칸딘스키 : 모든 것이 한 지점에서 시작됩니다. 방코 두 브라질 문화 센터 리우데 자네이루

전시회 “칸딘스키 : 모든 것이 한 지점에서 시작된다”는 바실리 칸딘스키 (1866-1944)의 역사와 창조적 우주를 제시합니다. 이 전시회는 작가, 동시대 인 및 그의 영향에 의해 백 개가 넘는 작품과 물건을 모았습니다. 그들은 러시아와 현대 예술가들의 그림, 사진, 책 및 편지입니다. 상트 페테르부르크 러시아 박물관과 같은 박물관 컬렉션의 일부이며 독일, 오스트리아, 영국 및 프랑스에서 작품을 전시합니다.

다양한 컬렉션은 상트 페테르부르크의 러시아 주립 박물관 컬렉션을 기반으로하며 러시아의 7 개 박물관과 독일, 오스트리아, 영국 및 프랑스의 컬렉션이 풍부합니다. 전시회는 추상주의의 선구자 중 하나로 간주되는 창의적 우주의 뿌리에 대한 실제 다이빙을 제공합니다.

이 전시회는 방문객들로 하여금 칸딘스키의 주요 작품뿐만 아니라 그의 영향과 다른 예술가들과의 관계를 발견하게합니다. 이 모든 것은 5 개의 블록으로 구성되어있다 :“칸딘스키와 대중 문화와 러시아 민속에 관한 그의 작품의 뿌리”,“칸딘스키와 러시아 북부의 샤머니즘의 영적 우주”,“독일 칸딘스키와 그룹 Der에서의 경험 Blaue Reiter, Murnau에서의 삶 “,”음악과 회화의 대화 : Kandinsky와 Schonberg의 우정 “과”추상화에 의해 열린 길 : Kandinsky와 그의 동시대 인 “.

이 전시회는 현대와 현대 예술인이 풍부한 역사에 대한 프롤로그를 제시합니다. 추상화로의 전환이 이루어 졌던 방법, 형상화가 더 이상 인간의 가장 중요한 상태를 나타내는 유일한 방법은 아니며, 마침내이 파열에서 새로운 길이 열렸습니다.

러시아 화가의 작품을 발표하는 것보다“칸딘스키-모든 것이 한 지점에서 시작됩니다”는 대중에게 예술과 영성의 관계, 북부 시베리아의 대중 문화, 러시아 민속과 같은 그의 작품에 대한 참조를 알 수있는 기회를 제공합니다 , 음악 및 샤머니즘 의식.

전시회에는 화가의 모든 단계의 그림, 민속 이야기의 그림, 종교적 상징, 일련의 풍경, 샤머니즘 의식에 사용되는 옷과 드럼, 세라믹 물건 및 석판 수집품이 있습니다. Kandinsky 외에도 쇼에는 전 아내 Gabriele Münter, Alexej Von Jawlensky, Mikhail Larionov, Pavel Filonov, Nikolai Kulbin 및 Aristarkh Lentulov와 같은 현대 예술가의 그림이 있습니다.

표시되는 부분은 3 개의 공간으로 구분되며 하나는 대화식입니다. 일반인들은 특별한 안경을 사용하여 방문객의 움직임과 소리에 따라 화가의 작품 중 하나를 확인할 수 있습니다. 색상 및 특성에 대한 설명을들을 수도 있습니다.

전기
Wassily Wassilyevich Kandinsky (1866 년 12 월 16 일 – 1944 년 12 월 13 일)는 러시아 화가이자 예술 이론가였습니다. 칸딘스키는 일반적으로 추상 미술의 개척자로 인정 받고 있습니다. 칸딘스키는 모스크바에서 태어나 어린 시절 오데사 (우크라이나 우크라이나)에서 그레 코프 오데사 아트 스쿨을 졸업했다. 그는 모스크바 대학교에 입학하여 법과 경제학을 전공했습니다. 그의 직업에 성공했다 – 그는 Dorpat 대학교 (오늘 에스토니아 타르 투)에서 교수직 (로마법 학장)을 받았다. 칸딘스키는 30 세의 나이에 그림 연구 (생명 그리기, 스케치 및 해부학)를 시작했다.

