Genre Kunst

Genre-Kunst ist die bildliche Darstellung in verschiedenen Medien von Szenen oder Ereignissen aus dem alltäglichen Leben, wie Märkte, häusliche Umgebungen, Interieurs, Partys, Wirtshausszenen und Straßenszenen. Solche Darstellungen (auch Genrewerke, Genreszenen oder Genreansichten genannt) können vom Künstler realistisch, imaginär oder romantisiert sein. Einige Variationen des Begriffs Genre-Kunst geben das Medium oder die Art der visuellen Arbeit an, wie etwa Genre-Malerei, Genre-Drucke, Genre-Fotografien und so weiter.

Eine Genre-Kunst ist ein Genre der bildenden Kunst, das sich dem alltäglichen, privaten und öffentlichen Leben widmet, normalerweise einem modernen Künstler. Die Genre-Kunst umfasst alltägliche (Genre) Malerei, Grafik und Skulptur, meist von geringer Größe. Die Genrekunst, die seit der Antike bekannt ist, hat sich erst in der Feudalzeit in einem eigenständigen Genre der Kunst durchgesetzt. Das Aufblühen des Genres der Moderne ist verbunden mit dem Anwachsen demokratischer und realistischer künstlerischer Tendenzen, mit dem Aufruf der Künstler an das Leben und die Arbeitstätigkeit des Volkes, mit der Formulierung wichtiger gesellschaftlicher Fragen in der Kunst.

Ein Genre Kunstwerke gehören: Skulpturen, Gemälde, Grafiken, die die Arbeit des täglichen Lebens, in der Regel die unteren sozialen Schichten, Bräuche, Feiertage. Zahlen werden typisiert, anonym übertragen. Das Haushaltsgenre kann didaktisch, satirisch, humorvoll, sentimental sein. Die Bilder der Behausungen waren im alten Ägypten, in der Antike (griechische Vasen, römische Reliefs, Mosaike), in der mittelalterlichen Kunst (Skulpturen, Miniaturen). Das Haushaltsgenre begann sich während der Trauerzeit der Renaissance zu entwickeln, wurde im 19. Jahrhundert populär. – XX Jahrhundert pr in der kreativen Arbeit der verschiedenen Bereiche und Gruppen (Realismus, Naturalismus, Impressionismus, Hausärzte). Litauische Kunst erschien im 18. Jahrhundert.

Die normale Bedeutung des Genres, die jede bestimmte Kombination eines künstlerischen Mediums und einer Art von Thema (wie zum Beispiel im Liebesroman) umfasst, wird auch in der bildenden Kunst verwendet. So können Genrewerke, besonders wenn sie sich auf die Malerei des holländischen Goldenen Zeitalters und der flämischen Barockmalerei beziehen – die großen Perioden von Genrearbeiten – auch als Oberbegriff für die Malerei in verschiedenen Spezialkategorien wie Stilleben, Meeresmalerei verwendet werden , Architekturmalerei und Tiermalerei, sowie Genreszenen, in denen der Schwerpunkt auf menschlichen Figuren liegt. Die Malerei gliederte sich in eine Hierarchie von Gattungen, wobei die Geschichtsmalerei an der Spitze die schwierigste und daher prestigeträchtigste war, und die Stillleben- und Architekturmalerei an der Spitze. Geschichtsmalereien sind jedoch ein Genre in der Malerei, nicht Genrearbeiten.

Das Folgende konzentriert sich auf die Malerei, aber Genre-Motive waren auch in vielen Formen der dekorativen Künste, besonders aus dem Rokoko des frühen 18. Jahrhunderts, äußerst beliebt. Einzelne Figuren oder kleine Gruppen zierten eine Vielzahl von Objekten wie Porzellan, Möbel, Tapeten und Textilien.

