La mostra “Kandinsky: tutto inizia a un certo punto”, presenta la storia e l’universo creativo di Wassily Kandinsky (1866-1944). La mostra riunisce più di cento opere e oggetti dell’artista, dei suoi contemporanei e delle sue influenze. Sono dipinti, foto, libri e lettere di artisti russi e contemporanei. In mostra sono opere che fanno parte della collezione di musei, come il Museo di Stato russo a San Pietroburgo, e opere provenienti da Germania, Austria, Inghilterra e Francia.

La variegata collezione si basa sulla collezione del Museo statale russo di San Pietroburgo, arricchita con opere di altri sette musei in Russia e collezioni provenienti da Germania, Austria, Inghilterra e Francia. La mostra offre un vero tuffo nelle radici dell’universo creativo di quello che è considerato uno dei precursori dell’astrattismo.

La mostra porta i visitatori a scoprire non solo le opere principali di Kandinsky, ma anche le sue influenze e il rapporto con altri artisti; tutto organizzato in cinque blocchi: “Kandinsky e le radici del suo lavoro in relazione alla cultura popolare e al folklore russo”, “Kandinsky e l’universo spirituale dello sciamanesimo nella Russia settentrionale”, “Kandinsky in Germania e le esperienze nel gruppo Der Blaue Reiter, vita a Murnau “,” Dialogo tra musica e pittura: l’amicizia tra Kandinsky e Schonberg “e” Percorsi aperti dall’astrazione: Kandinsky e i suoi contemporanei “.

Questa mostra presenta il prologo di questa storia arricchita, che è arte moderna e contemporanea. Il modo in cui è stata forgiata la transizione verso l’astrazione, le risorse da cui la figurazione non è più l’unico modo possibile per rappresentare gli stati più vitali dell’essere umano, e infine il nuovo percorso aperto da questa rottura.

Oltre a presentare opere del pittore russo “Kandinsky – Tutto inizia a un certo punto” offre al pubblico l’opportunità di conoscere i riferimenti del suo lavoro, come il rapporto tra arte e spiritualità, cultura popolare nella Siberia settentrionale, folklore russo , musica e rituali sciamanici.

Nella mostra ci sono dipinti di tutte le fasi del pittore, illustrazioni di racconti popolari, simboli religiosi, serie di paesaggi, abiti e tamburi usati nei rituali sciamanici, collezioni di oggetti in ceramica e litografie. Oltre a Kandinsky, lo spettacolo presenta dipinti di artisti contemporanei, come l’ex moglie Gabriele Münter, Alexej Von Jawlensky, Mikhail Larionov, Pavel Filonov, Nikolai Kulbin e Aristarkh Lentulov.

I pezzi in mostra sono divisi in tre spazi, uno interattivo. Usando occhiali speciali, il pubblico può controllare una delle opere del pittore, rompendosi in base al movimento del visitatore ed emettendo suoni. È anche possibile ascoltare la descrizione dei colori e delle loro caratteristiche.

Biografia
Wassily Wassilyevich Kandinsky (16 dicembre 1866-13 dicembre 1944) era un pittore e teorico dell’arte russo. Kandinsky è generalmente riconosciuto come il pioniere dell’arte astratta. Nato a Mosca, Kandinsky ha trascorso la sua infanzia a Odessa (oggi Ucraina), dove si è laureato alla Grekov Odessa Art School. Si iscrisse all’Università di Mosca, studiando giurisprudenza ed economia. Successo nella sua professione — gli fu offerta una cattedra (cattedra di diritto romano) all’Università di Dorpat (oggi Tartu, Estonia) —Kandinsky iniziò a studiare pittura (disegno di vita, schizzi e anatomia) all’età di 30 anni.

