A exposição “Kandinsky: tudo começa em um ponto”, apresenta a história e o universo criativo de Wassily Kandinsky (1866-1944). A exposição reúne mais de cem obras e objetos do artista, de seus contemporâneos e de suas influências. São pinturas, fotos, livros e cartas de artistas russos e contemporâneos. Em exibição estão obras que fazem parte da coleção de museus, como o Museu Estatal Russo, em São Petersburgo, e obras da Alemanha, Áustria, Inglaterra e França.

A coleção diversificada baseia-se na coleção do Museu Estatal Russo em São Petersburgo, enriquecida com obras de mais sete museus na Rússia e coleções da Alemanha, Áustria, Inglaterra e França. A exposição fornece um verdadeiro mergulho nas raízes do universo criativo do que é considerado um dos precursores do abstracionismo.

A exposição leva os visitantes a descobrir não apenas as principais obras de Kandinsky, mas também suas influências e o relacionamento com outros artistas; tudo isso organizado em cinco blocos: “Kandinsky e as raízes de seu trabalho em relação à cultura popular e folclore russo”, “Kandinsky e o universo espiritual do xamanismo no norte da Rússia”, “Kandinsky na Alemanha e as experiências no grupo Der Blaue Reiter, vida em Murnau “,” Diálogo entre música e pintura: a amizade entre Kandinsky e Schonberg “e” Caminhos abertos pela abstração: Kandinsky e seus contemporâneos “.

Esta exposição apresenta o prólogo dessa história enriquecida, que é a arte moderna e contemporânea. A maneira pela qual a transição para a abstração foi forjada, os recursos a partir dos quais a figuração não é mais a única maneira possível de representar os estados mais vitais do ser humano e, finalmente, o novo caminho aberto a partir dessa ruptura.

Mais do que apresentar obras do pintor russo, “Kandinsky – Tudo começa em um ponto”, oferece ao público a oportunidade de conhecer as referências de seu trabalho, como a relação entre arte e espiritualidade, cultura popular no norte da Sibéria, folclore russo , música e rituais xamânicos.

Na exposição, há pinturas de todas as fases do pintor, ilustrações de contos populares, símbolos religiosos, séries de paisagens, roupas e tambores usados ​​em rituais xamânicos, coleções de objetos de cerâmica e litografias. Além de Kandinsky, a mostra apresenta pinturas de artistas contemporâneos, como a ex-esposa Gabriele Münter, Alexej Von Jawlensky, Mikhail Larionov, Pavel Filonov, Nikolai Kulbin e Aristarkh Lentulov.

As peças exibidas são divididas em três espaços, um interativo. Usando óculos especiais, o público pode conferir uma das obras do pintor, quebrando de acordo com o movimento do visitante e emitindo sons. Também é possível ouvir a descrição das cores e suas características.

Biografia
Wassily Wassilyevich Kandinsky (16 de dezembro de 1866 – 13 de dezembro de 1944) foi um pintor russo e um teórico da arte. Kandinsky é geralmente creditado como o pioneiro da arte abstrata. Nascido em Moscou, Kandinsky passou a infância em Odessa (hoje Ucrânia), onde se formou na escola de arte Grekov Odessa. Ele se matriculou na Universidade de Moscou, estudando direito e economia. Sucesso na sua profissão – ele recebeu uma cátedra (cátedra de Direito Romano) na Universidade de Dorpat (hoje Tartu, Estônia) – Kandinsky começou a pintar estudos (desenho da vida, esboços e anatomia) aos 30 anos.

