Kandinsky: tout commence à un moment donné, Centre culturel Banco do Brasil à Rio de Janeiro

L’exposition «Kandinsky: tout commence à un point», présente l’histoire et l’univers créatif de Wassily Kandinsky (1866-1944). L’exposition rassemble plus d’une centaine d’œuvres et d’objets de l’artiste, de ses contemporains et de ses influences. Ce sont des peintures, des photos, des livres et des lettres d’artistes russes et contemporains. Sont exposées des œuvres qui font partie de la collection de musées, comme le Musée d’État russe de Saint-Pétersbourg, et des œuvres d’Allemagne, d’Autriche, d’Angleterre et de France.

La collection diversifiée est basée sur la collection du Musée d’État russe de Saint-Pétersbourg, enrichie d’œuvres de sept autres musées en Russie et de collections d’Allemagne, d’Autriche, d’Angleterre et de France. L’exposition propose une véritable plongée dans les racines de l’univers créatif de ce qui est considéré comme l’un des précurseurs de l’abstractionnisme.

L’exposition invite les visiteurs à découvrir non seulement les œuvres principales de Kandinsky, mais aussi ses influences et la relation avec d’autres artistes; le tout organisé en cinq blocs: «Kandinsky et les racines de son travail en relation avec la culture populaire et le folklore russe», «Kandinsky et l’univers spirituel du chamanisme dans le nord de la Russie», «Kandinsky en Allemagne et les expériences du groupe Der Blaue Reiter, la vie à Murnau « , » Dialogue entre musique et peinture: l’amitié entre Kandinsky et Schonberg « et » Chemins ouverts par l’abstraction: Kandinsky et ses contemporains « .

Cette exposition présente le prologue de cette histoire enrichie qu’est l’art moderne et contemporain. La manière dont s’est forgée la transition vers l’abstraction, les ressources à partir desquelles la figuration n’est plus le seul moyen possible de représenter les états les plus vitaux de l’être humain, et enfin la nouvelle voie ouverte de cette rupture.

Plus que la présentation d’œuvres du peintre russe, «Kandinsky – Tout commence à un moment donné» offre au public l’occasion de connaître les références de son œuvre, telles que la relation entre l’art et la spiritualité, la culture populaire du nord de la Sibérie, le folklore russe , musique et rituels chamaniques.

Dans l’exposition, il y a des peintures de toutes les phases du peintre, des illustrations de contes populaires, des symboles religieux, des séries de paysages, des vêtements et des tambours utilisés dans les rituels chamaniques, des collections d’objets en céramique et des lithographies. En plus de Kandinsky, le spectacle présente des peintures d’artistes contemporains, tels que l’ex-femme Gabriele Münter, Alexej Von Jawlensky, Mikhail Larionov, Pavel Filonov, Nikolai Kulbin et Aristarkh Lentulov.

Les pièces exposées sont divisées en trois espaces, un interactif. À l’aide de lunettes spéciales, le public peut vérifier l’une des œuvres du peintre, se décomposant en fonction des mouvements du visiteur et émettant des sons. Il est également possible d’entendre la description des couleurs et de leurs caractéristiques.

Biographie
Wassily Wassilyevich Kandinsky (16 décembre 1866 – 13 décembre 1944) était un peintre et théoricien de l’art russe. Kandinsky est généralement considéré comme le pionnier de l’art abstrait. Né à Moscou, Kandinsky a passé son enfance à Odessa (aujourd’hui l’Ukraine), où il est diplômé de l’école d’art Grekov Odessa. Il s’est inscrit à l’Université de Moscou, étudiant le droit et l’économie. Succès dans sa profession – on lui a offert un poste de professeur (chaire de droit romain) à l’Université de Dorpat (aujourd’hui Tartu, Estonie) – Kandinsky a commencé des études de peinture (dessin de vie, esquisse et anatomie) à l’âge de 30 ans.

