Die romanische Kunstsammlung ist eine der wichtigsten und emblematischsten des Museums für ihre außergewöhnliche Serie von Wandmalereien. Tatsächlich ist seine Einzigartigkeit in keinem anderen Museum der Welt zu finden. Viele dieser Gemälde aus kleinen ländlichen Kirchen in den Pyrenäen und anderen Teilen des alten Katalonien waren seit den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts bekannt und geschätzt, insbesondere nach der Pyrenäenexpedition (1907) einer Mission des Institut d’Estudis Catalans , die später Les Gemälde Wandbilder Catalanes veröffentlichte. Jahre später stellte sich heraus, dass eine Gruppe ausländischer Finanziers und Antiquitätenhändler die meisten Gemälde in den USA in großen Mengen gekauft hatte. Obwohl es zu dieser Zeit in Spanien keine Gesetze gab, die die Ausbürgerung von Kunstwerken verbieten, führte der Museumsrat eine effiziente Rettungs-, Entwurzelungs- und Transferoperation zum Barcelona-Museum (1919-1923) durch, um ihn dann im Ciutadella-Park zu schützen Dieses romanische Erbe, eine Kunst von völliger Einzigartigkeit, die als Symbol für die Geburt und Bildung Kataloniens angesehen wurde.

Die Route der romanischen Kunsträume ist im Wesentlichen chronologisch und stilistisch und zeigt die verschiedenen künstlerischen Tendenzen der romanischen Kunst in Katalonien mit Werken, die im Wesentlichen aus dem elften, zwölften und dreizehnten Jahrhundert stammen.

Die Reiseroute beginnt mit den Wandmalereien von Sant Joan de Boí, die der französisch-karolingischen Tradition nahe stehen, und setzt sich mit den italienischen Einflüssen fort, die seit dem Ende des elften Jahrhunderts die Bildszene beherrschten und zweifellos mit der Dynamik von verbunden sind Gregorianische Reform mit Beispielen wie den Wandgemälden von Sant Quirze de Pedret, Santa Maria d’Aneu oder Sant Pere del Burgal.

Eines der Meisterwerke der Sammlung sind die Gemälde der Apsis von Sant Climent de Taüll mit dem berühmten Pantokrator oder Christus in Majestät, dem unbestrittenen Meisterwerk des 12. Jahrhunderts, und ein greifbarer Test für die schöpferische Kraft der katalanischen Malerei Es ist ganz Santa Maria de Taüll, das wichtigste Beispiel für ein vollständig bemaltes romanisches Kircheninnere, das einen Großteil dieser Dekoration bewahrt hat.

Das Ende der Tour konzentriert sich auf die Gemälde von San Pedro de Arlanza und die des Kapitelsaals von Sixena. In Bezug auf letzteres ist dies eines der prächtigsten Gemälde im Erneuerungsstil von 1200 in Europa und wird nach dem schweren Brand im Jahr 1936 während des Bürgerkriegs im Museum aufbewahrt.

Die Tour zeigt auch andere Techniken, die die katalanische Kunst auszeichnen, wie das Malen auf Holz oder Holzskulpturen, und andere, die die ästhetische Vision der romanischen Kunst ergänzen, wie Goldschmiedekunst oder Skulptur in Stein.

Die in Europa einzigartige Sammlung von Gemälden auf dem Tisch ist auch ein einzigartiger Teil der romanischen Malerei, sowohl in Bezug auf die Menge als auch auf die Antike der erhaltenen katalanischen Werke – auch das Ergebnis des römischen Interesses an romanischer Kunst vom Ende des 19. Jahrhundert – was die Qualität und technische Vielfalt betrifft, die sie zeigen. Grenzen wie die sogenannten Apostel oder La Seu d’Urgell, die von Alós d’Isil, von Avià oder Cardet können als Paradigmen einer ursprünglichen Bildtechnik und von großem künstlerischem Interesse angesehen werden. Auf der anderen Seite bietet die Sammlung von Holzskulpturen einen weiten und vollständigen Blick auf die Romanik mit herausragenden Werken in verschiedenen Arten wie der Jungfrau von Deutschland, der Majestät Batlló oder den Schnitzereien der Abstammung von Erill la Vall.

