A Coleção de Arte Românica é uma das mais importantes e emblemáticas do Museu por sua série excepcional de conjuntos de pintura de parede. De fato, sua singularidade é incomparável em qualquer outro museu do mundo. Muitas dessas pinturas, de pequenas igrejas rurais nos Pirenéus e em outras partes da Antiga Catalunha, eram conhecidas e valorizadas desde os primeiros anos do século XX, especialmente após a expedição aos Pirenéus (1907) de uma missão do Institut d’Estudis Catalans. , que mais tarde publicou Les murals catalanes. Anos depois, descobriu-se que um grupo de financiadores estrangeiros e antiquários havia comprado a maioria das pinturas a granel nos Estados Unidos. Embora na época não houvesse leis na Espanha que proibissem a expatriação de obras de arte, o Conselho de Museus realizou uma operação eficiente de resgate, desenraizamento e transferência para o Museu de Barcelona (1919-1923), então no Parque Ciutadella, para proteger essa herança românica, uma arte de total singularidade que foi vista como um símbolo do nascimento e da formação da Catalunha.

A rota das salas de arte românica é basicamente cronológica e estilística e mostra as diferentes tendências artísticas da arte românica na Catalunha, com obras que pertencem basicamente aos séculos XI, XII e XIII.

O itinerário começa com as pinturas murais de Sant Joan de Boí, próximas à tradição franco-carolíngia, e continua com os conjuntos de influência italiana que dominam a cena pictórica desde o final do século XI, sem dúvida ligados ao momento de Reforma gregoriana, com exemplos como as pinturas murais de Sant Quirze de Pedret, Santa Maria d’Aneu ou Sant Pere del Burgal.

Uma das obras-primas da coleção são as pinturas da abside de Sant Climent de Taüll, com o famoso Pantocrator ou Cristo em Majestade, a indiscutível obra-prima do século XII e um teste tangível do poder criativo da pintura catalã. é toda a Santa Maria de Taüll, o exemplo mais importante de um interior de igreja românica totalmente pintado que preservou grande parte dessa decoração.

O final do passeio foca nas pinturas de San Pedro de Arlanza e na casa capitular de Sixena. Quanto a este último, esta é uma das pinturas mais magníficas no estilo de renovação de 1200 na Europa e é preservada no Museu após o forte incêndio que sofreu em 1936, durante a Guerra Civil.

O passeio também mostra outras técnicas que distinguem a arte catalã, como pintura em madeira ou escultura em madeira, e outras que complementam a visão estética da arte românica, como ourivesaria ou escultura em pedra.

A coleção de pinturas sobre a mesa, única na Europa, também é uma seção única da pintura românica, tanto em termos da quantidade quanto da antiguidade das obras catalãs que são preservadas – também resultado do interesse romano na arte românica desde o final do século. século XIX – quanto à qualidade e diversidade técnica que eles mostram. Fronteiras como os chamados Apóstolos ou La Seu d’Urgell, os de Alós d’Isil, de Avià ou Cardet podem ser considerados paradigmas de uma técnica pictórica original e de grande interesse artístico. Por outro lado, a coleção de esculturas em madeira oferece uma visão ampla e completa do românico, com obras de destaque em vários tipos, como a Virgem de Ger, a Majesty Batlló ou as esculturas da Descida de Erill la Vall.

Vale mencionar também os exemplos de escultura em pedra, entre os quais algumas peças de Ripoll e um grande grupo de obras de toda a cidade de Barcelona, ​​com as refinadas capitais de mármore do antigo hospital. São Nicolau. Finalmente, a coleção possui uma amostra significativa de esmaltes, produzidos principalmente em Limoges, como o Haste Mondoñedo.

Entre dezembro de 2010 e junho de 2011, os quartos da coleção românica foram fechados devido à manutenção e reforma do discurso do museu. Durante esse período, a iluminação, as condições de conservação preventiva e as partes mais desgastadas do pavimento foram melhoradas. Eles foram reabertos em 29 de junho de 2011, em um ato apresentado por Narcís Serra.

Arquitetura como estrutura das artes
Durante os séculos 11, 12 e 13, as construções civis e militares, como palácios e fortificações, assumiram grande importância. Poucos restos são conservados se os compararmos com tipos de obras religiosas; por esse motivo, grande parte do conhecimento que temos hoje sobre a arquitetura e a arte do período românico está relacionado a igrejas, bem como a catedral e conjuntos monásticos.