Nel 1896, Kandinsky si stabilì a Monaco, studiando prima nella scuola privata di Anton Ažbe e poi all’Accademia di Belle Arti. Ritornò a Mosca nel 1914, dopo lo scoppio della prima guerra mondiale. Dopo la rivoluzione russa, Kandinsky “divenne un insider nell’amministrazione culturale di Anatoly Lunacharsky” e contribuì a stabilire il Museo della cultura della pittura. Tuttavia, a quel punto “la sua visione spirituale … era estranea al materialismo argomentativo della società sovietica”, e le opportunità richiamarono in Germania, alla quale tornò nel 1920. Qui insegnò alla scuola d’arte e architettura Bauhaus dal 1922 fino al I nazisti la chiusero nel 1933. Si trasferì quindi in Francia, dove visse per il resto della sua vita, diventando cittadino francese nel 1939 e producendo alcune delle sue opere più importanti. Muore a Neuilly-sur-Seine nel 1944.

Concezione dell’arte
Scrivendo che “la musica è il maestro supremo”, Kandinsky ha intrapreso le prime sette delle sue dieci composizioni. I primi tre sopravvivono solo nelle fotografie in bianco e nero scattate dal collega artista e amico Gabriele Münter. Mentre esistono studi, schizzi e improvvisazioni (in particolare di Composizione II), un raid nazista sul Bauhaus negli anni ’30 ha portato alla confisca delle prime tre composizioni di Kandinsky. Sono stati esposti nella mostra sponsorizzata dallo Stato “Arte degenerata”, e poi distrutti (insieme alle opere di Paul Klee, Franz Marc e altri artisti moderni).

Affascinato dall’escatologia cristiana e dalla percezione di una New Age in arrivo, un tema comune tra le prime sette composizioni di Kandinsky è l’apocalisse (la fine del mondo come la conosciamo). Scrivendo “l’artista come profeta” nel suo libro, Per quanto riguarda lo spirituale nell’arte, Kandinsky creò dipinti negli anni immediatamente precedenti la prima guerra mondiale che mostravano un cataclisma imminente che avrebbe alterato la realtà individuale e sociale. Avendo una fede devota nel cristianesimo ortodosso, Kandinsky attinse alle storie bibliche dell’Arca di Noè, Giona e la balena, la risurrezione di Cristo, i quattro cavalieri dell’Apocalisse nel libro dell’Apocalisse, racconti popolari russi e le esperienze mitologiche comuni di morte e rinascita. Non tentando mai di raffigurare nessuna di queste storie come narrativa, usò le loro immagini velate come simboli degli archetipi della morte – rinascita e distruzione – creazione che sentiva imminenti nel mondo prima della prima guerra mondiale.

Come ha affermato in Concerning the Spiritual In Art (vedi sotto), Kandinsky ha ritenuto che un artista autentico che crea arte da “una necessità interna” risieda sulla punta di una piramide che si muove verso l’alto. Questa piramide che avanza sta penetrando e procedendo verso il futuro. Ciò che era strano o inconcepibile ieri è banale oggi; ciò che è all’avanguardia oggi (e compreso solo da pochi) è conoscenza comune domani. L’artista-profeta moderno si trova da solo all’apice della piramide, facendo nuove scoperte e inaugurando la realtà di domani. Kandinsky era a conoscenza dei recenti sviluppi scientifici e dei progressi degli artisti moderni che avevano contribuito a modi radicalmente nuovi di vedere e vivere il mondo.

La composizione IV e in seguito i dipinti si occupano principalmente di evocare una risonanza spirituale tra spettatore e artista. Come nella sua pittura dell’apocalisse sull’acqua (Composizione VI), Kandinsky mette lo spettatore nella situazione di sperimentare questi miti epici traducendoli in termini contemporanei (con un senso di disperazione, raffica, urgenza e confusione). Questa comunione spirituale di spettatore-pittore-artista / profeta può essere descritta nei limiti delle parole e delle immagini.

Teorico artistico e spirituale
Come indicano i saggi di Der Blaue Reiter Almanacco e teorizzare con il compositore Arnold Schoenberg, Kandinsky ha anche espresso la comunione tra artista e spettatore come disponibile per entrambi i sensi e la mente (sinestesia). Sentendo toni e accordi mentre dipingeva, Kandinsky teorizzò che (per esempio), il giallo è il colore della C centrale su una tromba di ottone; il nero è il colore della chiusura e della fine delle cose; e che combinazioni di colori producono frequenze vibrazionali, simili agli accordi suonati su un piano. Nel 1871 il giovane Kandinsky imparò a suonare il piano e il violoncello.

