Die Ausstellung „Kandinsky: Alles beginnt an einem Punkt“ zeigt die Geschichte und das kreative Universum von Wassily Kandinsky (1866-1944). Die Ausstellung vereint mehr als hundert Werke und Objekte des Künstlers, seiner Zeitgenossen und seiner Einflüsse. Es sind Gemälde, Fotos, Bücher und Briefe russischer und zeitgenössischer Künstler. Zu sehen sind Werke, die Teil der Sammlung von Museen sind, wie das Russische Staatsmuseum in St. Petersburg, sowie Werke aus Deutschland, Österreich, England und Frankreich.

Die vielfältige Sammlung basiert auf der Sammlung des Russischen Staatsmuseums in St. Petersburg, angereichert mit Werken aus sieben weiteren Museen in Russland und Sammlungen aus Deutschland, Österreich, England und Frankreich. Die Ausstellung bietet einen echten Einblick in die Wurzeln des kreativen Universums eines der Vorläufer des Abstraktionismus.

Die Ausstellung führt die Besucher nicht nur zu Kandinskys Hauptwerken, sondern auch zu seinen Einflüssen und der Beziehung zu anderen Künstlern. All dies in fünf Blöcken organisiert: „Kandinsky und die Wurzeln seiner Arbeit in Bezug auf Populärkultur und russische Folklore“, „Kandinsky und das spirituelle Universum des Schamanismus in Nordrussland“, „Kandinsky in Deutschland und die Erfahrungen in der Gruppe Der Blaue Reiter, Leben in Murnau „,“ Dialog zwischen Musik und Malerei: die Freundschaft zwischen Kandinsky und Schönberg „und“ Durch Abstraktion eröffnete Wege: Kandinsky und seine Zeitgenossen „.

Diese Ausstellung präsentiert den Prolog zu dieser bereicherten Geschichte, die moderne und zeitgenössische Kunst ist. Die Art und Weise, wie der Übergang zur Abstraktion geschmiedet wurde, die Ressourcen, aus denen die Figuration nicht mehr die einzig mögliche Möglichkeit ist, die wichtigsten Zustände des Menschen darzustellen, und schließlich eröffnete sich der neue Weg aus diesem Bruch.

Mehr als die Präsentation von Werken des russischen Malers bietet „Kandinsky – Alles beginnt an einem Punkt“ der Öffentlichkeit die Möglichkeit, die Referenzen seiner Arbeit kennenzulernen, wie das Verhältnis von Kunst und Spiritualität, die Populärkultur in Nordsibirien und die russische Folklore , Musik und schamanische Rituale.

In der Ausstellung sind Gemälde aus allen Phasen des Malers, Illustrationen aus Volksmärchen, religiöse Symbole, eine Reihe von Landschaften, Kleidern und Trommeln, die in schamanischen Ritualen verwendet werden, Sammlungen von Keramikobjekten und Lithografien zu sehen. Neben Kandinsky zeigt die Ausstellung Gemälde zeitgenössischer Künstler wie Ex-Frau Gabriele Münter, Alexej von Jawlensky, Michail Larionow, Pavel Filonow, Nikolai Kulbin und Aristarkh Lentulow.

Die ausgestellten Stücke sind in drei Räume unterteilt, einen interaktiven. Mit einer speziellen Brille kann das Publikum eines der Werke des Malers überprüfen, sich nach der Bewegung des Besuchers aufteilen und Geräusche abgeben. Es ist auch möglich, die Beschreibung der Farben und ihrer Eigenschaften zu hören.

Biografie
Wassily Wassilyevich Kandinsky (16. Dezember 1866 – 13. Dezember 1944) war ein russischer Maler und Kunsttheoretiker. Kandinsky gilt allgemein als Pionier der abstrakten Kunst. Der in Moskau geborene Kandinsky verbrachte seine Kindheit in Odessa (heute Ukraine), wo er an der Kunstschule Grekov Odessa seinen Abschluss machte. Er schrieb sich an der Universität Moskau ein und studierte Rechtswissenschaften und Wirtschaftswissenschaften. Erfolgreich in seinem Beruf – ihm wurde eine Professur (Lehrstuhl für Römisches Recht) an der Universität von Dorpat (heute Tartu, Estland) angeboten – begann Kandinsky im Alter von 30 Jahren mit dem Studium der Malerei (Lebenszeichnung, Skizzieren und Anatomie).

