展览“康定斯基：一切都始于某一点”，展示了瓦西里·康定斯基（1866-1944）的历史和创意世界。展览汇集了艺术家，他的同时代人和他的影响力的一百多件作品和物品。它们是俄罗斯和当代艺术家的绘画，照片，书籍和信件。展出的作品是博物馆藏品的一部分，例如圣彼得堡的俄罗斯国家博物馆，以及来自德国，奥地利，英国和法国的作品。
多样化的收藏以圣彼得堡俄罗斯国家博物馆的收藏为基础，其中丰富了俄罗斯另外七个博物馆的作品以及德国，奥地利，英国和法国的收藏。展览提供了真正的潜入世界的根源，而后者被认为是抽象主义的先驱之一。
展览不仅吸引了参观者发现康定斯基的主要作品，而且还发现了他的影响力以及与其他艺术家的关系。所有这些活动分为五个部分：“康定斯基及其与大众文化和俄罗斯民俗有关的工作根源”，“康定斯基和俄罗斯北部萨满教的精神世界”，“德国康定斯基和Der小组的经验”布劳·赖特（Blaue Reiter），《穆瑙的生活》，“音乐与绘画之间的对话：康定斯基和申伯格之间的友谊”，以及“抽象开辟的道路：康定斯基和他的同时代人”。
该展览展示了现代和当代艺术的丰富历史的序幕。伪造向抽象的过渡的方式，比喻的资源不再是代表人类最重要生命状态的唯一可能方法，最终从这种破裂中开辟了新的道路。
不仅仅是展示俄罗斯画家的作品，“坎丁斯基-一切都始于一处”为公众提供了一个了解他的作品参考的机会，例如艺术与灵性之间的关系，西伯利亚北部的流行文化，俄罗斯的民间传说。 ，音乐和萨满仪式。
在展览中，有画家各个阶段的绘画，民间故事的插图，宗教符号，一系列风景，萨满仪式中使用的衣服和鼓，陶瓷器皿和石版画的收藏。除了康定斯基，该展览还展出了当代艺术家的画作，例如前妻加布里埃勒·明特，阿列克谢·冯·贾伦斯基，米哈伊尔·拉里奥诺夫，帕维尔·菲洛诺夫，尼古拉·库尔宾和阿里斯塔克·伦图洛夫。
展出的作品分为三个空间，一个为互动空间。公众可以使用特殊的眼镜检查画家的其中一件作品，并根据参观者的活动进行分解并发出声音。也可能听到颜色及其特性的描述。
传记
Wassily Wassilyevich Kandinsky（1866年12月16日至1944年12月13日）是俄罗斯画家和艺术理论家。康定斯基通常被认为是抽象艺术的先驱。康定斯基出生于莫斯科，童年时光是在敖德萨（今日的乌克兰）度过的，在那里他毕业于格雷科夫·敖德萨艺术学校。他就读于莫斯科大学，学习法律和经济学。他的职业生涯很成功-他在多帕特大学（现为爱沙尼亚塔尔图）获得教授职位（罗马法系主任）-坎丁斯基30岁时就开始绘画研究（绘画，素描和解剖）。
1896年，康定斯基定居慕尼黑，先在安东·阿贝（AntonAžbe）的私立学校学习，然后在美术学院学习。第一次世界大战爆发后，他于1914年返回莫斯科。在俄国大革命之后，康定斯基“成为了Anatoly Lunacharsky文化行政管理的内部人”，并帮助建立了绘画文化博物馆。然而，那时“他的精神面貌……对苏维埃社会的论证唯物主义来说是陌生的”，机会在德国受到召唤，他于1920年回到德国。在那里他从1922年开始在包豪斯艺术与建筑学院任教，直到1922年。纳粹（Nazis）在1933年将其关闭。他随后移居法国，一生都在此居住，1939年成为法国公民，并创作了一些他最杰出的艺术品。他于1944年在塞纳河畔纳伊死。
艺术构想