1896 년 칸딘스키는 뮌헨에 정착하여 Anton Ažbe의 사립 학교에서 공부 한 후 Academy of Fine Arts에서 공부했습니다. 그는 1 차 세계 대전이 발발 한 후 1914 년 모스크바로 돌아왔다. 러시아 혁명 이후 칸딘스키는 “아나톨리 루나 차르 스키 문화 행정부의 내부자가되었다”고 회화 문화 박물관을 설립하는 데 도움을 주었다. 그러나 그때까지 “그의 영적 전망은 소비에트 사회의 논쟁 적 유물론에 이질적이었다”고 독일에서 기회를 얻었으며 1920 년에 돌아왔다. 그는 1922 년부터 바우 하우스 예술 및 건축 학교에서 나치는 1933 년에 문을 닫았다. 그는 프랑스로 이주하여 남은 평생 동안 살았고, 1939 년 프랑스 시민이되었으며, 가장 유명한 예술 작품을 제작했다. 그는 1944 년 뇌이 쉬르 센에서 사망했습니다.

예술의 개념
칸딘스키는 “음악은 최고의 교사”라고 쓰고 10 곡 중 첫 7 곡을 시작했다. 처음 세 사람은 동료 예술가이자 친구 Gabriele Münter가 찍은 흑백 사진에서만 살아남습니다. 연구, 스케치 및 즉흥 연주가 (특히 작곡 II의) 존재하지만, 1930 년대 바우 하우스에 대한 나치의 습격은 칸딘스키의 첫 세 가지 작곡을 압수했다. 그들은 주최 후원 전시회 “Degenerate Art”에 전시 된 후 파울 클리 (Paul Klee), 프란츠 마크 (Franz Marc) 및 기타 현대 예술가들의 작품과 함께 파괴했습니다.

기독교 종말론과 다가오는 뉴 에이지에 대한 인식에 매료 된 칸딘스키의 첫 7 개의 작곡 중 공통 주제는 묵시 (우리가 알고있는 세계의 종말)입니다. 칸딘스키는 그의 저서 “영성에 관한 선지자로서의 예술가”에 관한 글에서 제 1 차 세계 대전 직전 몇 년 동안 개인과 사회적 현실을 바꿀 대격변을 보여주는 그림을 만들었습니다. 칸딘스키는 정통 기독교에 대한 독실한 믿음을 가지고 노아의 방주, 요나와 고래, 그리스도의 부활, 계시록에 나오는 묵시록의 네 기수, 러시아 민화, 죽음과 부활의 일반적인 신화 적 경험에 관한 성서적 이야기를 들었습니다. 이 이야기들 중 어떤 것도 이야기로 묘사하지 않으려했던 그는 자신의 가려진 이미지를 제 1 차 세계 대전 전 세계에서 임박한 죽음-중생과 파괴-창조의 원형의 상징으로 사용했습니다.

영적인 예술에 관해 언급 한대로 (아래 참조) 칸딘스키는 “내부 필요성”으로부터 예술을 창조하는 진정한 예술가가 위쪽으로 움직이는 피라미드의 끝에서 살고 있다고 느꼈습니다. 이 진보적 인 피라미드는 관통하고 미래로 나아가고 있습니다. 어제 이상하거나 상상할 수 없었던 것은 오늘날 흔한 일입니다. 오늘 전위적인 것은 (그리고 소수만이 이해할 수있는) 내일의 상식입니다. 현대 예술가 선지자는 피라미드의 정점에 홀로 서서 새로운 발견을하고 내일의 현실을 안내합니다. 칸딘스키는 최근의 과학적 발전과 세계를보고 경험하는 근본적으로 새로운 방법에 기여한 현대 예술가의 진보를 알고있었습니다.

