Выставка «Кандинский: все начинается в одной точке», представляет историю и творческую вселенную Василия Кандинского (1866-1944). Выставка объединяет более ста работ и предметов художника, его современников и его влияний. Это картины, фотографии, книги и письма русских и современных художников. На выставке представлены работы, входящие в коллекцию музеев, таких как Российский государственный музей в Санкт-Петербурге, а также работы из Германии, Австрии, Англии и Франции.

Разнообразная коллекция основана на коллекции Российского государственного музея в Санкт-Петербурге, обогащенной работами еще семи российских музеев и коллекциями из Германии, Австрии, Англии и Франции. Выставка представляет собой настоящее погружение в корни творческой вселенной того, что считается одним из предшественников абстракционизма.

Выставка знакомит посетителей не только с основными работами Кандинского, но и с его влиянием и отношениями с другими художниками; Все это организовано в пять блоков: «Кандинский и корни его творчества в отношении массовой культуры и русского фольклора», «Кандинский и духовная вселенная шаманизма на севере России», «Кандинский в Германии и опыт в группе Der Blaue Reiter, жизнь в Мурнау »,« Диалог между музыкой и живописью: дружба между Кандинским и Шонбергом »и« Пути, открытые абстракцией: Кандинский и его современники ».

Эта выставка представляет пролог к ​​этой обогащенной истории, которая является современным и современным искусством. Способ, которым был создан переход к абстракции, ресурсы, из которых формация больше не является единственным возможным способом представить наиболее жизненные состояния человека, и, наконец, новый путь открылся после этого разрыва.

Помимо представления произведений русского художника «Кандинский — все начинается с одной точки», он дает публике возможность познакомиться со ссылками на его работы, такими как отношения между искусством и духовностью, популярная культура в Северной Сибири, русский фольклор , музыкальные и шаманские ритуалы.

На выставке представлены картины всех этапов работы художника, иллюстрации из народных сказок, религиозные символы, серии пейзажей, одежда и барабаны, используемые в шаманских ритуалах, коллекции керамических предметов и литографий. Помимо Кандинского, в шоу представлены картины современных художников, таких как бывшая жена Габриэле Мюнтер, Алексей фон Явленский, Михаил Ларионов, Павел Филонов, Николай Кульбин и Аристарх Лентулов.

Представленные экспонаты разделены на три пространства, одно интерактивное. Используя специальные очки, публика может проверить одно из произведений художника, разбиваясь по движениям посетителя и издавая звуки. Также можно услышать описание цветов и их характеристик.

биография
Василий Васильевич Кандинский (16 декабря 1866 — 13 декабря 1944) был русским художником и теоретиком искусства. Кандинского обычно считают пионером абстрактного искусства. Родившись в Москве, Кандинский провел детство в Одессе (сегодня Украина), где окончил Одесское художественное училище им. Грекова. Поступил в Московский университет, изучал право и экономику. Успешный в своей профессии — ему предложили профессора (кафедра римского права) в университете Дерпта (сегодня Тарту, Эстония) — Кандинский начал изучать живопись (рисование, черчение и анатомию) в возрасте 30 лет.

В 1896 году Кандинский поселился в Мюнхене, учась сначала в частной школе Антона Ажбе, а затем в Академии художеств. Он вернулся в Москву в 1914 году, после начала Первой мировой войны. После русской революции Кандинский «стал инсайдером в управлении культуры Анатолия Луначарского» и помог создать Музей культуры живописи. Однако к тому времени «его духовное мировоззрение … было чуждо аргументированному материализму советского общества», и в Германии появились возможности, к которым он вернулся в 1920 году. Там он преподавал в Баухаусской школе искусства и архитектуры с 1922 года до Нацисты закрыли его в 1933 году. Затем он переехал во Францию, где прожил всю оставшуюся жизнь, став гражданином Франции в 1939 году и создав часть своего самого выдающегося искусства. Он умер в Нейи-сюр-Сен в 1944 году.

Концепция искусства
Написав, что «музыка — главный учитель», Кандинский приступил к первым семи из десяти своих сочинений. Первые три выживают только на черно-белых фотографиях, сделанных товарищем художником и другом Габриэлем Мюнтером. В то время как исследования, эскизы и импровизации существуют (особенно Композиция II), нацистский набег на Баухауз в 1930-х годах привел к конфискации первых трех Композиций Кандинского. Они были выставлены на финансируемой государством выставке «Вырожденное искусство», а затем уничтожены (наряду с работами Пола Клее, Франца Марка и других современных художников).

