك ، كان فيفالدي موسيقيين موهوبين في المدرسة ، وأتيحت له الفرصة لتجربة الحفل. فقط لأنه كان لديه وصفة بسيطة بسيطة يمكن أن تكون مرنة معه ، كان له نجاح كبير مع تطور كونشيرتو. من بين أشياء أخرى ، كان لفيفالدي قطعًا حيث لعب العديد من العازفين المنفردين ضد بقية الأوركسترا ، ولكن على عكس فرقة كوريللو غروسو ، لم تكن الأوركسترا الكبيرة تنسخ الصغار ، بل لعبت ضدهم مثلما كانت في حفلة موسيقية فردية. فيفالدي أيضا تعمدت استخدام كل من البيتزا والسوردين للتأثير. استخدم فيفالدي حفلة موسيقية متناسقة من الدرجة الثالثة في شكل سريع بطيء قدمه توماسو ألبونوني. من أشهرها أنت أربعة فصول. هنا ، مثل معظم كونشيرتو أخرى ، اختار فيفالدي أسلوبا أكثر مثلي ، أي مع صوت لحن رئيسي ، في حين أن الأصوات الأخرى تدعم هذا.

كما استعمل ريتورنيللو بشكل متناسق تقريباً ، وهو عبارة عن آلة تجديد ، وصمم أيضاً شكل ريتورنيلو الخاص به. المكرر يأتي بالفعل في البداية ، في جزء لتأكيد بنية النغمة ، والتي تستخدم نغمة. يتم تضمين الأوركسترا بأكملها ، مع أجزاء للأداة المنفرد. عادة ما يتكون هذا من أجزاء صغيرة متكررة أو متنوعة. عندما تتكرر الامتناع ، تكون عادة جزئية فقط. وينقسم reengengene من الحلقات الفردية ، في الغالب مبدعة ومميزة. يمكن تكرار أجزاء من الامتناع والتنوع مع ، ولكن فيفالدي تستخدم المزيد من المقاييس ، وتوبيخو وغيرها من التعبيرات الموسيقية. يمكن تبادل النغمات عبر التشكيل. هذا خلق شكل ritornello التي كانت متنوعة جدا من ritornello القياسية. بالإضافة إلى ذلك ، كان فيفالدي حاسما في رفع الجزء البطيء ليكون بأهمية الأسرع ، بما في ذلك من خلال الألحان المعبرة والمفردة (مثال للاستماع). بالإضافة إلى ذلك ، يود المبتكر إضافة بعض الزخارف الإضافية. وأصبحت قدرة فيفالدي على منح اللاعب المنفرد صوته وشخصيته الخاصة أمراً حاسماً في الحفل.

استوحى باخ من فيفالدي في كونشيرتو وفي موسيقى البيانو. تعلم من جعل الموضوعات والخطة التوافقية أكثر وضوحا ، والعمل على الهياكل الرسمية على أساس تأثير ritornello. في الحفل ، باخ ، مثل كل شيء آخر ، كان متنوعًا وتأثر بموسيقى أخرى. وينظر هذا في الحفلات الموسيقية براندنبورغ ، والتي تختلف اختلافا كبيرا ، من كونشيرتو جروسو (1 ، 2 ، 4) لجولات الحفلات الموسيقية (3 ، 6) و 5 ، الأكثر تذكر بالحفل المنفرد ل cembalo والأوركسترا. مستوحاة من فيفالدي ، كان لديه العديد من الآلات الموسيقية المنفصلة في الكونشيرتو. كما كتب اثنين من كونسيرتو نقية منفردة للكمان ، وما مجموعه 13 كونترتو لواحد وما يصل إلى أربعة أدوات رئيسية – معظمها cembalo في الوقت الحاضر. غالبًا ما كان باخ يضع المفاصل في الكاسطات. كما كتب هانديل جولات الحفلات الموسيقية ، ولكن أقل بكثير. وكتب حفلات الغناء والحفلات الموسيقية الاثني عشر بالإضافة إلى 14 حفلة موسيقية.