Erwähnenswert sind auch die Beispiele der Steinskulptur, darunter einige Stücke von Ripoll und eine große Gruppe von Werken aus der ganzen Stadt Barcelona mit den raffinierten Marmorkapitellen des alten Krankenhauses. St. Nicholas. Schließlich enthält die Sammlung eine bedeutende Auswahl an Emails, die hauptsächlich in Limoges hergestellt werden, wie beispielsweise den Mondoñedo-Stamm.

Zwischen Dezember 2010 und Juni 2011 waren die Räume der romanischen Sammlung wegen der Pflege und Renovierung des Museumsdiskurses geschlossen. Während dieser Zeit wurden die Beleuchtung, die Bedingungen für die vorbeugende Konservierung sowie die abgenutzten Teile des Pflasters verbessert. Sie wurden am 29. Juni 2011 in einem von Narcís Serra vorgelegten Akt wiedereröffnet.

Architektur als Rahmen der Künste
Während des 11., 12. und 13. Jahrhunderts gewannen die zivilen und militärischen Bauten wie Paläste und Befestigungen eine große Bedeutung. Es gibt nur wenige Überreste, die erhalten bleiben, wenn wir sie mit religiösen Werken vergleichen. Aus diesem Grund bezieht sich ein Großteil des Wissens, das wir heute über Architektur und Kunst aus der Romanik haben, auf Kirchen sowie Kathedralen- und Klosterensembles.

Um den Sinn der meisten romanischen Werke zu verstehen, sollte berücksichtigt werden, dass das Gebäude den Rahmen für den Rest der Produktion bildet. Der Innenraum passt sich den liturgischen Bedürfnissen jedes Zentrums an und ist daher hierarchisch. Einer der wichtigsten Punkte ist der Altar und seine Umgebung, das Presbyterium, in dem der wesentliche Akt der Messe stattfindet: die Eucharistie. Die üblichste Form des Altars ist die Mensa oder der Tisch mit einer Abdeckung, die entweder aus Handtüchern oder bemalten Tafeln oder Schnitzereien bestehen kann oder mit Edelmetallen wie Gold oder Silber bedeckt sein kann. Die meisten Objekte oder Werke sind für diesen Raum bestimmt (Baldachine, Altar-Frontispiz, Bilder usw.). Alles in allem ist die Apsis, die das Presbyterium und den Altar präsidiert, normalerweise der Ort in der Kirche, an dem sich die wichtigste bildliche Darstellung befindet, mit einer Theophanie oder Darstellung der Göttlichkeit im Zentrum.

Die Kirche Santa Maria de Taüll ist das vollständigste Beispiel für die bildliche Dekoration eines romanischen Innenraums. Auf dem Gewölbe der Apsis finden Sie die Offenbarung oder die Anbetung der Könige mit der Mutter Gottes als Thron für das Jesuskind. Abgerundet wird dieses Ensemble durch Szenen aus dem Abschlussprozess und andere biblische Geschichten an den Wänden sowie an den Säulen und den Trennbögen der Schiffe. Die stilistischen Unterschiede unterstreichen die Hand zweier Meister, desjenigen, der die Apsis gemalt hat, und des Autors des endgültigen Prozesses.

Das Innere eines romanischen Gebäudes war viel prächtiger, als man sich aus den heutigen Überresten vorstellen kann. Es ist notwendig, die für den Gottesdienst bestimmten Gegenstände einzubeziehen, von Bildern bis zu den heiligen Bechern, die rund um den Altar verwendet werden. In diesen Fällen war die Produktion in Bezug auf Materialien und Techniken sehr unterschiedlich, aber es lohnt sich, die Werkstätten der Gold- und Silberschmiede hervorzuheben, die auf Arbeiten in Gold, Silber und Emaille spezialisiert sind.