Visuelle Kunst:
Der Begriff Gattungskunst wird in der Geschichte und Kritik der bildenden Kunst häufig verwendet, hat aber in der Kunstgeschichte Bedeutungen, die sich eher verwirrend überlagern. Genre-Malerei ist eine Bezeichnung für Gemälde, deren Hauptthema menschliche Figuren sind, denen keine spezifische Identität anhaftet – mit anderen Worten, Figuren sind keine Porträts, Charaktere aus einer Geschichte oder allegorische Personifikationen. Diese unterscheiden sich von der Staffage: Nebenfiguren in einem vor allem Landschafts- oder Architekturgemälde. Genre-Malerei kann auch als ein breiterer Begriff für Genre-Malerei und andere spezialisierte Arten von Gemälden wie Stillleben, Landschaften, Meeresbilder und Tierbilder verwendet werden.

Das Konzept der “Hierarchie der Genres” war in der Kunsttheorie, insbesondere zwischen dem 17. und 19. Jahrhundert, einflussreich. Am stärksten war es in Frankreich, wo es mit der Académie française assoziiert wurde, die eine zentrale Rolle in der akademischen Kunst spielte. Die Genres in hierarchischer Reihenfolge sind:

Historienmalerei, einschließlich narrativer religiöser mythologischer und allegorischer Themen
Porträtgemälde
Genre-Malerei oder Szenen des täglichen Lebens
Landschaft (Landschaftsmaler waren die “üblichen Fußsoldaten in der Armee der Kunst” nach dem niederländischen Theoretiker Samuel van Hoogstraten) und Stadtbild
Tiermalerei
Stillleben

Ursprünge
Das Genre des Alltags entstand in der europäischen Antike. Aber lange vor dem antiken Griechenland wurden Szenen des täglichen Lebens in Afrika und im alten Ägypten reproduziert. Wandmalereien in den Bestattungsräumen des Pharaos haben oft Bilder von alltäglichen Szenen, die nach religiösen Szenen einen zusätzlichen, untergeordneten Platz einnehmen. Schon in der Kunst des Alten Ägypten finden sich Alltagsszenen in der Malerei, Skulptur und sogar auf den Fragmenten von Keramikgefäßen, deren Oberfläche die altägyptischen Künstler zu Skizzen verwendeten.

Altgriechisch
Werkstätten von Genreszenen wurden von den Künstlern des antiken Griechenlands in den Vasen geschaffen. Das Genre wurde auch im damaligen Gemälde entwickelt, aber bis jetzt haben unsere Stichproben es erreicht. Die breite Verwendung von Vasenmalerei reflektiert teilweise die alltäglichen Szenen, die in der Malerei angetroffen wurden, und schuf seine eigenen Proben (Meister Euphronius, Pelikan “Schau, schluck!”, Hermitage, Meister Ekseky, “Dionysus auf einem Piratenschiff”, Meister Evfimid) “Die Kampagne der Kriegerversammlung”, München). Die Beobachtung des Alltags von Zeitgenossen und Mut in der Reproduktion alltäglicher Szenen führte zu der außergewöhnlichen Vielfalt der von den Vas-Malern geschaffenen Szenen – vom inspirierten Singen des Schauspielers in der Rolle des Apollo bis zu den erotischen Szenen und den unangenehmen Folgen der Trunkenheit auf der letzten Party (Master Brig, Kilix, Würzburg, Universitätsmuseum).

China
Das Genre ist auch in der Kunst der Länder des Ostens bekannt. Die ersten Alltagsskizzen tauchen in der chinesischen Malerei aus dem 4. Jahrhundert auf. n. e., obwohl sie einen lehrreichen, didaktischen Charakter innerhalb der religiösen und philosophischen Ideen hatten. In der Zeit von Tang (VII-X Jahrhundert n. Chr.) Wurden Schulen der chinesischen Genre-Malerei gebildet. Es sind auch Künstler des Genres bekannt (Yan Li-Ban, Han Huang, Zhou Fan), obwohl in ihren Werken Genreszenen des kaiserlichen Hofes vorherrschten. Die chinesischen Genremaler (Li Tan, Su Han-chen) schaffen in der Song-Zeit (X-XIII. Jahrhundert n. Chr.) Szenen des Volkslebens in Gemälden, die für ihre humorvolle Färbung oder respektvolle Haltung interessant sind. Ungefähr dasselbe war die Entwicklung des Genres der heimischen Malerei in Japan und Korea, dessen Kunst einen wesentlichen Einfluss auf Chinas Malerei und seine Muster hatte.