康定斯基写道“音乐是终极老师”，着手了他的十首作品中的前七首。前三个仅在艺术家和朋友加布里埃勒·明特（GabrieleMünter）所拍的黑白照片中生存。尽管存在研究，草图和即兴创作（尤其是第二作曲），但1930年代纳粹对包豪斯的突袭导致没收了康定斯基的前三个作曲。它们在国家赞助的展览“堕落的艺术”中展出，然后被销毁（连同保罗·克里，弗朗兹·马克和其他现代艺术家的作品）。
受到基督教末世论和对即将来临的新纪元的迷恋，康定斯基的前七首作品中的一个共同主题是启示录（我们所知道的世界末日）。康定斯基在《关于艺术中的精神的先驱》一书中写道“作为先知的艺术家”，在第一次世界大战之前的几年里创作了一些绘画作品，显示出即将来临的大灾难，将改变个人和社会现实。康定斯基对东正教有着虔诚的信仰，他借鉴了诺亚方舟，约拿和鲸鱼的圣经故事，基督的复活，启示录中的四位启示者，俄罗斯民间传说以及关于死亡和重生的常见神话经验。他从未尝试将这些故事中的任何一个描绘成叙事，而是将其蒙蔽的图像用作死亡原型（即重生和毁灭）的象征，他认为这种创作在第一次世界大战之前就迫在眉睫。
正如他在《关于艺术中的精神》中所述（见下文）所述，康定斯基认为，一个真正的艺术家是根据“内部必需品”创作艺术的，它居住在一个向上移动的金字塔顶端。这座不断发展的金字塔正在渗透并走向未来。昨天的奇怪或不可思议的今天在今天是司空见惯的。今天的前卫（只有少数人知道）是明天的常识。现代艺术家先知独自站在金字塔的顶端，进行了新的发现并开启了明天的现实。康定斯基意识到近代科学的发展和现代艺术家的进步，这些艺术家为从根本上看待世界的全新方式做出了贡献。
构图IV和以后的绘画主要与引起观众和艺术家的精神共鸣有关。就像他的《水启示录》（构图六）一样，康定斯基通过将这些史诗般的神话化为当代词语（充满了绝望，慌乱，紧迫和困惑），使观看者处于体验这些史诗般的神话的境地。可以在文字和图像的范围内描述观众绘画艺术家/先知的这种精神交流。
艺术和精神理论家
正如Der Blaue Reiter Almanac的论文以及与作曲家Arnold Schoenberg的理论所表明的那样，康定斯基还表达了艺术家与观众之间的交流，因为这种交流既可以用于感官，也可以用于思维（通感）。坎丁斯基听到他所画的音调和弦时，得出的理论是（例如）黄色是黄铜喇叭上中间C的颜色；黑色是封闭的颜色，是事物的结局。颜色的组合会产生振动频率，类似于钢琴上弹奏的和弦。 1871年，年轻的康定斯基开始弹奏钢琴和大提琴。
康定斯基还发展了一种几何图形及其关系的理论，例如声称圆形是最和平的形状，代表着人类的灵魂。这些理论在点和线到平面中进行了说明（请参见下文）。
康定斯基以传奇的舞台设计表演穆索尔斯基（Mussorgsky）的“展览图片”，展示了他的形式，色彩和音乐声音普遍对应的联觉概念。 1928年，瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）在德绍（Dessau）剧院实现了“展览图片”的舞台制作。根据康定斯基（Kandinsky）的备考笔记和导演菲利克斯·克莱（Felix Klee）的剧本，2015年，舞台元素的原始设计采用了现代视频技术进行动画处理，并与音乐保持同步。
在康定斯基为作曲《 IV》做准备的研究中，他在作画时变得精疲力尽，并去散步。当他外出时，GabrieleMünter整理了他的工作室，不经意间将画布翻转到一边。回到并看到画布后（但尚未认出），康定斯基跪下哭泣，说这是他见过的最美丽的画。他从对一个物体的依恋中解放了。当他第一次浏览莫奈的干草堆时，这种经历会改变他的生活。