An der Außenseite der Gebäude befinden sich skulpturale und bildliche Verzierungen an den bemerkenswertesten Stellen, die sich um die Türen und Kreuzgänge befinden, sowie in den liturgischen Möbeln oder solchen, die für Bestattungszwecke verwendet werden. Ein paradigmatisches Beispiel für skulpturale Dekoration findet sich auf dem monumentalen Portal von Santa Maria de Ripoll.

Formale Aspekte
Trotz ihrer Internationalisierung präsentiert die romanische Kunst eine Vielzahl von Stilbewegungen, die vom Moment und der Region sowie vom kulturellen und künstlerischen Hintergrund der Veranstalter und Künstler abhängen. Im Allgemeinen neigten die Formen in den bildenden Künsten dazu, im Vergleich zu den natürlichen Formen verzerrt zu sein, was zu einer Abhängigkeit von geometrischen Mustern, Abstraktion und einer gewissen Starrheit führte. Es könnten aber auch Lösungen angeboten werden, die auf einer bestimmten Ausdruckskraft und Dynamik beruhen oder auf anderen, die von der Kunst der Antike inspiriert sind.

Ein weiteres Merkmal der Romanik ist die Lebendigkeit der Farben. Die Dichte der sauber definierten Falten und Konturen in Körpern ohne Bezug zur dritten Dimension. Um das Jahr 1200 wurde die Kunst jedoch stark renoviert, wie zum Beispiel das Formen der Körper mit mehr Volumen, eine Behandlung, die der Bewegung und den Gesten ähnlicher ist, und ausdrucksstärkere Gesichter.

In Bezug auf die Skulptur wurde das Gefühl des Formens wiederhergestellt, das nach Kontrasten von Licht und Schatten im Stein suchte. Der Beitrag der Antike ist besonders sichtbar in einigen Ensembles, die von antiken römischen Sarkophagen inspiriert sind (dieser Beitrag ist besonders wichtig für das berühmte Werk von Mestre de Cabestany), und auch in den Kapitolen vom korinthischen Typ. Es kann auf diese Weise in den Kapitolen von Besalú gesehen werden, mit einem Schema, das auf zwei oder drei Reihen von Akanthusblättern basiert, und in den Gewölben, die in Winkeln entwickelt wurden. Neben dieser Aufmerksamkeit für pflanzliche Themen wurden auch figurative Darstellungen entwickelt, wie aus den Säulen von Sant Miquel de Camarasa hervorgeht.

Der historische Rahmen der romanischen Kunst
Die romanische Kunst reagiert auf einen bestimmten historischen Kontext, der durch die günstigen Bedingungen gekennzeichnet ist, die ab der Mitte des 10. Jahrhunderts geschaffen wurden, als sich Westeuropa nach einer Zeit der Instabilität allmählich erholte. Dies führte zu Verbesserungen der landwirtschaftlichen Techniken, zu einem demografischen Anstieg, zur Wiederbelebung des Handels und zu einer verbesserten Kommunikation. Es war die Zeit des Feudalismus, die auf einer sehr hierarchischen sozialen Struktur beruhte.

Die Kirche war von Anfang an als Verteidiger der spirituellen Werte an dieser Struktur beteiligt. Vom Papsttum in Rom aus wurde eine tiefgreifende Reform durchgeführt, die als Gregorianische Reform bekannt ist, um gegen die moralische Entspannung der Geistlichen zu kämpfen und um die Unabhängigkeit der Kirche in Bezug auf die weltliche Macht zu stärken. Dieses Umfeld der Renovierung führte zu einer beeindruckenden Baupolitik, die den Bau neuer Gebäude und die Renovierung anderer bereits bestehender Gebäude förderte.

Das Interesse für das Heilige Land (Jerusalem, Bethlehem usw.), in dem Jesus Christus gelebt hatte, und für Zentren, die die Reliquien der wertvollsten Heiligen besaßen (insbesondere Rom und Santiago de Compostela), führte zur Entwicklung einer Reihe von Kommunikationswege für Pilgerfahrten, die zur Internationalisierung der Kunst beitrugen. Die Verbreitung von Wissen führte dazu, dass im Westen der Einfluss der byzantinischen Kunst sowohl in Form von Gemälden als auch von Skulpturen eintraf. Die Kreuzzüge, christliche Expeditionen zur Befreiung des Heiligen Landes von den Muslimen, die Ende des 11. Jahrhunderts begannen, begünstigten auch die Intensivierung der Kontakte. Das Verhältnis zur islamischen Welt brachte auch eine große Bereicherung im kulturellen und künstlerischen Bereich mit sich.