1896 ließ sich Kandinsky in München nieder und studierte zunächst an der Privatschule von Anton Ažbe und dann an der Akademie der bildenden Künste. Nach dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs kehrte er 1914 nach Moskau zurück. Nach der russischen Revolution wurde Kandinsky „ein Insider in der Kulturverwaltung von Anatoly Lunacharsky“ und half beim Aufbau des Museums für Kultur der Malerei. Bis dahin war „seine spirituelle Einstellung … dem argumentativen Materialismus der sowjetischen Gesellschaft fremd“, und in Deutschland winkten Möglichkeiten, zu denen er 1920 zurückkehrte. Dort unterrichtete er von 1922 bis 1922 an der Bauhaus-Schule für Kunst und Architektur Die Nazis schlossen es 1933. Anschließend zog er nach Frankreich, wo er für den Rest seines Lebens lebte, 1939 französischer Staatsbürger wurde und einige seiner bekanntesten Kunstwerke produzierte. Er starb 1944 in Neuilly-sur-Seine.

Konzeption von Kunst
Kandinsky schrieb, dass „Musik der ultimative Lehrer ist“ und begann mit den ersten sieben seiner zehn Kompositionen. Die ersten drei sind nur in Schwarzweißfotografien erhalten, die von der Künstlerkollegin und Freundin Gabriele Münter aufgenommen wurden. Während Studien, Skizzen und Improvisationen existieren (insbesondere zu Komposition II), führte ein Überfall der Nazis auf das Bauhaus in den 1930er Jahren zur Beschlagnahme von Kandinskys ersten drei Kompositionen. Sie wurden in der staatlich geförderten Ausstellung „Degenerate Art“ ausgestellt und anschließend zerstört (zusammen mit Werken von Paul Klee, Franz Marc und anderen modernen Künstlern).

Fasziniert von der christlichen Eschatologie und der Wahrnehmung eines kommenden New Age ist die Apokalypse (das Ende der Welt, wie wir sie kennen) ein gemeinsames Thema in Kandinskys ersten sieben Kompositionen. Kandinsky schrieb in seinem Buch „Über das Geistige in der Kunst“ über den „Künstler als Propheten“ und schuf in den Jahren unmittelbar vor dem Ersten Weltkrieg Gemälde, die eine bevorstehende Katastrophe zeigten, die die individuelle und soziale Realität verändern würde. Kandinsky glaubte fest an das orthodoxe Christentum und stützte sich auf die biblischen Geschichten von Arche Noah, Jona und dem Wal, der Auferstehung Christi, den vier Reitern der Apokalypse im Buch der Offenbarung, den russischen Märchen und den gemeinsamen mythologischen Erfahrungen von Tod und Wiedergeburt. Er versuchte nie, sich eine dieser Geschichten als Erzählung vorzustellen, und benutzte ihre verschleierten Bilder als Symbole für die Archetypen von Tod – Wiedergeburt und Zerstörung – Schöpfung, die seiner Meinung nach in der Welt vor dem Ersten Weltkrieg unmittelbar bevorstanden.

Wie er in Bezug auf das Geistige in der Kunst (siehe unten) feststellte, war Kandinsky der Ansicht, dass ein authentischer Künstler, der Kunst aus „einer inneren Notwendigkeit“ schafft, die Spitze einer sich nach oben bewegenden Pyramide bewohnt. Diese fortschreitende Pyramide dringt ein und geht in die Zukunft. Was gestern seltsam oder unvorstellbar war, ist heute alltäglich; Was heute Avantgarde ist (und nur von wenigen verstanden wird), ist morgen allgemein bekannt. Der moderne Künstlerprophet steht allein an der Spitze der Pyramide, macht neue Entdeckungen und leitet die Realität von morgen ein. Kandinsky war sich der jüngsten wissenschaftlichen Entwicklungen und der Fortschritte moderner Künstler bewusst, die zu radikal neuen Sichtweisen und Erlebnissen der Welt beigetragen hatten.