En 1896, Kandinsky s’installe à Munich, étudiant d’abord à l’école privée d’Anton Ažbe puis à l’Académie des Beaux-Arts. Il est retourné à Moscou en 1914, après le déclenchement de la Première Guerre mondiale. Après la Révolution russe, Kandinsky « est devenu un initié dans l’administration culturelle d’Anatoly Lunacharsky » et a aidé à créer le Musée de la culture de la peinture. Cependant, à ce moment-là « sa vision spirituelle … était étrangère au matérialisme argumentatif de la société soviétique », et des opportunités se présentèrent en Allemagne, où il revint en 1920. Là, il enseigna à l’école d’art et d’architecture du Bauhaus de 1922 jusqu’à Les nazis l’ont fermé en 1933. Il a ensuite déménagé en France, où il a vécu pour le reste de sa vie, devenant citoyen français en 1939 et produisant certains de ses arts les plus importants. Il est décédé à Neuilly-sur-Seine en 1944.

Conception d’art
Écrivant que «la musique est l’ultime professeur», Kandinsky se lance dans les sept premières de ses dix compositions. Les trois premiers ne survivent que sur des photographies en noir et blanc prises par une collègue artiste et amie Gabriele Münter. Bien qu’il existe des études, des croquis et des improvisations (en particulier de Composition II), un raid nazi sur le Bauhaus dans les années 1930 a entraîné la confiscation des trois premières compositions de Kandinsky. Ils ont été exposés dans l’exposition parrainée par l’État « Art dégénéré », puis détruits (avec des œuvres de Paul Klee, Franz Marc et d’autres artistes modernes).

Fasciné par l’eschatologie chrétienne et la perception d’un nouvel âge à venir, un thème commun aux sept premières compositions de Kandinsky est l’apocalypse (la fin du monde tel que nous le connaissons). Écrivant « l’artiste en tant que prophète » dans son livre, Concernant le spirituel dans l’art, Kandinsky a créé des peintures dans les années précédant immédiatement la Première Guerre mondiale montrant un cataclysme à venir qui modifierait la réalité individuelle et sociale. Ayant une croyance pieuse dans le christianisme orthodoxe, Kandinsky s’est inspiré des histoires bibliques de l’arche de Noé, de Jonas et de la baleine, de la résurrection du Christ, des quatre cavaliers de l’Apocalypse dans le livre de l’Apocalypse, des contes populaires russes et des expériences mythologiques courantes de la mort et de la renaissance. N’essayant jamais d’imaginer une de ces histoires comme un récit, il a utilisé leur imagerie voilée comme symboles des archétypes de la mort – renaissance et destruction – création qu’il jugeait imminente dans le monde d’avant la Première Guerre mondiale.

Comme il l’a déclaré dans Concerning the Spiritual In Art (voir ci-dessous), Kandinsky a estimé qu’un artiste authentique créant de l’art à partir d’une « nécessité intérieure » habite la pointe d’une pyramide ascendante. Cette pyramide en progression pénètre et avance dans le futur. Ce qui était étrange ou inconcevable hier est monnaie courante aujourd’hui; ce qui est avant-gardiste aujourd’hui (et que seuls quelques-uns comprennent) est la connaissance commune de demain. L’artiste-prophète moderne se tient seul au sommet de la pyramide, faisant de nouvelles découvertes et inaugurant la réalité de demain. Kandinsky était au courant des récents développements scientifiques et des progrès des artistes modernes qui avaient contribué à des façons radicalement nouvelles de voir et de vivre le monde.

Composition IV et les peintures ultérieures visent principalement à évoquer une résonance spirituelle chez le spectateur et l’artiste. Comme dans sa peinture de l’apocalypse par l’eau (Composition VI), Kandinsky place le spectateur dans la situation de vivre ces mythes épiques en les traduisant en termes contemporains (avec un sentiment de désespoir, de rafale, d’urgence et de confusion). Cette communion spirituelle du spectateur-peintre-artiste / prophète peut être décrite dans les limites des mots et des images.