Em 1896, Kandinsky se estabeleceu em Munique, estudando primeiro na escola particular de Anton Ažbe e depois na Academia de Belas Artes. Ele retornou a Moscou em 1914, após o início da Primeira Guerra Mundial. Após a Revolução Russa, Kandinsky “se tornou um membro da administração cultural de Anatoly Lunacharsky” e ajudou a fundar o Museu da Cultura da Pintura. No entanto, naquela época “sua perspectiva espiritual … era estranha ao materialismo argumentativo da sociedade soviética”, e as oportunidades surgiam na Alemanha, para a qual ele retornou em 1920. Lá, ele ensinou na escola de arte e arquitetura Bauhaus, de 1922 até a Os nazistas o fecharam em 1933. Ele se mudou para a França, onde viveu pelo resto da vida, tornando-se cidadão francês em 1939 e produzindo algumas de suas obras mais importantes. Ele morreu em Neuilly-sur-Seine em 1944.

Concepção de arte
Ao escrever que “a música é o melhor professor”, Kandinsky embarcou nos sete primeiros de seus dez composições. Os três primeiros sobrevivem apenas em fotografias em preto e branco tiradas pela artista e amiga Gabriele Münter. Embora existam estudos, esboços e improvisações (particularmente da Composição II), um ataque nazista à Bauhaus na década de 1930 resultou no confisco das três primeiras composições de Kandinsky. Eles foram exibidos na exposição “Degenerate Art”, patrocinada pelo Estado, e depois destruídos (junto com obras de Paul Klee, Franz Marc e outros artistas modernos).

Fascinado pela escatologia cristã e pela percepção de uma nova era vindoura, um tema comum entre as sete primeiras composições de Kandinsky é o apocalipse (o fim do mundo como o conhecemos). Escrevendo o “artista como profeta” em seu livro, Concerning the Spiritual In Art, Kandinsky criou pinturas nos anos imediatamente anteriores à Primeira Guerra Mundial, mostrando um cataclismo próximo que alteraria a realidade individual e social. Tendo uma crença devota no cristianismo ortodoxo, Kandinsky recorreu às histórias bíblicas da Arca de Noé, Jonas e a baleia, a ressurreição de Cristo, os quatro cavaleiros do Apocalipse no livro do Apocalipse, os contos populares russos e as experiências mitológicas comuns de morte e renascimento. Nunca tentando imaginar nenhuma dessas histórias como uma narrativa, ele usou suas imagens veladas como símbolos dos arquétipos da morte – renascimento e destruição – criação que considerava iminentes no mundo anterior à Primeira Guerra Mundial.

Como afirmou em Concerning the Spiritual In Art (veja abaixo), Kandinsky sentiu que um autêntico artista que cria arte a partir de “uma necessidade interna” habita a ponta de uma pirâmide ascendente. Essa pirâmide em progresso está penetrando e prosseguindo no futuro. O que era estranho ou inconcebível ontem é comum hoje; o que é vanguarda hoje (e entendido apenas por poucos) é de conhecimento comum amanhã. O artista-profeta moderno fica sozinho no ápice da pirâmide, fazendo novas descobertas e inaugurando a realidade de amanhã. Kandinsky estava ciente dos recentes desenvolvimentos científicos e dos avanços dos artistas modernos que haviam contribuído para radicalmente novas maneiras de ver e experimentar o mundo.

A composição IV e as pinturas posteriores se preocupam principalmente em evocar uma ressonância espiritual no espectador e no artista. Como em sua pintura do apocalipse pela água (Composição VI), Kandinsky coloca o espectador na situação de experimentar esses mitos épicos, traduzindo-os em termos contemporâneos (com uma sensação de desespero, agitação, urgência e confusão). Essa comunhão espiritual de espectador-pintor-artista / profeta pode ser descrita dentro dos limites de palavras e imagens.

Teórico artístico e espiritual
Como os ensaios de Der Blaue Reiter Almanac e teorização com o compositor Arnold Schoenberg indicam, Kandinsky também expressou a comunhão entre artista e espectador como estando disponível tanto para os sentidos quanto para a mente (sinestesia). Ouvindo tons e acordes enquanto ele pintava, Kandinsky teorizou que (por exemplo), amarelo é a cor do meio C em um trompete ousado; preto é a cor do fechamento e do fim das coisas; e que combinações de cores produzem frequências vibracionais, semelhantes a acordes tocados em um piano. Em 1871, o jovem Kandinsky aprendeu a tocar piano e violoncelo.