Die Veranstalter und die Künstler
Die Initiative der Bauarbeiten wurde hauptsächlich von den Grafen und kirchlichen Behörden sowie dem Adel durchgeführt, die sie größtenteils durch Spenden finanzierten. Ein gutes Beispiel hierfür sind die Gemälde der Apsis aus der Kirche des Klosters Santa Maria del Burgal, in denen neben den biblischen Figuren der Promoter und die Familie des Grafen dargestellt sind: die Gräfin Llúcia, Ehefrau des Grafen Arnau I. von Pallars Sobirà. Sie erscheint mit einer Opferhaltung und sieht respektvoll aus, entsprechend dem feierlichen Moment des Opfers.

Das monumentale Portal von Ripoll ist ein weiteres gutes Beispiel für die Bedeutung der Promotoren. Sein umfangreiches skulpturales Programm kann einen Sinn haben, der über das streng religiöse hinausgeht und die Weihe der Kirche durch den Abt Oliba im Jahr 1032 hervorruft, der ein Unternehmer mit bedeutenden Bautätigkeiten war, was sich in der Bedeutung von Ripoll als Klosterzentrum der Internationale zeigt Relevanz.

Der Architekt oder der Baumeister arbeitete zusammen mit den Werkstätten oder Bildhauern und Malern auf Initiative des Projektträgers und nach einem festgelegten Programm, indem er ihre Fähigkeit zur Durchführung des Projekts und ihre technische Meisterschaft einbrachte. Die Künstler arbeiteten nach etablierten Vorbildern, obwohl es auch notwendig war, einige kreative Grenzen zu akzeptieren. Darüber hinaus ist bekannt, dass einige von ihnen in die Gemeinden integriert wurden. Anders als in jüngerer Zeit ist es einfacher, die Namen der Veranstalter und nicht die der Künstler zu kennen, eine Situation, die sich bis zur gotischen Kunst nicht ändern würde.

Einer der wenigen, deren Namen wir in Katalonien kennen, war der Bildhauer Arnau Cadell, der sich durch die Gestaltung einer Hauptstadt im Kreuzgang von Sant Cugat del Vallès darstellte. Später, bis weit ins 13. Jahrhundert hinein, enthält die Aragon-Front von Gia eine Inschrift mit dem Namen des Autors Joan, eine Geste, die als Zeichen der Selbstbestätigung und des Stolzes interpretiert werden muss.

Kunsthistoriker verwenden den Begriff Meister, um den Autor eines Werks oder einer Reihe von Werken zu bezeichnen, die stilistisch verwandt sind. Die Art der Arbeiten selbst bestimmte, dass die Architekten, Steinbildhauer und Wandmaler herumreisen mussten, von einem Ort zum anderen arbeiteten und sich um die Aufträge kümmerten, die sie erhielten. Es gab aber auch stabile Werkstätten, wie es aus der Herstellung von Emails aus Limoges bekannt ist.

Diese Ateliers, Werkstätten und wandernden Künstlergruppen befanden sich in der Nähe der wichtigsten Sitze der Diözesen und der großen Abteien, die ihre Hauptkunden waren. Wir wissen fast nichts über die Werkstätten, die in der romanischen Zeit in Katalonien gearbeitet haben. Nur und als Hypothese wird von einem Workshop gesprochen, der auf stilistischen Affinitäten oder Techniken in verschiedenen Werken basiert. In Katalonien war von angeblichen Werkstätten wie denen von Ripoll, dem Seu d’Urgell, Vic oder Girona die Rede.