작곡 IV 이상의 그림은 주로 시청자와 예술가의 영적 공명을 불러 일으키는 것과 관련이 있습니다. 칸딘스키는 물에 의한 묵시록 그림 (구성 6)에서와 같이,이 서사적 신화를 현대적 용어 (절망감, 흐릿함, 긴급 성 및 혼란의 의미로)로 번역함으로써 시청자들을 이러한 장대 한 신화를 경험하는 상황에 놓았습니다. 시청자-예술가 / 선지자의 영적 친교는 단어와 이미지의 한계 내에서 설명 될 수 있습니다.

예술적이고 영적인 이론가
Der Blaue Reiter Almanac 에세이와 작곡가 Arnold Schoenberg와의 이론이 지적한 것처럼 Kandinsky는 예술가와 시청자 사이의 친교가 감각과 마음 모두에서 사용할 수 있다고 표현했습니다 (신감 증). 칸딘스키는 그림을 그릴 때 소리와 소리가 들리면서 (예를 들어) 노란색은 놋쇠 트럼펫의 중간 C 색이라고 이론화했다. 검은 색은 폐쇄의 색이며 사물의 끝입니다. 그리고 색의 조합은 피아노에서 연주되는 코드와 유사한 진동 주파수를 생성합니다. 1871 년에 젊은 칸딘스키는 피아노와 첼로를 연주하는 법을 배웠습니다.

Kandinsky는 또한 기하학적 인물과 그 관계에 대한 이론을 발전 시켰습니다. 예를 들어, 원은 가장 평화로운 모양이며 인간의 영혼을 나타냅니다. 이러한 이론은 점과 평면을 기준으로 설명되어 있습니다 (아래 참조).

Mussorgsky의 “Pictures at a Exhibition”공연을위한 Kandinsky의 전설적인 무대 디자인은 형태, 색상 및 음악 사운드의 보편적 대응에 대한 시너 마 컨셉을 보여줍니다. 1928 년 데 사우 극장에서 바실리 칸딘스키는 “전시의 그림”의 무대 제작을 실현했습니다. 2015 년 스테이지 요소의 원래 디자인은 현대 비디오 기술로 애니메이션화되었고 Kandinsky의 준비 노트와 Felix Klee 감독의 대본에 따라 음악과 동기화되었습니다.

칸딘스키는 작곡 IV를 준비하면서 연구하면서 그림 작업을하면서 지쳐서 산책을 갔다. 가브리엘 뮌터 (Gabriel Münter)는 자신의 스튜디오를 정리하고 실수로 캔버스를 옆으로 돌렸다. 캔딘 스키는 돌아와서 캔버스를 보았을 때 (아직 인식하지 못함) 무릎을 꿇고 울면서 울었다. 그는 물건에 대한 애착으로부터 해방되었습니다. 그가 모네의 건초 더미를 처음 보았을 때, 그 경험은 인생을 바꿀 것입니다.

바이에른 추상 표현주의 시대에 뮌터와의 또 다른 에피소드에서 칸딘스키는 작곡 VI를 작업하고 있었다. 거의 6 개월의 연구와 준비 과정에서 그는 홍수, 침례, 파괴 및 중생을 동시에 불러 일으키려고 노력했습니다. 벽화 크기의 목재 판넬에 대한 작업을 요약 한 후, 그는 막히고 계속 될 수 없었습니다. 뮌 터는 자신의 지성에 갇혀 있고 그림의 실제 주제에 도달하지 못한다고 그에게 말했다. 그녀는 단순히 우버 플루트 ( “우주”또는 “홍수”)라는 단어를 반복하고 그 의미보다는 소리에 초점을 맞추라고 제안했다. 이 단어를 진언처럼 반복하면서 칸딘스키는 3 일 동안 기념비적 인 작품을 그렸습니다.