Kandinsky também desenvolveu uma teoria das figuras geométricas e seus relacionamentos – alegando, por exemplo, que o círculo é a forma mais pacífica e representa a alma humana. Essas teorias são explicadas em Ponto e linha para avião (veja abaixo).

O lendário design de palco de Kandinsky para uma performance de “Pictures at a Exhibition” de Mussorgsky ilustra seu conceito sinestésico de uma correspondência universal de formas, cores e sons musicais. Em 1928, no teatro de Dessau, Wassily Kandinsky realizou a produção teatral de “Pictures at a Exhibition”. Em 2015, os desenhos originais dos elementos do palco foram animados com a moderna tecnologia de vídeo e sincronizados com a música de acordo com as notas preparatórias de Kandinsky e o roteiro do diretor de Felix Klee.

Durante os estudos que Kandinsky fez na preparação da Composição IV, ele ficou exausto enquanto trabalhava em uma pintura e foi passear. Enquanto ele estava fora, Gabriele Münter arrumou seu estúdio e inadvertidamente virou a tela de lado. Ao retornar e ver a tela (mas ainda não a reconhecendo), Kandinsky caiu de joelhos e chorou, dizendo que era a pintura mais bonita que ele já vira. Ele havia sido libertado do apego a um objeto. Como quando ele viu pela primeira vez os palheiros de Monet, a experiência mudaria sua vida.

Em outro episódio com Münter durante os anos expressionistas abstratos da Baviera, Kandinsky estava trabalhando em sua composição VI. Após quase seis meses de estudo e preparação, ele pretendia que o trabalho evocasse uma inundação, batismo, destruição e renascimento simultaneamente. Depois de descrever o trabalho em um painel de madeira do tamanho de um mural, ele ficou bloqueado e não pôde continuar. Münter disse que ele estava preso em seu intelecto e não alcançava o verdadeiro sujeito da imagem. Ela sugeriu que ele simplesmente repetisse a palavra uberflut (“dilúvio” ou “inundação”) e se concentrasse mais no som do que no significado. Repetindo essa palavra como um mantra, Kandinsky pintou e completou o trabalho monumental em um período de três dias.

Escritos teóricos sobre arte
As análises de Kandinsky sobre formas e cores resultam não de associações de idéias simples e arbitrárias, mas da experiência interior do pintor. Ele passou anos criando pinturas abstratas e sensorialmente ricas, trabalhando com formas e cores, observando incansavelmente suas próprias pinturas e as de outros artistas, observando seus efeitos sobre seu senso de cor. Essa experiência subjetiva é algo que qualquer um pode fazer – não observações científicas objetivas, mas internas, subjetivas, o que o filósofo francês Michel Henry chama de “subjetividade absoluta” ou “vida fenomenológica absoluta”.

Sobre o espiritual na arte
Publicado em Munique em 1911, o texto de Kandinsky, Über das Geistige in der Kunst, define três tipos de pintura; impressões, improvisações e composições. Enquanto as impressões são baseadas em uma realidade externa que serve como ponto de partida, improvisações e composições retratam imagens emergentes do inconsciente, embora a composição seja desenvolvida de um ponto de vista mais formal. Kandinsky compara a vida espiritual da humanidade a uma pirâmide – o artista tem a missão de levar outras pessoas ao pináculo com seu trabalho. O ponto da pirâmide são esses poucos, grandes artistas. É uma pirâmide espiritual, avançando e ascendendo lentamente, mesmo que às vezes pareça imóvel. Durante períodos decadentes, a alma afunda no fundo da pirâmide; a humanidade busca apenas o sucesso externo, ignorando as forças espirituais.