Mittlerer Osten
Das Alltagsgenre war auch in der Kunst der arabischsprachigen Länder des Mittelalters weit verbreitet, die auf eine starke lokale Kultur der Völker angewiesen waren. Es handelte sich zunächst um Ägypten, Indien und Persien (Iran). Die Meister dieser Länder beschlossen, das muslimische Verbot der Schaffung figurativer Bilder teilweise zu ignorieren.

Indien
Einige der mittelalterlichen Handschriften dieser Zeit waren mit Miniaturen verziert, deren künstlerischer Wert hoch war. Die indische, persische mittelalterliche Miniatur war auch kühn in der Wiedergabe sowohl religiöser mythologischer als auch alltäglicher Szenen (Miniaturen für Shahnameh, Iskander und den chinesischen Kaiser, die Hochzeit der Söhne von Faridun mit den Töchtern von Emen, Miniaturen für Avicenna – Abhandlungen, Miniaturen für die Manuskript von Alisher Navoi “Wunder der Kindheit” – der Dichter hört Musiker zusammen mit Freunden, Miniaturen zu Legenden über Baidar mit einem Musiker, eine Miniatur “Wissenschaftler bei einem Vortrag mit Schülern” aus dem Manuskript “Makamat” des 13. Jahrhunderts). Künstler zeichnen nicht nur Szenen des höfischen Lebens, obwohl sie oft gezwungen sind, für die östlichen Tyrannen zu arbeiten.

Im mittelalterlichen Europa:
Das Genres Genre gewann im mittelalterlichen Europa an Macht. Seine Muster finden sich in Miniaturen, Reliefs und einigen Beispielen der Malerei (französische Miniaturen mit Szenen zum Bau von gotischen Kathedralen, Glasmalereien, deutschen Reliefs im Dom von Naumburg, Miniaturen der Brüder Limburg usw.).

Die Entwicklung des Genres Kunst basiert auf der faktischen Authentisierung des Alltags von der inneren Bedeutung der Phänomene des täglichen Lebens und der psychologischen Entdeckung öffentlich-historischer Inhalte. Genres Kunst sind aus alten Zeiten bekannt (Urzeit, Jagd, orientalische Szenen), sondern als eine besondere Gattung der Kunst wurde von der Feudalzeit (Fernost) und während der Bildung der bürgerlichen Gesellschaft (Europa) getrennt.

Im Mittelalter verweben sich oft Genreszenen mit religiösen und allegorischen Kompositionen. Im 7.-13. Jahrhundert entstanden in China Schulen der Genre-Malerei.

Italienische Renaissance:
Mit dem Beginn der Renaissance in Europa, zuerst in Italien (Giotto, Lorentzetti – XIV Jahrhundert), und dann in den Niederlanden (Jan van Eyck, Boote, Gertgen der Sint Jans – XV Jahrhundert.) Und andere europäische Länder, religiöse Szenen in Malerei fing an, helle Genredetails zu sättigen. Im 15. Jahrhundert erschienen Bilder des Arbeitervolkslebens in Miniatur (Limburger Brüder in Frankreich), Gravur (Schongauer in Deutschland), säkulare Gemälde (Cossa in Italien). In der italienischen Malerei des 16. Jahrhunderts begann sich das Alltagsgenre allmählich von religiösen Gattungen zu trennen (Venezianer – Carracci, Giorgione, Bassano).

In Italien wurde eine “Schule” der Genremalerei durch die Ankunft des niederländischen Malers Pieter van Laer im Jahre 1625 in Rom angeregt. Er erhielt den Spitznamen “Il Bamboccio” und seine Anhänger wurden die Bamboccianti genannt, deren Werke Giacomo Ceruti inspirieren würden. Antonio Cifrondi und Giuseppe Maria Crespi unter vielen anderen.