예술에 대한 이론적 글
칸딘스키의 형태와 색상에 대한 분석은 단순하고 임의적 인 아이디어 연관성이 아니라 화가의 내적 경험에서 비롯됩니다. 그는 추상적이고 감각적으로 풍부한 그림을 만들고 형태와 색상을 다루며 자신의 그림과 다른 예술가의 그림을 지칠 줄 모르고 자신의 색상 감각에 미치는 영향을 지적하면서 수년을 보냈습니다. 이 주관적 경험은 과학적, 객관적인 관찰이 아니라 내면의 주관적인 것, 프랑스 철학자 Michel Henry가 “절대적인 주관성”또는 “절대적인 현상 적 삶”이라고 부르는 것입니다.

예술의 영성에 관해
1911 년 뮌헨에서 출판 된 칸딘스키 (Kandinsky)의 우버 다스 게 스티 게 (Kurdin das Geistige in der Kunst)는 세 가지 유형의 회화를 정의하고있다. 인상, 즉흥 및 작곡. 인상은 출발점 역할을하는 외부 현실을 기반으로하는 반면, 즉흥과 작곡은 무의식에서 나온 이미지를 묘사하지만보다 공식적인 관점에서 구성이 개발됩니다. 칸딘스키는 인류의 영적 삶을 피라미드와 비교합니다. 예술가는 다른 사람들을 그의 작품으로 정점으로 인도하는 임무를 가지고 있습니다. 피라미드의 요점은 소수의 위대한 예술가들입니다. 그것은 때때로 움직이지 않는 것처럼 보이더라도 천천히 전진하고 상승하는 영적 피라미드입니다. 퇴폐 기 동안 영혼은 피라미드의 바닥으로 가라 앉는다. 인류는 영적인 힘을 무시하고 외부 성공만을 추구합니다.

화가의 팔레트 색상은 두 가지 효과를 불러 일으 킵니다. 눈에 순수하게 물리적 인 영향을 미치며, 진미를 먹었을 때의 즐거운 인상과 유사합니다. 그러나이 효과는 영혼의 진동 또는 “내면의 공명”(색상이 영혼 자체에 닿는 영적 영향)을 유발하여 훨씬 더 깊을 수 있습니다.

“내면의 필요성”은 칸딘스키에게 예술의 원리와 형태의 기초와 색상의 조화입니다. 그는 그것을 인간의 영혼과 형태의 효율적인 접촉의 원칙으로 정의한다. 모든 형태는 다른 형태로 표면을 구분하는 것입니다. 그것은 내면의 내용, 그것을주의 깊게 보는 사람에게 미치는 영향을 가지고 있습니다. 이 내면의 필요성은 예술가의 무제한 자유에 대한 권리이지만, 그러한 자유가 그러한 필요성에 근거하지 않으면 라이센스가됩니다. 예술은 예술가의 내적 필요에서 자율적 인 삶을 얻는 수수께끼의 신비로운 방식으로 태어납니다. 그것은 영적 호흡에 의해 생기는 독립적 인 주제가됩니다.

우리가 고립 된 색상을 볼 때 볼 수있는 명백한 특성은 한쪽이 색조의 따뜻함 또는 차가움이고 다른 쪽이 그 색조의 선명도 또는 모호함입니다. 따뜻함은 노란색으로 향하는 경향이고 차가움은 파란색으로 향하는 경향입니다. 노란색과 파란색은 최초의 위대한 동적 대비를 형성합니다. 노란색은 편심 운동을하고 파란색은 동심 운동을합니다. 노란색 표면은 우리에게 더 가까이 움직이는 것처럼 보이고 파란색 표면은 멀리 움직이는 것처럼 보입니다. 노란색은 일반적으로 지상파 색상이며 폭력이 고통스럽고 공격적 일 수 있습니다. 블루는 천상의 색으로 깊은 평온을 불러 일으 킵니다. 파란색과 노란색의 조합은 완전한 부동성과 차분함을 가져옵니다.