كانت الأوركسترا ذات شعبية متزايدة منذ منتصف القرن السابع عشر. في الفترة من 1690 إلى 1740 ، كانت حقائب السفر في ألمانيا مختلفة عن الفرنسية التقليدية ، جزئياً لأنها حطمت فكرة نظام ثابت ، وبالتالي يمكن أن تأتي الرقصات عندما تناسب الملحن. كانت أكثر قطعتين مشهورتين لـ Händel – Water Music and Music for the Royal Fireworks – كلاهما من أوركسترا الأوركسترا الألمانية ، مؤلفة من حوالي 30 سنة. كما كتب فرانسوا كوبيرين دعاوى الأوركسترا – ودعا روياوكس royaux ، لكنه يبدو أكثر مثل مجموعة من الرقصات الملتصقة القابلة للذوبان لعبت من قبل مجموعة صغيرة نسبيا. كانت بدلته مستوحاة بشكل كبير من الموسيقى الإيطالية.

موسيقى البيانو والسوناتا
تتألف موسيقى البيانو ، ومعظمها من الأجهزة أو الشيفولوماس ، بشكل رئيسي من الأجنحة ، إلى التوكاتا أو مقدمات مع الأوزان أو الابناء. تم استخدام Toccata أو Preludium مع المقاتلين اللاحقين من قبل العديد من المؤلفين ، ولكن يوهان سيباستيان باخ سيطر على هذه الفئة. في السوناتة لعبت لوحة المفاتيح إما الدور الرئيسي كأداة منفرد أو دور أكثر تراجعًا كأداة باس عامة. استخدم أولئك الذين اتبعوا أسلوب كوريلي ، وخصوصًا الموسيقار الكمان ، موسيقى البيانو في الغالب كأدوات صوتية عامة ، في حين أن أولئك الذين فصلوا أنفسهم – وخاصة يوهان سيباستيان باخ – وضعوا لوحة المفاتيح في دور مهيمن أكثر بكثير.

بالإضافة إلى دعاوى الأوركسترا ، كان هناك العديد من الملحنين الذين كتبوا أجنحة لطاقم أكثر تواضعا ، والتي سيتم وضعها بعد ذلك جنبا إلى جنب مع sonatas. من بين هؤلاء ، وخاصة cembalos كانت شعبية. فرنسوا كوبرين كتب cembalosuites خاصة مخصصة للنبل كان معلم. كانت هذه الفرنسية في البناء ، وبالتالي عقدت أكثر على التقسيم التقليدي للأغاني. لم يكن cembalosuiter باخ مستوحى فقط من الإيطالية بل أيضا بالفرنسية والألمانية. اختارت باخ اتباع تقاليد allemande ، courante ، sarabande و gigue ، ومع مقدمة حيث رتب فرقة أوركسترا إيطالية ل cembalo. واستفاد هانديل بدوره من تأثير إيطالي أكثر مباشرة على cembalosuites.

وكانت قطع البيانو الأكثر رخوة عادةً عبارة عن دعامات نموذجية أو توابيتا متبوعة بالمفاصل. كان هذا بشكل خاص منطقة باخ. مثال على اختلاف باخ هو Toccata & Fuge d-Moll BWV 565 ، حيث يبدأ القططان وينتهيان وينتهيان ويظهران. هانز بريلوديوم و Fuge في A-mole BWV 543 لديها مجموعة كبيرة ومتنوعة من الأنماط الموسيقية ، والتسلسلات ، والتقدمات المهيمنة ، وبنية نغمات واضحة وشكل من أشكال ritornello ، كل ذلك يذكرنا بأفكار فيفالدي كونشيرتو. كلا المثالين نموذجيان أيضا لأنهما موهوبان ، وأن الوتيرة تدور حول أسرع جزء من كونشيرتو – أي الرهان الأول أو الثالث. واحدة من أشهر مجموعات باخ هي Das Wohltemperierte Klavier ، وهي مجموعة من النقوش والمفاصل من جميع النغمات المخصصة للأطفال أو المبتدئين على لوحات المفاتيح. وكان أحد الأغراض هو إظهار نطاق cembalo فيما يتعلق بتشغيل كل من الملاحظات الجديدة – أي الكبيرة والصغيرة – والمقياس النموذجي القديم. وجاء المجلد الأول في عام 1724 ، بعد 20 سنة أخرى.