Fünf Jahrhunderte der berühmten Entwicklung von Kultur und Kunst in Italien bis zum XVII. Jahrhundert führten zu einer steifen Hierarchie von Genres. Das höchste Niveau wurde von biblischen und mythologischen Bildern, dem niedrigsten und renommiertesten – Landschafts- und Alltagsgenre besetzt. Die Italiener betrachteten immer noch ihre Bilder der Utrechter Caravagisten mit Szenen von kleinen Banketten mit Musikern und kauften sie (Gerrit van Hoonthorst, “Gespräch mit dem Sänger”, die Uffizien, Florenz, “Das Konzert”, die Galerie Borghese, Rom) , während andere unangenehme Überraschung und Ablehnung verursachen. Auch im modernen Betrachter die Plots der Meister des niederländischen Genres des XVII. Jahrhunderts. kann Langeweile und ein Lächeln und Überraschung und Gelächter verursachen.

XVII Jahrhundert:
Niederländisches goldenes Zeitalter:
Die Niederlande dominierten das Gebiet bis ins 18. Jahrhundert, und im 17. Jahrhundert brachten sowohl die flämische Barockmalerei als auch die niederländische Malerei des Goldenen Zeitalters zahlreiche Spezialisten hervor, die meist Genreszenen malten. Im vorigen Jahrhundert malte der flämische Renaissance-Maler Jan Sanders van Hemessen innovative großformatige Genreszenen, die in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts manchmal ein moralisches Thema oder eine religiöse Szene im Hintergrund einschlossen. Diese waren Teil eines Musters der “manieristischen Umkehrung” in der Antwerpener Malerei, die “niedrigen” Elementen zuvor im dekorativen Hintergrund der Bilder prominente Betonung gaben. Joachim Patinir erweiterte seine Landschaften, machte die Figuren zu einem kleinen Element, und Pieter Aertsen malte Arbeiten, die von Brotaufstrichen von Stillleben und Genrafiguren von Köchen oder Marktverkäufern geprägt waren, mit kleinen religiösen Szenen in Räumen im Hintergrund. Pieter Brueghel d. Ä. Machte Bauern und ihre Aktivitäten, die sehr naturalistisch behandelt wurden, Gegenstand vieler seiner Gemälde, und in Brueghels Gefolge sollte in Nordeuropa die Genremalerei gedeihen.

Mehrere Umstände haben dazu beigetragen:
Die Verbreitung des Protestantismus in verschiedenen Richtungen mit der Ablehnung religiöser Gemälde
Schwache Positionen des Katholizismus im Land, der Hauptkunde der religiösen Malerei
Die Reduzierung der Orden für religiöse Gemälde des katholischen Musters trug zur Entwicklung anderer Genres bei (Porträt-, Landschafts- und Genremalerei).

Die holländischen Künstler ließen sich von den niedrigen, monotonen Landschaften des Landes, dem Fehlen der Überreste antiker Gebäude, dem Prestige von Porträts von Seeleuten und Fischerbooten, Bauern und Vieh oder Bildern des schläfrigen Kleinlebens nicht abschrecken Städte, unbewohnte Viertel, ruhige Straßen und Gassen und verstreute Ecken des Hofes. Eine Reihe holländischer Meister wandte sich dem einheimischen Genre zu – von hochbegabten (Frans Huls, Jan Vermeer, Matthias Stom) bis hin zu semiprofessionellen, provinziellen und nicht-professionellen, die nicht in Kunstgilden aufgenommen wurden und denen es verboten wurde, Bilder von ihnen zu verkaufen Eigenproduktion.

Adriaen und Isaac van Ostade, Jan Steen, Adriaan Brouwer, David Teniers, Aelbert Cuyp, Johannes Vermeer und Pieter de Hooch gehörten zu den zahlreichen Malern, die im 17. Jahrhundert in den Niederlanden auf Genrethemen spezialisiert waren. Die im Allgemeinen kleine Skala der Malereien dieser Künstler war für ihre Darstellung in den Häusern der Mittelkäufer angemessen. Oft basiert das Thema eines Genremalerei auf einem populären Emblem aus einem Emblem Buch. Dies kann dem Gemälde eine doppelte Bedeutung geben, wie in Gabriel Metsus The Poultry seller (1662), der einen alten Mann zeigt, der einen Hahn in einer symbolischen Pose anbietet, die auf einem unanständigen Stich von Gillis van Breen (1595-1622) basiert gleiche Szene. Die fröhliche Gesellschaft zeigte auf einer Party eine Gruppe von Figuren, ob sie zuhause Musik machen oder nur in einer Taverne trinken. Andere übliche Arten von Szenen zeigten Märkte oder Messen, Dorffeste (“Kermesse”) oder Soldaten im Lager.

