Adriana Varejão wählte das Gebiet der Malerei, um ihre Arbeit zu entwickeln. Seine Produktion umfasst Fotografie, Skulptur und Installation, vor allem aber die Malerei im klassischsten Sinne des Wortes durch die Verwendung der dafür charakteristischen Materialien und Techniken, die historisch gesehen sowohl die edelste als auch die am meisten geschätzte Sprache der Welt ist bildende Kunst. In den hier versammelten Werken ist es möglich, die Vielfalt der Interessen in seiner Arbeit und die Vielfalt der Quellen seiner Forschung zu verfolgen – Abstraktion, Ruine, Denkmal, Monochromatismus, Gewalt; Geschichte, Naturwissenschaften, Architektur.

Die Route beginnt mit Panacea phantastica (2003-2007), einer Reihe von Kacheln, die 50 Arten halluzinogener Pflanzen aus verschiedenen Teilen der Welt darstellen. Konzipiert als ein Vielfaches, das sich an jede Architektur anpassen kann, ist die Arbeit hier zu einer Bank am Eingang des Pavillons geworden, einem Raum für Kontemplation und Geselligkeit. Auf einer der Kacheln schlägt ein Text die Beziehung zwischen den halluzinogenen Wirkungen von Pflanzen und Wahrnehmungsänderungen vor, die auch durch Kunst verursacht werden können. Die Kachel, eines der wiederkehrenden Motive von Varejãos Werk, erscheint wieder in Linda do Rosário (2004) und in O colecionador (2008).

Das eine der wichtigsten Werke der Charques-Reihe. In diesen Skulpturen ist Architektur mit dem Körper verbunden und das Baumaterial wird Fleisch. Die Arbeit wurde durch den Einsturz des Hotels Linda do Rosário in der Innenstadt von Rio de Janeiro im Jahr 2002 inspiriert, dessen geflieste Wände auf ein Paar in einem der Räume des Gebäudes fielen. Der Sammler wiederum ist das größte Gemälde der Saunas-Reihe und verwendet eine fast monochrome Palette, um ein idealisiertes inneres Labyrinth zu schaffen. Mit seinem Spiel von Licht und Schatten evoziert das Gemälde Räume der Freude und Sinnlichkeit und spiegelt die Architektur des Pavillons wider, was eine virtuelle Kontinuität des Raums suggeriert.

Biografie
Adriana Varejão (Rio de Janeiro, Brasilien) ist eine brasilianische zeitgenössische Künstlerin. Im Jahr 2008 wurde im Inhotim Centro de Arte Contemporânea in Brumadinho, Minas Gerais, ein ständiger Pavillon eingeweiht, der der Arbeit von Varejão gewidmet ist.

Adriana Varejão erhielt den Mario Pedrosa Award (zeitgenössische Sprachkünstlerin) von der brasilianischen Vereinigung der Kunstkritiker (ABCA) und den Grand Critics Award der São Paulo Association of Art Critics (APCA) für die Ausstellung „Histories on the margin“. , 2012/13 bei MAM SP, MAM Rio und MALBA.

Sie nahm an mehreren nationalen und internationalen Ausstellungen teil, darunter an der Biennale von São Paulo, der Tate Modern in London und dem MoMa in New York. Sie arbeitet viel mit Fliesen und gehört zu den erfolgreichsten der Welt.

Varejão wurde in Rio de Janeiro geboren und verbrachte einen Teil ihrer Kindheit in Brasília. 1981 trat sie in den Ingenieurkurs an der Päpstlichen Katholischen Universität von Rio de Janeiro ein und gab ihn im folgenden Jahr auf. Ab 1983 studierte sie in den kostenlosen Kursen an der Schule für Bildende Kunst des Parque Lage in Rio de Janeiro und mietete mit anderen Studenten ein Studio im Stadtteil Horto. 1985 reist er nach New York und hat Kontakt mit dem Gemälde des Deutschen Anselm Kiefer und des Amerikaners Philip Guston. 1986 erhielt er den von der National Arts Foundation geförderten Akquisitionspreis für den 9. Nationalen Salon für Plastische Kunst.

Sie hielt seine erste Einzelausstellung 1989 im U-ABC, Stedelijk Museum, Amsterdam, Niederlande; Calouste Gulbenkian Foundation, Lissabon, Portugal.

Durch die Neuinterpretation visueller Elemente, die durch Kolonialisierung in die brasilianische Kultur einbezogen wurden, wie das Malen portugiesischer Fliesen oder die Bezugnahme auf die Rohheit und Aggressivität des Materials in Arbeiten mit „Fleisch“, diskutiert der Künstler paradoxe Beziehungen zwischen Sinnlichkeit und Schmerz (Fetische) ), Gewalt und Überschwang. Ihre jüngsten Arbeiten enthalten Referenzen, die sich auf Architektur konzentrieren und von Räumen wie Metzgern, Tavernen, Saunen, Schwimmbädern usw. inspiriert sind, und behandeln traditionelle Malprobleme wie Farbe, Textur und Perspektive.

Einflüsse
Hinweise auf die Auswirkungen des Kolonialismus Brasiliens durch Europa werden in ihrer Arbeit sowie in der Kunstgeschichte und Illusion deutlich. Ihre Arbeit spielt auf die Erweiterung und Transformation der kulturellen Identität an, verwendet jedoch weiterhin ihr Thema des Verstehens der Vergangenheit, um die Gegenwart zu verstehen.