Para entender o sentido da maioria das obras românicas, deve-se levar em conta que o edifício é a estrutura para o restante da produção. O espaço interior se adapta às necessidades litúrgicas de cada centro e, portanto, é hierárquico. Um dos pontos mais relevantes é o altar e seus arredores, o presbitério, onde se realiza o ato essencial da missa: a Eucaristia. A forma mais comum do altar é a mensa ou mesa, com uma cobertura que pode ser toalhas ou painéis pintados ou esculturas, ou pode ser coberta com metais preciosos, como ouro ou prata. A maioria dos objetos ou obras é destinada a este espaço (baldachins, fachadas de altar, imagens, etc.). Em suma, a abside, que preside o presbitério e o altar, é geralmente o local da igreja em que está localizada a representação pictórica mais importante, com uma teofania ou representação da divindade no centro.

A igreja de Santa Maria de Taüll é o exemplo mais completo que se conserva da decoração pictórica de um interior românico. Você pode encontrar no cofre da abside a Epifania ou a adoração dos reis, com a Mãe de Deus como um trono para o menino Jesus. Este conjunto é completado com cenas do Julgamento Final e outras histórias bíblicas nas paredes, bem como nas colunas e nos arcos de separação das naves. As diferenças estilísticas destacam a mão de dois mestres, aquele que pintou a abside e o autor do Julgamento Final.

O interior de um edifício românico era muito mais suntuoso do que se pode imaginar dos restos mortais de hoje. É necessário incluir os objetos destinados ao culto, das imagens às taças sagradas usadas ao redor do altar. Nesses casos, a produção foi muito variada em termos de materiais e técnicas, mas vale destacar as oficinas dos ourives e ourivesaria especializados em trabalhos em ouro, prata e esmalte.

Do lado de fora dos edifícios, há uma decoração escultórica e pictórica nos pontos mais notáveis ​​ao redor das portas e claustros, e também nos móveis litúrgicos ou usados ​​para fins funerários. Um exemplo paradigmático de decoração escultural pode ser encontrado no portal monumental de Santa Maria de Ripoll.

Aspectos formais
Apesar da sua internacionalização, a arte românica apresenta uma grande variedade de movimentos estilísticos que dependem do momento e da área, e também do contexto cultural e artístico dos promotores e artistas. Em geral, nas artes figurativas, as formas tendem a ser distorcidas em comparação com as formas naturais, no sentido de uma dependência de padrões geométricos, abstração e uma certa rigidez. Mas também poderiam ser fornecidas soluções, baseadas em uma certa expressividade e dinamismo, ou em outras inspiradas na arte da antiguidade.

Outra característica do românico é a vivacidade das cores. A densidade das dobras e contornos definidos de forma limpa nos corpos, sem qualquer referência à terceira dimensão. Por volta do ano 1200, no entanto, a arte passou por uma forte renovação, como por exemplo a moldagem dos corpos, com mais volume, um tratamento mais parecido com o movimento e os gestos e com rostos mais expressivos.

Em relação à escultura, recuperou-se o senso de moldagem, que buscava contrastes de luz e sombra na pedra. A contribuição da antiguidade é especialmente visível em alguns conjuntos inspirados nos sarcófagos romanos antigos (essa contribuição é especialmente significativa na célebre obra de Mestre de Cabestany) e também nas capitólias do tipo coríntio. Pode ser visto assim nas capitólias de Besalú, com um esquema baseado em duas ou três fileiras de folhas de acanto e nas abóbadas desenvolvidas em ângulos. Paralelamente a essa atenção aos temas vegetais, também foram desenvolvidas representações figurativas, como pode ser visto nos pilares de Sant Miquel de Camarasa.

O marco histórico da arte românica
A arte românica responde a um contexto histórico específico, marcado pelas condições favoráveis ​​que foram produzidas a partir de meados do século 10, quando a Europa Ocidental se recuperou gradualmente após um período de instabilidade. Isso resultou em melhorias nas técnicas agrícolas, em um aumento demográfico, na revitalização do comércio e na melhoria das comunicações. Foi o período do feudalismo, baseado em uma estrutura social muito hierárquica.

A Igreja participou dessa estrutura, desde o início como defensora dos valores espirituais. A partir do papado em Roma, foi realizada uma profunda reforma, conhecida como Reforma Gregoriana, com o objetivo de lutar contra o relaxamento moral do clero e também com o objetivo de fortalecer a independência da Igreja em relação ao poder secular. Esse ambiente de reforma resultou em uma impressionante política de construção, que promoveu a construção de novos edifícios e a reforma de outros já existentes.

O interesse pela Terra Santa (Jerusalém, Belém, etc.), onde Jesus Cristo viveu, e por centros que possuíam as relíquias dos santos mais apreciados (especialmente Roma e Santiago de Compostela), levaram ao desenvolvimento de uma série de meios de comunicação para as peregrinações, o que contribuiu para a internacionalização da arte. A circulação do conhecimento levou à chegada ao Ocidente da influência da arte bizantina, tanto na forma de pinturas quanto de esculturas. As cruzadas, expedições cristãs para libertar a Terra Santa dos muçulmanos, iniciadas no final do século 11, também favoreceram a intensificação dos contatos. A relação com o mundo islâmico também trouxe um grande enriquecimento nos campos cultural e artístico.