XVIII Jahrhundert:
Frankreich
Französische Aristokraten sammeln ihre Gemälde oft nicht wegen der Liebe zur Kunst, sondern wegen der Mode und des Prestiges. Im Jahr 1768 starb der ehemalige Sekretär von König Louis XV, de Genya, und seine Sammlungen wurden versteigert, wo die Aufregung begann. Denis Diderot schreibt aufgeregt: “Er ist gestorben, diese erstaunliche Person, die so viele schöne Werke in der Literatur gesammelt hat, fast ohne Neigung zum Lesen, so viele Kunstwerke, sie als blind zu verstehen … Es ist unmöglich, eine Minute zu verlieren wenn wir nicht mit einer Schar heimischer oder ausländischer Konkurrenten kollidieren wollen. “Aber es gab echte Kenner der Kunst, mutig auf der Suche und wenig abhängig von der Mode, unter denen sich Pierre Crozet um den schwer kranken Watteau, um Rosalbe Career kümmerte und kaufte ein paar Künstler, die dann die Werke von unmodernen Künstlern brauchten.

Die Einstellung zum heimischen Genre verändert sich allmählich. Und im XVIII Jahrhundert erscheinen als seine Unterstützer unter Künstlern und den ersten bedeutenden Sammlern. Der Gesetzgeber in den Modi und in der Kunst wird Frankreich. Unter den französischen Künstlern, die im häuslichen Genre arbeiten:

Je nach Hochbegabung und Instruktionen des Künstlers wird das Alltagsgenre als falsch-idealisiert und künstlich gereinigt (Francois Boucher), dann etwas phantastisch und poetisch (Antoine Watteau), dann mit einem Hauch von Unterricht, Didaktik, Sentimentalität ( Jean Baptiste Gröze), dann als Szenen aus der Realität (Skizzen von Fragonard). Das Genre der Rokokoelemente (Antoine Watteau, Jacques de Lajoux, Francisco Goya) bringt das Genre des Alltagslebens ein, sie wenden sich verschiedenen Techniken zu (Ölgemälde, Pastelle, Zeichnungen, Porzellan, Gravuren). Es gibt eine Neubewertung von Werken und niederländischen Künstlern des 17. Jahrhunderts. Und auf den Pariser Auktionen entfalten sich echte Kämpfe um das Recht, Bilder von Meistern des heimischen Genres zu besitzen.
Louis Le Nain war ein bedeutender Vertreter der Genremalerei im Frankreich des 17. Jahrhunderts und malte Bauerngruppen zu Hause, wo das 18. Jahrhundert ein gesteigertes Interesse an der Darstellung des Alltagslebens weckte, sei es durch die romantisierten Gemälde von Watteau und Fragonard oder der sorgfältige Realismus von Chardin. Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) und andere malten detaillierte und eher sentimentale Gruppen oder einzelne Porträts von Bauern, die auf die Malerei des 19. Jahrhunderts einflussreich sein sollten.

England
In England vermittelte William Hogarth (1697-1764) Komödien, Sozialkritik und moralische Lektionen durch Leinwände, die Geschichten erzählerischer Details (unterstützt von langen Untertiteln) erzählten, oft in serieller Form, wie in seinem A Rake’s Progress , erstmals 1732-33 gemalt, dann 1735 in Druckschrift graviert und veröffentlicht.