Увлеченный христианской эсхатологией и восприятием наступающей Новой Эры, общей темой среди первых семи Композиций Кандинского является апокалипсис (конец света, каким мы его знаем). Описывая «художника как пророка» в своей книге «О духовном в искусстве», Кандинский создал картины в годы, непосредственно предшествовавшие Первой мировой войне, демонстрируя грядущий катаклизм, который изменит индивидуальную и социальную реальность. Имея искреннюю веру в православное христианство, Кандинский опирался на библейские истории о Ноевом Ковчеге, Ионе и ките, воскресении Христа, четырех всадниках Апокалипсиса в книге Откровения, русских народных сказках и общих мифологических переживаниях смерти и возрождения. Никогда не пытаясь представить какую-либо одну из этих историй как повествование, он использовал их завуалированные образы как символы архетипов смерти — возрождения и разрушения — творения, которые он чувствовал неизбежными в мире до Первой мировой войны.

Как он заявил в «Относительно духовного в искусстве» (см. Ниже), Кандинский чувствовал, что подлинный художник, создающий искусство по «внутренней необходимости», обитает на вершине движущейся вверх пирамиды. Эта прогрессирующая пирамида проникает и идет в будущее. То, что вчера было странным или непостижимым, сегодня стало обычным явлением; то, что сегодня является авангардом (и понимаемым лишь немногими), является общеизвестным завтра Современный художник-пророк стоит один на вершине пирамиды, делая новые открытия и вступая в завтрашнюю реальность. Кандинский знал о последних научных разработках и достижениях современных художников, которые внесли свой вклад в радикально новые способы видения и восприятия мира.

Композиция IV и более поздние картины прежде всего связаны с тем, чтобы вызвать духовный резонанс у зрителя и художника. Как и в своей картине «Апокалипсис водой» (Композиция VI), Кандинский ставит зрителя в ситуацию переживания этих эпических мифов, переводя их в современные термины (с чувством отчаяния, суматохи, срочности и растерянности). Это духовное общение зрителя-живописца-художника / пророка может быть описано в рамках слов и образов.

Художественный и духовный теоретик
Как показывают эссе Альманаха Der Blaue Reiter и теоретизирование с композитором Арнольдом Шенбергом, Кандинский также выразил общение между художником и зрителем как доступное как для чувств, так и для ума (синестезия). Слыша тоны и аккорды, когда он писал, Кандинский предположил, что (например) желтый — это цвет середины C на медной трубе; черный — это цвет замыкания и конца вещей; и что комбинации цветов производят вибрационные частоты, похожие на аккорды, играемые на фортепиано. В 1871 году молодой Кандинский научился играть на фортепиано и виолончели.

Кандинский также разработал теорию геометрических фигур и их отношений, утверждая, например, что круг является наиболее мирной формой и представляет человеческую душу. Эти теории объясняются в «Точка и линия к плоскости» (см. Ниже).

Легендарный сценический дизайн Кандинского для спектакля «Картинки с выставки» Мусоргского иллюстрирует его синестетическую концепцию универсального соответствия форм, цветов и музыкальных звуков. В 1928 году в театре Дессау Василий Кандинский реализовал сценическую постановку «Картинки с выставки». В 2015 году оригинальные дизайны элементов сцены были анимированы с использованием современных технологий видео и синхронизированы с музыкой в ​​соответствии с подготовительными записками Кандинского и сценарием режиссера Феликса Клее.

Во время занятий, которые Кандинский проводил при подготовке к Композиции IV, он истощился, работая над картиной, и пошел гулять. Пока его не было, Габриэле Мюнтер прибиралась в своей мастерской и непреднамеренно переворачивала холст на бок. Вернувшись и увидев холст (но еще не узнав его), Кандинский упал на колени и заплакал, сказав, что это самая красивая картина, которую он когда-либо видел. Он был освобожден от привязанности к объекту. Когда он впервые посмотрел стога сена Моне, этот опыт изменил бы его жизнь.