As cores na paleta do pintor evocam um efeito duplo: um efeito puramente físico sobre os olhos, que é encantado pela beleza das cores, semelhante à impressão alegre quando comemos uma iguaria. Esse efeito pode ser muito mais profundo, porém, causando uma vibração da alma ou uma “ressonância interna” – um efeito espiritual no qual a cor toca a própria alma.

“Necessidade interior” é, para Kandinsky, o princípio da arte e o fundamento das formas e a harmonia das cores. Ele o define como o princípio do contato eficiente da forma com a alma humana. Toda forma é a delimitação de uma superfície por outra; possui um conteúdo interno, o efeito que produz sobre quem o olha atentamente. Essa necessidade interior é o direito do artista à liberdade ilimitada, mas essa liberdade se torna licença se não for fundada em tal necessidade. A arte nasce da necessidade interior do artista de maneira enigmática e mística, pela qual adquire uma vida autônoma; torna-se um sujeito independente, animado por uma respiração espiritual.

As propriedades óbvias que podemos ver quando olhamos para uma cor isolada e a deixamos agir sozinha; de um lado, o calor ou a frieza do tom da cor; do outro, a clareza ou obscuridade desse tom. O calor é uma tendência para o amarelo e o frio é uma tendência para o azul; amarelo e azul formam o primeiro grande contraste dinâmico. Amarelo tem um movimento excêntrico e azul um movimento concêntrico; uma superfície amarela parece se aproximar de nós, enquanto uma superfície azul parece se afastar. O amarelo é uma cor tipicamente terrestre, cuja violência pode ser dolorosa e agressiva. O azul é uma cor celeste, evocando uma calma profunda. A combinação de azul e amarelo produz imobilidade total e calma, que é verde.

A clareza é uma tendência para o branco, e a obscuridade é uma tendência para o preto. Branco e preto formam o segundo grande contraste, que é estático. O branco é um silêncio profundo e absoluto, cheio de possibilidades. O preto é o nada sem possibilidade, um eterno silêncio sem esperança e corresponde à morte. Qualquer outra cor ressoa fortemente em seus vizinhos. A mistura de branco com preto leva ao cinza, que não possui força ativa e cuja tonalidade é próxima à do verde. Gray corresponde à imobilidade sem esperança; tende a se desesperar quando escurece, recuperando pouca esperança quando ilumina.

O vermelho é uma cor quente, animada e agitada; é forte, um movimento em si. Misturado com preto, torna-se marrom, uma cor dura. Misturado com amarelo, ganha calor e fica laranja, o que dá um movimento irradiante ao seu redor. Quando o vermelho é misturado com o azul, ele se afasta do homem para ficar roxo, que é um vermelho frio. Vermelho e verde formam o terceiro grande contraste, e laranja e roxo o quarto.

Ponto e linha para plano
Em seus escritos, publicados em Munique por Verlag Albert Langen em 1926, Kandinsky analisou os elementos geométricos que compõem todas as pinturas – o ponto e a linha. Ele chamou o suporte físico e a superfície material na qual o artista desenha ou pinta o plano básico, ou BP. Ele não os analisou objetivamente, mas do ponto de vista de seus efeitos internos sobre o observador.

Um ponto é um pequeno pedaço de cor colocado pelo artista na tela. Não é um ponto geométrico nem uma abstração matemática; é extensão, forma e cor. Essa forma pode ser um quadrado, um triângulo, um círculo, uma estrela ou algo mais complexo. O ponto é a forma mais concisa, mas, de acordo com sua localização no plano básico, ele terá uma tonalidade diferente. Pode ser isolado ou ressoar com outros pontos ou linhas.