Spanien
Spanien hatte eine Tradition, die älter war als das Buch der guten Liebe der sozialen Beobachtung und des Kommentars, basierend auf der altrömischen Tradition, die von vielen seiner Maler und Illuminatoren praktiziert wurde. Auf dem Höhepunkt des Spanischen Reiches und dem Beginn seines langsamen Niedergangs wurden viele picaresque Genreszenen des Straßenlebens – sowie die Küstenszenen, die als bodegones bekannt sind – von den Künstlern des spanischen goldenen Zeitalters, besonders Velázquez (1599-1660) gemalt ) und Murillo (1617-82). Mehr als ein Jahrhundert später verwendete der spanische Künstler Francisco de Goya (1746-1828) Genreszenen in Malerei und Druckgrafik als Medium für dunkle Kommentare zum menschlichen Zustand. Seine “The Disasters of War”, eine Serie von 82 Genre-Vorfällen aus dem Spanischen Krieg, hat die Genre-Kunst in ungeahnte Höhen der Ausdruckskraft gebracht.

Mit dem Niedergang der religiösen und historischen Malerei im 19. Jahrhundert fanden Künstler zunehmend ihren Gegenstand im Leben um sie herum. Realisten wie Gustave Courbet (1819-1877) widerstrebten den Erwartungen, indem sie alltägliche Szenen in riesigen Gemälden darstellten – in dem Maßstab, der traditionell “wichtigen” Motiven vorbehalten war – und damit die Grenze verwischte, die die Genre-Malerei als “kleine” Kategorie definiert hatte. Die Geschichtsmalerei selbst verlagerte sich von der ausschließlichen Darstellung von Ereignissen von großer öffentlicher Bedeutung auf die Darstellung von Genreszenen in historischen Zeiten, sowohl der privaten Momente großer Persönlichkeiten als auch des Alltags gewöhnlicher Menschen. In der französischen Kunst wurde dies als Troubador Stil bekannt. Dieser Trend, der sich bereits 1817 zeigte, als Ingres Heinrich IV. Mit seinen Kindern malte, gipfelte in der Pompierkunst französischer Akademiker wie Jean-Léon Gérôme (1824-1904) und Jean-Louis-Ernest Meissonier (1815-91). In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts nahm das Interesse an Genreszenen, oft in historischen Umfeldern oder mit gezielten sozialen oder moralischen Kommentaren, in Europa stark zu.

William Powell Frith (1819-1909) war vielleicht der berühmteste englische Genremaler der viktorianischen Ära und malte große und extrem gedrängte Szenen; Die Expansion in Größe und Ambition in der Genre-Malerei des 19. Jahrhunderts war ein gemeinsamer Trend. Andere englische Genremaler des 19. Jahrhunderts schließen Augustus Leopold Ei, George Elgar Hicks, William Holman Hunt und John Everett Millais ein. Schottland produzierte zwei einflussreiche Genremaler, David Allan (1744-96) und Sir David Wilkie (1785-1841). Wilkies The Cottar’s Saturday Night (1837) inspirierte ein großes Werk des französischen Malers Gustave Courbet, After Dinner at Ornans (1849). Berühmte russische Realisten wie Pavel Fedotov, Vasily Perov und Ilya Repin produzierten auch Genrebilder.

Deutschland
In Deutschland spezialisierte sich Carl Spitzweg (1808-85) auf leicht humorvolle Genreszenen, und in Italien malte Gerolamo Induno (1825-1890) Szenen des Militärlebens. Anschließend malten die Impressionisten und Künstler des 20. Jahrhunderts wie Pierre Bonnard, Ithak Holtz, Edward Hopper und David Park Szenen des täglichen Lebens. Im Kontext der modernen Kunst wird der Begriff “Genremalerei” jedoch hauptsächlich mit besonders anekdotischer oder sentimentaler Malerei in traditionell realistischer Technik in Verbindung gebracht.