Os promotores e os artistas
A iniciativa das construções foi realizada principalmente pelas contagens e autoridades da igreja e pela nobreza, que eles financiaram principalmente através de doações. Um bom exemplo disso são as pinturas da abside da igreja do mosteiro de Santa Maria del Burgal, nas quais, além dos personagens bíblicos, há uma representação do promotor e da família do conde: a condessa Llúcia, esposa do conde Arnau I de Pallars Sobirà. Ela aparece com uma atitude de oferta, parecendo respeitosa, de acordo com o momento solene da oferta.

O portal monumental da Ripoll é outro bom exemplo da importância dos promotores. Seu extenso programa escultórico pode ter um sentido além do estritamente religioso, de evocar a consagração da igreja pelo abade Oliba, em 1032, que era empresário de uma importante atividade construtiva que é evidente na importância de Ripoll como um centro monástico internacional. relevância.

O arquiteto ou o mestre de obras, juntamente com as oficinas ou escultores e pintores, trabalhou de acordo com a iniciativa do promotor e seguindo um programa definido, contribuindo com sua capacidade de execução do projeto e seu domínio técnico. Os artistas fizeram seu trabalho com base em modelos estabelecidos, apesar de também ser necessário aceitar algumas margens de criatividade. Além disso, sabe-se que alguns deles foram integrados nas comunidades. Diferentemente dos tempos mais recentes, é mais fácil conhecer os nomes dos promotores e não os dos artistas, situação que não mudaria até a arte gótica.

Um dos poucos cujo nome conhecemos na Catalunha era o escultor Arnau Cadell, que se representou esculpindo uma capital no claustro de Sant Cugat del Vallès. Mais tarde, no século XIII, o frontal de Aragão em Gia contém uma inscrição com o nome da autora, Joan, um gesto que deve ser interpretado como um sinal de auto-afirmação e orgulho.

Os historiadores da arte usam o termo mestre para designar o autor de uma obra ou de uma série de obras estilisticamente relacionadas. A própria natureza das obras determinou que os arquitetos, escultores de pedra e pintores de murais tivessem que viajar, trabalhando de um lugar para outro, atendendo às comissões recebidas. Mas também houve oficinas estáveis, como é sabido pela produção de esmaltes provenientes de Limoges.

Esses estúdios, oficinas e grupos artísticos itinerantes localizavam-se perto dos lugares mais importantes das dioceses e das principais abadias, que eram seus principais clientes. Não sabemos quase nada sobre as oficinas que funcionaram na Catalunha no período românico. Apenas, e como hipótese, fala-se da existência de uma oficina baseada em afinidades ou técnicas estilísticas em vários trabalhos. Na Catalunha, falou-se de supostas oficinas, como as de Ripoll, Seu d’Urgell, Vic ou Girona.

Arte românica na Catalunha e sua relação com a arte européia
Nos condados catalães, a arte românica se manifestou desde o início do século 11 e durou até o século 13. Na arquitetura e na arte, pertencia aos grandes centros europeus, especialmente os da Itália e do Languedoc, de tal maneira que as influências externas eram determinantes para as transformações sucessivas.

No início, os mais importantes centros artísticos refletiam a continuidade em relação ao século 10, marcada pela tradição carolíngia, como pode ser visto na igreja do mosteiro de Sant Pere de Rodes. Durante a maior parte do século 11, a arquitetura apresentou soluções derivadas do fim do mundo antigo e da Itália, que também foram usadas em grande parte do Mediterrâneo ocidental. O exemplo mais importante, entre os conservados, é o de Sant Vicenç de Cardona. E não se deve esquecer a ilustração de manuscritos como os do mosteiro de Ripoll.

A pintura, especialmente por volta de 1100, apresentava tendências diferentes, algumas marcadas pelas influências italianas e outras mais intimamente ligadas aos centros artísticos franceses. Foi nesses momentos que um pintor extraordinário estava trabalhando em Sant Climent de Taüll, a igreja consagrada em 1123.

A contribuição de movimentos e oficinas do exterior seria uma constante que alimentaria as transformações arquitetônicas e artísticas também entre a segunda metade do século XII e por volta de 1200. As influências que chegaram de Toulouse do Languedoc seriam a base mais significativa da escultura de meados do século XII. Por volta de 1200, uma profunda renovação, claramente promovida pela aristocracia e pelos tribunais, representou a incorporação na Catalunha de tendências bizantinas. Em alguns casos, as manifestações refletiam as últimas tendências da época que levariam ao gótico, numa fase posterior.