선명도는 흰색으로 향하는 경향이고, 모호함은 검은 색으로 향하는 경향입니다. 흰색과 검은 색은 두 번째 큰 대비를 형성합니다. 흰색은 깊고 절대적인 침묵이며 가능성이 가득합니다. 검은 색은 가능성이없는 것이없고 희망이없는 영원한 침묵이며 죽음에 해당합니다. 다른 색은 이웃에 강하게 공명합니다. 흰색과 검은 색의 혼합은 회색으로 이어지며, 이는 활성 력이 없으며 색조가 녹색과 비슷합니다. 회색은 희망이없는 부동성에 해당합니다. 어두워지면 절망하는 경향이 있으며, 어두워지면 희망이 거의 없습니다.

빨강은 따뜻한 색이며 활기차고 흥분됩니다. 그것은 강력하고 운동 그 자체입니다. 검은 색과 섞이면 갈색이되고 딱딱한 색이됩니다. 황색과 혼합되면 따뜻함이 높아지고 주황색이되어 주변에 방사선이 흐릅니다. 빨강이 파랑과 섞이면 사람에게서 멀어져 자주색으로 변합니다. 빨강과 녹색은 세 번째 큰 대조를 이루고 주황색과 자주색은 네 번째 대조를 이룹니다.

점과 선을 기준으로 비행기
1926 년 Verlag Albert Langen이 뮌헨에서 출판 한 그의 글에서 Kandinsky는 모든 그림, 즉 점과 선을 구성하는 기하학적 요소를 분석했습니다. 그는 물리적 지지대와 아티스트가 기본 평면 또는 BP를 그리거나 페인트하는 재료 표면을 불렀습니다. 그는 그것들을 객관적으로 분석하지 않았지만 관찰자에 대한 그들의 내적 영향의 관점에서 볼 때.

포인트는 아티스트가 캔버스에 넣은 작은 색상입니다. 기하학적 점이나 수학적 추상화가 아닙니다. 확장, 형태 및 색상입니다. 이 형태는 정사각형, 삼각형, 원, 별 또는 더 복잡한 것일 수 있습니다. 요점은 가장 간결한 형태이지만 기본 평면에서의 배치에 따라 다른 색조를 갖습니다. 다른 점이나 선과 격리되거나 공명 할 수 있습니다.

선은 아티스트가 연필이나 붓에 가한 힘을 주어진 방향으로 가한 힘의 산물입니다. 생성 된 선형 형태는 여러 유형일 수있다 : 단일 방향으로 가해지는 고유 한 힘에 기인하는 직선; 상이한 방향으로 2 개의 힘이 교대로 발생하는 각선, 또는 동시에 작용하는 2 개의 힘의 영향에 의해 생성 된 곡선 (또는 파형) 선. 평면은 응축에 의해 얻어 질 수있다 (그 단부 중 하나를 중심으로 회전하는 선으로부터). 선에 의해 생성 된 주관적인 효과는 방향에 따라 달라집니다. 수평선은 사람이 쉬고 움직이는 땅에 해당합니다. 그것은 검은 색이나 파란색과 비슷한 어둡고 차가운 정서 색조를 가지고 있습니다. 세로선은 높이에 해당하며 지원하지 않습니다. 그것은 흰색과 노란색에 가까운 밝고 따뜻한 색조를 가지고 있습니다. 대각선은 수평 또는 수직을 향한 경사에 따라 다소 따뜻한 (또는 차가운) 색조를 갖습니다.

직선을 생성하는 힘은 서정과 일치하므로 장애물없이 자신을 전개시키는 힘; 서로 대면하는 (또는 성가신) 여러 세력이 드라마를 형성합니다. 각선에 의해 형성된 각도는 또한 예각 (삼각형)의 경우 따뜻하고 노란색에 가깝고, 둔각 (원형)의 경우 파란색과 유사하고 직각의 경우 빨간색과 유사하며 따뜻하고 가까운 노란색 (사각형).