Kandinsky ha anche sviluppato una teoria delle figure geometriche e delle loro relazioni, affermando, ad esempio, che il cerchio è la forma più pacifica e rappresenta l’anima umana. Queste teorie sono spiegate in Point and Line to Plane (vedi sotto).

La leggendaria scenografia di Kandinsky per un’esibizione di “Pictures at an Exhibition” di Mussorgsky illustra il suo concetto sinestetico di corrispondenza universale di forme, colori e suoni musicali. Nel 1928 nel teatro di Dessau, Wassily Kandinsky realizzò la produzione teatrale di “Pictures at an Exhibition”. Nel 2015 i disegni originali degli elementi scenici sono stati animati con la moderna tecnologia video e sincronizzati con la musica secondo le note preparatorie di Kandinsky e la sceneggiatura del regista di Felix Klee.

Durante gli studi realizzati da Kandinsky in preparazione alla Composizione IV, si stancò mentre stava lavorando a un dipinto e andò a fare una passeggiata. Mentre era fuori, Gabriele Münter riordinava il suo studio e inavvertitamente girava la tela di lato. Al ritorno e vedendo la tela (ma non ancora riconoscendola) Kandinsky si inginocchiò e pianse, dicendo che era il dipinto più bello che avesse mai visto. Era stato liberato dall’attaccamento a un oggetto. Come quando ha visto per la prima volta i Haystacks di Monet, l’esperienza gli avrebbe cambiato la vita.

In un altro episodio con Münter durante gli anni espressionisti astratti bavaresi, Kandinsky stava lavorando alla sua composizione VI. Da quasi sei mesi di studio e preparazione, aveva inteso il lavoro per evocare contemporaneamente un diluvio, un battesimo, una distruzione e una rinascita. Dopo aver delineato il lavoro su un pannello di legno di dimensioni murali, si è bloccato e non ha potuto proseguire. Münter gli disse che era intrappolato nel suo intelletto e non stava raggiungendo il vero soggetto del quadro. Gli suggerì di ripetere semplicemente la parola uberflut (“diluvio” o “diluvio”) e di concentrarsi sul suo suono piuttosto che sul suo significato. Ripetendo questa parola come un mantra, Kandinsky dipinse e completò l’opera monumentale in un arco di tre giorni.

Scritti teorici sull’arte
Le analisi di Kandinsky su forme e colori non derivano da associazioni di idee semplici e arbitrarie, ma dall’esperienza interiore del pittore. Trascorse anni a creare dipinti astratti, ricchi di rilevanza sensoriale, lavorando con la forma e il colore, osservando instancabilmente i suoi dipinti e quelli di altri artisti, notando i loro effetti sul suo senso del colore. Questa esperienza soggettiva è qualcosa che chiunque può fare – non osservazioni scientifiche, oggettive ma interiori, soggettive, quella che il filosofo francese Michel Henry chiama “soggettività assoluta” o “vita fenomenologica assoluta”.

Per quanto riguarda lo spirituale nell’arte
Pubblicato a Monaco nel 1911, il testo di Kandinsky, Über das Geistige in der Kunst, definisce tre tipi di pittura; impressioni, improvvisazioni e composizioni. Mentre le impressioni si basano su una realtà esterna che funge da punto di partenza, improvvisazioni e composizioni raffigurano immagini emergenti dall’inconscio, sebbene la composizione sia sviluppata da un punto di vista più formale. Kandinsky paragona la vita spirituale dell’umanità a una piramide: l’artista ha la missione di condurre gli altri all’apice con il suo lavoro. Il punto della piramide sono quei pochi, grandi artisti. È una piramide spirituale, che avanza e sale lentamente anche se a volte appare immobile. Durante i periodi decadenti, l’anima affonda sul fondo della piramide; l’umanità cerca solo il successo esterno, ignorando le forze spirituali.