Komposition IV und spätere Gemälde befassen sich hauptsächlich mit der Hervorrufung einer spirituellen Resonanz beim Betrachter und Künstler. Wie in seiner Malerei der Apokalypse durch Wasser (Komposition VI) versetzt Kandinsky den Betrachter in die Situation, diese epischen Mythen zu erleben, indem er sie in zeitgenössische Begriffe übersetzt (mit einem Gefühl der Verzweiflung, Aufregung, Dringlichkeit und Verwirrung). Diese spirituelle Gemeinschaft von Betrachter-Maler-Künstler / Prophet kann innerhalb der Grenzen von Worten und Bildern beschrieben werden.

Künstlerischer und spiritueller Theoretiker
Wie die Essays Der Blaue Reiter Almanac und das Theoretisieren mit dem Komponisten Arnold Schönberg zeigen, drückte Kandinsky auch die Gemeinschaft zwischen Künstler und Betrachter als für die Sinne und den Geist verfügbar aus (Synästhesie). Als Kandinsky beim Malen Töne und Akkorde hörte, vermutete er, dass (zum Beispiel) Gelb die Farbe des mittleren C auf einer messingfarbenen Trompete ist. Schwarz ist die Farbe des Verschlusses und das Ende der Dinge; und dass Farbkombinationen Schwingungsfrequenzen erzeugen, ähnlich wie Akkorde, die auf einem Klavier gespielt werden. 1871 lernte der junge Kandinsky Klavier und Cello.

Kandinsky entwickelte auch eine Theorie über geometrische Figuren und ihre Beziehungen und behauptete beispielsweise, dass der Kreis die friedlichste Form sei und die menschliche Seele darstelle. Diese Theorien werden in Punkt und Linie zur Ebene erklärt (siehe unten).

Kandinskys legendäres Bühnenbild für eine Aufführung von Mussorgskys „Pictures at a Exhibition“ illustriert sein synästhetisches Konzept einer universellen Entsprechung von Formen, Farben und musikalischen Klängen. Im Theater von Dessau realisierte Wassily Kandinsky 1928 die Bühnenproduktion von „Pictures at a Exhibition“. 2015 wurden die ursprünglichen Entwürfe der Bühnenelemente mit moderner Videotechnik animiert und gemäß den vorbereitenden Anmerkungen von Kandinsky und dem Drehbuch des Regisseurs von Felix Klee mit der Musik synchronisiert.

Während des Studiums, das Kandinsky zur Vorbereitung der Komposition IV machte, wurde er bei der Arbeit an einem Gemälde erschöpft und ging spazieren. Während er unterwegs war, räumte Gabriele Münter sein Studio auf und drehte versehentlich seine Leinwand auf die Seite. Als Kandinsky zurückkam und die Leinwand sah (aber noch nicht erkannte), fiel er auf die Knie und weinte und sagte, es sei das schönste Gemälde, das er jemals gesehen habe. Er war von der Anhaftung an ein Objekt befreit worden. Als er Monets Heuhaufen zum ersten Mal betrachtete, würde die Erfahrung sein Leben verändern.

In einer weiteren Episode mit Münter während der bayerischen Jahre des abstrakten Expressionismus arbeitete Kandinsky an seiner Komposition VI. Nach fast sechs Monaten des Studiums und der Vorbereitung hatte er beabsichtigt, dass die Arbeit gleichzeitig eine Flut, Taufe, Zerstörung und Wiedergeburt hervorrufen sollte. Nachdem er die Arbeit an einer Wandtafel skizziert hatte, wurde er blockiert und konnte nicht mehr weitermachen. Münter sagte ihm, dass er in seinem Intellekt gefangen war und das wahre Thema des Bildes nicht erreichte. Sie schlug vor, dass er einfach das Wort Uberflut („Flut“ oder „Flut“) wiederholt und sich eher auf seinen Klang als auf seine Bedeutung konzentriert. Kandinsky wiederholte dieses Wort wie ein Mantra und malte und vollendete das monumentale Werk innerhalb von drei Tagen.