Die Kulturanthropologie oder der Prozess der Aufnahme und Einbeziehung ausländischer Einflüsse in die einheimische brasilianische Kultur inspiriert einen Großteil von Varejãos Arbeit. Diese Bewegung zeigt sich in der gesamten brasilianischen Geschichte bis in die Gegenwart und die Dichotomie von Vielfalt und Einheit ist ein gemeinsames Thema unter zeitgenössischen brasilianischen Künstlern. In Varejãos Werken untersucht sie dieses Thema im Kontext von Rasse, Körper, Identität und den Auswirkungen des Kolonialismus.

Medien
Varejão stützt sich auf Spannungen in Bezug auf Rasse und ethnische Zugehörigkeit in Brasilien und verwendet Installation, Ölgemälde und Zeichnung, um die Wahrnehmung der Rasse in Brasilien im 21. Jahrhundert zu kommentieren. Sie beginnt oft mit einer Leinwand und fügt Materialien wie Porzellan und Keramik hinzu. In ihrer 2014 bei Lehman Maupin ausgestellten Arbeit mit dem Titel „Polvo“ kombiniert Varejão Farbtheorie und Casta (eine Sozialtheorie, die die europäischen Gemälde der Eroberung Brasiliens beeinflusste), um die Norm der Definition von Rasse in Bezug auf Hautfarbe zu untersuchen. Die Serie nahezu identischer Selbstporträts, die den Hauptteil der Arbeit ausmachten, wurde mit individualisierten Titeln gezeigt, die die einzigen Unterschiede der Porträts erklärten: Die Titel wurden durch die brasilianische Volkszählung von 1976 generiert, bei der die Brasilianer zum ersten Mal aufgefordert wurden, ihre Definitionen anzugeben eigener Hautton; Die Antworten reichten von Branquinha, „schneeweiß“, bis zu Morenão, ungefähr „großer schwarzer Typ“.

Funktioniert
Eines der bislang größten Projekte des Künstlers wurde kürzlich im Inhotim Centro de Arte Contemporânea, Brasilien, eröffnet – einem speziell in Auftrag gegebenen Pavillon, der in Zusammenarbeit mit dem Architekten Rodrigeo Cervino Lopez entworfen wurde. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen Sammlungen weltweit, darunter das Solomon R. Guggenheim Museum in New York, die Tate Modern in London und das Museum für zeitgenössische Kunst in San Diego.

Höhepunkte

Fleischfresser, 2008
Öl und Gips auf Leinwand

Celacanto verursacht eine Flutwelle, 2004-2008
Öl und Gips auf Leinwand

Linda do Rosário, 2004
Öl auf Aluminium und Polyurethan

Der Sammler, 2008
Öl auf Leinwand

Panacea phantastica, 2003-2008
Serigraphie auf Fliesen

Passarinhos – von Inhotim bis Demini, 2003-2008
Malen auf Fliesen [Handgemälde von Beatriz Sauer]

Inhotim Institut
Das Instituto Inhotim befindet sich in Brumadinho, 60 Kilometer von Belo Horizonte, der Hauptstadt des Bundesstaates Minas Gerais, und der drittgrößten Metropolregion Brasiliens entfernt. Inhotim verfügt über eine international relevante Kunstsammlung, die sich in einem Umkreis von 140 Hektar um Wälder und botanische Gärten befindet.

Die Einrichtung entstand im Jahr 2004, um die Sammlung von Bernardo Paz, einem Geschäftsmann der Bergbau- und Stahlindustrie, zu beherbergen, der mit der Künstlerin Adriana Varejão aus Rio de Janeiro verheiratet war und vor 20 Jahren begann, über seine wertvolle Sammlung modernistischer Kunst zu verfügen, zu der auch gehörte Werke von Portinari, Guignard und Di Cavalcanti bilden die Sammlung zeitgenössischer Kunst, die sich jetzt in Inhotim befindet. 2014 wurde das Freilichtmuseum von der TripAdvisor-Website zu einem der 25 Museen der Welt gewählt, die von den Nutzern am besten bewertet wurden.

Neben den Galerien für Einzelpräsentationen von Künstlern und den permanenten Arbeiten im Freien beherbergen die Galerien Fonte, Lago, Mata, Praça und Galpão temporäre Ausstellungen aus der wachsenden Sammlung zeitgenössischer Kunst, die mittlerweile aus mehr als 700 Werken von 200 Künstlern aus verschiedenen Ländern besteht auf der ganzen Welt. Durch die Zusammenarbeit mit Künstlern bei der Beauftragung neuer Werke und der Anpassung bestehender an neue Räume haben sich Inhotims künstlerische Projekte mit Landschaft und Natur befasst und eine beeindruckende Gruppierung großformatiger Werke angehäuft. Inhotim ist aus einem privaten Garten hervorgegangen und hat eine intensive Arbeit entwickelt, die auf die Erhaltung und Entwicklung der Vegetation und der botanischen Forschung abzielt und neue Wege zur Erhaltung der biologischen Vielfalt der umliegenden Region und Brasiliens verfolgt.

Neben seiner kulturellen Rolle eine Aktivität, die das Institut als zivilgesellschaftliche Organisation von öffentlichem Interesse (OSCIP) qualifiziert hat. 2010 erhielt die Institution von der Comissão Nacional de Jardins Botânicos den offiziellen Titel Botanischer Garten. Die üppige botanische Sammlung wird in den Gärten der Einrichtung gezeigt und enthält etwa 5.000 Pflanzenarten, von denen viele vom Aussterben bedroht sind.