I colori sulla tavolozza del pittore evocano un doppio effetto: un effetto puramente fisico sull’occhio che è incantato dalla bellezza dei colori, simile all’impressione gioiosa quando mangiamo una prelibatezza. Questo effetto può essere molto più profondo, tuttavia, causando una vibrazione dell’anima o una “risonanza interiore”, un effetto spirituale in cui il colore tocca l’anima stessa.

La “necessità interiore” è, per Kandinsky, il principio dell’arte e il fondamento delle forme e l’armonia dei colori. Lo definisce come il principio di un contatto efficiente della forma con l’anima umana. Ogni forma è la delimitazione di una superficie da parte di un’altra; possiede un contenuto interiore, l’effetto che produce su chi lo guarda attentamente. Questa necessità interiore è il diritto dell’artista alla libertà illimitata, ma questa libertà diventa licenza se non è fondata su tale necessità. L’arte nasce dalla necessità interiore dell’artista in un modo enigmatico e mistico attraverso il quale acquisisce una vita autonoma; diventa un soggetto indipendente, animato da un respiro spirituale.

Le proprietà ovvie che possiamo vedere quando guardiamo un colore isolato e lo lasciamo agire da solo, da una parte c’è il calore o la freddezza della tonalità di colore, e dall’altra parte la chiarezza o l’oscurità di quella tonalità. Il calore è una tendenza verso il giallo e il freddo una tendenza verso il blu; il giallo e il blu formano il primo grande contrasto dinamico. Il giallo ha un movimento eccentrico e il blu un movimento concentrico; una superficie gialla sembra avvicinarsi a noi, mentre una superficie blu sembra allontanarsi. Il giallo è un colore tipicamente terrestre, la cui violenza può essere dolorosa e aggressiva. Il blu è un colore celeste, che evoca una calma profonda. La combinazione di blu e giallo produce immobilità totale e calma, che è verde.

La chiarezza è una tendenza verso il bianco e l’oscurità è una tendenza verso il nero. Il bianco e il nero formano il secondo grande contrasto, che è statico. Il bianco è un silenzio profondo, assoluto, pieno di possibilità. Il nero è il nulla senza possibilità, un silenzio eterno senza speranza e corrisponde alla morte. Qualsiasi altro colore risuona fortemente sui suoi vicini. La miscelazione del bianco con il nero porta al grigio, che non possiede alcuna forza attiva e la cui tonalità è vicina a quella del verde. Il grigio corrisponde all’immobilità senza speranza; tende a disperare quando diventa buio, riacquistando poca speranza quando si illumina.

Il rosso è un colore caldo, vivace e agitato; è forte, un movimento in sé. Mescolato con il nero diventa marrone, un colore duro. Mescolato con il giallo, guadagna calore e diventa arancione, che impartisce un movimento irradiante a ciò che lo circonda. Quando il rosso si mescola al blu, si allontana dall’uomo per diventare viola, che è un rosso freddo. Il rosso e il verde formano il terzo grande contrasto e l’arancione e il viola il quarto.

Punto e linea al piano
Nei suoi scritti, pubblicati a Monaco da Verlag Albert Langen nel 1926, Kandinsky ha analizzato gli elementi geometrici che compongono ogni quadro: il punto e la linea. Ha chiamato il supporto fisico e la superficie materiale su cui l’artista disegna o dipinge il piano di base, o BP. Non le ha analizzate obiettivamente, ma dal punto di vista del loro effetto interiore sull’osservatore.

Un punto è un po ‘di colore messo dall’artista sulla tela. Non è né un punto geometrico né un’astrazione matematica; è estensione, forma e colore. Questa forma può essere un quadrato, un triangolo, un cerchio, una stella o qualcosa di più complesso. Il punto è la forma più concisa ma, in base alla sua posizione sul piano di base, assumerà una tonalità diversa. Può essere isolato o risuonare con altri punti o linee.