O românico no contexto: onde, quando e como
O termo românico foi adotado no século XIX por designar alguns movimentos artísticos que eram considerados em débito com a arte romana desde os tempos antigos, especialmente em termos de arquitetura. Desde então, essa palavra foi aplicada, mas deve-se levar em conta que a arte desenvolvida no coração da Idade Média, fundamentalmente nos séculos 11 e 12, apresentava uma grande variedade de tendências.

No início, estava ligada ao mundo carolíngio (das últimas décadas do século 8 ao século 9) e ao mundo otoniano (de meados do século 10 ao primeiro terço do século 13), enquanto no por fim, coexistiu com as primeiras manifestações da arte gótica, que surgiram aproximadamente a partir de 1140.

Geograficamente, constitui uma parte muito importante da Europa, especialmente o sul e oeste, da Escandinávia ao Mediterrâneo, embora também tenha sido introduzida na Terra Santa. O românico é a primeira arte medieval ocidental a alcançar homogeneidade e internacionalização, apesar de apresentar inúmeras variações regionais.

O componente simbólico
A arte românica é marcada pelo simbolismo, de tal maneira que os episódios e personagens devem ser interpretados de acordo com seu valor simbólico, mais do que com sua narrativa. O repertório temático é fundamentalmente baseado na Bíblia e na vida dos santos.

Os temas selecionados e sua localização na igreja respondem a vários objetivos. Antes de tudo, um sentido didático com a visão dos fiéis, a quem era necessário ilustrar os aspectos essenciais da religião: as imagens são a Bíblia dos analfabetos. Frequentemente, os temas aparecem como um aviso dos perigos de cair no pecado, ou como uma imagem da luta entre o bem e o mal. A adoração e a liturgia também influenciam a organização dos temas, na medida em que são um reflexo das cerimônias e eventos que podem ocorrer dentro ou fora das igrejas. Em alguns casos, um sentido político também pode ser observado, entendido como uma referência à demonstração de poder ou como uma referência aos governantes.

Mas por trás do simbolismo mais imediato das cenas, também existem outros níveis de interpretação que nem sempre estavam ao alcance dos espectadores. Alguns tópicos são difíceis de interpretar ou aparecem em pontos distantes dos olhos do espectador.

A técnica da pintura mural. Desmontagem, transferência e chegada ao museu
A parte mais importante da coleção de pinturas murais do museu foi reunida em uma operação realizada entre 1919 e 1923. Descobriu-se que as pinturas românicas da igreja de Santa Maria de Mur, no Pallars Jussà, haviam sido vendido e removido da parede. Considerou-se, portanto, que o restante da pintura mural românica catalã estava em risco. A ação decisiva da Junta de Museus e Joaquim Folch i Torres, diretor do museu na época, inverteram a situação. Entre o outono de 1919 e 1923, as pinturas foram adquiridas, retiradas de seu suporte original, nas paredes das igrejas e transferidas para Barcelona, ​​onde foram fixadas em outro suporte e prontas para serem exibidas no museu .

Quase todas as pinturas murais românicas do museu foram removidas das paredes usando a técnica de Strappo, ou seja, apenas a camada pictórica é extraída, deixando o revestimento de gesso na parede original.

No processo técnico de pintar uma parede ao ar livre, os pigmentos são aplicados na parede sobre uma camada de argamassa ainda úmida. Quando a argamassa seca, os pigmentos cristalizam junto com a própria argamassa.

Na Catalunha, os pigmentos mais utilizados no período românico foram as terras naturais dos Pirineus: hematitos para vermelho ou aerinita para azul. Em casos excepcionais, foram utilizados os importados, como lápis-lazúli ou azurita para azul.

Museu Nacional de Arte da Catalunha
O Museu Nacional de Arte da Catalunha, também conhecido por sua sigla MNAC, é um museu de arte na cidade de Barcelona que reúne todas as artes cuja missão é preservar e exibir a coleção do mundo mais importante da arte catalã, mostrando tudo do românico até o presente. Seu atual diretor é Josep Serra.

O MNAC é um consórcio com personalidade jurídica própria, constituído pela Generalitat de Catalunya, pelo Conselho da Cidade de Barcelona e pela Administração Geral do Estado. Além das administrações públicas, indivíduos e entidades privadas que colaboram com a administração estão representados no conselho de administração do museu.

A sede principal está localizada no Palácio Nacional de Montjuïc, inaugurado em 1929 por ocasião da Exposição Internacional. Três outras instituições também fazem parte do museu como um todo: a Biblioteca do Museu Víctor Balaguer em Vilanova i la Geltrú, o Museu Garrotxa em Olot e o Museu Cau Ferrat em Sitges, cuja administração é independente e sua propriedade é baseada nos respectivos conselhos. .