在巴伐利亚抽象表现主义时代与明特的另一集中，康定斯基正在创作他的作品VI。经过近六个月的研究和准备，他希望这项工作能够同时引发洪水，洗礼，破坏和重生。在壁画大小的木板上勾画出作品之后，他变得受阻，无法继续前进。芒特告诉他，他陷入了理智之中，没有达到画面的真实主题。她建议他只是重复uberflut（泛洪或泛洪）一词，并专注于其声音而不是其含义。康定斯基像咒语一样重复了这个单词，在三天的时间里完成了这项艰巨的工作。
艺术理论著作
康定斯基对形式和色彩的分析并非来自简单，任意的思想联想，而是来自画家的内心经验。他花了多年时间创作抽象的，感官丰富的画作，使用形式和色彩，不知疲倦地观察自己的画作和其他画家的画作，并注意到它们对他的色彩感的影响。这种主观体验是任何人都可以做的—不是科学的，客观的观察，而是内在的，主观的观察，这就是法国哲学家米歇尔·亨利所说的“绝对主观性”或“绝对现象学生活”。
关于艺术中的精神
康定斯基（Kandinsky）的著作《 der Kunst》中的Überdas Geistige于1911年在慕尼黑出版，它定义了三种绘画类型。印象，即兴创作和构图。虽然印象是基于作为起点的外部现实，但即兴创作和构图描绘了从无意识中出现的图像，尽管构图是从更正式的观点发展而来的。康定斯基将人类的精神生活比作金字塔，艺术家的使命是带领他人以自己的作品走向顶峰。金字塔的重点是那几位伟大的艺术家。它是一座精神金字塔，即使有时似乎静止不动，也缓慢地前进和上升。在腐朽的时期，灵魂沉入金字塔的底部。人类只寻求外部成功，而忽略精神力量。
画家调色板上的色彩具有双重效果：一种纯粹的物理效果在眼睛上，被色彩之美所吸引，类似于我们品尝美味佳肴时的愉悦印象。但是，这种效果可能会更深，导致灵魂的振动或“内在的共鸣” —一种精神效果，其中颜色触及灵魂本身。
对于康定斯基来说，“内在的需要”是艺术的原则，是形式的基础和色彩的和谐。他将其定义为形式与人类灵魂有效接触的原则。每种形式都是用另一种表面划界。它具有一种内在的内容，它对专注地观察它的人产生的影响。这种内在的必要性是艺术家享有无限自由的权利，但是如果这种自由不是建立在这种必要性之上的，那么它就成为许可。艺术源于艺术家的内在需求，它以一种神秘的，神秘的方式获得了一种独立的生活。它成为一个独立的主题，被精神的呼吸所激发。
当我们观察一种孤立的颜色并让它单独起作用时，我们可以看到明显的特性，一方面是色调的温暖或寒冷，另一方面是该色调的清晰度或模糊性。温暖是黄色的趋势，寒冷是蓝色的趋势。黄色和蓝色形成了强烈的动态对比。黄色呈偏心运动，蓝色呈同心运动；黄色的表面似乎离我们越来越近，而蓝色的表面似乎正在离我们越来越近。黄色是一种典型的地面颜色，其暴力行为可能令人痛苦且具有攻击性。蓝色是一种天文色彩，令人深深沉稳。蓝色和黄色的结合产生了完全的动静和镇静，即绿色。
清晰度是白色的趋势，而模糊是黑色的趋势。白色和黑色形成第二大对比，这是静态的。白色是一种深刻而绝对的沉默，充满了可能性。黑色是没有可能的虚无，永恒是没有希望的沉默，与死亡相对应。任何其他颜色都会在其邻居之间引起强烈共鸣。白色和黑色的混合会导致灰色，而灰色没有任何作用力，并且其色调接近绿色。灰色对应于没有希望的静止。当天黑时，它会感到绝望，而当天亮时，它几乎没有希望。