기본 평면은 일반적으로 직사각형 또는 정사각형입니다. 그러므로 그것은 가로와 세로 선으로 구성되어 있으며,이를 구분하고 그림을 지원하는 자율적 인 실체로 정의하여 정서적 인 색조를 전달합니다. 이 색조는 가로 및 세로선의 상대적 중요성에 의해 결정됩니다. 가로는 기본 평면에 차분하고 차가운 색조를 제공하는 반면 세로는 차분하고 따뜻한 색조를 부여합니다. 작가는 캔버스 형식과 치수의 내부 효과를 직감하며, 작품에 적용하려는 색조에 따라 선택합니다. 칸딘스키는 기본 비행기를 살아있는 존재로 간주했다. 작가는 “비옥”하고 “호흡”을 느낀다.

기본 평면의 각 부분에는 정서적 인 색상이 있습니다. 이것은 그림에 그려 질 그림 요소의 색조에 영향을 미치며 캔버스에 병치하여 구성의 풍부함에 기여합니다. 기본면의 위는 느슨 함과 가벼움에 해당하며 아래는 응축과 무거움을 유발합니다. 화가의 임무는 이러한 효과를 듣고 아는 것만으로 무작위 과정의 효과 일뿐만 아니라 진정한 작업의 결실과 내면의 아름다움을 향한 노력의 결과 인 그림을 제작하는 것입니다.

이 책에는 Kandinsky 작품의 이론적 관찰을 보여주는 많은 사진 예제와 그림이 포함되어 있으며 독자가 그 사진을 조심스럽게 보며 시간을 내면 내면의 명확성을 재현 할 수 있습니다. 자신의 감성에 따라 행동하고 그의 영혼의 현명하고 영적인 끈을 진동하게했습니다.

전시회
쇼의 목적은 시청자가 화가의 삶과 작품을 이해하고 다른 예술가와의 관계 및 그의 시간 문화와의 관계를 이해하도록하는 것입니다. 아이디어는 그들의 형성에 도움이되는 맥락을 이해하고 칸딘스키를 둘러싸고 영향을 미치는 세계로 뛰어들 것입니다.

작품 선택은 작가의 전기를 따라 1922 년 러시아를 떠날 때까지, 화가의 생애 동안 조직 된 전시회의 기억, 기사 및 카탈로그, 특히 “블루 나이트 (Blue Knight)”및 “이즈 데브 스키 홀 (Izdebsky Hall)”을 완성했습니다. Kandinsky에 대한 지식을 설명하고 완성하는 세부 사항에 정확하게 전념

창조적 인 천재를 이해한다는 것은 20 세기에 예술의 역사를 표시 한 감수성을 이해함을 의미합니다. 이 전시회는 현대와 현대 예술인이 풍부한 역사에 대한 프롤로그를 제시합니다. 추상화로의 전환이 이루어 졌던 방법, 형상화의 자원이 더 이상 인간의 가장 중요한 상태를 나타내는 유일한 방법은 아니며 마지막으로이 파열 이후에 탐구 된 새로운 길입니다.

이 전시회는 또한 칸딘스키를 시적이고 서정적 인 인물로 묘사하고 그의 궤도에 따른 발견의 순간을 다룬다. 공간 중 하나에서 대중은 화가와 12 작곡가의 음조를 따르지 않고 12 음표가 연주되는 음악 조직 시스템 인 dodecafonismo의 창시자 인 Arnold Schoenberg와 화가 사이에 교환 된 편지를 볼 수 있습니다.

하이라이트
영적 성격은 문화 센터의 4 층에 전시 된 그림, 지문 및 물건을 포함하여 150 개가 넘는 작품 중 가장 인상적인 특징 중 하나입니다.