Theoretische Schriften zur Kunst
Kandinskys Analysen zu Formen und Farben resultieren nicht aus einfachen, willkürlichen Ideenassoziationen, sondern aus der inneren Erfahrung des Malers. Er verbrachte Jahre damit, abstrakte, sensorisch reiche Gemälde zu schaffen, mit Form und Farbe zu arbeiten, unermüdlich seine eigenen Gemälde und die anderer Künstler zu beobachten und deren Auswirkungen auf seinen Sinn für Farbe zu bemerken. Diese subjektive Erfahrung kann jeder machen – keine wissenschaftlichen, objektiven Beobachtungen, sondern innere, subjektive, was der französische Philosoph Michel Henry „absolute Subjektivität“ oder „absolutes phänomenologisches Leben“ nennt.

In Bezug auf das Geistige in der Kunst
Kandinskys 1911 in München veröffentlichter Text Über das Geistige in der Kunst definiert drei Arten von Malerei; Eindrücke, Improvisationen und Kompositionen. Während Eindrücke auf einer äußeren Realität basieren, die als Ausgangspunkt dient, zeigen Improvisationen und Kompositionen Bilder, die aus dem Unbewussten hervorgehen, obwohl die Komposition unter einem formaleren Gesichtspunkt entwickelt wird. Kandinsky vergleicht das spirituelle Leben der Menschheit mit einer Pyramide – der Künstler hat die Mission, andere mit seiner Arbeit zum Höhepunkt zu führen. Der Punkt der Pyramide sind diese wenigen großen Künstler. Es ist eine spirituelle Pyramide, die langsam voranschreitet und aufsteigt, auch wenn sie manchmal unbeweglich erscheint. Während dekadenter Perioden sinkt die Seele auf den Grund der Pyramide; Die Menschheit sucht nur nach äußerem Erfolg und ignoriert spirituelle Kräfte.

Farben auf der Palette des Malers rufen einen doppelten Effekt hervor: einen rein physischen Effekt auf das Auge, der von der Schönheit der Farben bezaubert wird, ähnlich dem freudigen Eindruck, wenn wir eine Delikatesse essen. Dieser Effekt kann jedoch viel tiefer sein und eine Schwingung der Seele oder eine „innere Resonanz“ verursachen – ein spiritueller Effekt, bei dem die Farbe die Seele selbst berührt.

„Innere Notwendigkeit“ ist für Kandinsky das Prinzip der Kunst und die Grundlage der Formen und die Harmonie der Farben. Er definiert es als das Prinzip des effizienten Kontakts der Form mit der menschlichen Seele. Jede Form ist die Abgrenzung einer Oberfläche durch eine andere; es besitzt einen inneren Inhalt, die Wirkung, die es auf jemanden ausübt, der es aufmerksam betrachtet. Diese innere Notwendigkeit ist das Recht des Künstlers auf uneingeschränkte Freiheit, aber diese Freiheit wird zur Lizenz, wenn sie nicht auf einer solchen Notwendigkeit beruht. Kunst wird aus der inneren Notwendigkeit des Künstlers auf rätselhafte, mystische Weise geboren, durch die sie ein autonomes Leben erlangt; es wird ein eigenständiges Thema, das durch einen spirituellen Atemzug belebt wird.

Die offensichtlichen Eigenschaften, die wir sehen können, wenn wir eine isolierte Farbe betrachten und sie alleine wirken lassen, sind auf der einen Seite die Wärme oder Kälte des Farbtons und auf der anderen Seite die Klarheit oder Dunkelheit dieses Farbtons. Wärme ist eine Tendenz zu Gelb und Kälte eine Tendenz zu Blau; Gelb und Blau bilden den ersten großen, dynamischen Kontrast. Gelb hat eine exzentrische Bewegung und Blau eine konzentrische Bewegung; Eine gelbe Oberfläche scheint sich uns zu nähern, während sich eine blaue Oberfläche zu entfernen scheint. Gelb ist eine typisch terrestrische Farbe, deren Gewalt schmerzhaft und aggressiv sein kann. Blau ist eine himmlische Farbe, die eine tiefe Ruhe hervorruft. Die Kombination von Blau und Gelb ergibt völlige Unbeweglichkeit und Ruhe, was grün ist.