Théoricien artistique et spirituel
Comme l’indiquent les essais et la théorisation de l’Almanach de Der Blaue Reiter avec le compositeur Arnold Schoenberg, Kandinsky a également exprimé la communion entre l’artiste et le spectateur comme étant disponible à la fois pour les sens et l’esprit (synesthésie). Entendant des tons et des accords pendant qu’il peignait, Kandinsky a théorisé que (par exemple), le jaune est la couleur du do moyen sur une trompette cuivrée; le noir est la couleur de la fermeture et de la fin des choses; et que les combinaisons de couleurs produisent des fréquences vibratoires, semblables aux accords joués au piano. En 1871, le jeune Kandinsky apprend à jouer du piano et du violoncelle.

Kandinsky a également développé une théorie des figures géométriques et de leurs relations, affirmant, par exemple, que le cercle est la forme la plus paisible et représente l’âme humaine. Ces théories sont expliquées dans Point and Line to Plane (voir ci-dessous).

La conception scénique légendaire de Kandinsky pour une représentation des « Images lors d’une exposition » de Mussorgsky illustre son concept synesthésique d’une correspondance universelle des formes, des couleurs et des sons musicaux. En 1928 au théâtre de Dessau, Wassily Kandinsky réalise la mise en scène de « Tableaux lors d’une exposition ». En 2015, les conceptions originales des éléments de la scène ont été animées avec une technologie vidéo moderne et synchronisées avec la musique selon les notes préparatoires de Kandinsky et le scénario du réalisateur de Felix Klee.

Pendant les études que Kandinsky a faites en préparation de Composition IV, il s’est épuisé en travaillant sur un tableau et est allé se promener. Pendant son absence, Gabriele Münter rangeait son atelier et tournait par inadvertance sa toile sur le côté. En revenant et en voyant la toile (mais ne la reconnaissant pas encore), Kandinsky tomba à genoux et pleura, disant que c’était la plus belle peinture qu’il ait jamais vue. Il avait été libéré de l’attachement à un objet. Comme quand il a vu pour la première fois les meules de foin de Monet, l’expérience allait changer sa vie.

Dans un autre épisode avec Münter pendant les années expressionnistes abstraites bavaroises, Kandinsky travaillait sur sa Composition VI. Après près de six mois d’études et de préparation, il avait voulu que l’œuvre évoque simultanément un déluge, le baptême, la destruction et la renaissance. Après avoir décrit le travail sur un panneau de bois de la taille d’une murale, il est devenu bloqué et n’a pas pu continuer. Münter lui a dit qu’il était piégé dans son intellect et qu’il n’atteignait pas le vrai sujet de l’image. Elle lui a suggéré de simplement répéter le mot uberflut (« déluge » ou « déluge ») et de se concentrer sur son son plutôt que sur sa signification. Répétant ce mot comme un mantra, Kandinsky a peint et achevé l’œuvre monumentale en trois jours.

Écrits théoriques sur l’art
Les analyses de Kandinsky sur les formes et les couleurs ne résultent pas d’associations d’idées simples et arbitraires, mais de l’expérience intérieure du peintre. Il a passé des années à créer des peintures abstraites et sensoriellement riches, travaillant avec la forme et la couleur, observant inlassablement ses propres peintures et celles d’autres artistes, notant leurs effets sur son sens de la couleur. Cette expérience subjective est quelque chose que n’importe qui peut faire – pas des observations scientifiques et objectives mais des observations intérieures et subjectives, ce que le philosophe français Michel Henry appelle la «subjectivité absolue» ou la «vie phénoménologique absolue».

Concernant le spirituel dans l’art
Publié à Munich en 1911, le texte de Kandinsky, Über das Geistige in der Kunst, définit trois types de peinture; impressions, improvisations et compositions. Alors que les impressions sont basées sur une réalité extérieure qui sert de point de départ, les improvisations et les compositions représentent des images émergentes de l’inconscient, bien que la composition soit développée d’un point de vue plus formel. Kandinsky compare la vie spirituelle de l’humanité à une pyramide – l’artiste a pour mission de conduire les autres au sommet de son œuvre. Le point de la pyramide est ces quelques grands artistes. C’est une pyramide spirituelle qui progresse et monte lentement même si elle apparaît parfois immobile. Pendant les périodes décadentes, l’âme s’enfonce au bas de la pyramide; l’humanité ne recherche que le succès extérieur, ignorant les forces spirituelles.