전시회 입구에서 그림 São Jorge (1911)는 추상 선으로, 그의 창을 들고있는 기사의 모습을 거의 인식 할 수 없었습니다. 영적 요소의 존재는 공연 내내 일정하게 유지됩니다.

1866 년에 태어난 러시아 화가는이 지역의 샤머니즘 의식의 영향을 받아 덜 비유적인 구성에서도 주제로 사용했습니다. 그는 샤먼 개업의가 아니었지만 그의 작품에서 상징을 이용했다.

칸딘스키는 그림의 색을 통해 분노와 고뇌와 같은 느낌을 그래픽으로 표현하는 데 독특했습니다.” 그는 각 개인의 주관을 나타 내기 위해 추상적 인 붓으로 관리했습니다.

그림 옆에 매달린 러시아 북부 부족의 마스크, 목걸이, 부츠 및 기타 액세서리는 문화적 기준으로 사용됩니다. 이 작품들 중 많은 것들이 일부 작품에 그려져 있습니다. 비디오는 모스크바의 어린 시절부터 변호사 훈련 및 독일로의 이동에 이르기까지 칸딘스키의 궤도를 재구성하는 데 도움이되며, 그는 전위 디자인 학교 인 유명한 바우 하우스에서 가르쳤다.

칸딘스키의 친구들은 초현실주의 멘토 인 러시아 카지미르 말레비치처럼 2 층에서 공간을 확보합니다. 천국의 승리가 전시되고있다 (1907). 나란히 노출 된 Dois Ovais (1919)와 Crepuscular (1917)는 색이 화가에게 얼마나 중요한지를 보여줍니다. 첫 번째 그림에서 기본 색상은 일종의 낚시 의식을 나타냅니다. 두 번째로, 어두운 색조는 구성에 우울한 공기를 제공합니다.

사진, 서적 및 포스터와 같은 세부 사항은 오스트리아 작곡가 Schoenberg 지하와 Kandinsky의 우정을 기록합니다. 그리고 놓칠 수 없었기 때문에 방문자가 3D 안경과 헤드셋을 사용하여 러시아의 가장 유명한 작품 중 하나 인 No Branco (1920)로 들어가는 멀티미디어 설치가 있습니다. 투어.

리우데 자네이루의 Banco do Brasil Cultural Center
Centro Cultural Banco는 브라질 리우데 자네이루, 간단히 CCBB 리우데 자네이루 또는 CCBB RJ를 수행하며 지역 센터, Zona Central City Rio de Janeiro의 문화 센터입니다. Banco do Brasil이 관리하고 유지하는 Banco do Brasil Cultural Center라는 문화 공간 네트워크의 일부입니다.

Rua Primeiro de Março의 n ° 66에 위치한 CCBB RJ가 사용하는 건물의 건축 면적은 19,243m²이며, 그중 15,046m²가 센터에 있습니다. Largo da Candelária 앞 Orla Conde에 위치하고 있습니다.

건물 내부에는 다음과 같은 공간이 있습니다. 1 층과 2 층의 전시실; 1 층에 110 석의 영화관; 중 2 층에 비디오를 보여줄 수있는 53 석의 공간; 대안 쇼를 위해 극장 쇼를위한 3 개의 방, 1 개의 층에 175 석, 2 개의 층에 2 개의 더, 2 개의 158 석 및 고정 된 좌석 없음; 4 층에 90 석의 강당; 그리고 5 층에있는 도서관.

2014 년 4 월 The Art Newspaper에 발표 된 연구에 따르면, CCBB RJ는 2013 년에 총 2,034,397 명의 방문객이있는 세계에서 21 번째로 가장 많이 방문한 미술관으로 간주되었습니다. 같은 웹 사이트에 따르면, 피카소와 스페인 현대 전시회는 문화 센터는 2015 년 세계에서 가장 많이 방문한 인상파 이후 현대 전시회로 간주되었습니다.