Klarheit ist eine Tendenz zu Weiß, und Dunkelheit ist eine Tendenz zu Schwarz. Weiß und Schwarz bilden den zweiten großen Kontrast, der statisch ist. Weiß ist eine tiefe, absolute Stille voller Möglichkeiten. Schwarz ist Nichts ohne Möglichkeit, eine ewige Stille ohne Hoffnung und entspricht dem Tod. Jede andere Farbe schwingt stark bei ihren Nachbarn mit. Das Mischen von Weiß mit Schwarz führt zu Grau, das keine aktive Kraft besitzt und dessen Tonalität nahe der von Grün liegt. Grau entspricht Unbeweglichkeit ohne Hoffnung; es neigt dazu zu verzweifeln, wenn es dunkel wird, und gewinnt wenig Hoffnung zurück, wenn es heller wird.

Rot ist eine warme Farbe, lebhaft und aufgeregt; es ist kraftvoll, eine Bewegung an sich. Mit Schwarz vermischt wird es braun, eine harte Farbe. Mit Gelb vermischt gewinnt es an Wärme und wird orange, was seiner Umgebung eine strahlende Bewegung verleiht. Wenn Rot mit Blau gemischt wird, bewegt es sich vom Menschen weg und wird lila, was ein kühles Rot ist. Rot und Grün bilden den dritten großen Kontrast und Orange und Lila den vierten.

Punkt und Linie zur Ebene
In seinen 1926 vom Verlag Albert Langen in München veröffentlichten Schriften analysierte Kandinsky die geometrischen Elemente, aus denen jedes Gemälde besteht – den Punkt und die Linie. Er nannte die physische Unterstützung und die materielle Oberfläche, auf der der Künstler die Grundebene zeichnet oder malt, BP. Er analysierte sie nicht objektiv, sondern unter dem Gesichtspunkt ihrer inneren Wirkung auf den Betrachter.

Ein Punkt ist ein kleines Stück Farbe, das der Künstler auf die Leinwand bringt. Es ist weder ein geometrischer Punkt noch eine mathematische Abstraktion; es ist Erweiterung, Form und Farbe. Diese Form kann ein Quadrat, ein Dreieck, ein Kreis, ein Stern oder etwas Komplexeres sein. Der Punkt ist die prägnanteste Form, aber je nach Platzierung auf der Grundebene nimmt er eine andere Tonalität an. Es kann isoliert sein oder mit anderen Punkten oder Linien in Resonanz stehen.

Eine Linie ist das Produkt einer Kraft, die in eine bestimmte Richtung ausgeübt wurde: die Kraft, die der Künstler auf den Bleistift oder Pinsel ausübt. Die erzeugten linearen Formen können von verschiedenen Arten sein: eine gerade Linie, die sich aus einer einzigartigen Kraft ergibt, die in einer einzigen Richtung ausgeübt wird; eine Winkellinie, die sich aus dem Wechsel zweier Kräfte in verschiedene Richtungen ergibt, oder eine gekrümmte (oder wellenartige) Linie, die durch die Wirkung zweier gleichzeitig wirkender Kräfte erzeugt wird. Eine Ebene kann durch Kondensation erhalten werden (von einer Linie, die um eines ihrer Enden gedreht ist). Der subjektive Effekt einer Linie hängt von ihrer Ausrichtung ab: Eine horizontale Linie entspricht dem Boden, auf dem der Mensch ruht und sich bewegt; es besitzt eine dunkle und kalte affektive Tonalität ähnlich Schwarz oder Blau. Eine vertikale Linie entspricht der Höhe und bietet keine Unterstützung. es besitzt eine leuchtende, warme Tonalität in der Nähe von Weiß und Gelb. Eine Diagonale besitzt eine mehr oder weniger warme (oder kalte) Tonalität, je nach ihrer Neigung zur Horizontalen oder Vertikalen.

Eine Kraft, die sich ungehindert entfaltet, als diejenige, die eine gerade Linie erzeugt, entspricht der Lyrik; Mehrere Kräfte, die sich gegenüberstehen (oder ärgern), bilden ein Drama. Der durch die Winkellinie gebildete Winkel hat auch eine innere Klangfülle, die warm und für einen spitzen Winkel (ein Dreieck) nahe an Gelb liegt, kalt und für einen stumpfen Winkel (einen Kreis) ähnlich wie blau und für einen rechten Winkel ähnlich wie rot (ein Quadrat).