Una linea è il prodotto di una forza che è stata applicata in una determinata direzione: la forza esercitata sulla matita o sul pennello dall’artista. Le forme lineari prodotte possono essere di diversi tipi: una linea retta, che risulta da una forza unica applicata in una sola direzione; una linea angolare, risultante dall’alternanza di due forze in direzioni diverse, o una linea curva (o ondulata), prodotta dall’effetto di due forze che agiscono contemporaneamente. Un piano può essere ottenuto per condensazione (da una linea ruotata attorno a una delle sue estremità). L’effetto soggettivo prodotto da una linea dipende dal suo orientamento: una linea orizzontale corrisponde al terreno su cui l’uomo riposa e si muove; possiede una tonalità affettiva scura e fredda simile al nero o al blu. Una linea verticale corrisponde all’altezza e non offre alcun supporto; possiede una tonalità luminosa e calda vicino al bianco e al giallo. Una diagonale possiede una tonalità più o meno calda (o fredda), secondo la sua inclinazione verso l’orizzontale o la verticale.

Una forza che si dispiega senza ostacoli, come quella che produce una linea retta corrisponde al lirismo; diverse forze che si affrontano (o si infastidiscono) a vicenda formano un dramma. L’angolo formato dalla linea angolare ha anche una sonorità interna che è calda e vicina al giallo per un angolo acuto (un triangolo), fredda e simile al blu per un angolo ottuso (un cerchio) e simile al rosso per un angolo retto (una piazza).

Il piano di base è, in generale, rettangolare o quadrato. pertanto, è composto da linee orizzontali e verticali che lo delimitano e lo definiscono come un’entità autonoma che sostiene il dipinto, comunicandone la tonalità affettiva. Questa tonalità è determinata dalla relativa importanza delle linee orizzontali e verticali: gli orizzontali conferiscono una tonalità calma e fredda al piano di base mentre i verticali conferiscono una tonalità calma e calda. L’artista intuisce l’effetto interno del formato e delle dimensioni della tela, che sceglie in base alla tonalità che vuole dare alla sua opera. Kandinsky considerava il piano base un essere vivente, che l’artista “fertilizza” e sente “respirare”.

Ogni parte del piano di base possiede una colorazione affettiva; ciò influenza la tonalità degli elementi pittorici che verranno disegnati su di esso e contribuisce alla ricchezza della composizione derivante dalla loro giustapposizione sulla tela. La parte superiore del piano di base corrisponde alla leggerezza e alla leggerezza, mentre la parte inferiore evoca condensa e pesantezza. Il lavoro del pittore è ascoltare e conoscere questi effetti per produrre dipinti che non sono solo l’effetto di un processo casuale, ma il frutto di un lavoro autentico e il risultato di uno sforzo verso la bellezza interiore.

Questo libro contiene molti esempi fotografici e disegni tratti dalle opere di Kandinsky che offrono la dimostrazione delle sue osservazioni teoriche e che consentono al lettore di riprodurre in lui l’ovvietà interiore a condizione che si prenda il tempo di guardare quelle immagini con cura, che le lasci agire sulla propria sensibilità e che ha lasciato vibrare le corde sensibili e spirituali della sua anima.

La mostra
L’obiettivo dello spettacolo è far capire allo spettatore la vita e il lavoro del pittore e anche il rapporto con altri artisti e con la cultura del suo tempo. L’idea è di capire il contesto che ha aiutato nella loro formazione, di fare un tuffo nel mondo che ha circondato e influenzato Kandinsky.

La selezione delle opere seguì la biografia dell’artista fino alla sua definitiva partenza dalla Russia, nel 1922, i ricordi, gli articoli e i cataloghi delle mostre organizzate durante la vita del pittore, in particolare “Il cavaliere blu” e la “Sala Izdebsky”. Dedicato precisamente ai dettagli che spiegano e completano le nostre conoscenze su Kandinsky

Comprendere il genio creativo implica comprendere la sensibilità che ha segnato la storia dell’arte nel 20 ° secolo. Questa mostra presenta il prologo di questa storia arricchita, che è arte moderna e contemporanea. Il modo in cui è stata forgiata la transizione verso l’astrazione, le risorse da cui la figurazione non è più l’unico modo possibile per rappresentare gli stati più vitali dell’essere umano, e infine il nuovo percorso che è stato esplorato da questa rottura.