Romanische Kunst in Katalonien und ihre Beziehung zur europäischen Kunst
In den katalanischen Grafschaften manifestierte sich die romanische Kunst ab dem Beginn des 11. Jahrhunderts und dauerte bis weit ins 13. Jahrhundert. In der Architektur und in der Kunst gehörten sie zu den wichtigsten europäischen Zentren, insbesondere zu denen Italiens und des Languedoc, so dass die äußeren Einflüsse für die aufeinanderfolgenden Transformationen bestimmend waren.

Zu Beginn spiegelten die wichtigsten künstlerischen Zentren die Kontinuität in Bezug auf das 10. Jahrhundert wider, die von der karolingischen Tradition geprägt war, wie in der Kirche des Klosters Sant Pere de Rodes zu sehen ist. Während des größten Teils des 11. Jahrhunderts präsentierte die Architektur Lösungen aus dem Ende der Antike und aus Italien, die auch in weiten Teilen des westlichen Mittelmeers verwendet wurden. Das wichtigste Beispiel unter den Konservierten ist das von Sant Vicenç de Cardona. Und man darf die Illustration von Manuskripten wie denen des Klosters Ripoll nicht vergessen.

Das Gemälde, insbesondere um 1100, zeigte verschiedene Tendenzen, von denen einige durch italienische Einflüsse gekennzeichnet waren und andere enger mit den französischen Kunstzentren verbunden waren. In diesen Augenblicken arbeitete ein außergewöhnlicher Maler in Sant Climent de Taüll, der 1123 geweihten Kirche.

Der Beitrag von Bewegungen und Werkstätten aus dem Ausland wäre eine Konstante, die die architektonischen und künstlerischen Veränderungen auch zwischen der zweiten Hälfte des 12. Jahrhunderts und um 1200 nähren würde. Die Einflüsse, die aus Toulouse im Languedoc kamen, wären die bedeutendste Grundlage der Skulptur aus Mitte des 12. Jahrhunderts. Um 1200 war eine tiefgreifende Renovierung, die eindeutig von der Aristokratie und den Gerichten gefördert wurde, die Einbeziehung byzantinischer Tendenzen in Katalonien. In einigen Fällen spiegelten die Manifestationen die neuesten Trends der Zeit wider, die zu einem späteren Zeitpunkt zur Gotik führen würden.

Die Romanik im Kontext: wo, wann und wie
Der Begriff Romanik wurde im 19. Jahrhundert verwendet, um einige künstlerische Bewegungen zu bezeichnen, die seit der Antike der römischen Kunst verpflichtet waren, insbesondere in Bezug auf die Architektur. Seitdem wurde dieses Wort angewendet, aber es sollte berücksichtigt werden, dass die Kunst, die im Herzen des Mittelalters, im Wesentlichen im 11. und 12. Jahrhundert, entwickelt wurde, eine Vielzahl von Tendenzen aufwies.

Zu Beginn war es mit der karolingischen Welt (von den letzten Jahrzehnten des 8. bis zum 9. Jahrhundert) und mit der ottonischen Welt (von der Mitte des 10. Jahrhunderts bis zum ersten Drittel des 13. Jahrhunderts) verbunden Ende koexistierte es mit den ersten Manifestationen der gotischen Kunst, die ungefähr ab 1140 entstanden.

Geografisch macht es einen sehr wichtigen Teil Europas aus, insbesondere den Süden und Westen, von Skandinavien bis zum Mittelmeer, obwohl es auch im Heiligen Land eingeführt wurde. Die Romanik ist die erste westliche mittelalterliche Kunst, die Homogenität und Internationalisierung erreicht hat, obwohl sie zahlreiche regionale Unterschiede aufweist.

Die symbolische Komponente
Die romanische Kunst ist durch Symbolik gekennzeichnet, so dass die Episoden und Charaktere mehr nach ihrem symbolischen Wert als nach ihrer Erzählung interpretiert werden sollten. Das thematische Repertoire basiert im Wesentlichen auf der Bibel und dem Leben der Heiligen.