Uma linha é o produto de uma força que foi aplicada em uma determinada direção: a força exercida no lápis ou pincel pelo artista. As formas lineares produzidas podem ser de vários tipos: uma linha reta, que resulta de uma força única aplicada em uma única direção; uma linha angular, resultante da alternância de duas forças em direções diferentes, ou uma linha curva (ou ondulada), produzida pelo efeito de duas forças agindo simultaneamente. Um plano pode ser obtido por condensação (a partir de uma linha girada em torno de uma de suas extremidades). O efeito subjetivo produzido por uma linha depende de sua orientação: uma linha horizontal corresponde ao solo sobre o qual o homem repousa e se move; possui uma tonalidade afetiva escura e fria semelhante ao preto ou azul. Uma linha vertical corresponde à altura e não oferece suporte; possui uma tonalidade luminosa e quente perto de branco e amarelo. Uma diagonal possui uma tonalidade mais ou menos quente (ou fria), de acordo com sua inclinação para a horizontal ou a vertical.

Uma força que se desdobra, sem obstáculos, como a que produz uma linha reta, corresponde ao lirismo; várias forças que se confrontam (ou incomodam) formam um drama. O ângulo formado pela linha angular também possui uma sonoridade interna quente e próxima ao amarelo para um ângulo agudo (um triângulo), fria e semelhante ao azul para um ângulo obtuso (um círculo) e semelhante ao vermelho para um ângulo reto (um quadrado).

O plano básico é, em geral, retangular ou quadrado. portanto, é composto por linhas horizontais e verticais que o delimitam e definem como uma entidade autônoma que apóia a pintura, comunicando sua tonalidade afetiva. Essa tonalidade é determinada pela importância relativa das linhas horizontais e verticais: os horizontais dão uma tonalidade calma e fria ao plano básico, enquanto as verticais conferem uma tonalidade calma e quente. O artista intui o efeito interno do formato e das dimensões da tela, que ele escolhe de acordo com a tonalidade que deseja dar ao seu trabalho. Kandinsky considerava o plano básico um ser vivo, que o artista “fertiliza” e sente “respirar”.

Cada parte do plano básico possui uma coloração afetiva; isso influencia a tonalidade dos elementos pictóricos que serão desenhados e contribui para a riqueza da composição resultante de sua justaposição na tela. O acima do plano básico corresponde à frouxidão e à leveza, enquanto o abaixo evoca condensação e peso. O trabalho do pintor é ouvir e conhecer esses efeitos para produzir pinturas que não são apenas o efeito de um processo aleatório, mas o fruto do trabalho autêntico e o resultado de um esforço em direção à beleza interior.

Este livro contém muitos exemplos fotográficos e desenhos das obras de Kandinsky, que oferecem a demonstração de suas observações teóricas e permitem ao leitor reproduzir nele a obviedade interior, desde que dedique algum tempo para observar essas figuras com cuidado, para que ele as deixe agindo por sua própria sensibilidade e que ele deixou vibrar as cordas sensíveis e espirituais de sua alma.

A exibição
O objetivo do espetáculo é fazer com que o espectador compreenda a vida e obra do pintor e também o relacionamento com outros artistas e com a cultura de seu tempo. A idéia é entender o contexto que ajudou em sua formação, mergulhar no mundo que cercou e influenciou Kandinsky.

A seleção dos trabalhos acompanhou a biografia do artista até sua partida definitiva da Rússia, em 1922, as memórias, artigos e catálogos das exposições organizadas durante a vida do pintor, especialmente “O Cavaleiro Azul” e o “Salão Izdebsky”. Dedicado precisamente aos detalhes que explicam e completam nosso conhecimento sobre Kandinsky

Compreender o gênio criativo implica entender a sensibilidade que marcou a história da arte no século XX. Esta exposição apresenta o prólogo dessa história enriquecida, que é a arte moderna e contemporânea. A maneira pela qual a transição para a abstração foi forjada, os recursos dos quais a figuração não é mais a única maneira possível de representar os estados mais vitais do ser humano e, finalmente, o novo caminho que foi explorado desde essa ruptura.