La mostra raffigura anche Kandinsky come un personaggio poetico e lirico e affronta momenti di scoperta lungo la sua traiettoria. In uno degli spazi, il pubblico può anche vedere le lettere scambiate tra il pittore e il compositore classico Arnold Schoenberg, creatore del dodecafonismo – un sistema di organizzazione musicale in cui le 12 note vengono suonate senza seguire le scale di toni.

Punti salienti
Il carattere spirituale è una delle caratteristiche più sorprendenti dell’insieme di oltre 150 opere, tra cui dipinti, stampe e oggetti, esposti su quattro piani del centro culturale.

Proprio all’ingresso della mostra, il dipinto São Jorge (1911), a tratti astratti, con la figura del cavaliere che porta la sua lancia quasi irriconoscibile. La presenza di elementi spirituali diventa costante durante lo spettacolo.

Il pittore russo nato nel 1866 fu influenzato dai rituali sciamanici della regione e li usò come tema anche in composizioni meno figurative. Non era esattamente un praticante sciamano, ma ha approfittato della simbologia nelle sue opere.

Kandinsky è stato unico nel dare espressione grafica a sentimenti come rabbia e angoscia attraverso il colore delle sue immagini “, afferma Athayde. È riuscito in pennellate astratte a rappresentare il soggettivo di ogni persona.

Maschere, collane, stivali e altri accessori delle tribù della Russia settentrionale, appesi accanto ai dipinti, servono come riferimento culturale dell’epoca. Molti di questi oggetti sono dipinti in alcune opere. I video aiutano a ricostruire la traiettoria di Kandinsky, dall’infanzia a Mosca alla formazione di avvocato e trasferirsi in Germania, dove ha insegnato al famoso Bauhaus, una scuola di design all’avanguardia.

Gli amici di Kandinsky, come il russo Kazimir Malevich, uno dei mentori del suprematismo, guadagnano spazio al secondo piano. Il Trionfo del cielo è in mostra (1907). Esposti fianco a fianco, Dois Ovais (1919) e Crepuscular (1917) mostrano quanto fossero importanti i colori per il pittore. Nella prima immagine, i colori primari rappresentano una sorta di rituale di pesca. Nel secondo, i toni scuri danno un’aria malinconica alla composizione.

Dettagli come foto, libri e poster documentano l’amicizia di Kandinsky con il compositore austriaco Schoenberg underground. E, poiché non poteva mancare, esiste un’installazione multimediale in cui il visitatore utilizza occhiali 3D e cuffie per “tuffarsi” in una delle opere più famose del russo, No Branco (1920), che termina il tour.

Centro culturale Banco do Brasil a Rio de Janeiro
Il Centro Cultural Banco do Brazil di Rio de Janeiro, in breve CCBB Rio de Janeiro o CCBB RJ, è un centro culturale situato nel centro del distretto, nella zona centrale della città di Rio de Janeiro. Fa parte di una rete di spazi culturali, chiamata Banco do Brasil Cultural Center, gestita e gestita dal Banco do Brasil.

L’edificio occupato da CCBB RJ, situato al n ° 66 di Rua Primeiro de Março, ha una superficie costruita di 19.243 m², di cui 15.046 m² occupati dal centro. Situato su Orla Conde, di fronte a Largo da Candelária.

All’interno dell’edificio sono presenti i seguenti spazi: sale espositive al primo e al secondo piano; una sala cinema con 110 posti al piano terra; una sala con 53 posti per mostrare video sul mezzanino; tre sale per spettacoli teatrali, una al piano terra, con 175 posti a sedere, e altre due al secondo piano, una con 158 posti a sedere e una senza posto fisso, per spettacoli alternativi; un auditorium con 90 posti al quarto piano; e una biblioteca al quinto piano.

Secondo una ricerca pubblicata da The Art Newspaper nell’aprile 2014, CCBB RJ è stato considerato il 21 ° museo d’arte più visitato al mondo, con un totale di 2.034.397 visitatori nel 2013. Secondo lo stesso sito web, la mostra Picasso e la modernità spagnola, tenutasi presso il centro culturale, nel 2015 è stato considerato la mostra postimpressionista e moderna più visitata al mondo.