Les couleurs sur la palette du peintre évoquent un double effet: un effet purement physique sur l’œil qui est charmé par la beauté des couleurs, semblable à l’impression joyeuse quand on mange une délicatesse. Cet effet peut cependant être beaucoup plus profond, provoquant une vibration de l’âme ou une «résonance intérieure» – un effet spirituel dans lequel la couleur touche l’âme elle-même.

La «nécessité intérieure» est, pour Kandinsky, le principe de l’art et le fondement des formes et l’harmonie des couleurs. Il la définit comme le principe d’un contact efficace de la forme avec l’âme humaine. Chaque forme est la délimitation d’une surface par une autre; il possède un contenu intérieur, l’effet qu’il produit sur celui qui le regarde attentivement. Cette nécessité intérieure est le droit de l’artiste à une liberté illimitée, mais cette liberté devient licence si elle n’est pas fondée sur une telle nécessité. L’art est né de la nécessité intérieure de l’artiste d’une manière énigmatique et mystique à travers laquelle il acquiert une vie autonome; il devient un sujet indépendant, animé d’un souffle spirituel.

Les propriétés évidentes que nous pouvons voir lorsque nous regardons une couleur isolée et la laissons agir seule, d’un côté est la chaleur ou la froideur du ton de couleur, et de l’autre côté est la clarté ou l’obscurité de ce ton. La chaleur est une tendance au jaune et la froideur une tendance au bleu; le jaune et le bleu forment le premier grand contraste dynamique. Le jaune a un mouvement excentrique et le bleu un mouvement concentrique; une surface jaune semble se rapprocher de nous, tandis qu’une surface bleue semble s’éloigner. Le jaune est une couleur typiquement terrestre, dont la violence peut être douloureuse et agressive. Le bleu est une couleur céleste, évoquant un calme profond. La combinaison du bleu et du jaune donne une immobilité totale et un calme vert.

La clarté est une tendance vers le blanc et l’obscurité est une tendance vers le noir. Le blanc et le noir forment le deuxième grand contraste, qui est statique. Le blanc est un silence profond et absolu, plein de possibilités. Le noir est le néant sans possibilité, un silence éternel sans espoir, et correspond à la mort. Toute autre couleur résonne fortement sur ses voisins. Le mélange du blanc avec du noir conduit au gris, qui ne possède aucune force active et dont la tonalité est proche de celle du vert. Le gris correspond à l’immobilité sans espoir; elle a tendance à désespérer lorsqu’elle s’assombrit, reprenant peu d’espoir lorsqu’elle s’éclaircit.

Le rouge est une couleur chaude, vive et agitée; c’est énergique, un mouvement en soi. Mélangé au noir, il devient brun, une couleur dure. Mélangé au jaune, il gagne en chaleur et devient orange, ce qui donne un mouvement irradiant à son environnement. Lorsque le rouge est mélangé au bleu, il s’éloigne de l’homme pour devenir violet, qui est un rouge frais. Le rouge et le vert forment le troisième grand contraste, et l’orange et le violet le quatrième.

Point et ligne au plan
Dans ses écrits, publiés à Munich par Verlag Albert Langen en 1926, Kandinsky a analysé les éléments géométriques qui composent chaque peinture – le point et la ligne. Il a appelé le support physique et la surface matérielle sur laquelle l’artiste dessine ou peint le plan de base, ou BP. Il ne les a pas analysés objectivement, mais du point de vue de leur effet intérieur sur l’observateur.

Un point est un petit morceau de couleur mis par l’artiste sur la toile. Ce n’est ni un point géométrique ni une abstraction mathématique; c’est l’extension, la forme et la couleur. Cette forme peut être un carré, un triangle, un cercle, une étoile ou quelque chose de plus complexe. Le point est la forme la plus concise mais, selon son positionnement sur le plan de base, il prendra une tonalité différente. Il peut être isolé ou résonner avec d’autres points ou lignes.