红色是温暖的颜色，生动活泼。它是有力的，本身就是运动。与黑色混合会变成棕色，呈硬色。与黄色混合，它会变暖并变成橙色，从而在其周围产生辐射感。当红色与蓝色混合时，它会远离人而变成紫色，这是一种很酷的红色。红色和绿色构成第三大对比，橙色和紫色构成第四大对比。
点和线到平面
康定斯基在1926年由韦拉格·阿尔伯特·朗根（Verlag Albert Langen）在慕尼黑出版的著作中，分析了构成每幅画的几何元素-点和线。他称其为物理支撑和画家在其上绘制或绘制基本平面（BP）的材料表面。他没有客观地分析它们，而是从它们对观察者的内在影响的角度出发。
重点是艺术家在画布上涂的一小部分颜色。它既不是几何点也不是数学抽象。它是扩展名，形式和颜色。这种形式可以是正方形，三角形，圆形，星形或其他更复杂的形式。该点是最简洁的形式，但是根据其在基本平面上的位置，它将采用不同的色调。它可以与其他点或线隔离或共鸣。
线是在给定方向上施加的力的乘积：艺术家施加在铅笔或画笔上的力。产生的线性形式可能有几种类型：一条直线，它是由沿单个方向施加的唯一力产生的；由两个力在不同方向上交替产生的角线，或由两个同时作用的力产生的弯曲（或波浪形）线。可以通过冷凝（从绕其一端之一旋转的直线中）获得一个平面。一条线产生的主观效果取决于其方向：一条水平线对应于人类休息和活动的地面；它具有类似于黑色或蓝色的暗淡和冷酷的情感色调。垂直线与高度相对应，不提供支撑。它具有接近白色和黄色的明亮，温暖的色调。根据对角线向水平或垂直方向的倾斜度，对角线具有或多或少的温暖（或寒冷）色调。
产生直线的力量无障碍地延伸，这与抒情性相对应。互相面对（或烦扰）的几种力量形成了戏剧。角线形成的角度还具有内部声音，内部声音为暖角，接近黄色时为锐角（三角形），寒冷时类似于蓝色，钝角时为圆（圆形），与红色相似时为直角（一个正方形）。
基本平面通常是矩形或正方形。因此，它是由水平和垂直线组成的，这些水平线和垂直线对其进行了界定，并将其定义为支持绘画并传达其情感调性的自治实体。这种色调取决于水平线和垂直线的相对重要性：水平线为基本平面提供了平静，冷色调，而垂直线则赋予了平静，温暖的色调。艺术家直观地了解了画布格式和尺寸的内在效果，他根据想要赋予作品的色调选择了这种效果。康定斯基认为基本平面是一种生物，艺术家“受精”并感到“呼吸”。
基本平面的每个部分都具有情感色彩；这影响了将要绘制在其上的图形元素的色调，并有助于将其并置在画布上而形成的构图丰富。基本平面的上方对应于松动和轻便，而下方则引起凝结和沉重。画家的工作是聆听并了解这些效果，以制作画作，这不仅是随机过程的效果，而且是真实作品的成果和内在美的努力的结果。
本书包含了许多康定斯基作品的摄影实例和绘画插图，这些插图和实例提供了康定斯基理论观察的论证，并允许读者重现其内在的明显性，前提是他花时间仔细地看那些照片，并让他们以自己的敏感性行事，让他振动自己灵魂的理性和灵性脉络。
展览
展览的目的是使观众了解画家的生活和作品，以及与其他画家的关系以及与他时代的文化。这个想法是要了解有助于形成的背景，并涉足包围并影响康定斯基的世界。
作品的选择遵循画家的传记，直到他于1922年离开俄罗斯为止，这是画家一生中举办的展览的回忆，文章和目录，尤其是“蓝色骑士”和“伊兹德布斯基音乐厅”。专门用于解释和完善我们对康定斯基知识的细节