Die Grundebene ist im Allgemeinen rechteckig oder quadratisch. Daher besteht es aus horizontalen und vertikalen Linien, die es abgrenzen und als autonome Einheit definieren, die das Gemälde unterstützt und seine affektive Tonalität kommuniziert. Diese Tonalität wird durch die relative Bedeutung horizontaler und vertikaler Linien bestimmt: Die Horizontalen verleihen der Grundebene eine ruhige, kalte Tonalität, während die Vertikalen eine ruhige, warme Tonalität verleihen. Der Künstler erkennt den inneren Effekt des Leinwandformats und der Dimensionen, die er entsprechend der Tonalität auswählt, die er seiner Arbeit geben möchte. Kandinsky betrachtete die Grundebene als ein Lebewesen, das der Künstler „befruchtet“ und „atmet“.

Jeder Teil der Grundebene besitzt eine affektive Färbung; Dies beeinflusst die Tonalität der darauf gezeichneten Bildelemente und trägt zum Reichtum der Komposition bei, der sich aus ihrer Gegenüberstellung auf der Leinwand ergibt. Das Obige der Grundebene entspricht der Lockerheit und der Leichtigkeit, während das Unten Kondensation und Schwere hervorruft. Die Aufgabe des Malers ist es, diese Effekte zu hören und zu kennen, um Gemälde zu schaffen, die nicht nur die Wirkung eines zufälligen Prozesses sind, sondern die Frucht authentischer Arbeit und das Ergebnis einer Anstrengung zur inneren Schönheit.

Dieses Buch enthält viele fotografische Beispiele und Zeichnungen aus Kandinskys Werken, die die Demonstration seiner theoretischen Beobachtungen bieten und es dem Leser ermöglichen, die innere Offensichtlichkeit in ihm zu reproduzieren, vorausgesetzt, er nimmt sich die Zeit, diese Bilder sorgfältig zu betrachten, und lässt sie zu auf seine eigene Sensibilität einwirken lassen und die sinnlichen und spirituellen Fäden seiner Seele vibrieren lassen.

Die Ausstellung
Ziel der Ausstellung ist es, dem Betrachter das Leben und Werk des Malers sowie die Beziehung zu anderen Künstlern und zur Kultur seiner Zeit verständlich zu machen. Die Idee ist, den Kontext zu verstehen, der zu ihrer Entstehung beigetragen hat, einen Sprung in die Welt zu wagen, die Kandinsky umgab und beeinflusste.

Die Auswahl der Werke folgte der Biographie des Künstlers bis zu seiner endgültigen Abreise aus Russland im Jahr 1922, den Erinnerungen, Artikeln und Katalogen der Ausstellungen, die während des Lebens des Malers organisiert wurden, insbesondere „Der Blaue Ritter“ und die „Izdebsky-Halle“. Genau den Details gewidmet, die unser Wissen über Kandinsky erklären und vervollständigen

Um das kreative Genie zu verstehen, muss man die Sensibilität verstehen, die die Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts geprägt hat. Diese Ausstellung präsentiert den Prolog zu dieser bereicherten Geschichte, die moderne und zeitgenössische Kunst ist. Die Art und Weise, wie der Übergang zur Abstraktion geschmiedet wurde, die Ressourcen, aus denen die Figuration nicht mehr die einzig mögliche Möglichkeit ist, die wichtigsten Zustände des Menschen darzustellen, und schließlich der neue Weg, der seit diesem Bruch beschritten wurde.

Die Ausstellung porträtiert Kandinsky auch als poetischen und lyrischen Charakter und thematisiert Momente der Entdeckung auf seinem Weg. In einem der Räume kann das Publikum auch Briefe sehen, die zwischen dem Maler und dem klassischen Komponisten Arnold Schönberg, dem Schöpfer des Dodecafonismo, ausgetauscht werden – einem System der musikalischen Organisation, in dem die 12 Noten gespielt werden, ohne den Tonleitern zu folgen.

Höhepunkte
Der spirituelle Charakter ist eines der auffälligsten Merkmale des Satzes von mehr als 150 Werken, darunter Gemälde, Drucke und Objekte, die auf vier Etagen des Kulturzentrums ausgestellt sind.