Une ligne est le produit d’une force qui a été appliquée dans une direction donnée: la force exercée sur le crayon ou le pinceau par l’artiste. Les formes linéaires produites peuvent être de plusieurs types: une ligne droite, qui résulte d’une force unique appliquée dans une seule direction; une ligne angulaire, résultant de l’alternance de deux forces dans des directions différentes, ou une ligne courbe (ou ondulatoire), produite par l’effet de deux forces agissant simultanément. Un plan peut être obtenu par condensation (à partir d’une ligne tournée autour d’une de ses extrémités). L’effet subjectif produit par une ligne dépend de son orientation: une ligne horizontale correspond au sol sur lequel l’homme repose et se déplace; il possède une tonalité affective sombre et froide similaire au noir ou au bleu. Une ligne verticale correspond à la hauteur et n’offre aucun support; il possède une tonalité lumineuse et chaude proche du blanc et du jaune. Une diagonale possède une tonalité plus ou moins chaude (ou froide), selon son inclinaison vers l’horizontale ou la verticale.

Une force qui se déploie, sans obstacle, comme celle qui produit une ligne droite correspond au lyrisme; plusieurs forces qui s’affrontent (ou s’énervent) forment un drame. L’angle formé par la ligne angulaire a également une sonorité intérieure qui est chaude et proche du jaune pour un angle aigu (un triangle), froide et similaire au bleu pour un angle obtus (un cercle) et similaire au rouge pour un angle droit (un carré).

Le plan de base est, en général, rectangulaire ou carré. par conséquent, il est composé de lignes horizontales et verticales qui le délimitent et le définissent comme une entité autonome qui soutient la peinture, communiquant sa tonalité affective. Cette tonalité est déterminée par l’importance relative des lignes horizontales et verticales: les horizontales donnent une tonalité calme et froide au plan de base tandis que les verticales donnent une tonalité calme et chaude. L’artiste s’intéresse à l’effet intérieur du format et des dimensions de la toile, qu’il choisit en fonction de la tonalité qu’il souhaite donner à son travail. Kandinsky considérait le plan de base comme un être vivant, que l’artiste «fertilisait» et sent «respirer».

Chaque partie du plan de base possède une coloration affective; cela influence la tonalité des éléments picturaux qui y seront dessinés, et contribue à la richesse de la composition résultant de leur juxtaposition sur la toile. Le dessus du plan de base correspond au relâchement et à la légèreté, tandis que le dessous évoque la condensation et la lourdeur. Le travail du peintre est d’écouter et de connaître ces effets pour produire des tableaux qui ne sont pas seulement l’effet d’un processus aléatoire, mais le fruit d’un travail authentique et le résultat d’un effort vers la beauté intérieure.

Ce livre contient de nombreux exemples photographiques et dessins des travaux de Kandinsky qui offrent la démonstration de ses observations théoriques, et qui permettent au lecteur de reproduire en lui l’évidence intérieure à condition qu’il prenne le temps de regarder ces images avec soin, qu’il les laisse agissant selon sa propre sensibilité et qu’il laisse vibrer les cordes sensibles et spirituelles de son âme.

L’exposition
L’objectif du spectacle est de faire comprendre au spectateur la vie et l’œuvre du peintre ainsi que la relation avec les autres artistes et avec la culture de son temps. L’idée est de comprendre le contexte qui a contribué à leur formation, de plonger dans le monde qui a entouré et influencé Kandinsky.

La sélection des œuvres a suivi la biographie de l’artiste jusqu’à son départ définitif de la Russie, en 1922, les souvenirs, articles et catalogues des expositions organisées au cours de la vie du peintre, notamment « Le Chevalier bleu » et la « Salle Izdebsky ». Dédié précisément aux détails qui expliquent et complètent nos connaissances sur Kandinsky

Comprendre le génie créateur implique de comprendre la sensibilité qui a marqué l’histoire de l’art au XXe siècle. Cette exposition présente le prologue de cette histoire enrichie qu’est l’art moderne et contemporain. La manière dont s’est forgée la transition vers l’abstraction, les ressources à partir desquelles la figuration n’est plus le seul moyen possible de représenter les états les plus vitaux de l’être humain et enfin la nouvelle voie explorée depuis cette rupture.