Der erste echte Genremaler in den Vereinigten Staaten war der deutsche Einwanderer John Lewis Krimmel, der von Wilkie und Hogarth lernte und in den Jahren 1812-21 zärtlich humoristische Szenen des Lebens in Philadelphia schuf. Andere bemerkenswerte Genre Maler des 19. Jahrhunderts aus den Vereinigten Staaten gehören George Caleb Bingham, William Sidney Mount und Eastman Johnson. Harry Roseland konzentrierte sich auf Szenen von armen Afroamerikanern im Post-Amerikanischen Bürgerkriegs-Süden, und John Rogers (1829-1904) war ein Bildhauer, dessen kleine Genre-Arbeiten, in Massengips gegossen, in Amerika ungeheuer populär waren. Die Werke des amerikanischen Malers Ernie Barnes (1938-2009) und des Illustrators Norman Rockwell (1894-1978) könnten eine modernere Genre-Malerei veranschaulichen.

Japan
Japanische Ukiyo-e-Drucke sind reich an Darstellungen von Menschen in Freizeit und bei der Arbeit, ebenso wie koreanische Gemälde, insbesondere jene, die im 18. Jahrhundert geschaffen wurden.

XIX Jahrhundert:
Trotz des im 19. Jahrhundert erhaltenen Monopols der Aristokraten für die Kunst wird es unermüdlich demokratisiert. Aber diese Demokratisierung hat einen etwas anderen Charakter als die der Niederländer im 17. Jahrhundert, als sie prosaische, alltägliche und lustige humoristische Situationen anzogen (Jan Sten, Selbstbildnis mit seiner Frau unter Hop, Karel Fabricius, Sleeping Guard). In der Kunst des XIX Jahrhunderts. Herausgekommen sind ausgewachsene Helden, verstoßene, kranke, verlassene Bettler, Krüppel, Sklaven, Gefangene oder Kriegsgefangene, Menschen des sozialen Grundes. Sie ignorierten sie für Jahrhunderte, sie bemerkten keine Kunst. Gefangene und Sklaven kamen in der Kunst des Barock zurück, aber sie werden dort als ein dekoratives Detail des Lebens des Monarchen behandelt, ein Zeichen seiner Siege, militärischen Ruhmes, der Fähigkeit zu erobern.

In den Gemälden von Meistern des XIX Jahrhunderts. die Enteigneten und die Sklaven verloren ihre Zierlichkeit, sie leiden ehrlich, ohne ihre Verwirrung, ihren Schmerz und ihre Sehnsucht zu verbergen. Nichts Dekoratives, Poesie im Leben holländischer Weber, europäischer und amerikanischer Fischer, armer Stadtbewohner Japans, im Leben der Bauern aus den Ecken Frankreichs, Russlands oder Norditaliens des 19. Jahrhunderts. Ungelöste soziale Probleme explodieren durch einen Aufstand, dann durch einen nationalen Befreiungskrieg, durch eine Revolution. Eine Welle der Abschaffung von Sklaverei und Leibeigenschaft fegte die Welt – ohne jedoch die Notlage von Millionen von Menschen wesentlich zu verbessern.

Im XIX Jahrhundert. Das Alltagsgenre erfährt in anderen Ländern eine weitere Blüte, in der die Szenen des täglichen Lebens bereits in einer höchst realistischen, extrem wahrheitsgetreuen Art und Weise mit mehr oder weniger ideologischen Einstellungen dargestellt werden. Unter den Künstlern – Anhänger des heimischen Genres:

Ein besonderer Ort in der Kunst des XIX Jahrhunderts. und die Werke des Franzosen Francois Millet, des Italieners Giovanni Segantini, des Holländers Vincent van Gogh, des Winslow Homer (USA) nahmen das Genre art. Und ohne vage Andeutungen und dunkle Symbole werden die Bilder dieser Meister zu einem Symbol für die erschöpfende Existenz der Volksvertreter, für das harte Landleben überhaupt, dessen wahre Reproduktion von der Kunst des ganzen 19. Jahrhunderts kaum gewagt wurde wegen der dominierenden Positionen des Akademismus, Salonkunst, wegen der festen offiziellen Unterstützung der oberflächlichen bürgerlichen Kunst.