Direkt am Eingang der Ausstellung das Gemälde São Jorge (1911) in abstrakten Strichen, wobei die Figur des Ritters mit seinem Speer fast nicht wiederzuerkennen ist. Die Präsenz spiritueller Elemente wird während der gesamten Show konstant.

Der 1866 geborene russische Maler wurde von den schamanischen Ritualen der Region beeinflusst und verwendete sie auch in weniger figurativen Kompositionen als Thema. Er war nicht gerade ein Schamanenpraktiker, aber er nutzte die Symbologie in seinen Werken.

Kandinsky war einzigartig darin, Gefühle wie Wut und Angst durch die Farbe seiner Bilder grafisch auszudrücken “, sagt Athayde. Er schaffte es in abstrakten Pinselstrichen, das Subjektive jeder Person darzustellen.

Masken, Halsketten, Stiefel und andere Accessoires nordrussischer Stämme, die neben den Gemälden aufgehängt sind, dienen als kulturelle Referenz der Zeit. Viele dieser Gegenstände sind in einigen Werken gemalt. Videos helfen dabei, Kandinskys Weg von der Kindheit in Moskau über die Ausbildung zum Anwalt bis hin zum Umzug nach Deutschland zu rekonstruieren, wo er am berühmten Bauhaus, einer avantgardistischen Designschule, unterrichtete.

Freunde von Kandinsky, wie der russische Kasimir Malewitsch, einer der Mentoren des Suprematismus, gewinnen im zweiten Stock Platz. Der Triumph des Himmels ist ausgestellt (1907). Dois Ovais (1919) und Crepuscular (1917) zeigen nebeneinander, wie wichtig die Farben für den Maler waren. Im ersten Bild repräsentieren Primärfarben eine Art Angelritual. Im zweiten Fall verleihen die dunklen Töne der Komposition eine melancholische Note.

Details wie Fotos, Bücher und Poster dokumentieren Kandinskys Freundschaft mit dem österreichischen Komponisten Schönberg Underground. Und da es nicht fehlen durfte, gibt es eine Multimedia-Installation, in der der Besucher mit einer 3D-Brille und einem Headset in eines der bekanntesten Werke des Russen, No Branco (1920), „eintaucht“, das endet die Reise.

Kulturzentrum Banco do Brasil in Rio de Janeiro
Das Centro Cultural Banco do Brasilien Rio de Janeiro, kurz CCBB Rio de Janeiro oder CCBB RJ, ist ein Kulturzentrum im Bezirkszentrum in der Zona Central City von Rio de Janeiro. Es ist Teil eines Netzwerks kultureller Räume namens Banco do Brasil Cultural Center, das von der Banco do Brasil verwaltet und gepflegt wird.

Das von CCBB RJ bewohnte Gebäude an der Rua Primeiro de Março Nr. 66 hat eine bebaute Fläche von 19.243 m², von denen 15.046 m² vom Zentrum bewohnt werden. Das Hotel liegt an der Orla Conde vor dem Largo da Candelária.

Das Gebäude verfügt über folgende Innenräume: Ausstellungsräume im ersten und zweiten Stock; ein Kinoraum mit 110 Sitzplätzen im Erdgeschoss; ein Raum mit 53 Plätzen für die Vorführung von Videos im Zwischengeschoss; drei Räume für Theatershows, einer im Erdgeschoss mit 175 Sitzplätzen und zwei weitere im zweiten Stock, einer mit 158 ​​Sitzplätzen und einer ohne feste Sitzplätze, für alternative Shows; ein Auditorium mit 90 Plätzen im vierten Stock; und eine Bibliothek im fünften Stock.

Laut einer im April 2014 von The Art Newspaper veröffentlichten Studie wurde CCBB RJ mit insgesamt 2.034.397 Besuchern im Jahr 2013 als das 21. meistbesuchte Kunstmuseum der Welt angesehen. Laut derselben Website fand die Ausstellung Picasso und die spanische Moderne in statt Das Kulturzentrum galt 2015 als die meistbesuchte postimpressionistische und moderne Ausstellung der Welt.