L’exposition présente également Kandinsky comme un personnage poétique et lyrique et aborde des moments de découverte le long de sa trajectoire. Dans l’un des espaces, le public peut également voir des lettres échangées entre le peintre et le compositeur classique Arnold Schoenberg, créateur du dodecafonismo – un système d’organisation musicale dans lequel les 12 notes sont jouées sans suivre les gammes par des tons.

Points forts
Le caractère spirituel est l’une des caractéristiques les plus frappantes de l’ensemble de plus de 150 œuvres, dont des peintures, des gravures et des objets, exposées sur quatre étages du centre culturel.

Juste à l’entrée de l’exposition, le tableau São Jorge (1911), aux traits abstraits, avec la figure du chevalier portant sa lance presque méconnaissable. La présence d’éléments spirituels devient constante tout au long du spectacle.

Le peintre russe né en 1866 a été influencé par les rituels chamaniques de la région et les a utilisés comme thème même dans des compositions moins figuratives. Il n’était pas exactement un chamane pratiquant, mais il a profité de la symbologie dans ses œuvres.

Kandinsky était unique en ce qu’il donnait une expression graphique à des sentiments comme la colère et l’angoisse à travers la couleur de ses images », explique Athayde. Il a réussi à représenter de manière abstraite le subjectif de chaque personne.

Masques, colliers, bottes et autres accessoires des tribus du nord de la Russie, accrochés à côté des tableaux, servent de référence culturelle de l’époque. Beaucoup de ces éléments sont peints dans certaines œuvres. Les vidéos aident à reconstruire la trajectoire de Kandinsky, de son enfance à Moscou à sa formation d’avocat et à son déménagement en Allemagne, où il a enseigné au célèbre Bauhaus, une école de design d’avant-garde.

Les amis de Kandinsky, comme le russe Kazimir Malevich, l’un des mentors du suprématisme, gagnent de la place au deuxième étage. Le Triomphe du ciel est exposé (1907). Exposés côte à côte, Dois Ovais (1919) et Crepuscular (1917) montrent l’importance des couleurs pour le peintre. Dans la première image, les couleurs primaires représentent une sorte de rituel de pêche. Dans le second, les tons sombres donnent un air mélancolique à la composition.

Des détails comme des photos, des livres et des affiches témoignent de l’amitié de Kandinsky avec le compositeur autrichien Schoenberg underground. Et, comme il ne pouvait pas manquer, il y a une installation multimédia dans laquelle le visiteur utilise des lunettes 3D et un casque pour «plonger» dans l’une des œuvres les plus connues du russe, No Branco (1920), qui se termine le tour.

Centre culturel Banco do Brasil à Rio de Janeiro
Le Centro Cultural Banco do Brazil Rio de Janeiro, brièvement CCBB Rio de Janeiro ou CCBB RJ, c’est un centre culturel situé dans le centre du district, dans la zone centrale de Zona, à Rio de Janeiro. Il fait partie d’un réseau d’espaces culturels, appelé Centre culturel Banco do Brasil, géré et entretenu par Banco do Brasil.

Le bâtiment occupé par CCBB RJ, situé au n ° 66 de la Rua Primeiro de Março, a une superficie bâtie de 19 243 m², dont 15 046 m² sont occupés par le centre. Situé sur Orla Conde, en face de Largo da Candelária.

Le bâtiment comprend les espaces suivants à l’intérieur: des salles d’exposition aux premier et deuxième étages; une salle de cinéma de 110 places au rez-de-chaussée; une salle de 53 places pour visionner des vidéos en mezzanine; trois salles pour des spectacles de théâtre, une au rez-de-chaussée, avec 175 places, et deux autres au deuxième étage, une avec 158 sièges et une sans sièges fixes, pour des spectacles alternatifs; un auditorium de 90 places au quatrième étage; et une bibliothèque au cinquième étage.

Selon une étude publiée par The Art Newspaper en avril 2014, CCBB RJ était considéré comme le 21e musée d’art le plus visité au monde, avec un total de 2 034 397 visiteurs en 2013. Selon le même site Internet, l’exposition Picasso et la modernité espagnole, tenue à le centre culturel, a été considéré comme l’exposition postimpressionniste et moderne la plus visitée au monde en 2015.