要理解创意天才，就意味着要理解标志着20世纪艺术史的敏感性。该展览展示了现代和当代艺术的丰富历史的序幕。伪造向抽象过渡的方式，塑化的资源不再是代表人类最重要状态的唯一可能方法，最后是自这种破裂以来一直在探索的新道路。
展览还将肯丁斯基描绘成一个诗意和抒情的人物，并阐述了沿着他的轨迹进行探索的时刻。在其中一个空间中，公众还可以看到画家与古典作曲家Arnold Schoenberg之间的信件往来，后者是dodecafonismo的创造者。dodecafonismo是一种音乐组织系统，在其中演奏12个音符而没有遵循音阶。
亮点
在文化中心四层展示的150多种作品（包括绘画，版画和物件）中，精神人物是其最引人注目的特征之一。
就在展览的入口处，抽象地画了圣乔治（SãoJorge）（1911）的画作，骑士的形象带着长矛几乎无法辨认。在整个演出中，精神元素的存在变得恒定。
这位1866年出生的俄罗斯画家受到该地区萨满教风的影响，甚至在较不具象形的作品中也将其作为主题。他并非完全是萨满教徒，但他在作品中利用了符号学。
康定斯基的独特之处在于他通过画面的色彩来表达愤怒和痛苦的感觉，”阿特海德说。他用抽象的笔法设法代表每个人的主观。
这些画旁边挂着俄罗斯北部部落的面具，项链，靴子和其他配件，是当时的文化参考。其中一些物品是在某些作品中绘制的。从莫斯科的童年到律师的培训，再到德国，他在著名的前卫设计学校包豪斯（Bauhaus）任教的录像带有助于重建康定斯基的轨迹。
康定斯基的朋友，像至高无上的导师之一的俄罗斯人卡齐米尔·马列维奇（Kazimir Malevich），在二楼获得了空间。 《天堂的胜利》展出（1907年）。 Dois Ovais（1919）和Crepuscular（1917）并排展示了色彩对画家的重要性。在第一张图片中，原色代表一种捕鱼习惯。第二，深色调给组合物带来忧郁的空气。
照片，书籍和海报等细节记录了康定斯基与奥地利作曲家Schoenberg地下的友谊。而且，因为它不容错过，所以这里有一个多媒体装置，参观者使用3D眼镜和头戴式耳机“潜入”俄罗斯最著名的作品之一《无布兰科》（1920年），旅途。
巴西里约热内卢的巴西银行文化中心
巴西里约热内卢文化中心银行，简称CCBB里约热内卢或CCBB RJ，它是位于里约热内卢Zona中心城市地区中心的文化中心。它是由巴西银行（Banco do Brasil）管理和维护的文化空间网络（称为巴西银行文化中心）的一部分。
CCBB RJ所占据的建筑物位于Marao街的Rua Primeiro de 66号，建筑面积为19,243平方米，其中15,046平方米由中心占据。位于Orla Conde，在Largo daCandelária前面。
该建筑物内部有以下空间：一楼和二楼的展览室；底楼有110个座位的电影院；一个有53个座位的房间，用于在夹层上显示视频；三间用于剧院表演的房间，其中一间位于一楼，可容纳175个席位，另外两间位于二楼，一间可容纳158个席位，一间不带固定席位，用于其他表演；四楼有90个座位的礼堂；在五楼还有一个图书馆。
根据《艺术报纸》 2014年4月发布的研究，CCBB RJ被认为是世界上访问量最大的21个美术馆，2013年的参观者总数为2,034,397。根据同一网站，毕加索和西班牙现代性展览在文化中心被认为是2015年世界上参观人数最多的后印象派和现代展览。