В другом эпизоде ​​с Мюнтером в годы баварского абстрактного экспрессионизма Кандинский работал над своей Композицией VI. После почти шести месяцев обучения и подготовки он намеревался одновременно вызвать наводнение, крещение, разрушение и возрождение. Обрисовав в общих чертах работу над деревянной панелью размером с фреску, он заблокировался и не мог продолжать. Мюнтер сказал ему, что он оказался в ловушке своего интеллекта и не достиг истинного предмета картины. Она предложила ему просто повторить слово uberflut («потоп» или «потоп») и сосредоточиться на его звучании, а не на его значении. Повторяя это слово как мантру, Кандинский написал и завершил монументальную работу за три дня.

Теоретические сочинения по искусству
Анализ Кандинского форм и цветов происходит не из простых, произвольных идейных ассоциаций, а из внутреннего опыта художника. Он провел годы, создавая абстрактные, чувственно насыщенные картины, работая с формой и цветом, неустанно наблюдая за своими картинами и картинами других художников, отмечая их влияние на его чувство цвета. Этот субъективный опыт — это то, что каждый может сделать — не научные, объективные наблюдения, а внутренние, субъективные, то, что французский философ Мишель Анри называет «абсолютной субъективностью» или «абсолютной феноменологической жизнью».

По поводу духовного в искусстве
Опубликованный в 1911 году в Мюнхене текст Кандинского «Uber das Geistige in der Kunst» определяет три типа живописи; впечатления, импровизации и композиции. Хотя впечатления основаны на внешней реальности, которая служит отправной точкой, импровизации и композиции изображают образы, возникающие из бессознательного, хотя композиция разрабатывается с более формальной точки зрения. Кандинский сравнивает духовную жизнь человечества с пирамидой — у художника есть миссия привести других к вершине с его работой. Суть пирамиды — это те немногие, великие художники. Это духовная пирамида, медленно продвигающаяся и восходящая, даже если иногда она кажется неподвижной. В течение декадентских периодов душа опускается на дно пирамиды; человечество ищет только внешнего успеха, игнорируя духовные силы.

Цвета на палитре художника вызывают двойной эффект: чисто физическое воздействие на глаз, которое очаровано красотой цветов, подобно радостному впечатлению, когда мы едим лакомство. Однако этот эффект может быть гораздо глубже, вызывая вибрацию души или «внутренний резонанс» — духовный эффект, в котором цвет касается самой души.

«Внутренняя необходимость» является для Кандинского принципом искусства, основой форм и гармонии цветов. Он определяет это как принцип эффективного контакта формы с человеческой душой. Каждая форма является делимитацией поверхности другой; он обладает внутренним содержанием, эффектом, который он производит на того, кто внимательно на него смотрит. Эта внутренняя необходимость является правом художника на неограниченную свободу, но эта свобода становится лицензией, если она не основана на такой необходимости. Искусство рождается из внутренней потребности художника загадочным, мистическим образом, посредством которого оно обретает автономную жизнь; он становится самостоятельным субъектом, вдохновляемым духовным дыханием.

Очевидные свойства, которые мы можем видеть, когда мы смотрим на изолированный цвет и позволяем ему действовать в одиночку, с одной стороны — тепло или холод цветового тона, а с другой — ясность или неясность этого тона. Тепло — это стремление к желтому, а холод — к голубому. желтый и синий образуют первый большой, динамичный контраст. Желтый имеет эксцентричное движение, а синий — концентрическое; желтая поверхность, кажется, приближается к нам, в то время как синяя поверхность, кажется, удаляется. Желтый типично земной цвет, насилие которого может быть болезненным и агрессивным. Синий — небесный цвет, вызывающий глубокое спокойствие. Комбинация синего и желтого дает полную неподвижность и спокойствие, которое является зеленым.

Ясность — это тенденция к белому, а неясность — это тенденция к черному. Белый и черный образуют второй большой контраст, который является статичным. Белый — это глубокая, абсолютная тишина, полная возможностей. Черный — это ничто без возможности, вечное молчание без надежды и соответствует смерти. Любой другой цвет сильно резонирует с соседями. Смешивание белого с черным приводит к серому, который не обладает активной силой и тональность которого близка к тональности зеленого. Грей соответствует неподвижности без надежды; когда становится темно, оно начинает отчаиваться, а когда светлеет, обретает немного надежды.

Красный цвет теплый, живой и взволнованный; это сила, движение само по себе. Смешанный с черным, он становится коричневым, жесткий цвет. Смешанный с желтым, он приобретает тепло и становится оранжевым, что придает окружающему свету движение. Когда красный смешивается с синим, он уходит от человека и становится фиолетовым, а это прохладный красный цвет. Красный и зеленый образуют третий большой контраст, а оранжевый и фиолетовый — четвертый.