A exposição também retrata Kandinsky como um personagem poético e lírico e aborda momentos de descoberta ao longo de sua trajetória. Em um dos espaços, o público também pode ver cartas trocadas entre o pintor e o compositor clássico Arnold Schoenberg, criador do dodecafonismo – um sistema de organização musical no qual as 12 notas são tocadas sem seguir a escala dos tons.

luzes
O caráter espiritual é uma das características mais marcantes do conjunto de mais de 150 obras, incluindo pinturas, gravuras e objetos, exibidos em quatro andares do centro cultural.

Logo na entrada da exposição, a pintura São Jorge (1911), em traços abstratos, com a figura do cavaleiro carregando sua lança quase irreconhecível. A presença de elementos espirituais se torna constante ao longo do show.

O pintor russo nascido em 1866 foi influenciado pelos rituais xamânicos da região e os usou como tema, mesmo em composições menos figurativas. Ele não era exatamente um praticante de xamãs, mas aproveitou a simbologia em suas obras.

Kandinsky foi único em dar expressão gráfica a sentimentos como raiva e angústia através da cor de suas fotos ”, diz Athayde. Ele conseguiu, com pinceladas abstratas, representar o subjetivo de cada pessoa.

Máscaras, colares, botas e outros acessórios das tribos do norte da Rússia, pendurados ao lado das pinturas, servem como referência cultural da época. Muitos desses itens são pintados em algumas obras. Os vídeos ajudam a reconstruir a trajetória de Kandinsky, desde a infância em Moscou até a formação de advogado e a mudança para a Alemanha, onde lecionou na famosa Bauhaus, uma escola de design de vanguarda.

Amigos de Kandinsky, como o russo Kazimir Malevich, um dos mentores do suprematismo, ganham espaço no segundo andar. O Triunfo do Céu está em exibição (1907). Expostos lado a lado, Dois Ovais (1919) e Crepuscular (1917) mostram a importância das cores para o pintor. Na primeira foto, as cores primárias representam uma espécie de ritual de pesca. No segundo, os tons escuros dão um ar melancólico à composição.

Detalhes como fotos, livros e pôsteres registram a amizade de Kandinsky com o compositor austríaco Schoenberg underground. E, como não poderia faltar, existe uma instalação multimídia na qual o visitante usa óculos 3D e um fone de ouvido para “mergulhar” em uma das obras mais conhecidas do russo, No Branco (1920), que termina em o passeio.

Centro Cultural Banco do Brasil no Rio de Janeiro
O Centro Cultural Banco do Brasil do Rio de Janeiro, brevemente CCBB Rio de Janeiro ou CCBB RJ, é um centro cultural localizado no centro do distrito, na Zona Central da cidade do Rio de Janeiro. Faz parte de uma rede de espaços culturais, denominada Centro Cultural Banco do Brasil, gerenciada e mantida pelo Banco do Brasil.

O prédio ocupado pelo CCBB RJ, localizado no nº 66 da Rua Primeiro de Março, possui uma área construída de 19.243 m², dos quais 15.046 m² são ocupados pelo centro. Localizado na Orla Conde, em frente ao Largo da Candelária.

O edifício possui os seguintes espaços no interior: salas de exposições no primeiro e segundo andares; uma sala de cinema com 110 lugares no térreo; uma sala com 53 assentos para exibição de vídeos no mezanino; três salas para espetáculos de teatro, uma no térreo, com 175 lugares, e mais duas no segundo andar, uma com 158 lugares e uma sem assentos fixos, para shows alternativos; um auditório com 90 lugares no quarto andar; e uma biblioteca no quinto andar.

Segundo pesquisa publicada pelo The Art Newspaper em abril de 2014, o CCBB RJ foi considerado o 21º museu de arte mais visitado do mundo, com um total de 2.034.397 visitantes em 2013. Segundo o mesmo site, a exposição Picasso e a modernidade espanhola, realizada no o centro cultural, foi considerada a exposição pós-impressionista e moderna mais visitada do mundo em 2015.