تميزت سوناتا في إيطاليا منذ فترة طويلة بكوريللي. كان الملحن الأول الذي انشق عن أسلوب Corelli هو Tomaso Albinoni ، الذي كان غنيًا بما فيه الكفاية للسفر حوله ، مستلهمًا ، من بين أمور أخرى ، من نابولي ، باستخدام المقياس اللوني والقفزات العظيمة ، بالإضافة إلى أسلوب الزينة للغاية. على عكس جولات البينوني الموسيقية ، التي كانت أكثر تقدمية ، كان أبناءه أكثر محافظة ، على الرغم من الفساد مع كوريللي. كتب فيفالدي 73 سوناتا ، منها ما يقرب من ثلاثة أرباع الأمونيوم ، ومعظمها الآخر ثلاثي الأضلاع وزوجان كثيران من الأصوات. انفصل فيفالدي عن تركيز كوريللي وألبينوني على الكمان والخيوط ، وعلى سبيل المثال ، كتب عن المزامير وأدوات الرياح الأخرى. حيث كان ألبينوني أكثر تقليدية ، قام فيفالدي بتجربة الكثير في السوناس كما في كونشيرتو ، بما في ذلك في القيادة الإيقاعية والوحدة في الشكل ، بالإضافة إلى الألحان الجيدة التي كانت علامته التجارية. كان فيفالدي عقل مماثل في مواطنه دومينيكو سكارلاتي ، ابن أليساندرو. نادرا ما كان نبلات سكارلاتي ، في الغالب من أجل cembalo ، متشابهة إلى حد كبير لدرجة أنها يمكن أن تظهر على الإطلاق إلى نسل “سكارلاتاتي” النموذجي. لعب مع مفصلات النغمة ، مع تباين في الإيقاع ، ومجموعة متنوعة من تتابعات الأعصاب ، التحجيم اللوني ، حركات اليد الصعبة ، المزامنة ، التنافر ومجموعة غنية من أكثر. ومع ذلك ، كان معظم سكان Scarlatti في مدريد واكتشفت إلى حد كبير بعد نهاية الباروك.

ومن بين البلدان الناطقة بالألمانية ، كان يوهان جوزيف فو أول من أدخل سوناطات في مطلع القرن ، ثم إلى فيينا. وباعتباره معلمًا أساسيًا في مدرسة Stephansdom ، كان Fux نشطًا في مجموعة متنوعة من الأنواع ، بما في ذلك المذنبين. ومع ذلك ، كان أبناءه أكثر تعدد الأصوات من الأصوات الإيطالية النموذجية ، ولكن في المقابل ، كان نموذج الضربة ممثلة بشكل جيد. كان هناك أيضا العديد من الملحنين الألمانيين الآخرين الذين أخذوا شكل السونات. ومع ذلك ، لم يمثل السوناتيون مجموعة كبيرة من المؤلفات إما Händel أو باخ. من وقت Corelli إلى Bach و Händel بدأوا في كتابة سوناتا ، جاء سوناتا البيانو كصنف ثالث سوناتا بالإضافة إلى المنفرد وثلاثيونات. هذا يشير أيضا إلى أن الكمان لم يعد لديه نفس الهيمنة في sonatas.