Точка и линия к плоскости
В своих работах, опубликованных в Мюнхене Верлагом Альбертом Лангеном в 1926 году, Кандинский проанализировал геометрические элементы, составляющие каждую картину — точку и линию. Он назвал физическую опору и материальную поверхность, на которой художник рисует или рисует базовую плоскость, или БП. Он не анализировал их объективно, но с точки зрения их внутреннего воздействия на наблюдателя.

Точка — это маленький кусочек цвета, нанесенный художником на холсте. Это не геометрическая точка и не математическая абстракция; это расширение, форма и цвет. Эта форма может быть квадратом, треугольником, кругом, звездой или чем-то более сложным. Точка является наиболее сжатой формой, но, в зависимости от ее расположения на базовой плоскости, она будет иметь другую тональность. Он может быть изолирован или резонировать с другими точками или линиями.

Линия — это произведение силы, приложенной в данном направлении: сила, действующая на карандаш или кисть художника. Получаемые линейные формы могут быть нескольких типов: прямая линия, которая является результатом уникальной силы, приложенной в одном направлении; угловая линия, возникающая в результате чередования двух сил в разных направлениях, или изогнутая (или волнообразная) линия, возникающая под действием двух сил, действующих одновременно. Плоскость может быть получена путем конденсации (из линии, повернутой вокруг одного из ее концов). Субъективный эффект, производимый линией, зависит от ее ориентации: горизонтальная линия соответствует земле, на которой человек отдыхает и движется; он обладает темной и холодной аффективной тональностью, похожей на черный или синий. Вертикальная линия соответствует высоте и не оказывает поддержки; обладает светлой, теплой тональностью, близкой к белой и желтой. Диагональ обладает более или менее теплой (или холодной) тональностью в зависимости от ее наклона к горизонтали или вертикали.

Сила, которая развертывает себя без препятствий, как та, которая производит прямую линию, соответствует лиризму; несколько сил, которые противостоят друг другу (или раздражают), образуют драму. Угол, образованный угловой линией, также имеет внутреннюю звучность, которая является теплой и близкой к желтой для острого угла (треугольник), холодной и похожей на синюю для тупого угла (круг) и подобной красной для прямого угла (площадь).

Основная плоскость, как правило, прямоугольная или квадратная. поэтому он состоит из горизонтальных и вертикальных линий, которые разграничивают его и определяют как автономный объект, который поддерживает картину, сообщая ее аффективную тональность. Эта тональность определяется относительной важностью горизонтальных и вертикальных линий: горизонтали придают спокойную, холодную тональность базовой плоскости, а вертикали придают спокойную, теплую тональность. Художник интуитивно понимает внутренний формат и размеры холста, которые он выбирает в соответствии с тональностью, которую он хочет придать своей работе. Кандинский считал основной план живым существом, которое художник «оплодотворяет» и чувствует «дышащим».

Каждая часть базовой плоскости обладает аффективной окраской; это влияет на тональность изобразительных элементов, которые будут нарисованы на нем, и способствует богатству композиции в результате их наложения на холст. Выше базового плана соответствует рыхлости и легкости, а ниже вызывает конденсации и тяжести. Работа художника заключается в том, чтобы слушать и знать эти эффекты, создавая картины, которые являются не просто эффектом случайного процесса, но плодом подлинной работы и результатом усилий, направленных на внутреннюю красоту.

Эта книга содержит множество фотографических примеров и рисунков из работ Кандинского, которые демонстрируют его теоретические наблюдения и позволяют читателю воспроизвести в нем внутреннюю очевидность при условии, что он не спешит, чтобы внимательно посмотреть на эти картины, чтобы он позволил им действуя на собственную чувствительность и позволяя ему вибрировать разумные и духовные струны его души.

Выставка
Цель шоу — дать зрителю понять жизнь и творчество художника, а также отношения с другими художниками и с культурой его времени. Идея состоит в том, чтобы понять контекст, который помог в их формировании, окунуться в мир, который окружал и влиял на Кандинского.