XX Jahrhundert:
Die erhebliche Verschärfung sozialer Probleme und Widersprüche in allen Lebensbereichen des 20. Jahrhunderts, Kriege, Revolutionen, soziale Abkopplung, nationale Befreiungsbewegungen, industrielle und wissenschaftliche Revolutionen, die explosive Entwicklung der Technologie, Urbanisierung – all dies hat das Leben von Millionen entscheidend verändert von Leuten, verlieh ihr Impulsivität, Instabilität. Extrem erhöhter Mangel an Spiritualität, Verwirrung der Menschen vor den momentanen Veränderungen, die Gefahr politischer Regime, die Entmenschlichung der Wissenschaft, die Unsicherheit ihrer eigenen Zukunft. Er reagierte auf diese Veränderungen und auf das alltägliche Genre, dessen Künstler es unternahmen, alle Winkel des persönlichen und sozialen Lebens, seine Mängel, die Leiden eines gewöhnlichen Menschen aus der Menge, ihre Einsamkeit, Hoffnungen, Widerstände, ihre Bereitschaft zu analysieren und zu erforschen kämpfen für den Schutz von sich selbst und Kindern.

Typen:
Genre-Malerei:
Genre-Malerei, auch Genre-Szene oder Petit-Genre genannt, stellt Aspekte des Alltagslebens dar, indem gewöhnliche Menschen mit gemeinsamen Aktivitäten porträtiert werden. Eine gängige Definition einer Genreszene ist, dass sie Figuren zeigt, denen weder individuell noch kollektiv eine Identität zugeordnet werden kann – und damit Petit-Genre von Historien-Gemälden (auch Grand-Genre genannt) und Porträts unterscheidet. Ein Werk würde oft als Genrearbeit angesehen, selbst wenn man nachweisen könnte, dass der Künstler eine bekannte Person – etwa ein Mitglied seiner Familie – als Modell benutzt hat. In diesem Fall würde es darauf ankommen, ob die Arbeit von der Künstlerin als Porträt gedacht war – manchmal eine subjektive Frage. Die Darstellungen können vom Künstler realistisch, imaginär oder romantisiert werden. Wegen ihrer vertrauten und oft sentimentalen Thematik haben sich Genrebilder bei der Bourgeoisie oder dem Mittelstand oft als beliebt erwiesen. Genre-Themen erscheinen in fast allen Kunsttraditionen. Gemalte Dekorationen in altägyptischen Gräbern zeigen oft Bankette, Erholung und landwirtschaftliche Szenen, und Peiray der Ältere wird von Plinius dem Älteren als hellenistischer Tafelmaler von “niedrigen” Themen erwähnt, wie in Mosaiken und provinziellen Wandmalereien in Pompeji überleben: Barbierläden, Schusterstände, Eseln, Esswaren und ähnliche Gegenstände “. Mittelalterliche illuminierte Manuskripte illustrieren häufig Szenen des täglichen bäuerlichen Lebens, besonders in den Arbeiten der Monate im Kalenderabschnitt der Stundenbücher, berühmtesten Les Tres Riches Heures du Duc de Berry.

Genrefotografie:
Während die Genremalerei im 17. Jahrhundert mit Darstellungen europäischer Europäer begann, fiel die Erfindung und frühe Entwicklung der Fotografie mit der expansivsten und aggressivsten Ära des europäischen Imperialismus in der Mitte des späten 19. Jahrhunderts zusammen Fotografien, die typischerweise in der Nähe von militärischen, wissenschaftlichen und kommerziellen Expeditionen gemacht werden, zeigen oft auch die Menschen anderer Kulturen, die die Europäer in der ganzen Welt gesehen haben.

Obwohl die Unterscheidungen nicht klar sind, sollten Genrearbeiten von ethnographischen Studien unterschieden werden, die bildliche Darstellungen sind, die sich aus der direkten Beobachtung und dem deskriptiven Studium der Kultur und Lebensweise bestimmter Gesellschaften ergeben und die eine Klasse von Produkten solcher Disziplinen wie Anthropologie bilden und die Verhaltenswissenschaften.

Die Entwicklung der fotografischen Technologie, um Kameras tragbar und Aufnahmen sofort zu machen, ermöglichte es Fotografen, sich jenseits des Ateliers anderen Kunstformen in der Darstellung des Alltags zu nähern. Diese Kategorie wurde als Straßenfotografie bekannt.