تماماً مثل Albinoni ، كان أبناء Bach هم أبناء الكنيسة بشكل أساسي ، ومثل ألبنوني ، كان باخ محافظًا نسبيًا في تطوير الموسيقى ضمن هذه الأرقام. رتب ، من ما هو متاح ، فقط ثلاثة أبناء الفلوت وثلاثة من القمار ، بالإضافة إلى السونار للبيانو أو الكمان ، وهذا الأخير من صعوبة عالية جدا. ومع ذلك ، فإن أبناء الحدث هم متنوعون ومبدعون لدرجة أنهم غالباً ما كانوا ينتقلون بعيداً عن التطوير الأكثر تقليدية ، بما في ذلك تجربة النظام والمحتوى. كما كتب جورج فيليب Telemann عددا من sonatas وعدد من الصكوك. عمله أقرب إلى Bach و Corelli من حيث أنه اتبع قواعد السونتي بشكل كبير دون إعادة تسمية هذا الحدث ، لكن مهارة Telemann في تأليف الألحان الجذابة وأداء الأعمال المكتوبة بشكل جيد ، إن لم يكن الأصلي ، كانت واضحة بشكل خاص في السوناتا.

الانتقال إلى أسلوب جالانت
لم يتم استبدال الباروك فجأة بأسلوب جديد ، حيث أنه قد حل مكان موسيقى عصر النهضة بسرعة كبيرة. يمكن للمرء أن يرى القرن الثامن عشر كنقاش طويل حول أسلوب الموسيقى ونكهة الموسيقى.

كان هناك في الأساس سببين لماذا تولى الأسلوب الجالي ولاحقا الكلاسيكية على الباروك. أولاً ، تم تغيير كل من الجمهور والمكان. في وقت مبكر من 1720s ، تم بناء أماكن الحفلات العامة بشكل متزايد في لندن وباريس ، وانتشر في جميع أنحاء أوروبا في 1700s. وهكذا أصبحت الموسيقى في متناول البورجوازية بشكل متزايد. هذا ما حدث بالفعل للأوبرا ، وكان في تطور كبير في أوائل 1700s. على وجه الخصوص ، كانت الأوبرا الكوميدية والهزلية في الغالب التي مزقت ساقيها في مسلسل الأوبرا. في حالة هندرسون ولندن ، خاصةً ، كان أوبرا أوبرا هجومًا على الأوبرا المكررة ، وساعد في إحضار هانديل إلى المعامل.

ولسوء حظه ، وبالنسبة لباخ ، الذي كتب أيضا الكثير من موسيقى الكنيسة ، أصبحت الطبقة الوسطى الناشئة مهيمنة في منتصف القرن الثامن عشر. تحدت رؤيتهم ، التي تميزت بالتنوير ، موقف السلطة السياسية والثقافية للكنيسة. هذا ساعد على “تشكل الموسيقى” إلى حد كبير. أصبحت موسيقى الكنيسة محافظة ومتخلفة في هذا السياق. في نفس الوقت ، كان التفاؤل عظيمًا نظرًا لأن العقل البشري قادر على السيطرة على جميع التحديات.

كانت هناك مشكلة أخرى هي أن عددًا من المؤلفين الموهوبين قد ماتوا في منتصف القرن الثامن عشر. توفي كوبران في عام 1733 ، و Pergolesi في 1736 ، فيفالدي و Fux في 1741 ، باخ في 1750 ، Albinoni في 1751 ، دومينيكو Scarlatti في 1757 و Händel في 1759. من هؤلاء ، وقد نقلت بالفعل Scarlatti ، Couperin و Pergolesi الموسيقى بعيدا الباروك بدقة. وبينما بقي باخ شخصية هامشية في نهاية حياته ، تمكن تيليمان من الانتقال بشكل أفضل. غادر المناظرة ونمط مجسمة في وقت مبكر نسبيا ، وأصبح على نحو متزايد homophonic و galant. غالبًا ما يُنظر إلى الطبقة الكلاسيكية على أنها مراسلة لموسيقى الباروك الأثقل والأكثر تعقيدًا ، والتي ساهمت في تبسيط تعبيرات الموسيقى.الملحنين الأقصى المميز بوضوح بين أسلوب مجسم الباروك مع نقاط المواضف والطراز المجانين أكثر غناء. تم استبدال باس العام شأنه أخرى ، مثل باس ألبرتي.

حتى الأن الهِفْرَةُ بَيْنَ بِمُؤْمِنِينَ بَيْنَ حَوْلِ الْمُؤْمِنِينَ