Выбор произведений следовал за биографией художника до его окончательного отъезда из России, в 1922 году, воспоминаниями, статьями и каталогами выставок, организованных при жизни художника, особенно «Голубого рыцаря» и «Издебского зала». Именно к деталям, которые объясняют и дополняют наши знания о Кандинском

Под пониманием творческого гения подразумевается понимание чувствительности, которая ознаменовала историю искусства в 20-м веке. Эта выставка представляет пролог к ​​этой обогащенной истории, которая является современным и современным искусством. Способ, которым был подделан переход к абстракции, ресурсы, из которых конфигурация больше не является единственным возможным способом представления наиболее жизненных состояний человека, и, наконец, новый путь, который был исследован после этого разрыва.

Выставка также изображает Кандинского как поэтического и лирического персонажа и рассматривает моменты открытия по его траектории. В одном из мест публика также может увидеть письма, которыми обмениваются художник и классический композитор Арнольд Шенберг, создатель dodecafonismo — системы музыкальной организации, в которой 12 нот звучат без тонов, следуя по шкале.

Особенности
Духовный характер является одной из самых ярких черт множества из более чем 150 работ, в том числе картин, гравюр и предметов, выставленных на четырех этажах культурного центра.

Прямо у входа на выставку картина Сан-Хорхе (1911), написанная абстрактными штрихами, с изображением рыцаря с копьем, почти неузнаваемым. Присутствие духовных элементов становится постоянным на протяжении всего шоу.

Русский художник, родившийся в 1866 году, находился под влиянием шаманских ритуалов региона и использовал их в качестве темы даже в менее фигуративных композициях. Он не был точно практикующим шаманом, но он использовал символику в своих работах.

Кандинский был уникален в том, чтобы графически выразить такие чувства, как гнев и страдание, через цвет своих картин », — говорит Атайд. Ему удалось абстрактными мазками изобразить субъективность каждого человека.

Маски, ожерелья, ботинки и другие аксессуары северных русских племен, висящие рядом с картинами, служат культурным эталоном того времени. Многие из этих предметов расписаны в некоторых работах. Видео помогают восстановить траекторию Кандинского, начиная с детства в Москве и заканчивая обучением юриста и переездом в Германию, где он преподавал в знаменитом Баухаузе, школе авангардного дизайна.

Друзья Кандинского, такие как русский Казимир Малевич, один из наставников супрематизма, получают место на втором этаже. Триумф Небес демонстрируется (1907). Обнаженные бок о бок, Dois Ovais (1919) и Crepuscular (1917) показывают, насколько важны цвета для художника. На первом рисунке основные цвета представляют собой некий рыболовный ритуал. Во втором, темные тона придают композиции меланхоличный вид.

Такие детали, как фотографии, книги и плакаты, свидетельствуют о дружбе Кандинского с подпольным австрийским композитором Шёнбергом. И, как этого не могло не быть, есть мультимедийная инсталляция, в которой посетитель использует 3D-очки и гарнитуру, чтобы «погрузиться» в одну из самых известных русских работ No Branco (1920), которая заканчивается тур.

Banco do Brasil культурный центр в Рио-де-Жанейро
Centro Cultural Banco do Brazil Рио-де-Жанейро, кратко CCBB Рио-де-Жанейро или CCBB RJ, это культурный центр, расположенный в районном центре, в центральном городе Зона Рио-де-Жанейро. Он является частью сети культурных пространств под названием Banco do Brasil Cultural Centre, управляемый и поддерживаемый Banco do Brasil.

Здание, занимаемое CCBB RJ, расположенное по адресу № 66 в Rua Primeiro de Março, имеет застроенную площадь 19 243 м², из которых 15 046 м² занимают центр. Расположен на Орла Конде, напротив Ларго да Канделария.

Внутри здания расположены следующие помещения: выставочные залы на первом и втором этажах; кинозал на 110 мест на первом этаже; комната на 53 места для показа видео в мезонине; три зала для театральных представлений, одна на первом этаже, на 175 мест, и еще две на втором этаже, одна на 158 мест и одна без фиксированных мест для альтернативных представлений; зрительный зал на 90 мест на четвертом этаже; и библиотека на пятом этаже.

Согласно исследованию, опубликованному The Art Newspaper в апреле 2014 года, CCBB RJ считался 21-м самым посещаемым художественным музеем в мире, и в 2013 году его посетило в общей сложности 2 034 397 человек. Культурный центр в 2015 году считался самой посещаемой постимпрессионистской и современной выставкой в ​​мире.