Die ausgewählten Themen und ihre Position innerhalb der Kirche entsprechen verschiedenen Zielen. Zuallererst ein didaktischer Sinn mit Blick auf die Gläubigen, denen es notwendig war, die wesentlichen Aspekte der Religion zu veranschaulichen: Die Bilder sind die Bibel des Analphabeten. Oft erscheinen die Themen als Warnung vor den Gefahren des Sündenfalls oder als Bild des Kampfes zwischen Gut und Böse. Anbetung und Liturgie beeinflussen auch die Organisation der Themen, da sie die Zeremonien und Ereignisse widerspiegeln, die innerhalb oder außerhalb der Kirchen stattfinden können. In einigen Fällen kann auch ein politischer Sinn beobachtet werden, der als Hinweis auf Machtdemonstration oder als Hinweis auf die Herrscher verstanden wird.

Hinter der unmittelbarsten Symbolik der Szenen stehen jedoch auch andere Interpretationsebenen, die für die Zuschauer nicht immer erreichbar waren. Einige Themen sind schwer zu interpretieren oder erscheinen in Punkten, die weit vom Auge des Zuschauers entfernt sind.

Die Technik der Wandmalerei. Abbau, Übergabe und Ankunft im Museum
Der wichtigste Teil der Sammlung von Wandmalereien des Museums wurde in einer zwischen 1919 und 1923 durchgeführten Operation zusammengetragen. Es wurde festgestellt, dass die romanischen Gemälde der Kirche Santa Maria de Mur im Pallars Jussà gewesen waren verkauft und von der Wand entfernt. Es wurde daher angenommen, dass der Rest der katalanischen romanischen Wandmalerei gefährdet war. Das entscheidende Vorgehen des Museumsrates und des damaligen Museumsdirektors Joaquim Folch i Torres drehte die Situation um. Zwischen Herbst 1919 und 1923 wurden die Gemälde erworben, von ihrer ursprünglichen Stütze, den Wänden der Kirchen, entfernt und nach Barcelona gebracht, wo sie an einer anderen Stütze befestigt und für die Ausstellung im Museum vorbereitet wurden .

Fast alle romanischen Wandmalereien des Museums wurden mit der Strappo-Technik von den Wänden entfernt, dh nur die Bildschicht wird extrahiert, wobei die Gipsbeschichtung auf der Originalwand verbleibt.

Beim technischen Bemalen einer Wand im Freien werden die Pigmente auf einer noch feuchten Mörtelschicht auf die Wand aufgetragen. Wenn der Mörtel trocknet, kristallisieren die Pigmente zusammen mit dem Mörtel selbst.

In Katalonien waren die in der Romanik am häufigsten verwendeten Pigmente natürliche Erden aus den Pyrenäen: Hämatite für Rot oder Aerinit für Blau. In Ausnahmefällen wurden importierte verwendet, wie Lapislazuli oder Azurit für Blau.

Nationales Kunstmuseum von Katalonien
Das National Art Museum of Catalonia, auch bekannt unter dem Akronym MNAC, ist ein Kunstmuseum in der Stadt Barcelona, ​​das alle Künste zusammenbringt, deren Aufgabe es ist, die Sammlung der wichtigsten katalanischen Kunstwelt zu bewahren und auszustellen und alles zu zeigen von der Romanik bis zur Gegenwart. Ihr derzeitiger Direktor ist Josep Serra.

Das MNAC ist ein Konsortium mit eigener Rechtspersönlichkeit, das sich aus der Generalitat de Catalunya, dem Stadtrat von Barcelona und der General State Administration zusammensetzt. Neben den öffentlichen Verwaltungen sind Einzelpersonen und private Einrichtungen, die mit der Verwaltung zusammenarbeiten, im Kuratorium des Museums vertreten.

Der Hauptsitz befindet sich im Nationalpalast von Montjuïc, der 1929 anlässlich der Internationalen Ausstellung eröffnet wurde. Drei weitere Institutionen sind ebenfalls Teil des gesamten Museums: die Víctor Balaguer Museumsbibliothek in Vilanova i la Geltrú, das Garrotxa Museum in Olot und das Cau Ferrat Museum in Sitges, deren Verwaltung unabhängig ist und deren Eigentümer die jeweiligen Räte sind .